Cartel

miércoles, 31 de diciembre de 2008



Edward Lodewijk Van Halen, (nacido el 26 de enero de 1955 en Amsterdam, Países Bajos) es el guitarrista y pianista fundador de la banda de rock Van Halen.
Ocupó la septuagésima posición entre los mejores guitarristas en una encuesta realizada entre los suscriptores de Rolling Stone[cita requerida].
Los hermanos Van Halen, Eddie y Alex, nacieron en Holanda y en el año 1967 se trasladaron a California. Ahí, su padre, un músico de Jazz, de nombre Jan Van Halen, los incentivó a que fueran músicos y fueron, durante muchos años, concertistas de piano. Sin embargo al crecer fueron cautivados por el Rock lo que los llevó a aprender a tocar nuevos instrumentos. Al principio, Ed tocaba la batería y Alex la guitarra, sin embargo Eddie, aprovechando que Alex salía constantemente a fiestas, agarraba su guitarra y la tocaba desde muy temprano hasta la madrugada, Alex cuando llegaba de las fiestas, sentado al pie de su cama, tocando casi 8 horas diarias. Al ver Alex la destreza de Eddie, pasó a sentarse en la batería.
Empezaron a tocar en 1972 en reuniones familiares y en la escuela, donde Eddie parecía inspirarse por guitarristas como Eric Clapton, Brian May y Jimmy Page.
Después conocieron a DLR (David Lee Roth), quien cantaba en The Red Balls Jet y que impuso fuerza al grupo.
En la escuela secundaria estaba Michael Anthony quien dijo: "todos en la escuela tocan guitarra o batería, así que yo tocaré el bajo", y le quitó dos cuerdas a su guitarra. Estos cuatro personajes formaron Mammoth en 1973 y se cambiaron el nombre a Van Halen, desechando la idea de Rat Salad, en 1974.
Empezaron a tocar en clubes nocturnos durante tres años y, un día, Gene Simmons (Bajista de KISS), les financió unas grabaciones de demos para el sello Warner, quienes en un principio no los aceptaron, y luego hicieron toda su discografía.
El álbum debut fue homónimo (Van Halen) y tuvo grandes éxitos tales como: "Runnin´ with the Devil", "Eruption", "You Really Got Me", "Ain't Talkin 'bout Love", "Atomic Punk" y "Jamie's Cryin", alrededor de 1978.
Al año siguiente, le propusieron hacer la segunda parte de este álbum (Van Halen II), en el cual se incluyeron éxitos tales como: "Dance the Night Away", "You're No Good", etc. Eso fue en el año 1979.
En 1980, salió el tercer disco de la banda, llamado "Women And Children First", que no tuvo muchos singles de exitosos, pero como álbum, llegó muy arriba en Billboard.
Dos años más tarde salió el disco "Diver down", el cual recorrió los lugares más altos de Billboard y tenía los siguientes éxitos: "(Oh) Pretty Woman", "Cathedral", "Big Bad Bill (Is Sweet William Now"), etc.
Después de un año, 1983, salió "Fair warning", el cuál contenía uno de los éxitos más grandes de la banda, "Unchained".
Después en el año 1984, salió el disco del mismo nombre (1984) que fue el punto cúlmine de la Era de DLR. El primer single, Jump, sacó del nro.1 de Billboard a Thriller de Michael Jackson, y éste, admirado por la calidad de Eddie, Le pidió la colaboración en uno de sus temas, Beat It. Esto molestó mucho a DLR, que para vengarse grabó su propio disco en solitario sin avisar a los otros miembros de la banda. DLR dijo que preferiría seguir con su carrera de solista para ganar más dinero y, por este comentario fue expulsado del grupo.
Cuando Van Halen estaba buscando a alguien que pusiera la voz por el grupo, Eddie fue al garaje y había un auto muy lujoso. Éste, extrañado preguntó quién era el dueño y el propietario del garaje le dijo: "es de un tal Sammy Haggar. ¡Hey!, lo deberías tener en tu banda." y Ed le pidió su número. Se juntaron los tres con el nuevo cantante y empezaron a tocar.
Sammy era un cantante que con su primer disco con "mini-éxitos" había ganado algo de dinero. Entre sus cualidades estaba la de tener una voz muy aguda y saber tocar guitarra, algo que DLR nuncá trató de hacer.
Sammy empezó a improvisar letras y de esa forma salieron varias canciones. Así, Sammy fue el nuevo vocalista de Van Halen y principal figura de 5150, álbum clásico para los seguidores de Van Halen. Éste tuvo grandes éxitos como: "Why Can't This Be Love", "Dreams", "Love Walks In" y "Best Of Both Worlds".
Dos años después, en 1988 salió "OU812", discó que empezó a bajar la clásica dureza del estilo que cultivaba Van Halen. De allí, hubo varios singles exitosos, tales como: "When It's Love", "Finish What Ya Started", "Feels So Good", "Cabo Wabo", etc.
Después de dos años de giras y uno de trabajo, salió al mercado For Unlawful Carnal Knowledge, más conocido como F.U.C.K., que fue el punto más alto de la popularidad de Van Halen. Hubo un trabajo promocional de este disco tan grande que llegaron hasta Japón, Holanda y Argentina. Cubriendo distintas partes del globo.
Fue tan bueno el material que se obtuvo durante esas giras, que se grabó un disco en vivo llamado: Van Halen LIVE: Right here, Right Now. En él se encuentra casi todo el disco F.U.C.K, éxitos de discos anteriores, un solo de cada un de los miembros de la banda y tres canciones inéditas: "One Way To Rock", "Give To Live" (Sammy Solo) y "Won't Get Fooled Again".
Después de estos años de gira, en 1995 salió Balance. En este disco se encuentran los éxitos: "Can't Stop Lovin' You", "Don't Tell Me" (What love Can Do), "Not Enough", etc. Después, Eddie tuvo problemas con el alcohol y Sammy generó un a polémica por la canción Amsterdam, que hace mención que allí las drogas son legales. Eddie y Sammy generaron una polémica cuando Ed mencionó la idea de hacer una recopilación de los grandes éxitos de la banda.
Eddie Van Halen es considerado uno de los mayores virtuosos de la guitarra en la historia del rock, A él se le debe el desarrollo y popularización de la técnica del tapping, tan utilizada ahora por guitarristas de todos los estilos.
Eddie utiliza guitarras de muchas marcas distintas como Gibson, Fender, Kramer o Steinberger, aunque es un gran fanático de la personalización de sus guitarras. En los últimos años utilizó un modelo que Peavey fabricaba para él (la famosa Peavey Wolfgang), en 2005 la marca Charvel, hizo una serie que imita las guitarras de Eddie de los años 80, En 2007 sale a la venta una replica de la guitarra Frankenstrat con la marca EVH Gear fabricada por Fender.
Además, contribuyó enormemente al desarrollo del sistema Floyd Rose para la afinación de la guitarra, e incluso patentó su propio dispositivo llamado “D-tuner”, que permite desafinar la 6ta cuerda de la guitarra (E) a D y viceversa en un solo movimiento.


Jerry Miller (nacido el 10 de julio de 1943 en Tacoma, Washington) es un cantautor, guitarrista y vocalista. Actúa como solista y como miembro de la Jerry Miller Band. También es miembro fundador de la década de 1960 la banda de San Francisco Moby de uva, que sigue llevando a cabo de vez en cuando.
Jerry Miller, de la carrera profesional comenzó a finales de 1950, tocando y grabando con el noroeste de la danza popular-bandas de rock como The Elegants. Contribuyó a la guitarra una primera versión de la popular registro contra mi por la Ley El Bobby Fuller Four, y gira con Bobby Fuller en el grupo a su predecesor El Bobby Fuller Four.
Si bien ambos estaban jugando a nivel local en Seattle, antes de ser famosa internacionalmente, Jerry Miller, amigo de Jimi Hendrix. Junto con Larry Coryell, que está desarrollando su reputación como guitarrista mientras asistía a la Universidad de Washington en Seattle, que periódicamente se reúnen para ver bandas de turismo que visita la zona de Seattle. Un club español fue el Castillo, en Des Moines, Washington, entre Seattle y Tacoma. La canción más tarde Hendrix, español castillo mágico, se basa en sus experiencias con otros guitarristas en el Castillo de español en Des Moines.
Antes de co-fundador de uva Moby, Miller y Don Stevenson banda eran miembros de la Frantics, una barra de banda Noroeste Pacífico, con sede en Seattle. La banda se trasladó a San Francisco y, con la adición de Bob Mosley, formaron el núcleo de lo que se convertiría en Moby uva. Moby uva se formó en San Francisco en 1966. Jerry Miller fue el principal guitarrista de la banda de tres guitarras. Las uvas firmó con Columbia y grabó cuatro álbumes para que la etiqueta, publicado entre 1967 y 1969. Durante este período, Miller co-escribió (con Don Stevenson) tres de Moby Uva de las canciones más conocidas, "Hola abuela" y "8,05", ambos de la primera auto-titulado Moby Uva álbum (1967) y "Asesinato en mi corazón para El Juez ", a partir de la ululación álbum (1968). Esta última canción fue cubierto por las dos Three Dog Night y Lee Michaels, mientras que Robert Plant cubiertos "8:05" El movimiento y cubiertos "Hola abuela". Más recientemente, "Hola abuela "fue incluido en la banda sonora de 2005 a Sean Penn-película de Nicole Kidman, La Intérprete.
Moby Uva recorrió los EE.UU. y Europa, pero se vino abajo a partir de 1970. Los miembros se reagruparon para un álbum en Reprise Records en 1971 y desempeñó intermitente registrada y posteriormente, en diversas configuraciones. Moby uva sigue llevando a cabo de vez en cuando hoy en día.
A finales del verano de 1969, posterior a la liberación de verdad Bellas Ciudadana, Moby Uva del último álbum para Columbia, Jerry Miller y Don Stevenson se unió con John Barrett (bajo) y John "Fuzzy" Oxendine (batería) para formar El Ritmo duques. Don Stevenson tocaba la guitarra, en lugar de tambores. Se especuló que dejó la banda poco después de su formación por esta razón, prefería seguir siendo un baterista. La banda se unieron a la iniciativa de Jerry Miller, en un momento en que el futuro de Moby de uva era incierto. La banda vivieron juntos en Santa Cruz, y se sumaron más tarde por Bill Champlin en coros y órgano. Champlin, junto con Miller, se convirtió en el principal grupo de cantautores. Al Ritmo duques compartido escenario con artistas como Albert Collins, Lee Michaels, The Flying Burrito Hermanos, Canned Heat, The Grateful Dead y la Madre y el gato All Night Newsboys, generalmente se cobran por segundo. Grabaron un álbum en 1970, que vio la liberación en 2005 como Flashback, con tres canciones Jerry Miller.
Jerry Miller pasó a compartir el escenario con muchos grandes musicales - Jimi Hendrix, Eric Clapton, BB King, y The Doors. Sus admiradores son Jimmy Page, Stephen Stills, David Crosby, Taj Mahal, David Fricke, Eric Clapton, y Robert Plant. Eric Clapton llamado Jerry "el mejor guitarrista del mundo" cuando llegó por primera vez a los EE.UU. Robert Plant Jerry cita como una influencia importante para Led Zeppelin - la banda incluso desempeñado Moby Uva canciones en su primer ensayo. Led Zeppelin y los Grateful Dead son sólo dos de las famosas bandas que han cubierto Jerry Miller canciones en vivo y en acta.
Él es # 68 en la Rolling Stone de la lista 2003 de las 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos, por delante de Eddie Van Halen (# 70), Johnny Winter (# 74), Robbie Robertson (# 78), David Gilmour (# 82), Neil Pareja (# 83), Robbie Krieger (# 91), Angus Young (# 96) y Leigh Stephens (# 98). En estas circunstancias clasificado, que se describe como sigue: "Su juego nunca fue auto-indulgente, y sus solos fue de propulsión, siempre conscientes de que la canción fue dirigido". "Hola abuela", de Moby Uva del primer álbum, se cita como un elemento esencial de grabación de Jerry Miller.
Desde 1995, Jerry Miller, se ha basado en Tacoma, Washington, que viven a pocas cuadras de su infancia. En la actualidad los frentes El Jerry Miller Band, con Tom Murphy en la batería y Kim laboral en el bajo, entre otros músicos. En julio de 2007, Jerry Miller Band realizado en Monterrey para el 40 aniversario del Monterey Pop.
En julio de 2008, Jerry Miller participó en un beneficio para recaudar fondos para la atención médica para Rick Burton, con el bajista Jerry Miller Band y un amigo personal cercano, cuyos días de jugar con Jerry regresaron más de cuarenta años. Que había estado en La Elegants juntos. En la década de 1990 y principios de 2000, Burton había estado en otra banda de frente por Jerry Miller, DiaBando. También ha contribuido al beneficio de 2005, cuando el propio Miller estaba en la necesidad de financiar la asistencia a Jerry A. Miller Fundación para la Promoción de las Artes, con el objetivo de la utilización de locales para ofrecer a la práctica y la enseñanza un espacio para músicos locales. En el otoño de 2007, los 60 años de edad, Burton ha sido asaltado y gravemente herido en lo que fue considerado como un azar, orientado a atacar las pandillas, donde los responsables aún no han sido encontrados. El beneficio, "Ninguno de daños" se destina también a aumentar la concienciación sobre la violencia en Tacoma.
A pesar de los continuos para escribir nuevas canciones, Miller, no ha lanzado un álbum de material original desde 1998. Además, similar a la uva Moby bandmates Bob Mosley y Peter Lewis, su trabajo en solitario todavía no ha sido objeto de amplia base nacional o mundial de la distribución


Fred Lincoln "Enlace" Jr Wray (2 de mayo de 1929 - 5 de noviembre de 2005) fue una de rock and roll guitarrista, compositor y cantante ocasional.
Wray se observó para el pionero de un nuevo sonido de las guitarras eléctricas, como lo demuestra su éxito en 1958 instrumental "Rumble", de Link Wray y sus hombres Ray, que fue pionera en un saturado, distorsionado guitarra eléctrica de sonido, y también por haber "inventado el poder acorde, los principales modus operandi del guitarrista rock moderno y, al hacerlo, la paternidad, "o hacer posible", punk y rock duro ".
Wray nació en Dunn, Carolina del Norte a Lillie M. Norris y Frederick ( "Fred") Lincoln Wray. Fue allí donde escuché por primera diapositiva Enlace guitarra a la edad de ocho de un trabajador que viaja de carnaval, un hombre negro llamado "Hambone ". Link y su familia más tarde se trasladó a Norfolk, Virginia, como su padre se trabajo en los astilleros de la Armada. Enlace sirve un tirón en el Ejército de los EE.UU. y es un Veterano de la Guerra de Corea. En 1956, su familia más tarde se trasladó a Washington, DC, y desde allí, se trasladaron a una finca en Accokeek, Maryland. Enlace se trasladó a Arizona con su hermano Vernon, en el decenio de 1970, y más tarde se trasladó a San Francisco a mediados del decenio de 1970.
Wray fue un veterano de la guerra de Corea, donde contrajo la tuberculosis que finalmente le costaron un pulmón. Su médico le dijo que nunca cantan de nuevo. Enlace a fin de concentrarse en su trabajo de guitarra pesados. A pesar de ello, en su número de vocales que rara muestra una voz fuerte y una gama equivalente a Clarence "Frogman" Henry.
Después de la aprobación de la gestión del Ejército, Wray y sus hermanos Doug y Vernon Wray, con los amigos Shorty Horton y Dixie Neale, formado suerte Wray y el perezoso Wranglers Pino, más tarde conocido como la suerte y el Wray Palomino Ranch manos. Que ha venido desempeñando la música country y swing Occidental durante varios años cuando tuvo una actuación como la banda de la casa en el programa de televisión diario vivir Milt Grant House Party, una versión de Washington, DC American Bandstand. La banda hizo sus primeras grabaciones en 1956, como la suerte y el Wray Palomino Ranch manos para Starday Records.
Para el programa de televisión, también respaldado muchos artistas intérpretes o ejecutantes, de Fats Domino a Ricky Nelson. En 1958, en un concierto en vivo de la DC basada en "Milt Grant House Party" (la versión regional de "American Bandstand") en Fredericksburg, VA, intentando - a instancias de la multitud local - para comenzar a cubrir sonido similar a los diamantes' hit, "El paseo", que surgió con la majestuosa, de gran alcance 12-bar blues instrumental "Rumble", que originalmente llamado "Oddball". La canción fue un éxito instantáneo con la audiencia en vivo, que demandó cuatro repite esa noche. Finalmente la canción llegó a la atención del productor de Archie Bleyer Cadencia Records, que odiaba, sobre todo después de Wray Palpó agujeros en su amplificador de oradores para hacer la grabación de sonido más parecido a la versión en vivo (ver "Rocket 88" de Ike Turner de la historia similar ). Sin embargo, la hijastra Bleyer encanto y fue puesto en libertad a pesar de su protesta. Ella fue quien propuso cambiar el nombre de la canción "Rumble", porque le recordaba a West Side Story. Rumble es una jerga para "luchar contra las pandillas".
El amenazante sonido de "Rumble" (y su nombre) se llevó a la prohibición de varias estaciones de radio, una rara proeza para una canción sin letra, sobre la base de que la delincuencia juvenil glorificado. Sin embargo, se convirtió en un gran éxito, no sólo en los Estados Unidos, pero también Gran Bretaña, donde ha sido citado como una influencia en The Kinks y The Who, entre otros. Pete Townshend declaró en notas sin publicar para el 1970 regreso álbum, "Él es el rey, si no hubiera sido por Link Wray y 'Rumble', yo nunca habría recogido una guitarra". En otras notas en 1974, Townshend ha dicho, de "Rumble": "Recuerdo haber estado muy difícil la primera vez que me escuchó, y aún emocionado por la guitarra suena salvaje". Durante los primeros años 60 se unió a John Van Horn y el Enlace Raymen, y continuó a través del seguimiento en los años 60 hasta finales de Enlace, cuando dejó de jugar, a salir y regresar a la granja. Se cree que Link Blanco 58 Supro se pone entonces en el cuidado de la familia Van Horn, y luego vendidos en una subasta privada por John Van Horn, Jr., quien desempeñó John Van Horn en el último álbum, que fue motivada por Mick Fleetwood, y, de hecho, el respaldo de Late Night de la batería Anton Fig.. Véase John (Jack) Van Horn para más detalles. Sobre esta última, John Van Horn álbum, John jugado los 58 Supro, y plantea de una forma similar a la original de Enlace de promoción comunicado de prensa.
Jeff Beck, Jimmy Page, Jimi Hendrix, Marc Bolan, Neil Young y Bob Dylan han citado como una influencia Wray. De 1980 Adán y las Hormigas canción "Asesino en el Hogar" (de sus reyes de la frontera salvaje álbum) se basa en el mismo siniestro, descendiendo tres acordes glissando riff que se presenta en "Rumble" (hormigas' guitarrista Marco Pirroni, un ávido fanático Wray, ha descrito la canción como "Link Wray reúne Coronel Kurtz" - siendo este último una referencia a Apocalypse Now). Mark E. Smith de la caída de la línea cantó "Yo solía tener esta cosa acerca de Link Wray, solía jugar él todos los sábados, Dios bendiga a sábado" en la canción "vecindad del infinito" en el álbum por Perverted Idioma.
Link Wray fue nombrado como uno de los cien mejores guitarristas de todos los tiempos por la revista Rolling Stone, pero aún no se ha incluido en el Rock and Roll Hall of Fame. Él es, sin embargo, un miembro del Salón de la Fama del Rockabilly.
La banda tuvo varios más difícil balanceo instrumental éxitos a finales de los años 1950 y principios de 1960, incluyendo "Rawhide", "Ace of Spades" y "Jack el Destripador", este último el nombre de una "sucia boogie" baile popular en Baltimore en el tiempo. La sucia boogie danza fue una de las varias funciones de danza crazes en 1988 la película Hairspray.
Después de su primer éxito, la carrera de Wray había períodos de jubilación seguido por la renovación de popularidad, especialmente en Europa. Él gira y grabó dos álbumes con retro-rockabilly Robert Gordon artista en la década de 1970. El decenio de 1980 hasta el día de hoy se produjo un gran número de reediciones, así como nuevo material. Inspirado por la utilización de sus canciones en diversos largometrajes, la de 1997 "Shadowman" álbum es generalmente considerado como el Rumble del hombre regresar a su raíces rock crudo. Respaldado por una banda consistente en holandés Eric Geevers en el bajo y Rob Louwers en la batería, Wray gira por Europa y Australia, además, documentada en un álbum en directo y DVD. Nuevo enlace de la última grabación de 2000 fue "alambre de púas", grabado de nuevo con su sección rítmica holandés. Fue generalmente acompañados de gira por su esposa Julia Oliva, y desde finales de los años noventa su "colorido" irlandés nacido carretera gerente John Tynan. Su banda de apoyo ordinario en los EE.UU. desde 1998 hasta 2003 se Atom Ellis y el bajista Danny Heifetz bateristas (Sr. Bungle, Dieselhed) y Dustin Donaldson (Soy Spoonbender, varios). En términos de historia musical, cabe señalar que uno de los miembros de su banda en los años 80, en la batería, fue la figura Anton (famoso como el baterista Paul Shaffer en el Letterman show para los últimos 26 años.) Él siguió viaje hasta cuatro meses antes de su muerte.
Su música ha aparecido en numerosas películas, incluyendo Pulp Fiction, Desperado, el Día de la Independencia, Doce Monos, El Chico de la Vida, Golpe, Johnny Suede, The Shadow, aliento, Roadracers, y Pink Flamingos, que se fija en Baltimore.
Shawnee parte india, Wray frecuentemente habla de su ascendencia en actuaciones y entrevistas. Tres de las canciones que realizaron los nombres de las tribus indias de América: "Shawnee", "Apache", y "Comanche". "Apache" era un instrumento compuesto por Jerry Lordan, que se convirtió en un éxito en el Reino Unido para las sombras en 1960. Wray registró una de las mejores portadas de la canción 30 años después, de alguna manera la búsqueda de una nueva vida en esta mítica, menor de clave, guitarra / tambor de diálogo que por entonces también se asoció con todos, desde El Increíble Ventures a la Bongo Band.
Se trasladó a Dinamarca en la década de 1980 después de la reunión y casarse con un estudiante danés, de oliva, que había sido el estudio de la cultura americana nativa. Vivió sus últimos años con un danés de oliva en la isla, viajar con frecuencia. Link Wray murió el 5 de noviembre de 2005 en su casa de Copenhague. Fue 76. Fue enterrado en el cementerio de la Iglesia Cristiana en el suburbio oriental de Christianshavn Copenhague el 18 de noviembre de 2005.
De acuerdo a una nota añadida por Deborah Wray en su Salón de la Fama del Rockabilly página, Link Wray se casó cuatro veces y es sobrevivido por nueve hijos: Fred Lincoln Wray III Enlace Elvis Wray, Shayne Wray, Elizabeth (Beth) Wray Webb, Mona Kay Wray Tidwell, Wray Bellinda Muth, Rhonda Wray Sayen, y Charlotte Vidrio Wray. Impresa y en línea obituarios han mencionado sólo la esposa y su hijo estaba viviendo con él en el momento de su muerte, de Oliva y Oliver Christian Wray.
Wray fue respaldada por los miembros de la banda de Seattle Jet City Corrección a la duración de su próximo viaje a la última. Su última gira fue muy reservado y dirigido por Marc Mencher de Acción Bolsas de Eventos. Enlace de la batería en esa gira fue Gary Weiss de la banda de rockabilly Vibro Campos y fue respaldada en el bajo de Kris Día actual bajista. Vibro Campos El sitio web también incluye fotos y video de Enlace de la última banda de gira.
Robert Ehrlich, el gobernador de Maryland, declaró a 15 de enero Día de Link Wray.
El 25 de marzo de 2006 Enlace fue honrado por "los primeros americanos en las Artes" con el tiempo de vida Achievement Award.


Vernon Reid (nacido el 22 de agosto de 1958) es un músico británico, guitarrista, conocido por ser fundador y líder de la banda Living Colour.
Nació en Londres, Inglaterra, pero desde su niñez vivió en Brooklyn, New York. Estudió guitarra con los jazzeros Rodney Jones y Ted Dunbar. Sus primeras grabaciones fueron con la banda del baterista y compositor de jazz Ronald Shannon Jackson, con en el que Reid colaboró en la década de 1980 antes de formar Living Colour. También trabajó con una amplia variedad de bandas y músicos experimentales como Defunkt, Public Enemy, Bill Frisell, John Zorn y Arto Lindsay, entre otros.
Fundó la Black Rock Coalition junto al periodista Greg Tate y al productor Konda Mason, a mediados de los 80, que buscaba igualdad de oportunidades para artistas afroamericanos marginados, promocionaba bandas de su seno, realizaba conciertos y firma de contratos discográficos para todo tipo de trabajos. Sin embargo, el concepto de raza negra de la B.R.C. cayó porque fueron tomando en sus filas a artistas latinos, orientales, mujeres, etc.
En 1984 formó la banda Living Colour con la que grabó tres larga duración y un EP, hasta la separación en 1995. En Living Colour logró prestigio y reconocimiento que lo llevó a colaborar con artistas como B.B. King, Carlos Santana, Mick Jagger, The Ramones, Rollins Band, Tracy Chapman y Jack Bruce, entre otros.
Los años posteriores a Living Colour comienza su etapa como solista. En 1995 lanzó su primer disco llamado Mistaken Identity. Entre sus múltiples proyectos forma Yohimbe Brothers, junto a DJ Logic, y edita dos placas (Front End Lifter y The Tao of Yo). También experimenta con un proyecto de rock, jazz, hip hop y electrónica llamado Vernon Reid & The Masque. En el 2001, se reúne con Living Colour y lanzó el disco CollideØscope, pero al mismo tiempo se mantiene trabajando con las otras bandas que formó.


Hubert Sumlin (nacido el 16 de noviembre de 1931) es un guitarrista y cantante de blues, más conocido por su célebre obra, desde 1955, como guitarrista de Howlin 'Wolf la banda. Su singular juego se caracteriza por "endemoniado, destrozando ráfagas de notas, repentina acantilado-percha silencios rítmicos suspensiones y audaz". Enumeradas en el Rolling Stone de las 100 mejores guitarristas de todos los tiempos. Sumlin sigue gira y el juego de guitarra de blues. Es citado como una influencia importante por muchos artistas, como Eric Clapton, Keith Richards, Stevie Ray Vaughan, Jimmy Page y Jimi Hendrix.
Nacido en Greenwood, Mississippi, Sumlin se suscitó en Hughes, Arkansas. Cuando tenía ocho años, obtuvo su primera guitarra. [2] Como un niño, se reunió por primera vez Sumlin Howlin 'Wolf (Chester Burnett) por furtivamente en una actuación. Cuando Burnett trasladado desde Memphis a Chicago en 1953, su largo tiempo guitarrista Willie Johnson optó por no unirse a él. A su llegada a Chicago, primera Wolf contratado guitarrista de Chicago Jody Williams, y en 1954, Wolf Sumlin invitó a trasladarse a Chicago a jugar la segunda guitarra en su banda con base en Chicago. Williams dejó la banda en 1955, dejando Sumlin en el principal guitarrista de la banda de Lobo, un cargo que ocupó casi continuamente (excepto por un breve periodo jugando con Muddy Waters c. 1956) para el resto de la carrera de Wolf. Tras la muerte de Wolf en 1976, continúa en la Sumlin con varios otros miembros de la tarde Burnett la banda bajo el nombre de "El Wolf Pack" hasta el c. 1980. Sumlin ha registrado también en su propio nombre, comenzando con una sesión grabada mientras gira por Europa con Burnett en 1964. Su último esfuerzo es con respecto a estas zapatillas, publicado en 2005 por el tono fresco Records. Se sometió a la cirugía de pulmón eliminación en 2004, pero se mantienen fuertes a partir de 2008.
Principios de influencias que afectan a Hubert Sumlin del estilo de juego a una edad temprana han sido citados por él, ya que, principalmente, Muddy Waters, Charley Patton, Robert Lockwood, Jr. y Robert Johnson.
Según una entrevista citada en la Segrest, James y Mark Hoffman. "Moanin 'a la medianoche, la vida y época de Aullantes' Wolf, Howlin Wolf Sumlin envió a un instructor de la guitarra clásica en el Conservatorio de Chicago.
A menudo se afirma que Sumlin se está jugando un importante catalizador para el boom del blues británico proporciona un enlace desde el blues acústico del delta del Mississippi, que era más accesible a los guitarristas eléctricos, como Clapton, Page, Richards y Beck. De hecho, a lo largo de la carrera de estos artistas, muchos Howlin 'Wolf canciones han sido cubiertos y la guitarra de líneas Sumlin imitado. Ejemplos de ello son las portadas de Clapton "Goin 'Up Lenta", The Rolling Stones "versión de" Little Red Rooster ", The Yardbirds" versión de "chimenea Lightnin'" y "La Canción de limón", de Led Zeppelin (que es una revisión de " Piso matar ")


Mick Ronson (26 de mayo de 1946 - 29 de abril de 1993) fue un Inglés guitarrista, compositor, multi-instrumentista, arreglador y productor. Él es más conocido por su trabajo con David Bowie de 1970 a 1973, de glam rock de Bowie del período, incluidos los que forman parte de Ziggy Stardust Arañas de Marte de la banda.
También tuvo una carrera en solitario, el ejemplo más notable de las cuales fue la Masacre de su álbum El 10 Avenida, que alcanzó el n º 9 en Reino Unido álbum gráficos. Ronson también guested en diferentes bandas de prensa después de su época con Bowie. Fue nombrado el 64 º más grande guitarrista de todos los tiempos de Rolling Stone.
Michael Ronson nació en Beverley Road, Hull, East Riding de Yorkshire en 1946, y luego se trasladó a vivir en Greatfield, Hull. Como un niño que tocaba el piano, grabadora, violín y armonio. Inicialmente quería ser violonchelista, se trasladó a la guitarra, pero cuando él consiguió enganchado Duane Eddy y El Yardbirds. Se incorporó a su primera banda, Los Marinos, en noviembre de 1963 a la edad de 17. Su debut con la etapa de marinos fue en apoyo de la banda en Hato Keith Elloughton Village Hall, un concierto para el que la banda viajó 35 millas y se paga un 10 chelines (50p). Ronson, mientras estaba trabajando con los navegantes, otro grupo local Hull - El Crestas - contratado él en el consejo de El marinos bajista Johnny Griffin. Con Ronson a bordo de la Crestas adquirido una sólida reputación, haciendo apariciones regulares en salas locales: de lunes a Halfway House en Hull, jueves en el barco hotel, el viernes a las Regal Ballroom en Beverley, y los domingos en el duque de Cumberland en North Ferriby .
En 1965, la izquierda Ronson Crestas a probar suerte en Londres. Él tomó un trabajo a tiempo parcial como mecánico y antes de tiempo, él se asoció con un grupo llamado La Voz, en sustitución de Miller Anderson. Poco después, Crestas' baterista Dave Bradfield hizo el viaje a Londres cuando la voz del baterista de la izquierda. Después de jugar unos pocos fechas con el grupo, y Ronson Bradfield de regresar de un fin de semana en Hull para encontrar sus aparejos apilados en su piso y una nota explicando que el resto del grupo se había ido a las Bahamas. Ronson se quedó en Londres y se asoció brevemente con un grupo llamado El alma busca, antes de eventualmente regresar a Hull.
En 1966, se unió a Mick Ronson Hull principales locales de la banda, las ratas, que une cantante Benny Marshall, el bajista Jeff Appleby, y el batería Jim Simpson (que posteriormente fue sustituido por Clive John Taylor, y luego de Cambridge). El grupo tocaba el circuito local, y también hizo algunos viajes infructuosos a Londres y París.
Las Ratas en 1967 registró una pista de despegue psicodélico, "La subida y la caída de Bernie Gripplestone" en Fairview Studios en Hull, y se pueden escuchar en la habitación 2008 del Frente de liberación de máster - Fairview Estudios 1966-1973 (Frente habitación master). 1968 vio la banda cambio su nombre brevemente a melaza y otra sesión de grabación de libros en Fairview Studios en 1969, antes de volver a su nombre original. Alrededor de este tiempo, Ronson fue recomendado por Rick Kemp a tocar la guitarra de Michael Chapman's plenamente cualificado Sobrevivientes LP.
Cuando John Cambridge Ratas La izquierda a unirse a su antigua banda Mick Wayne Hullabaloos en Junior de Ojos, que fue sustituido por Mick "Woody" Woodmansey. En noviembre de 1969, la banda grabó un último período de sesiones en Fairview, grabación "Teléfono Blues" y "a principios de la primavera".
En marzo de 1970, durante las sesiones de grabación para el álbum de Elton John Tumbleweed conexión, Mick Ronson tocaba la guitarra en la pista "loco a través del agua". Sin embargo la canción no se incluyó en la versión original. La grabación con Ronson sólo vio la luz en 1995 la reedición de Tumbleweed conexión
A principios de 1970, John Cambridge volvió a Hull en busca de Mick Ronson, la intención de contratar al agente a una nueva banda de David Bowie apoyo llamado The Hype. Encontró un marcado Ronson rugby, una de sus funciones como un Departamento de Parques de jardinero para el Ayuntamiento de Hull. Habiendo fracasado en sus intentos anteriores en Londres, Ronson era reacio, pero finalmente aceptó acompañar a Cambridge para una reunión con David Bowie. Dos días después, el 5 de febrero, Ronson hizo su debut con Bowie John Peel en la BBC Radio 1 nacional Mostrar Domingo.
El Hype jugó su primer concierto en el Roundhouse, el 22 de febrero con un line up que incluyó Bowie, Ronson, Cambridge, y el productor / bajista Tony Visconti. El grupo vestidos con trajes de superhéroes, con Bowie como Rainbowman, como Visconti Hypeman, como Gangsterman Ronson, y Cambridge como Cowboyman. Este desempeño fue filmado y grabado y actualmente se encuentra en las bóvedas de propiedad de MainMan. También en el proyecto de ley de ese día se Bachdenkel, Groundhog y caravanas. Al día siguiente se realiza en la Streatham Armas en Londres bajo el seudónimo de "Harry El Carnicero '. También se realizó el 28 de febrero en el Laboratorio Arte Basildon la música experimental en el club Centro de Arte en Basildon Essex. Anunciado como "de David Bowie New Electric Band 'tan nueva que no tiene un nombre aún! También en el proyecto de ley se marea alta, y Overson Iron Butterfly. Strawbs se deben realizar, pero se sustituyeron por David Bowie del New Electric Band. Cambridge John partió el 30 de marzo, una vez más sustituido por Woody Woodmansey. En abril de 1970, Ronson, Woodmansey, y Tony Visconti Bowie comenzó la grabación de El hombre que vende en el mundo el álbum, con Ronson de Jeff Beck-influenciado el trabajo de guitarra a la palestra.
Durante las sesiones de El hombre que vende en el mundo, el trío de Ronson, Visconti, y Woodmansey - aún bajo el moniker Hype - firmado a Vértigo Records. El grupo de contratación de The Benny Marshall Ratas como vocalista, y entró en el estudio a grabar un álbum. En el momento parecía una sola, El Hype ha sido re-bautizada Ronno. "La cuarta hora de mi sueño" fue puesto en libertad el Vértigo indiferente a una recepción en enero de 1971. La canción fue escrita por Tucker Zimmerman, un amigo de Visconti, y no como Bob Dylan han sugerido muchas fuentes. El B-side es un Ronson / Marshall composición llamado "poder de las tinieblas". Ronno el álbum nunca fue completado.
David Bowie el respaldo conjunto, que por ahora incluye a Trevor audaces que había reemplazado a Tony Visconti en el bajo y la guitarra derechos tecladista Rick Wakeman, se utilizaron en la grabación de Hunky Dory. La salida de Visconti también significa que Ronson, con Bowie, se hizo cargo de los arreglos, mientras que Ken Scott coproducida con Bowie. Muy diferente de la pesada roca de la anterior álbum, Ronson la orquesta showcased un régimen mucho más melódico lote de Bowie composiciones. Hunky Dory es quizás su mayor colaboración en el álbum, que toma nota de reconocer la manga.
Fue este grupo, menos Rick Wakeman, que fue conocido como El Arañas de Marte en el título del próximo álbum de Bowie. Una vez más, Ronson fue una parte clave de la subida y la caída de Ziggy Stardust y las Arañas de Marte álbum, proporcionando arreglos de cuerda y varios instrumentos, así como el tratamiento de la iniciativa guitarra funciones. Este álbum volvió a la roca orientado a la música de la anterior álbum, con la guitarra de Ronson heroicos proporcionar el marco perfecto para Bowie condenados papel estrella de rock. Ronson Bowie y más de notoriedad alcanzado algunos de los conciertos la promoción de este álbum, Bowie cuando se simula una felación en la guitarra de Ronson como tocaba.
Ronson coproducido el álbum de Lou Reed Transformer con Bowie, tocando la guitarra de plomo en el álbum y el piano en la canción "Perfect Day". De nuevo con Bowie, que Recut el tema "El hombre que vendió el mundo" de Lulu, lanzado como un sencillo en el Reino Unido, y desempeñó en un número reducido de las pistas del álbum Dana Gillespie no nacieron un hombre.
Ronson apareció en 1972 el país-rock álbum Bustin 'Out por Pure Prairie League, donde realizó la cadena conjunto régimen y contribuyó guitarra y voz en varias pistas.
Su siguiente trabajo fue la guitarra de oído Bowie Aladdin sane y 1973 del álbum abarca pin ups. Mucha gente ha comenzado a creer que la contribución de la Ronson a la salida de Bowie se estaba convirtiendo en indispensable, por lo que fue una gran sorpresa que estaba ausente de la Diamond Perros álbum (a pesar de que jugó en el "1980 Piso Show", con canciones que aparecieron en el registro
Presley la canción, "Love Me Tender", así como Ronson más famoso de la pista en solitario - "Sólo en la oscuridad". Además, su hermana, Margaret Ronson, siempre y cuando la voz del conjunto. Entre el 1975 y este seguimiento, Ronson tenían una vida corta temporada con la Mott Hoople. Luego se convirtió en un largo tiempo con el ex colaborador de la Mott Hoople líder Ian Hunter, que comienza con el álbum de Ian Hunter y con el Reino Unido hit singles chart "Una vez Bitten, Twice Shy", incluyendo una gira como el hechizo Hunter Ronson Band. En 1980, el álbum en directo Bienvenido al Club fue puesto en libertad, incluido un par de vitrinas Ronson, que curiosamente también tuvo algunas nuevas pistas de estudio - de las cuales es un cazador / Ronson canción. En 1990, colaboró de nuevo con Ronson Hunter en el álbum, Yui Orta, esta vez recibiendo conjunta de crédito - el disco fue detallada como por la de "Cazador / Ronson". En 1993, nuevamente apareció en un álbum de David Bowie; Negro Lazo Blanco ruido que juegan en la pista "I Feel Free", grabado originalmente por Cream. Bowie y Ronson ya había cubierto este tema vivir unos 20 años antes, mientras que viajar como Ziggy Stardust y las Arañas de Marte.
Su segundo y tercer álbumes fueron Play Don't Worry, en 1975, y el cielo y el casco en 1994. El último set fue sólo parcialmente en el momento de la desaparición Ronson, y se publicó póstumamente.
Además de Bowie y Hunter, Mick Ronson pasó a trabajar como músico, escritor y productor de muchos otros actos incluidos Masacre y The Dogs (que tomó su nombre del álbum Ronson Masacre en 10th Avenue), Morrissey, El Wildhearts, los ricos Infantil (con post-Sex Pistols Glen Matlock y Midge Ure post-Slik/pre-Ultravox), Elton John, Johnny Cougar, T-Bone Burnett, Dalbello, Benny Mardones, Ciudad Houserockers Hierro y el grupo italiano de Moda, que incluía a Andrea Chimenti la voz. No limitar su influencia detrás de la mesa de registro sólo para los actos establecidos. Su trabajo aparece en la producción de álbumes de los artistas más oscuras, como El Payolas, Phil y Los Illegals Rambow. El Ronson producido visible objetivos, un grupo de Seattle, en su pista de 1983 5-PE "Autistic Savant". Tenía una pasión por la vida unheralded ayudar a los artistas la oportunidad de brillar, y ayudado a muchas bandas locales a lo largo del camino.
Ronson también era miembro de Bob Dylan de "Rolling Thunder Revue" banda en vivo, y puede ser visto tanto dentro como fuera de la etapa en la película de la gira. También hizo una conexión con el ex-Byrd Roger McGuinn durante este tiempo, lo que condujo a la producción y contribuir a la guitarra y arreglos McGuinn de 1976 álbum en solitario de Cardiff Rose.
En 1982, participó en llevar la guitarra en una banda de corta duración con colinas Michaels en la batería y Les Fradkin sobre Bass Guitar. Una de sus grabaciones de este grupo ( "libre cambio") aparece en el CD de 2006: Les Fradkin, "Goin 'Back".
En 1987, Ronson hizo una aparición en un disco de banda de Geffen, el peaje. Ronson desempeña la firma riffs de la banda de la canción, "En pie de Invierno", del álbum titulado, "El precio de la progresión", producido por Steve Thompson y Michael Barbiero.
En 1992 produjo Morrissey Su álbum Arsenal, ayudando a reorientar la carrera de Morrissey tras la muerte álbum tío.
Su última, de alto perfil, la actuación en directo fue su famosa aparición en El Concierto de Tributo Freddie Mercury en 1992. Conmovedora, que desempeñó en "todos los jóvenes Amigos" con David Bowie y Ian Hunter, y "Héroes" con Bowie.
Ronson el último período de sesiones se haya registrado jamás, como invitado en el 1993 Wildhearts álbum Vs. La Tierra Wildhearts, donde tocaba el solo de guitarra en la canción "Mi bebé es un Headfuck".
Ronson era un miembro de La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días, pero ha aumentado el desencanto con la fe antes de su muerte.
Ronson murió de cáncer de hígado el 29 de abril de 1993 a la edad de 46 años. En su memoria, la memoria de Mick Ronson Etapa fue construido en su ciudad natal de Hull.


Danny Gatton (4 de septiembre de 1945 - 4 de octubre de 1994) fue un talentoso guitarrista y enigmático de América que se suicidó en su casa de Maryland en 1994, mientras aún relativamente desconocido para el público. Una biografía, Unfinished Business: La Vida y Tiempos de Danny Gatton por Ralph Heibutzki, se publicó en 2003. Tiene una voluminosa discografía. Gatton se clasificó 63ro en la revista Rolling Stone de las 100 mejores guitarristas de todos los tiempos en 2003
Gatton nació en Washington, DC el 4 de septiembre de 1945. Su padre, Daniel W. Gatton Sr., fue un ritmo guitarrista conocido por su estilo único de percusión, que abandonó su carrera musical a criar a su familia en una profesión más estable. El joven Gatton creció a compartir la pasión de su padre para el instrumento.
Danny Gatton comenzó su carrera tocando en bandas, mientras que aún un adolescente. Comenzó a atraer un interés más amplio en la década de 1970, mientras que tocando la guitarra y el banjo para el grupo Liz Meyer & Friends. Hizo su nombre como artista intérprete o ejecutante en el área de Washington, DC, el área durante el decenio de 1980, tanto como artista en solitario y con su Redneck Jazz Explosion, en el que se lame con el comercio de acero de pedal virtuoso jugador Buddy Emmons en un apretado ritmo bajo-batería señaló que desde el blues, el país, el bebop y rockabilly influencias. Asimismo, el respaldo de Robert Gordon y Roger Miller. Contribuyó una tapa de "Apricot Brandy", una canción de Elektra Records-supergrupo rinoceronte, al álbum de 1990 Rubaiyyat.
Gatton juego combinado de estilos musicales como el jazz, el blues y el rockabilly en una manera innovadora, y era conocido por algunos como "el telemaster" (un portmanteau de "Telecaster", Gatton elección de la guitarra, y "Master"). También fue llamado "el más grande del mundo desconocido guitarrista". Su apodo más común fue "Los humildes", debido a su capacidad de "humilde" o fuera de juego a nadie dispuesto a ir en contra de él en "la cabeza de corte" jam sessions. Una foto publicada en octubre de 2007 el guitarrista de la revista muestra Gatton jugando frente a un letrero de neón que dice "Se buscan víctimas".
Sin embargo, nunca logró el éxito comercial que merecía sin duda su talento. Su álbum 88 Elmira Street fue hasta 1990 para un premio Grammy por la canción "Boogie Street Elmira", en la categoría de Mejor Rock Instrumental de rendimiento, pero fue golpeado por Eric Johnson para "acantilados de Dover".
Sus habilidades fueron muy apreciados por sus colegas como Eric Clapton, Willie Nelson y su ídolo de infancia Les Paul. Durante su carrera, Gatton apareció en el escenario con guitarra héroes como Alvin Lee y Jimmie Vaughan, el último, literalmente, caminar en una noche en un club de Gatton concierto. También hay un rumor acerca de un apócrifo escenario "cabeza-de corte" atasco entre Gatton y compañeros de Washington, DC, residente en la zona (y Telecaster jugador) Roy Buchanan. En 1993, fue invitado por Gatton rockero Chris Isaak a grabar temas para la Isaak San Francisco Días CD. Informes de Gatton cuando está jugando se puede escuchar en el CD variar, con informes no confirmados sobre su colocación, o bien "No se puede hacer nada (Para Stop Me)", "5:15" o "casas". Gatton habrían traído una personalizada Fender Telecaster y Stratocaster a la sesión de grabación.
Se suele tocar un 1953 Fender Telecaster (Fender fabrica ahora una réplica de su gran instrumento personalizado), con Joe Barden y pastillas de Fender Super 250L, o de acero niquelado (.010 a .046 con un .015 para el G) cuerdas. En una diapositiva Gatton se suelen utilizar una taza o botella de cerveza (todavía medio lleno de cerveza) sin tener en cuenta si podría derramar todo momento su guitarra o (más probablemente, un ingenioso artilugio por el empresario). [2] En 1991 un el rendimiento en los límites de la ciudad de Austin que sigue esta limpiando la guitarra el cuello con un trapo y, a continuación, la celebración de trapo entre los dedos y los trastes, mientras que la igualdad de todos sin problemas.
Él siempre juega con un estilo de jazz de lágrima de selección, y fue capaz de combinar pasajes intrincados Bluegrass, bebop, garaje y sonidos, ejecutados con asombrosa claridad y velocidad vertiginosa. Su técnica de recolección fue una combinación de selección y los dedos, principalmente sus dedos medio y anular de su mano derecha. La base de su técnica de recolección fue Banjo rollos - fue un consumado jugador de banjo y aprendió el tradicional (estilo Scruggs) mano derecha técnica de tocar el banjo.
También entre sus admiradores åre Les Paul, James Burton, Lenny Breau, Vince Gill, Evan Johns (de "Evan Johns y su H-Bombas"), Chris Cheney, Bill Kirchen, Albert Lee, Steve Vai, Arlen Roth, Ricky Skaggs, barra ( "Guns N 'Roses"), y Richie Sambora.
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Bill Harkleroad (alias Zoot Cuerno Rollo), el nacimiento 12 de diciembre 1948 [1], fue guitarrista de Captain Beefheart y The Magic Band. Después de grabar "algunas de las más singulares de música nunca antes se habían comprometido a vinilo", que dejó en 1973 con varios otros miembros de la banda para formar Mallard. Su libro, Lunar Observa, describe algunas de las tensiones entre Captain Beefheart y los miembros de la banda, lo que contribuyó a la división.
Había nacido en Palmdale, California. Entrenado como un acordeonista durante la infancia, pasó a la guitarra en su adolescencia. En cerca de Lancaster, California, que participó en bandas locales. Se incorporó con el futuro miembro de la Magic Band, Marcos de Boston en una banda llamada BC & El cavernícolas. Más tarde, los dos de ellos también jugaron en Blues In A Bottle junto con Jeff algodón. Por último, se incorporó a la Magic Band en 1968, después de la salida de Alex St. Claire. Después de la disolución de Mallard, tenía una limitada participación con la comunidad de la música como un artista intérprete o ejecutante. Continuó su participación en otra capacidad, sin embargo, como administrador de una tienda de guitarra y profesor en Eugene, Oregon, donde enseñar el futuro corazonadas guitarrista Chris Gunn que desempeñar.
El 27 de noviembre de 2001, publicado vimos un Bozo de viaje submarino. En 2003, ocupó el número 62 en la lista de Rolling Stone de las 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos


Nació el 5 de noviembre de 1931 en Clarksdale Mississippi A los 5 años aprendió a tocar el piano y a los 11 comenzó a tocar en conciertos junto a Sonny Boy Williamson y Robert Knighthawk.
Conoció a Tina Turner a los 17 años en un club de Saint Louis (Misuri). Se casó con ella en México en 1962 y formaron el grupo Ike & Tina. Tuvieron hijos en común, divorciándose en 1976 debido a las continuas violencias de Ike, que pegaba y obligaba Tina a cantar enferma y a sus públicas y reiteradas traiciones con otras mujeres.
Ike Turner se fue hundiendo en el alcohol y las drogas. Fue arrestado numerosas veces por posesión de estupefacientes y pasó 17 meses en la cárcel.
En 1993 se estrenó la película What’s Love Got To Do With It, obtenida de la autobiografía de Tina y dirigida por Brian Gibson, que narraba la vida de Tina Turner y en la que el actor Laurence Fishburne encarnó a un violento Ike... en la que era acusado de malos tratos.
Falleció el 12 de diciembre de 2007 a los 76 años en San Marcos (California). Reportes médicos forenses confirmaron sucesivamente que su muerte se debió a sobredosis de cocaína.


Edward "Ed" John O'Brien (Nacido el 15 de abril de 1968, en Oxford) es un miembro de la banda Radiohead, a pesar de no ser uno de los miembros más importantes de la banda, es un gran guitarrista, de hecho la revista Rolling Stone lo colocó dentro de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos. Además de tocar la guitarra, hace percusiones y usualmente se encarga de la parte vocal. Es conocido por su gran colección de pedaleras, que son una parte importante en el sonido único de Radiohead. Originalmente fue invitado a la banda por Thom Yorke debido a su parecido con Morrissey.
Ed ha hecho contribuciones a la banda sonora del proyecto para la serie de la BBC Eureka Street. Tiene un blog en la página de Radiohead, donde da a conocer un punto de vista más profundo acerca de cómo fueron grabados los álbumes. Su trabajo más reciente fuera de Radiohead es la de guitarrista en un álbum de Asian Dub Foundation, dentro del cual tocó en la canción "1000 Mirror".
Ed está casado y actualmente tiene dos hijos, Salvador, nacido en Enero del 2004, y una niña llamada Oona, que nació a principios de 2006.

miércoles, 10 de septiembre de 2008



Jonathan Richard Guy Greenwood, más conocido como Jonny Greenwood (nacido el 5 de noviembre de 1971) es uno de los integrantes de Radiohead. Además es hermano del también miembro de Radiohead Colin Greenwood, el bajista del grupo. Su apodo, "Jonny", se escribe sin h, ya que viene del nombre Jonathan, no de John. Los seguidores de Radiohead han hecho bromas con esa situación, sugiriendo que el líder del grupo, Thom Yorke, adoptara la h que Jonny dejó.
Jonny a menudo es considerado como el segundo artista más importante de Radiohead. Es uno de los más talentosos multi-instrumentistas, capaz de tocar la primera guitarra con sorprendente maestría, así como también el órgano, sintetizador, piano, xilófono, armónica y otros instrumentos con los que nunca ha grabado. Es la guitarra con la que logra un increíble dominio gracias a su perfeccionista forma de tocarla. A pesar de que casi nunca incluye extravagantes solos de guitarra a las canciones del grupo, es, para muchos, uno de los mejores guitarristas de la historia. Las originales contribuciones de Jonny para Radiohead incluyen la canción de un rock más bien suave ("The Tourist") y el tema con influencias de The Beatles "A Wolf at the Door" - dos pistas que cierran los álbumes OK Computer y Hail to the Thief, respectivamente. Thom Yorke ha resaltado que la canción "Just" del disco The Bends era "una competencia entre Jonny y yo para conseguir tantos acordes como fuera posible dentro de la canción". El extremadamente agresivo estilo de Jonny para tocar la guitarra le causó en el pasado una repetitiva lesión en su brazo derecho. Aconsejado por su médico a usar un soporte en su brazo por un período de tiempo, dicho refuerzo se ha convertido en una especie de marca registrada. "Disfruto poniéndomelo antes de tocar... Es como pegar tus dedos antes de boxear." Jonny también es el campeón de quienes utilizan las ondas martenot, un viejo sintetizador que cataloga como uno de sus instrumentos favoritos. Compuso el tema "Smear" con un par de ondas martenot. Las ondas pueden ser escuchadas en muchas canciones de Radiohead, sobre todo en "The National Anthem", del LP "Kid A". Jonny también utiliza sintetizadores de moduladores y aparatos como el Korg Kaoss Pad, usado en las canciones más recientes.
Jonny ha continuado con su progresión como integrante de Radiohead y en el año 2003 lanzó su primer álbum en solitario, Bodysong, la banda sonora de la película del mismo nombre, del cineasta Simon Pummell. Su hermano Colin también participó en el álbum tocando bajo en uno de los tracks. Jonny fue contratado por la BBC como compositor en mayo de 2004. Además, aparece en la película "Harry Potter y el Cáliz de Fuego" junto al también integrante Radiohead Phil Selway y el líder de Pulp, Jarvis Cocker, como miembros de un grupo ficticio llamado "The Weird Sisters". Thom y Jonny también colaboran en un nuevo proyecto, organizado por la London Synfonietta, en el Festival de Ether en marzo de 2005.
En octubre de 2007, Radiohead lanzó su séptimo álbum de estudio, "In Rainbows", exclusivamente por internet.
El primero de enero de 2008, "In Rainbows" fue publicado en formato físico, el cual llegó a liderar los rankings de ventas en el Reino Unido y EE. UU.
A principios del mismo mes, Greenwood recibió el premio al Mejor Compositor en el rango de música de películas -por parte de los Critics' Choice Awards- por su participación en la banda sonora del filme "There Will Be Blood", composición que lo llevó a ser preelecto para los Premios Oscar 2008 en la misma categoría. Finalmente, fue descalificado debido a que su obra no cumplía con el expreso requisito de ser una composición absolutamente inédita. Esto porque algunos de los tracks de dicho álbum contenían pasajes de su anterior trabajo, "Bodysong".


Forrest Richard "Dickey" Betts (nacido 12 de diciembre de 1943) es un americano guitarrista, cantante y compositor, más conocido por su labor como miembro fundador del sur del blues / rock El grupo de Allman Brothers Band.
Nacido en West Palm Beach, Florida, Betts principios de la experiencia fue líder de una banda llamada La Segunda Venida, antes de que él y otros músicos de la zona de Florida se reunió, atascado, y formaron la Allman Brothers Band en 1969. Betts fue la banda el segundo guitarrista de plomo, por detrás de Duane Allman, y contribuyeron significativamente a su doble marca de sonido de guitarra de plomo. También escribió canciones incluyendo "En memoria de Elizabeth Reed" y "Blue Sky" que se convirtió en concierto de radio y grapas.
Tras la muerte de Duane Allman a finales de 1971, Betts se convirtió en la única banda del guitarrista, y también tomó en un canto y una mayor papel de liderazgo. Él siguió para escribir tales sur de Rock clásicos como "Jessica", y los Allmans' comercial más grande éxito, "Ramblin 'Man".
Betts primer disco en solitario, Highway Call, fue puesto en libertad en 1974, y contó con la tarde violín jugador Vassar Clements. Después de la separación Allmans cayó en 1976, Betts puesto en libertad más discos, comenzando con Dickey Betts & Great Southern en 1977, que incluyó el éxito "Buganvilla", que co-escribió con el actor Don Johnson. En 1978 lanzó un álbum titulado "Atlanta's Burning Down".
El Allman Brothers reformada en 1979 para el álbum "Iluminado pícaros" con un nuevo guitarrista (Dan Toler) y un nuevo bajista (David Goldflies). Varios álbumes aplicaría en los años 80 con varios cambios de personal. La reunión trajo de vuelta Betts, junto con el fundador Allman Brothers miembros Gregg Allman, Butch Trucks, y Jai "Jaimoe" Johanny Johanson. La banda fue aumentada en los finales de los 80 por Warren Haynes (transparencia y el plomo guitarra), Woody Allen (bajo) y Johnny Neel (en teclados, aunque Neel izquierda después de varias giras). Esta alineación de la banda iba a poner en libertad a tres aclamados álbumes de estudio, con Betts, Allman Haynes y que actúa como la principal canción escritores, así como de varios álbumes en vivo a lo largo del decenio de 1990.
Betts tuvo que ser sustituido en numerosas en todo el tourdates mediados de los 90 "motivos personales". Entre los artistas que aparecen en lugar de Betts fueron Jimmy Herring (en 1993 y nuevamente en 2000), Zakk Wylde, Pearson y Jack David Grissom. John Popper of Blues Traveler se sentó también en la Allman Brothers a Betts de ausencia.
Mientras que el ABB siguió desempeñando aclamados shows en vivo durante el decenio de 1990, no poner en libertad a un álbum de material nuevo después de 1994 la Vuelta donde todo comienza. Haynes y Woody formado Gob MULE con el baterista Matt ABTS (antes de Dickey Betts proyectos solistas) como un proyecto paralelo en 1994 y dejaría a los Allman Brothers para Gob MULE a tiempo completo tras la ABB anual del Beacon Ejecutar en marzo de 1997. Haynes y Woody no asociarse con la Allman Brothers Band en el escenario de nuevo Betts hasta después de la salida en 2000, a pesar de que compartirían el escenario con Gregg Allman en varias ocasiones con MULE Gob.
El resto de miembros originales, Allman, Trucks y Jaimoe, suspendido Betts (según se informa por fax) antes de la puesta en marcha de la banda Campaña de Verano del Tour de 2000. Betts fue sustituido temporalmente para que viaje por Jimmy Herring, antes del Aquarium Unidad de Rescate, entre otras bandas. Warren Haynes también apareció con los Allmans muestra a tres después de Betts' suspensión por primera vez en más de tres años.
Betts rápidamente presentó una demanda contra los otros tres Allmans original y la separación se convirtió en un permanente divorcio (Haynes le sustituirán de forma definitiva a raíz de un stand con la banda en el Beacon Theatre en marzo de 2001). Betts rápidamente formaron la banda de Dickey Betts en el año 2000 y que gira de verano. Ahora giras con el nombre de Dickey Betts y el Gran Sur, que recientemente ha añadido el hijo de Dickey, Duane Betts, a llevar la guitarra.
En 2005 Betts vivir en libertad el DVD "En vivo desde el Rock and Roll Hall of Fame".
En los primeros días de la Allman Brothers, Dickey desempeñado una Gibson SG 1961, que dio a Duane Allman en 1971 para su uso como todos los de la guitarra slide. Dickey entonces comenzó a utilizar un 1957 Gibson Les Paul Goldtop. Dickey se convertiría en famosa por la utilización de un Goldtop, nombrándolo "Goldie". Recientemente ha pintado de color rojo. Dickey también se ha visto jugar de vez en cuando Fender Stratocasters, y ha sido un a-y-fuera jugador y endorser de guitarras PRS.


Roy Buchanan (23 de septiembre de 1939 - 14 de agosto de 1988), fue un guitarrista estadounidense de blues. Se caracteriza por su uso del glissando, de rápidos staccatos y de pellizcos armónicos. Buchanan fue pionero en el uso del sonido Telecaster.
La carrera musical de Roy Buchanan empezó en Pixley, California. Su padre fue un aparcero. Buchanan contó cómo su primer recuerdo musical está vinculado a reuniones de mezcla racial promovidas por su familia. "Gospel," decía, "así fue cómo entré en la música negra". Creció, efectivamente, entre influencias muy dispares mientras aprendía a tocar su instrumento. Inicialmente, demostró talento para la guitarra de acero antes de cambiarse al instrumento estándar a comienzos de los cincuenta.
En 1957 Buchanan hizo su grabación de debut, tocando el solo de "My Babe" Dale Hawkins para Chess Records.
Tres años más tarde, Buchanan se dirigió a Canadá, donde tocó la guitarra en el grupo de Ronnie Hawkins (más tarde conocido como The Band). Uno de los guitarristas del grupo, Robbie Robertson, estudió guitarra aprendiendo de Buchanan y terminó por ser el guitarrista principal cuando Buchanan abandonó el grupo.
Los comienzos de los 60 sitúan a Buchanan tocando de acompañante en muchas bandas de rock y con músicos como Freddy Cannon y Merle Kilgore.
Los problemas de muchos años con alcohol y sustancias sufridos por Buchanan empeoraron con el tiempo, culminando cuando le arrestaron por conducir en estado de ebriedad; algunas horas después, Buchanan fue encontrado en su celda ahorcado con su propia camisa. La causa de muerte fue registrada oficialmente como suicidio, lo cual ha sido discutido por algunos amigos de Buchanan y familia (cita requerida).
La carrera musical de Roy le llevó de gigs subterráneos del club en los años 60 y 7 a la televisión nacional, a las ventas de registro del oro y a los viajes mundiales en los años 80 con Lonnie Mack, The Allman Brothers Band y Willie el Nilo.


Tom Verlaine (nacido como Thomas Miller el 13 de diciembre de 1949 en Morristown, Nueva Jersey, Estados Unidos) es un guitarrista, cantante y compositor conocido por haber liderado el grupo de proto-punk Television, además de tener una carrera solista.
Verlaine (nombre que adopta de un poeta simbolista francés) fue criado en Wilmington, Delaware, y comenzó temprano su instrucción musical, primero como pianista y luego como guitarrista, influenciado por la canción "19th Nervous Breakdown" de los Rolling Stones.[1] En 1968 dedide irse a la parte este de Nueva York junto a su compañero, el bajista Richard Meyers (quien luego se cambiaría el nombre a Richard Hell). Allí formaron un grupo junto al baterista Billy Ficca, al cual le dieron el nombre de The Neon Boys, grupo que durará poco; con la incorporación de un segundo guitarrista, Richard Lloyd, en el año 1973, el grupo volvió a surgir bajo el nombre de Television. Tras grabar un demo con Brian Eno Hell dejó el grupo y fue reemplazado por Fred Smith. En 1973 Verlaine participó en el primer single de su novia Patti Smith, "Hey Joe"/"Piss Factory", con quien también editó un libro de poesía titulado The Night.Posteriormente tocaría en los dos primeros álbumes de Smith.
El primer single de Television, "Little Johnny Jewel", los conviertió en un grupo afamado dentro del ámbito underground de Nueva York. El grupo editó su primer LP, Marquee Moon, en el año 1977, el cual fue muy bien recibido por la crítica y es considerado un clásico de culto, aunque no tuvo éxito comercial en Estados Unidos. Adventure le siguió en 1978 con un destino similar, y tras ese álbum el grupo se separó.
Esta no sería la desaparición del guitarrista. En 1979 lanza su carrera en solitario con el sencillo "Kingdom Come" (David Bowie hizo una versión de esta canción en su álbum Scary Monsters, ya que tiene un gran aprecio por su música),y edita su primer LP autotitulado. Su gran éxito personal llegará de la mano de su poco conocido Dreamtime, de 1981. Debido a las buenas críticas que recibe de la prensa inglesa por sus dos siguientes discos (Cover y Words From The Front) decide establecer a Londres como su residencia principal.
Verlaine se tomó unos tres años de reposo antes de volver a presentar un trabajo (el último databa de 1984), el cual fue titulado Flash Light, mientras que su siguiente álbum, de 1990, fue titulado The Wonder. Television se volvió a juntar en 1992 para grabar un álbum autotitulado, pero se volvieron a separar en 1993, aunque el grupo se volvería a juntar para realizar presentaciones en vivo ocasionales. En 1992 también publicó su primer LP instrumental, Warm And Cool, y en 1994 compuso la banda sonora de la película Love and a .45. Pasarían 12 años hasta su siguiente edición de material original. A mediados de los años 90 Verlaine volvería a trabajar con Patti Smith, e iba a ser el productor de Jeff Buckley en su álbum Sketches for My Sweetheart the Drunk, pero Buckley falleció antes de poder completar el álbum. En el año 2006 editó dos lanzamientos solistas: Songs And Other Things y su continuación al instrumental Warm And Cool, que se llama Around.


Richard Hugh Blackmore (Weston-super-Mare, Inglaterra, 14 de abril de 1945) es un guitarrista de rock que ha tocado para bandas como Deep Purple, Rainbow y Blackmore's Night. Es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia.
Músico influido por la manera de tocar la guitarra eléctrica de Jimi Hendrix, cuya técnica supo combinar con tonos clásicos en sus solos de guitarra (Bach, Mozart, etc.) debido a la formación de guitarrista clásico que tenía.
Desde el punto de vista técnico, destaca por su manipulación de la escala pentatónica, escala y frases de blues, e modalidades clásicas. Así como de evolucionar la improvisación al máximo en sus conciertos en directo, convirtiéndose en un referente, particularmente en los años de su agrupación Rainbow en un prócer del estilo neoclásico de los años 80.
Blackmore, criticado por su carácter temperamental y apodado "Man in Black" por su raro comportamiento tanto dentro como fuera del escenario, tuvo una gran influencia entre muchos de los guitarristas que vinieron después de él, y no sólo en su popularmente reconocida influencia clásica en el rock. Su fraseo fue siempre ejemplar, y el lenguaje de sus improvisaciones singularmente puro. Siempre ha sido un admirador de la Fender Stratocaster, guitarra que le ha acompañado a lo largo de casi toda su trayectoria musical, aunque solamente usaba, al tocar, dos de las tres pastillas del instrumento (en las posiciones mástil y puente, concretamente), lo que confiere a sus solos un tono muy particular y reconocible. El resto de su equipo "clásico" lo conforman una grabadora que ponía entre el instrumento y su amplificador, un preamplificador a válvulas y por supuesto un enorme Marshall modificado para que tuviera una salida de alrededor de 200 W. En algunas ocasiones utilizó un pedal de Flanger, especialmente reconocible en el famoso tema Mistreated (del álbum Burn, con David Coverdale) y en algunas canciones de Rainbow.
A finales de 1974, Ritchie Blackmore no se encuentra del todo satisfecho en el seno de Deep Purple. La onda funky-soul que impregnaba el estilo de la banda, motivado por la incorporación de Glenn Hughes y David Coverdale, no era del agrado de Ritchie. Por otro lado, la negación del resto de la banda de interpretar el tema de Quatermass “The black sheep of the family” desencadenó el enfado definitivo de Ritchie.
Ritchie había estado en contacto con Ronnie James Dio, cantante de ELF, grupo que había teloneado a Deep Purple en su gira inglesa de ese mismo año, y con él decide formar su propia banda. Para ello incorpora a toda la banda de Dio, a excepción del guitarrista y se meten en el estudio de grabación. Con esa formación grabará el que será primer disco de Rainbow: Ritchie Blackmore’s Rainbow.
Es conocido por tocar con desmesurada intuición, lo que no debe llevar a menospreciar su bagaje teórico y su indiscutible técnica. Mayores, menores, disminuidos; cualquier modo tonal parece serle cómodo. En sus actuaciones en directo se le llegó a acusar de tocar muy sucio, pues era frecuente que empezara a golpear la guitarra a media actuación, rompiera el puente a golpes de palanca o sencillamente se dedicara a dejar sonar algunos grupos de notas mientras variaba su sonido a golpes con el instrumento. En el álbum en directo Made in Japan, que grabó con Deep Purple en los '70, se da una buena prueba de ello.
Es también considerado uno de los padres del Heavy Metal especialmente después de formar equipo con el vocalista Ronnie James Dio, con quien fundó Rainbow.

sábado, 6 de septiembre de 2008



Jorma Kaukonen nacido a un finlandés de América padre y una madre judía americana, empleado por los EE.UU. del servicio exterior, Kaukonen fue miembro fundador de la popular psicodélico con sede en San Francisco la banda Jefferson Airplane, que anotó dos de radio Top 10 hits en 1967 con "Somebody to Love "Y" White Rabbit ".
Kaukonen aprendido a tocar la guitarra como un adolescente en Washington, DC Sin embargo, antes de pasar a la zona de DC, Jorma y la familia vivía en las Filipinas y otros locales como siguió su padre la carrera de cesión a cesión, antes de regresar al lugar de su nacimiento. Como un adolescente en Washington que él y Jefferson Airplane futuro bajista Jack Casady (que en el momento que desempeñan seis cuerdas de guitarra) formaron una banda llamada los triunfos. Kaukonen partió de Washington para cursar estudios en Antioch College, donde amigo Ian Buchanan le enseñó la guitarra fingerstyle. Buchanan Kaukonen también introdujo a la música del Reverendo Gary Davis, cuyas canciones se han mantenido una parte importante de Kaukonen del repertorio a lo largo de su carrera.
En 1962 se trasladó a Kaukonen la Bay Area de San Francisco y matriculados en la Universidad de Santa Clara. Durante este tiempo ha enseñado lecciones de guitarra en una pequeña tienda de música en San José. Como auto-describe blues purista, Kaukonen nunca tuvo ninguna ambición de jugar en una banda de rock. Jugó como un solo acto en cafés y se puede escuchar a un joven que acompaña a Janis Joplin en guitarra acústica en una histórica grabación de 1964 (conocida como "la máquina de escribir Cintas" debido a las molestas, Kaukonen sonido de la primera esposa Margareta escribiendo en el fondo). Invitados a asistir a un ensayo Jefferson Airplane miembro fundador de Paul Kantner, Kaukonen encontró a su imaginación excitada por el arsenal de efectos disponibles para guitarra eléctrica y más tarde dijo: "Yo estaba en aspirado por la tecnología."
Jorma Kaukonen es un miembro del Rock'n'Roll Hall of Fame.
Kaukonen guitarra eléctrica del trabajo fue distintivo y muy emulada por otros guitarristas del Área de la Bahía. Cabe destacar el trabajo con Jefferson Airplane incluye "Greasy Heart", "Si usted se siente", "Hey Frederick" (que culmina en un largo plomo dúo de guitarras con él mismo), "Los buques de madera" y su composición original, "siento tan bien". Rolling Stone llamado Kaukonen la 54 ª más grande guitarrista de rock de todos los tiempos y el 16 de mayor guitarrista acústico.
Aunque nunca un prolífico cantante y compositor durante su mandato la Aeronave, Kaukonen contribuido algunos distintivo material. "Viaje embrionarias" lució su guitarra acústica fingerstyle virtuosismo. En la siguiente álbum Jefferson Airplane, después de bañarse a Baxter, su juego desarrollado un difícil filo de sonido inspirado en Mike Bloomfield de la Paul Butterfield Blues Band, Cream y otros grupos que visitó San Francisco. Estos cambios estilísticos son prominentes en el ácido rocker "el último muro del Castillo", así como el instrumental "de repuesto Chaynge", co-escrita con el bajista Jack Casady y el baterista Spencer Dryden. Reloj de 9:12 a minutos, este estilo de improvisación fue explorar más en la libre-forma ampliada atascos "Thing" y "Bear Melt", tanto instrumentales grabado en vivo en 1968. Kaukonen insiste, no obstante, en la línea de las notas Live at Fillmore East el álbum que estos atascos no son caóticas "libre de todas" pero en realidad "compleja ensayado acuerdos". Dos notables canciones que fueron más tarde a convertirse en Hot Tuna firma melodías También se registraron durante el período 1968-1969. Estos fueron los tradicionales "Rock Me Baby" y la balada gospel "Buen Pastor". Otras composiciones originales con el avión apareció en 1971 el álbum "Bark", el instrumental "Wild Turkey" y "Feel so good", así como la acústica autobiográfico "Tercera Semana en el Chelsea" detallando sus sentimientos acerca de la desintegración de la banda .
Hot Tuna en Merlefest, 2006-De izquierda a derecha, Jack Casady, Jorma Kaukonen, y Barry MitterhofIn 1969-70, Kaukonen y Jack Casady formado Hot Tuna, una empresa spin-off del grupo que les permitió jugar siempre y cuando quisiera. Una de las primeras encarnación de Hot Tuna incluido Aeronave vocalista Marty Balin y destacó Joey Covington a la batería y voz. Esta agrupación llegó a su fin después de un infructuoso registro de excursión a Jamaica, a las reuniones de las cuales nunca han sido puestos en libertad. Pared hasta Kaukonen y Casady, Hot Tuna vive como en un vehículo para Kaukonen a mostrar su estilo Piamonte fingerpicking blues acústico habilidades. La auto-titulado primer álbum fue todo acústico y grabado en directo. Con la disolución de Jefferson Airplane en 1972, Hot Tuna fue eléctrico, con la Aeronave músico Papa John Creach unirse para los próximos dos álbumes. Hot Tuna FM anotó un hit con "Ja Da (Mantenga El Truckin ')" de su tercera parte (y el primer estudio) álbum, Burgers. En este momento, la canción de Kaukonen-escritura comenzó a dominar, como se demuestra por el siguiente álbum, The Rat fosforescentes, que sólo presentó una cobertura canción. A partir de su quinto álbum, America's Choice (1974), la adición de baterista Bob Steeler alentó un aumento en volumen y un cambio de banda de personalidad - un rampaging, Cream-como el rock, con frecuencia cuasi-mística letras cortesía de Kaukonen. Durante este período, el poder trío era conocido por su muy larga vida a conjuntos instrumentales y atascos.
En 1974, Kaukonen registró el primer y más exitoso de varios discos como solista, Quah, junto con Tom Hobson. Producido por Jack Casady, y con (algo sorprendente) overdubs cadena en algunas pistas, este álbum contenía algunas de Kaukonen más deft fingerpicking trabajo, especialmente en "Hamar Promenade", "Preludio Azul", "Génesis" y "Flying Clouds". La curiosa imagen que adorna la portada Quah es hoy en día en pantalla a Donkey y Cafetería Espresso, una cafetería en Atenas, Ohio.
Kaukonen gira vigorosamente a lo largo del 1970 en los Estados Unidos y Europa, pero con Hot Tuna de la ruptura en 1978, la primera etapa de la banda terminó la carrera. Casady izquierda para formar la nueva ola de banda "SVT", mientras que Kaukonen lanzó su segundo álbum en solitario, Jorma, una combinación de guitarra eléctrica y acústica fingerstyle en 1979. Mientras tanto, había formado la banda "partes vitales".
Partes vitales que figuran Denny DeGorio bajista, que había desempeñado en San Francisco un grupo llamado los "offs" con ex-Hot Tuna baterista Bob Steeler. Kaukonen, experimentando con una nueva imagen, no sólo cortar el pelo teñido, pero que luego púrpura brillante de color naranja, y una amplia tatuajes que adornan su cuerpo, espalda y brazos. El álbum barbacoa King fue puesto en libertad en 1980. Kaukonen de la tradicional base de fans no caliente a este nuevo, la percepción de que "punk" imagen, y las ventas del álbum fueron tan decepcionantes que Jorma pronto se bajó de RCA registros.
Él continuó jugando como solista en todo el decenio de 1980 en lugares tales como la castaña Cabaret en Filadelfia, The Capitol Theater en Passaic, Nueva Jersey y en Port Chester, Nueva York. Al igual que en su día Hot Tuna, que desempeñó muy largo conjuntos, por lo general comienza con una hora de duración acústica establecidos seguido de un largo intermedio y luego de dos horas de electricidad conjunto, a veces acompañado por contrabajo y batería. Hot Tuna reformarse a sí mismos a fines del 1980. En 1988 Hot Tuna rendimiento en el Fillmore Auditorium, Kaukonen sorprendidos compañeros de la Aeronave alumno Paul Kantner, que estaba sentado, con una aparición sorpresa de su amante separados Grace Slick; el éxito de esta actuación contribuido a allanar el camino para una reunión Jefferson Airplane gira y grabar en 1989.
En 1984, apareció en Kaukonen Robert Hunter's Amagamalin Street. Este fue el tercer álbum publicado por Relix Records, un sello, fundado por Les Kippel, que especializados en las bandas de la Bay Area de San Francisco. Relix también liberados Splashdown, con una rara rendimiento de Hot Tuna en WQIV, una desaparecida estación de radio en Nueva York. Kippel fue instrumental en reunir a Kaukonen y Casady en 1985 por un Hot Tuna teatro gira. Relix Records se Hot Tuna de la compañía hasta el año 2000, y también puestos en libertad Classic Acoustic Hot Tuna, Classic Electric Hot Tuna, Live at Sweetwater, y Live at Sweetwater Dos.
Dos importantes proyectos fuera de Kaukonen se desempeñó en el álbum de David Crosby Si yo sólo podía Recuerde mi nombre (1971) y Warren Zevon "Transverse City" (1989). En 1993, colaboró con el ex-Grateful Dead tecladista Tom Constanten en el registro de numerosos acuerdos de "Viaje embrionarias". Las pistas resultantes fueron puestos en libertad como un álbum de 1994, sobre la etiqueta Relix. En 1999, desempeñó varios conciertos con Phil Lesh y amigos. En 2000, apareció con mermelada de pánico generalizado banda durante su gira de verano.
Con su esposa Vanessa, Kaukonen actualmente es propietaria y opera la Paz Fur Ranch, 119 acres de música y guitarra campamento en las colinas del sudeste de Ohio, al norte de Pomeroy; completa con un estudio de 32 pistas. En la actualidad está bajo contrato como solista a Red House Records y todavía registros y viajes con Jack Casady y otros amigos, como Barry Mitterhof como Hot Tuna. Su álbum de 2002 Blue País Corazón, también liberados como 5,1 sola capa SACD, fue ampliamente aclamada por la crítica como uno de los ejemplos definitiva de América "Depression Era" la música y las características Kaukonen respaldada por una todas las estrellas Nashville banda de bluegrass. El álbum fue nominado para un Grammy. Su último álbum, Mi Estrellas en la Corona, fue puesto en libertad en marzo de 2007.
En su sitio web, Kaukonen escribe que él es un amante de la guitarra Gibson; su favorito guitarras acústicas que el 1936 Avanzada Jumbo y la J-190. Kaukonen del Día de Acción de Gracias Eva mostrar a Keswick Theater en Glenside, Pennsylvania se ha convertido en una tradición.

lunes, 18 de agosto de 2008



Mickey Baker, también conocido como Mickey "Guitar" Baker (nacido en McHouston Baker, 15 de octubre de 1925, Louisville, Kentucky es un guitarrista americano.
Fue la mitad de los pop dúo Mickey & Sylvia, que tenía un solo hit con "El amor es extraño" en 1957. La canción fue escrita por Bo Diddley, (sino que acredita a su esposa en el momento, Ethel Smith), y Jody Williams, que había desarrollado el distintivo riff de guitarra de plomo. Williams había registrado el anterior riff en una canción llamada "Billy's Blues" de Billy Stewart. Finalmente la canción, mucho más que un simple riff, terminó siendo acreditado a Smith, Baker y el diplomático. Es que figuran en el Rolling Stone de la lista de las 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos. Baker es también digno de mención como una sesión de guitarra guitarrista y educador. Baker el período de sesiones de trabajo abarca el jazz, calypso, mambo, y el ritmo y blues. Él es ampliamente celebrada a ser una fuerza decisiva en el puente de ritmo y blues y rock and roll, junto a Bo Diddley y Chuck Berry.
En 1961, él tomó la parte que habla de sexo masculino (por lo general supone que Ike Turner) a Ike & Tina Turner la pronta respuesta positiva, "Es Gonna Work Out Fine". Poco después se trasladó a Francia, haciendo unos discos en solitario y trabajar con mucho pop francés de rock y artistas intérpretes o ejecutantes, entre ellos Ronnie Bird. Baker ha registrado sólo esporádicamente desde mediados del decenio de 1960.
Baker apareció en la versión 1975 del Festival de Roskilde.
En 1999, Baker fue inducida en la Ritmo y Blues Foundation.
Su auto-matrícula método de series de libros, el "curso completo en Jazz Guitar" es uno de los pilares para introducir a los estudiantes de guitarra con el mundo del jazz. Con Les Paul, Baker es importante como un exponente temprano de cuerpo sólido, las guitarras eléctricas por el jazz y la música popular.

miércoles, 30 de julio de 2008



Lou Reed (nacido como Lewis Allen Reed el 2 de marzo de 1942 en Freeport, Long Island, Nueva York) es un cantante y escritor de rock, considerado el padre del rock alternativo, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego en solitario. Enormemente influyente en el arte pop desde la década de los 60, sus principales discos son Rock'n Roll Animal, Transformer y, para un primer acercamiento, el soberbio concierto que ofreció en el Meltdown Festival: Perfect Night Live in London. Vive en Nueva York.
En su época de The Velvet Underground escribió canciones que han pasado a la historia de la música pop: Heroin, Rock and Roll y Sweet Jane.
Reed era un fan del rock and roll y el rhythm and blues que tocaba en varias bandas durante su época de estudiante y había grabado un disco sencillo de estilo doo wop como miembro de The Shades. Asistió a la Universidad de Syracuse, donde conoció al poeta Delmore Schwartz, quien le animó a convertirse en escritor. Reed también se aficionó al free jazz y a la música experimental. Más tarde afirmó que sus objetivos eran "traer la sensibilidad de la novela a la música rock" o escribir "la Gran Novela Americana" en un disco.
Se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde trabajó como escritor de canciones para Pickwick Records y cofundó The Velvet Underground como guitarrista/vocalista/letrista, junto con John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker. Aunque la banda se deshizo en 1970 y nunca tuvo éxito comercial, su reputación como uno de los grupos más influyentes en la cultura underground se ha mantenido intacta.
Después de dejar la The Velvet Underground en agosto de 1970, Reed tomó un trabajo en la empresa de contabilidad de su padre como mecanógrafo, con un sueldo de 40 libras a la semana. Sin embargo, un año después, firmó un contrato discográfico con RCA y grabó su primer álbum solista en Inglaterra, con la colaboración con músicos de Yes como el tecladista Rick Wakeman y el guitarrista Steve Howe. El álbum, simplemente titulado: Lou Reed, contenía versiones alternativas de canciones con la The Velvet Underground muchas de las cuales fueron descartadas y archivadas (las cuales se pueden encontrar en el box set Peel Slowly & See). Pese a su calidad musical este primer trabajo solista pasó desapercibido por los críticos y tuvo muy pocas ventas.
Luego del fracaso con su primer álbum, a finales de 1972, Lou Reed trató de re-orientar su carrera musical lanzando Transformer, un álbum de glam rock producido por David Bowie. A continuación publicó Berlin, que cuenta una trágica historia de amor entre dos drogadictos en Berlín. Este disco incluye Caroline Says (violencia), The Kids (prostitución y adicción a las drogas), The Bed (suicidio) y Sad song ("Canción triste").
Reed se adelantó a su tiempo en la elección de estos temas. La música popular no se pondría a su altura hasta la aparición de los punks, entre mediados y finales de los años 70 del siglo XX; pero incluso entonces sus canciones eran únicas: ya fuese entre guitarras distorsionadas o suavemente melódicas, Reed cantaba sobre las cosas desasosegantes, o incluso sórdidas, que otros letristas no trataban. "Walk on the Wild Side" es un saludo irónico y gráfico a los inadaptados, chaperos y travestis en la Factoría de Andy Warhol. "Perfect Day" es una elegía a la adicción de Reed a la heroína, más tarde incluida en la banda sonora de la película Trainspotting. En el material que escogía, Reed seguía, y actualizaba, a autores tales como Allen Ginsberg y Jean Genet. La personalidad de Reed fue también avanzada, prefiriendo el cuero negro y la imaginería sadomasoquista incluso en la época hippie.
En 1975, produjo el doble álbum de estudio Metal Machine Music, lleno de pura distorsión y sonidos de sintetizadores electrónicos. Su discográfica lo estaba presionando para que grabara otro álbum comercial al estilo de Transformer, y Lou decidió cortar con ellos grabando intencionadamente uno de los discos más insoportables de la historia. El periodista de rock Lester Bangs lo declaró genial. Aunque admitiendo que las notas internas de los instrumentos usados es ficticia y paródica, Reed mantiene que MMM era y es un álbum serio. Sus discos de finales de los 70 son frecuentemente recordados con reservas por los críticos de rock, debido al menos en parte a las adicciones de Reed en aquellos años.
Al principio de los años 80, Reed dejó las drogas y comenzó, tanto en su trabajo como en su vida privada, a intentar asuntos más serios, notablemente en su aclamado disco de regreso The Blue Mask. Se casó con Sylvia Morales (más tarde, se divorciaron). En su exitoso álbum New York lanzó una enfadada salva contra los problemas políticos de su ciudad, denunciando el crimen, los caros alquileres, a Jesse Jackson e incluso al Papa Juan Pablo II y Kurt Waldheim. Cuando Andy Warhol, que fue anfitrión y productor de The Velvet Underground, murió tras una operación rutinaria, Reed cerró una brecha de 25 años para colaborar con su compañero de la Velvet John Cale en Songs for Drella, una biografía de Warhol en música pop minimalista. Emocionante y dolorosamente confesional, a menudo ingeniosa, la voz de Reed produce ampollas cuando canta sobre presuntos errores médicos y sobre el intento de asesinato de Warhol llevado a cabo por Valerie Solanas en 1968.
Reed continuó en esos tonos oscuros con Magic and Loss, un disco sobre la mortalidad. En 1997 más de 30 artistas hicieron una versión de "Perfect Day" para un especial de la BBC en favor de los niños. En 2001 fue víctima de un bulo que afirmaba que había muerto de sobredosis de heroína. En 2003, publicó un doble álbum, The Raven, basado en la obra de Edgar Allan Poe. En 2004, se publicó una remezcla de su canción "Satellite of Love" que alcanzó el número 10 en las listas inglesas.


Francis Paul Kossoff (14 de septiembre de 1950 en Hampstead, el noroeste de Londres, Inglaterra-19 de marzo de 1976) fue un guitarrista de rock mejor conocido como un miembro de la banda libre.
Kossoff-hijo del actor británico señaló David Kossoff-comenzó a tocar a mediados del decenio de 1960 y su primera actuación profesional fue con Gato Negro Huesos junto al baterista Simon Kirke. La banda hizo muchos espectáculos para apoyar a Fleetwood Mac y tanto Peter Green (Fleetwood Mac's guitarrista) y Kossoff mermelada y se pasan horas discutiendo blues de juego y los jugadores. Gato Negro Huesos también juega con las giras de blues piano Champion Jack Dupree. Ambos Kossoff y Kirke iría a desempeñar en el álbum Dupree cuando se sienta la sensación ....
En abril de 1968 la pareja trabajó en equipo con Paul Rodgers (cantante) y Andy Fraser (bajo) para formar Libre. Ellos hicieron el "tránsito" del circuito durante dos años y grabó dos álbumes: toneladas de Sobs (1968) y Libre (1969). Ambos álbumes lució la banda de blues y soul influido en el sonido, un estilo que estaba en contraste con algunos de sus progresiva de peso y sus homólogos en el momento.
El éxito llegó en 1970 cuando su tercer álbum, Fuego y Agua (1970), dio lugar a la enorme éxito "Todos los Derechos ahora". La banda tocó la isla de Wight Festival de audiencia a las dos y aclamación de los críticos. Sellout viajes en el Reino Unido, Europa, Japón y seguido, pero después de la liberación del próximo álbum, Highway (1970), banda presiones han provocado una escisión. El álbum en directo "Free Live, grabado en 1970, fue lanzado en 1971 como un registro de despedida. Si bien Fraser Rodgers y perseguido sin éxito en solitario proyectos, Kossoff Kirke y colaboró con Texas teclista John "Rabbit" Bundrick y japonés bajista Tetsu Yamauchi para liberar el 1971 álbum Kossoff, Kirke, Tetsu y Conejo.
Libre reformado y puesto en libertad el álbum por fin libres (1972). Tras su liberación Fraser decidió que había tenido suficiente y dejar de formar los tiburones. Libre redactado Tetsu Conejo y para el 1973 Libre álbum Heartbreaker (1973) tras lo cual el grupo se disolvió.
Rodgers y Kirke pasó a formar el éxito de Bad Company, mientras Kossoff publicó un álbum en solitario, Back Street Crawler (1973). A continuación, acompañado John Martyn en 1975 una gira antes de ensamblar un grupo llamado Back Street Crawler.
Back Street Crawler publicado dos álbumes: la orquesta sigue tocando en 1975 y la Segunda Calle en 1976. Las grabaciones de uno de sus conciertos en Reino Unido en 1975 también fueron liberados bajo el título Live at Croydon Fairfield Halls 15/6/75. Cuando Libre apoya la fe ciega en los Estados Unidos (1969), Eric Clapton ha impresionado lo suficiente como para pedir Kossoff para demostrar su vibrato técnica a él.
Kossoff la guitarra era también mucho de la demanda de período de sesiones de trabajo y contribuyó solos en varios discos entre ellos: Jim Capaldi's Oh Cómo Danced (1972), Martha's Veléz amigos y Ángeles (1969); Blondel's Mulgrave Street (1974); Tío Dog's Old Hat (1972), Michael Gately's Gately's Cafe (1971) y Mike Vernon 1971 del álbum llevarlo de vuelta a casa.
Él también desempeñó en cuatro demostraciones de Ken Hensley (puestos en libertad en 1994 el álbum titulado De vez en cuando) y tres pistas que aparecen en el CD-sólo cuestión de John Martyn's Live at Leeds álbum de 1975.
Un solo de guitarra inéditas también surgió en 2006 el título en el buen camino para el álbum Una Todos por David Elliot que grabó con Paul Kossoff en los años 70.
Jim Capaldi en 1975 del álbum en solitario a corto Cut Draw Blood, dos canciones fueron escritas acerca de fama Kossoff; Gaviota Boy y con un problema. Kossoff desempeñado llevar la guitarra en el segundo.
Kossoff del descontento con el final de su libre de drogas y adicciones contribuido a una drástica disminución en el guitarrista de la salud. En un vuelo procedente de Los Angeles a Nueva York el 19 de marzo de 1976, Paul Kossoff murió a causa de las drogas relacionadas con problemas de corazón. Fue 25. Fue incinerado y enterrados en el Golders Green crematorio.
A 16-pista de carrera retrospectiva, Koss, se publicó en 1977.
Los fines del decenio de 1990 se produjo un renovado interés en Kossoff, y otra carrera retrospectivo fue puesto en libertad, 1997 de la pista 14-Blue Soul (en realidad una reedición de un doble vinilo en libertad a partir de mediados del decenio de 1980 del mismo nombre), así como los cinco discos Libre box set Canciones de ayer, y un Tratado de Libre biografía titulada Heavy Load: The Story of Free


Peter Dennis Blandford Townshend (nacido el 19 de mayo de 1945 en Chiswick, Londres) es un influyente guitarrista y compositor británico de rock conocido principalmente por su trabajo con The Who.
Nacido en el seno de una familia musical (su padre Cliff era saxofonista profesional y su madre Betty cantante), Townshend demostró fascinación por la música siendo bastante joven. Fue expuesto tempranamente al rock and roll estadounidense (su madre sostiene que el veía repetidamente la película de 1956 "Rock Around the Clock") y obtuvo su primera guitarra gracias a su abuela a los 12 años, la que describió como una "Cheap Spanish thing" ("baratija española").
En 1961 Townshend ingresó en el Ealing Art College y un año más tarde, junto a su amigo de la Acton County Grammar School John Entwistle, fundó su primera banda, The Confederates, un dúo de Dixieland en el que estaban Townshend en el banjo y Entwistle en el corno francés. Pronto se unieron a The Detours, una banda de skiffle liderada por Roger Daltrey (quien en ese entonces trabajaba de soldador de hojas de metal), que, bajo el liderazgo de Townshend, se convertiría en The Who. Pronto fueron contratados por un publicista de Mod (movimiento juvenil) llamado Peter Meaden, quien les convenció de cambiar su nombre a The High Numbers (nombre que se refería a términos del movimiento). Luego de lanzar un single (Zoot Suit), comenzaron a trabajar con dos nuevos managers, Chris Stamp y Kit Lambert, lo que marcó el comienzo de The Who.
Las principales influencias de Townshend fueron Link Wray, John Lee Hooker, y Hank Marvin de The Shadows.
The High Numbers se volvió a llamar The Who. Los primeros sencillos que escribió Townshend para el grupo, incluyendo a "I Can't Explain," "Substitute," y "My Generation", unieron un sentido lírico irónico y psicológicamente astuto con música cruda e intensa, combinación que definiría a la banda. Durante los primeros días de la banda, Townshend se volvió popular por su excentricidad sobre el escenario, a veces interrumpiendo conciertos con largas introducciones de las canciones, girando su brazo derecho contra las cuerdas (conformando sus famosos "remolinos"), y a veces destruyendo sus guitarras en el escenario, golpeándolas contra los amplificadores y altavoces. Aunque la primera vez que destrozó su instrumento fue considerada un accidente, la destrucción de los instrumentos se volvió parte regular de las presentaciones de The Who. Townshend iba a relacionar estas acciones con las teorías de arte autodestructiva del pintor austríaco Gustav Metzger, a las que había sido expuesto en la escuela de arte.
The Who siguió progresando a pesar de la muerte de dos de sus miembros originales. Son considerados por muchos críticos como una de las mejores bandas en directo de fines de los años 1960 y principios de los años 1970, gracias a sus acciones en el escenario, el alto volumen y la energía de sus presentaciones.
Townshend siguió siendo el principal compositor del grupo, ya que escribió más de 100 canciones que aparecieron en los 10 álbumes de estudio de la banda. Entre sus logros más importantes se encuentra la creación de Tommy, para la que se creó el término "ópera rock", ser uno de los pioneros en el uso de feedback, y la introducción del sintetizador como instrumento de rock. Townshend siguió creando álbumes con historias que los unificaban a lo largo de su carrera, por lo que es considerado el músico más frecuentemente relacionado con el concepto de ópera rock. Townshend también demostró talento con su guitarra y fue influyente con ella, aunque el mismo afirmó en entrevistas que no entiende por qué es considerado un gran guitarrista.
Townshend ha sido un seguidor del gurú religioso Meher Baba, cuyas enseñanzas fue una importante fuente de inspiración para muchas de sus obras, incluyendo a Tommy y el proyecto no completado por The Who Lifehouse. La canción "Baba O'Riley," escrita para Lifehouse que eventualmente apareció en el álbum Who's Next, fue llamada así por Meher Baba y el compositor minimaista Terry Riley. Aunque las enseñanzas de Baba requieren abstinencia del alcohol y las drogas, Townshend ha tenido diversos problemas con el abuso de esas sustancias.
Además de su trabajo con The Who, Townshend ha estado esporádicamente activo como solista. Entre 1969 y 1971 Townshend, junto a otros seguidores de Meher Baba, grabó un trío de álbumes desconocidos dedicados a las enseñanzas del yogi's - I Am, Happy Birthday, y With Love. Como respuesta a los bootlegs de los mismos, compiló sus highlights (y "Evolution", una colaboración con Ronnie Lane), y lanzó su primer trabajo solista de importancia, Who Came First, en 1972, el cual tuvo éxito moderado y contenía demos de canciones de The Who y demostraba su habilidad con la guitarra acústica. En 1977 colaboró con Ronnie Lane (bajista de The Faces que también era devoto de Meher Baba) en un álbum llamado Rough Mix. El primer álbum verdaderamente solista de Townshend fue Empty Glass, que fue lanzado en 1980 y contenía el single top 10 "Let My Love Open the Door". A este álbum le siguió, en 1982, All the Best Cowboys Have Chinese Eyes, que incluía la popular canción "Slit Skirts". Durante el resto de los años 1980 y principios de los 90 vovlió a experimentar con el concepto de ópera rock, lanzando diversos álbumes basados en cierta historia, incluyendo White City: A Novel (1985), The Iron Man: A Musical (1989), y Psychoderelict (1993).
Townshend también tuvo la oportunidad de tocar con su héroe Hank Marvin para las sesiones Rockestra de Paul McCartney, y además de otros respetados músicos de rock como David Gilmour, John Bonham y Ronnie Lane.
Townshend ha grabado varios álbumes en directo, incluyendo uno en el que aparece un supergrupo que el conformó, llamado Deep End, que sólo tocó tres conciertos y una sesión para el programa de televisión "The Tube", para recaudar dinero para una caridad que ayudaba a los drogadictos. En 1984 Townshend publicó una antología de cuentos titulada "Horse's Neck". También confirmó que está escribiendo una autobiografía. En 1993 escribió y dirigió, junto a Des MacAnuff, una adaptación para Broadway del álbum Tommy, al igual que un musical menos exitoso basado en su álbum solista The Iron Man, basado en el libreo de Ted Hughes (MacAnuff y Townshend iban a co-producir más tarde la película animada The Iron Giant, basada en la misma historia de Hughes).
Desde mediados de los años 1980 hasta la actualidad, Townshend ha participado en una serie de giras de reunión y despedida con los miembros sobrevivientes de The Who.
Townshend sufre de sordera parcial y tinnitus como resultado de su exposición extensiva a música a alto volumen a través de auriculares y en conciertos, incluyendo uno notable en la década de 1970 en el que el volumen llegó a los 120 decibelios a 40 metros del escenario. Parte de su condición es a veces atribuida a una infame presentación de The Who de 1967 en el programa Smothers Brothers Comedy Hour, en la que Keith Moon colocó una gran cantidad de explosivos dentro de su batería y los detonó cuando Townshend estaba parado frente a ella. En 1989, Townshend aportó los fondos iniciales que permitieron la creación de la organización sin fines de lucro H.E.A.R. (Hearing Education and Awareness for Rockers).
Townshend conoció a Karen Astley, hija del compositor Ted Astley, en la escuela de arte y se casó con ella en 1968. La pareja se separó en 1994 pero aún no se ha divorciado. Tienen tres hijos, Emma (nacida en 1969), quien también es cantautora, Aminta (nacida en 1971), y Joseph (nacido en 1989). Por muchos años Townshend evitó emitir comentarios sobre los rumores acerca de su supuesta bisexualidad. Finalmente, en una entrevista de 2002 [1] con la revista Rolling Stone, explicó que, aunque experimentó brevemente con relaciones homosexuales en los años 1960, es heterosexual. Townshend actualmente vive con la música Rachel Fuller, a quien conoce desde hace varios años. Actualmente vive en Richmond, Inglaterra.
En el año 2003 Townshend recibió una "police caution" (alternativa a la prosecución de la policía británica) - dándole antecedentes penales - tras realizar un pago para acceder a un sitio de pornografía infantil en 1999. En su sitio oficial afirmó que estaba realizando una investigación para "A Different Bomb", un libro que nunca se terminó basado en un ensayo que publicó en su sitio. Townshend ha dicho que su autobiografía va a incluir la historia de como el mismo fue abusado sexualmente cuando era chico, un tema que apareció en Tommy. En febrero de 2006 se anunció una gira mundial de The Who para promover el primer álbum del grupo desde 1982.
A pesar de ser más conocido por su música, Pete Townshend ha estido involucrado extensivamente en el mundo literario por más de 3 décadas, escribiendo artículos para diarios y revistas, revisiones de libros, ensayos y disertaciones, libros y guiones.
Uno de sus primeros escritos salió en agosto de 1970 con las primeras nueve ediciones de "The Pete Townshend Page", una columna mensual que escribió para el diario de música británico Melody Maker. En la columna Townshend mostraba sus puntos de vista sobre diversos asuntos, como los medios, el estado de los lugares de conciertos de Estados Unidos y sistemas de dirección pública, mientras que mostraba el estado mental de Townshend durante la evolución de su proyecto Lifehouse.
Townshend también escribió tres ensayos largos para la revista Rolling Stone: el primero apareció en noviembre de 1970 y se llamó "In Love With Meher Baba", ya que hablaba sobre sus ideas espirituales. "Meaty, Beaty, Big and Bouncy," que hablaba detalladamente del compilado de The Who del mismo nombre, salió en diciembre de 1971, y en noviembre de 1977 salió un artículo llamado "The Punk Meets the Godmother,"
También en 1977, Townshend fundó Eel Pie Publishing, que se especializaba en títulos para niños, libros de música y publicaciones relacionadas con Meher Baba. Una librería llamada Magic Bus (como la canción popular de The Who del mismo nombre) fue abierta en Londres. The Story of Tommy, un libro escrito por Townshend y su compañero de la escuela de arte Richard Barnes sobre la creación de la ópera rock de Townshend de 1969 y su película de 1975 (dirigida por Ken Russell), fue publicada por Eel Pie en ese año.
En julio de 1983, Townshend obtuvo un trabajo como editor de adquisiciones para la editorial de Londres Faber and Faber. Sus proyectos más notables incluyeron editar la autobiografía del líder de The Animals Eric Burdon, "Crosstown Traffic" de Charles Shaar Murray (que fue premiado), y More Dark Than Shark de Brian Eno y Russell Mills, y trabajar con el Príncipe Carlos en un volumen de sus collection completa de discursos. Pete comisionó Like Punk Never Happened de Dave Rimmer, y fue editor de Steven Berkoff.
Dos años después de comenzar a trabajar en Faber and Faber, Townshend decidió publicar su propio libro. Horse’s Neck, publicado en mayo de 1985, fue una colección de pequeños relatos que escribió entre 1979 y 1984, sobre temas como la niñez, el estrellato y la espiritualidad. Gracias a su trabajo, Townshend se hizo amigo del ganador del premio Nobel y autor de Lord of the Flies, Sir William Golding, y del poeta premiado Ted Hughes (su amistad con Hughes lo llevó a interpretar musicalmente su historia The Iron Man, seis años más tarde).
Townshend escribió diversos guiones a lo largo de su carrera, incluyendo varios borradores de su proyecto Lifehouse, el último de los cuales (co-escrito con el dramaturgo de radio Jeff Young), fue publicado en 1999. En 1978, Townshend escribió el guión de "Fish Shop", una obra comisionada pero no completada por London Weekend Television, y a mediados de 1984 escribió el de White City, que llevó a un film corto.
En 1989, Townshend comenzó a trabajar en una novela titulada Ray High & The Glass Household, cuyo borrador fue más tarde enviado a su editor. Mientras la novela original sigue sin ser publicada, elementos de la historia fueron usados en el álbum solista de Townshend de 1993, Psychoderelict.
En 1993, Townshend escribió otro libro, "The Who’s Tommy", una crónica del desarrollo de la galardonada versión de Broadway de su ópera rock.
La creación de su sitio oficial, www.petetownshend.com, y su sitio comercial, www.eelpie.com, ambos en 2000, le dieron otro lugar para sus obras literarias. Algunos de sus ensayos fueron publicados online, incluyendo "Meher Baba – The Silent Master: My Own Silence" en 2001, y al año siguiente, "A Different Bomb," una crítica de la industria ponográfica infantil..
Su contribución literaria más reciente es The Boy Who Heard Music, una novela semi-autobiográfica llamada "The Boy Who Heard Music" publicada en forma de serie en su blog desde septiembre de 2005. La última parte fue publicada el 25 de febrero y se anunció que sería seguida por algún tipo de continuación musical.
Townshend firmó un acuerdo con Little, Brown publishing en 1997 para escribir su autobiografía, que supuestamente se llamaría "Pete Townshend: Who He?" y aún está incompleta. Larry David Smith habló sobre sus conceptos y caprichos creativos en su libro "The Minstrel's Dilemma" (Praeger 1999).
En los primeros días de The Who, Townshend tocaba guitarras eléctricas semi-huecas de 6 y 12 cuerdas Rickenbacker semi-hollow electric guitars primarily (particularmente el modelo Rose-Morris). Sin embargo, a medida que la destrucción de instrumentos se volvía algo común en las presentaciones del grupo, comenzó a usar guitarras más resistentes y baratas, como las Fender Stratocaster, Fender Telecaster, y varios modelos Danelectro. A fines de los años 1960 comenzó a usar los modelos "Special" de Gibson SG, como en los festivales de Woodstock y la Isla de Wight. La compañía cambió el diseño de ese modelo en 1972, por lo que Townshend comenzó a utilizar Gibson Les Paul Deluxes, a pesar de que por un tiempo fue buscando SGs antiguas por diferentes tiendas.
Durante los años 1980, Townshend usó principalmente Rickenbackers y modelos similares a los de Telecaster diseñados para el por Schecter y varios otros luthiers. Desde entonces ha usado la Fender Eric Clapton Signature Stratocaster.
Townshend también uso otras guitarras, incluyedo varios otros modelos de Gretsch, Gibson, y Fender. También usó guitarras acústicas de Guild, Takamine y Gibson J-200.
Hay varios modelos de guitarras de Pete Townshend de Gibson, como la Pete Townshend SG, Pete Townshend J-200, y tres Pete Townshend Les Paul Deluxes diferentes. La SG era claramente marcada como un modelo de edición limitada de Pete Townshend e incluía una caja especial y un certificado de autenticidad firmado por Pete. También ha habido una guitarra de Pete Townshend de edición limitada de Rickenbacker.
Desde principios de 1966 Townshend se convirtió en el portavoz de la banda, cuando fue entrevistado sin el resto de la banda para la serie de la BBC A Whole Scene Going admitiendo que la banda consumía drogas. A lo largo de esa década Townshend aparecía regularmente en las páginas de las revistas de música británicas, pero fue la larga entrevista con Rolling Stone de 1968 la que selló su reputación como uno de los intelectuales y teorizadores del rock.
Townshend dio muchas entrevistas a la prensa underground, estableciendo su reputación de comentarista honesto sobre la escena del rock. A eso se le sumaron los artículos que el mismo escribió (su columna mensual de en Melody Maker, y sus tres contribuciones a la revista Rolling Stone).
Al cumplir 30 años, Townshend contó al periodista Roy Carr que sentía que The Who estaba fallando y vertió comentarios ácidos sobre su compañero Roger Daltrey y otros importantes miembros de la escena rock británica. Tras la aparición de estos comentarios en la revista NME, Townshend tuvo problemas con sus compañeros de banda y dejó de dar entrevistas durante dos años. En 1982 Townshend usó a los medios para hablar sobre su adicción a la cocaína y la heroína. Muchos periodistas, con la revolución punk, comenzaron a rechazar a los viejos artistas de rock. Townshend atacó a dos de ellos, Julie Birchill y Tony Parsons, en la canción "Jools And Jim" de su álbum Empty Glass, después de que hicieran comentarios despectivos sobre el ya fallecido Keith Moon. Otros periodistas criticaron a Townshend por traicionar su idealismo de sus primeras entrevistas cuando The Who participó en una gira patrocinada por Miller Brewing en 1982.
En 1990 salió un libro de entrevistas por Timothy White llamado Rock Lives, en el que aparece una entrevista en que Townshend habla sobre el significado de su canción "Rough Boys", que daba la impresión de que era gay o bisexual, y los tabloides ingleses expandieron ese rumor por todo el mundo. Townshend no habló sobre esto por respeto a sus amigos gays, hasta una entrevista de 1994 con la revista Playboy.
Townshend no mostró predilección por las creencias religiosas en los primeros años de The Who y muy pocos podrían haber sospechado que el violento "machacador" de guitarras fuera un monaguillo. Sin embargo, hacia enero de 1968 Townshend empezó a explorar ideas espirituales. En enero de 1968, The Who grabaron su canción "Faith in Something Bigger" (Odds and Sods LP) (la traducción del título al castellano sería "Fe en algo mayor"). Más tarde durante el mismo mes durante un tour en Australia y Nueva Zelanda, Ronnie Lane, miembro de The Small Faces, le presentó a Townshend los escritos del Indio "perfecto maestro" Meher Baba.
Townshend había leido todos los escritos que pudo encontrar de Meher Baba, y para Abril de 1968, se anunció como seguidor de la disciplina de Baba. Fue en ese entonces que Townshend, quien estaba buscando por años una base para una opera de rock, creó una historia inspirada por las enseñanzas de Baba y otros espiritualiztas indios que al final se convertiría en Tommy.