Cartel

domingo, 22 de junio de 2008



Berkeley, California nativo John Cipollina (24 de agosto de 1943 - 29 de mayo de 1989), músico, es mejor conocido por su trabajo con el de San Francisco banda de rock Quicksilver Messenger Service.
Tenía un sonido de guitarra único, mezcla de estado sólido y amplificadores de válvulas tan temprano como 1968. Jugó con el dedo de la mano coge y se ha utilizado un whammy bar extensamente, que explicó a Jerry Garcia es para compensar la debilidad de su izquierda (trémolo). Aún más inusual, que concede cuatro wurlitzer cuernos en la parte superior de su distintivo amplificador pila. Su estilo era muy melódica y expresiva.
estado sólido - Valve - 1968 - Finger recoge - Whammy bar - Jerry Garcia - Wurlitzer
Cipollina murió a la edad de 46 años de enfisema después de toda una vida de enfermedad.


Dick Dale no era apodado "el rey de Surf Guitar" para nada: él prácticamente inventó el estilo solo, y no importa que copian o ampliadas a su plan, se mantuvo la fieriest, técnicamente más dotados músico del género jamás producidas. Dale pionero de la utilización de Oriente Medio y Europa oriental melodías (adquirida orgánicamente a través de su patrimonio familiar) fue uno de los primeros en cualquier género de la música popular de América, y es anterior a la enseñanza de esos "exóticos" en las escalas de guitarra-trituradora academias de dos décadas. La velocidad vertiginosa de su sola nota staccato picking técnica fue rival hasta que entró en el repertorio de metal virtuosos como Eddie Van Halen, y su salvaje espectáculo hizo una enorme impresión en los jóvenes Jimi Hendrix. Trabajando en estrecha colaboración con la compañía Fender, Dale continuamente empujado los límites de la tecnología de amplificación eléctrica y contribuir al desarrollo de nuevos equipos que fue capaz de producir el grueso, claramente definidos los tonos que escucha en su cabeza, a los anteriormente inimaginables-de los volúmenes que exige. También fue pionera en el uso de portátiles efectos de reverberación, la creación de una firma sónica textura de surf instrumentales. Y, si todo esto fuera poco, Dale conseguido redefinir su instrumento mientras esencialmente jugando boca abajo y hacia atrás - pasó a las partes para poder jugar zurdo, pero sin re-stringing (como Hendrix hizo más tarde) .

Dick Dale nació Richard Monsour en Boston en 1937, su padre era libanés, su madre polaca. Como un niño, fue expuesto a la música popular de ambas culturas, que tuvieron un impacto en su sentido de la melodía y las formas instrumentos de cuerda podría ser recogidos. Él también escuchó los lotes de big band swing, y encontró su primer héroe musical en el baterista Gene Krupa, que más tarde la herida hasta que influyen en un enfoque de percusión a la guitarra tan intenso que regularmente Dale rompió el más pesado de vía cadenas de terreno disponible y su coge nada hasta varios a veces la misma canción. Él enseñó a sí mismo para jugar canciones país en el ukelele, y pronto se graduó a la guitarra, donde también fue autodidacta. Su padre le animó y se ofreció orientación profesional, y en 1954, la familia se mudó a California del Sur. Por sugerencia de un país DJ, Monsour adoptó el nombre artístico Dick Dale, y comenzó a realizar en muestra de talento local, donde su incipiente interés en rockabilly le hizo un acto popular. Grabó un demo de la canción, "Ooh Whee-Marie," para los locales Del-Fi etiqueta, que más tarde fue puesto en libertad como una sola a su padre el nuevo Del-tonos pie de imprenta y distribuidos localmente. Durante los últimos años 50, Dale también se convirtió en un ávido surfista, y pronto se dedicó a encontrar formas para imitar los sonidos y la creciente sensación de este deporte y el océano en su guitarra. Él rápidamente desarrollado un elevado carácter distintivo sonido instrumental, y se encontró un entusiasta, ready-made de audiencia en su navegante amigos. Dale comenzó a tocar conciertos regulares en el Rendezvous Ballroom, una vez desaparecida concierto lugar cerca de Newport Beach, con su respaldo la banda Del-Tonos; como palabra propagación y conciertos en otras salas locales siguieron, Dale se convirtió en un éxito entre la atracción, aprovechando 1000s de los aficionados a cada función. En septiembre de 1961, Del-tonos Dale liberados del single "Let's Go Trippin '", que es generalmente reconocido como la primera registrada de surf instrumental.

"Let's Go Trippin '" fue un gran éxito local, e incluso trazado a nivel nacional. Dale dio a conocer un poco más local singles, incluyendo "Jungle Fever", "Miserlou", y "Surf Beat", y en 1962 publicó su (y la música surf) primer álbum, el pionero Surfer's Choice, en Del-tonos. Surfer's Choice vendidos como hotcakes en todo el sur de California, Dale que ganó un contrato con Capitol Records y la distribución nacional de Surfer's Choice. Dale apareció en la revista Life en 1963, lo que llevó a apariciones en El Ed Sullivan Show y el Frankie / Annette película Beach Party; él también liberado el seguimiento de LP Rey del Surf Guitar, y se dirigió a la expedición de otros tres álbumes en Capitolio a través de 1965. Durante ese tiempo, desarrolló una estrecha relación de trabajo con Leo Fender, que mantienen la ingeniería más grandes y mejores sistemas de sonido en respuesta a Dale el apetito para más alto y más maniacally enérgicas actuaciones en directo.

Surf música se convirtió en una moda nacional, con grupos como los Beach Boys y Jan & Dean ofrece una variante de vocales para completar la ola de grupos instrumentales, todas las cuales fueron en deuda de alguna manera a Dale. Pero en 1964, la British Invasion robó mucho de surf del trueno, y Dale fue eliminado por Capitol en 1965. Él sigue siendo un éxito entre la ley local, pero en 1966, fue diagnosticado con cáncer del recto, lo que le obligó a retirarse temporalmente de la música. Venció la enfermedad, sin embargo, y muy pronto comenzó a perseguir otros intereses: la propiedad y el cuidado de una variedad de animales en peligro de extinción, el estudio de las artes marciales, el diseño de sus padres la casa, y aprender a piloto de aviones. En 1979, un pinchazo sufrido la herida, mientras que el surf fuera de Newport Beach dado lugar a una contaminación relacionados con la infección que casi le costó la pierna; Dale pronto activista ambiental añadido a su curriculum vitae. Además de todo eso, Dale realizan de vez en cuando alrededor de todo el sur de California el 70 y 80.

En 1986, Dale trató de montar una vuelta. La primera vez que registró un beneficio único para la UC-Irvine Medical Center de la unidad de grabación (que él había ayudado a recuperarse de lesiones potencialmente graves), y al año siguiente apareció en la playa-movie sendup Volver a la playa. La banda sonora ofreció un dúo entre Dale y Stevie Ray Vaughan en los Chantays' surf básicos "Pipeline", el cual fue nominado para un Grammy al Mejor Instrumental Rock. En 1991, Dale hizo un invitado al contado en un álbum de la sede en San Francisco Psychefunkapus, y el éxito de concierto del Área de la Bahía se le firmados con Hightone Records. El álbum tribales Trueno fue puesto en libertad en 1993, pero Dale la vuelta no llegó en su apogeo hasta que, en 1994, "Miserlou" fue elegido como el tema de apertura a Quentin Tarantino 's exitosa película Pulp Fiction. "Miserlou" se convirtió en sinónimo de Pulp Fiction de la ultra-cadera sentido del estilo, y pronto se licencia en innumerables comerciales (al igual que varios otros Dale pistas). Como resultado de ello, Tribal Thunder 1994 y su seguimiento Territorio Desconocido atraído mucha atención, ganando los comentarios positivos y sorprendentemente fuerte de ventas. En 1996, apoyó el álbum Beggars Banquet Llamada de bebidas espirituosas de unirse a la normalmente punk-ska y orientada hacia el Warped Tour. Agregando a su mujer y los jóvenes que juegan al tambor hijo a su banda, Dale reorientado a viajar en los próximos años. Por último, volvió con un nuevo CD en 2001, Desorientación espacial, publicado en el pequeño Sin-Drome etiqueta.


George "Buddy" Guy (30 de julio, 1936) es un guitarrista y cantante de blues estadounidense. Es conocido por ser un innovador de la guitarra, dentro del Blues de Chicago y es una de las mayores influencias para muchos guitarristas, como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, por nombrar a algunos. Ganó cinco veces un Premio Grammy.
Guy aprendió guitarra utilizando un diddley bow que el mismo construyó. A medida que iba aprendiendo a tocar, un familiar le regaló una guitarra acústica, que ahora forma parte de la exposición de la Rock and Roll Hall of Fame.
A principios de la década de 1950, empezó tocando en bandas de la zona de Baton Rouge, Louisiana. En 1957 se mudó a Chicago a probar suerte. Muddy Waters lo vió tocar y lo tuvo como colaborador part-time. En 1958, en una competencia de jóvenes promesas organizada por los guitarristas del West-Side, Magic Sam y Otis Rush, Guy fue ganador del certámen, haciendose acreedor a un contrato de grabación.
Buddy tiene la increíble capacidad de ir de un espectro a otro. Puede tocar con el silencio más silencioso que jamás hayas oido ¡y también puede tocar de la forma más ruidosa que jamás hayas oido!. Yo acostumbro tocar fuerte, la mayoría de las veces, pero los tonos de Buddy son sencillamente increíbles... ¡el puede ponerle tanta emoción usando tan poco volumen!


Como un socio fundador de los Títeres legendarios, el guitarrista Ron Asheton siempre cambió la cara de rock and roll, sus figuras rítmicas crudas, primordiales que presagian la subida de punk antes de una década. Nacido el 17 de julio de 1948 en Washington, C.C., él primero emergió en el adolescente atan las Vergüenzas Sucias antes de la conexión del Iggy Títeres Conducidos por pequeños explosión en 1967; Ana Arbor, MI-based el grupo hizo su estreno vivo sobre el Halloween de aquel año, ganando la notoriedad inmediata para su presencia terriblemente intensa viva y abrasador, el sonido.
Aunque celebrado en ciertos círculos subterráneos, la cinta - también la comprensión del hermano de tambor de Asheton Scott y bajista Dave Alexander - de otra manera casi mundialmente fueron insultados, pero de todos modos ellos fueron firmados por Elektra para registrar su estreno de 1969 autotitulado LP; el álbum vendido mal, como hizo sus sucesores (la Casa de Diversión de los años 1970 y el Poder Crudo del 1973), pero el impacto a largo plazo de los Títeres eran incalculables - en efecto, su agresivos, el acercamiento " no toma a ningunos prisioneros " puso el trabajo preliminar para la aparición de punk.
Después de que los Títeres se desintegraron tras el fracaso comercial del Poder Crudo, los hermanos Asheton formaron la Nueva Orden(Pedido) efímera, publicando(emitiendo) LP autotitulado sobre RCA en 1978; Ron después emergió en el equipo de culto de Detroit célebre Destruyen Todos los Monstruos, que eran brevemente los queridos de la música británica siguen la fuerza de individuales(solteros) de era de punk como "Aburrido" " y Encuentra la Camilla. "
En 1981, él unió la ex-radio Birdman miembros Deniz Tek y Robar Más jóven en su supergrupo subterráneo la Nueva Raza(Carrera), la grabación LP vivo el Primero y el Último; tranquilo para la mejor parte de la década que siguió, Asheton devuelto al deber(impuesto) activo musical durante mediados de los años 1990, grabación Delgada(Fina), Delgada y Ninguno con el Conjunto vacío también combinando con el muchacho Destruye Todo el alumbre de Monstruos Niágara para liberar el Último Gran Paseo bajo el nombre el Carnaval Oscuro. Él también combinó del Brazo de Señal de Mudhoney, Miguel Watt y la Juventud Acústica Thurston Moore y Steve Shelley en el proyecto único el Wilde Rattz, la grabación un puñado de pistas para el Terciopelo de drama de película de rock era glam del 1998 la Mina de oro.

sábado, 21 de junio de 2008



Stephen stills nació el 3 de enero de 1945 en Dallas, Texas. Hijo de un militar que llevó a su familia a vivir en algunos países latinoamericanos, donde conoció y se aficionó por los ritmos latinos, que desarrollaría en Buffalo Springfield y en solitario, colaboró con el acordeonista Flaco Jiménez de los Texas Tornados en una versión de "Change partners". Conoció a Furay en los "Au Go Go Singers", con los que en 1964 graban "They call us Au Go Go Singers". Abandona el grupo y viaja a Los Angeles para presentarse al casting de los Monkees y no es seleccionado, pero sí lo es su amigo Peter Tork, por lo que Stills colaborará en ocasiones con ellos. Después de la separación de Buffalo Springfield, graba un disco con Al Kooper y Mike Bloomfield (Supersession), antes de formar Crosby, Stills y Nash. Aunque sigue su carrera en solitario con discos como "Stephen Stills"(1970), "Stephen Stills"(1971), "Stills"(1975), "Illegal Stills"(1976), etc. Forma el grupo Manassas, con Chris Hillman (de los Byrds), Al Perkins, Joe Lala, y otros músicos. Graban dos L.P.s, "Manassas" (1972) y "Down the road" (1973). Durante los años 80 y 90, su carrera se va diluyendo, al margen de las reuniones con Crosby, Nash y Young, que se repiten periódicamente.


Mark Knopfler nació en Glasgow, se mudó con su familia a Newcastle a mediados de los 50. Aprendió a tocar la guitarra cuando era un adolescente. En 1966, con tan sólo 16 años, debutó en televisión cantando la canción "Chilly Winds" con Sue Hercombe. Incluso llegó a grabar una maqueta llamada "Summer's Coming Our Way" (que no se conserva). Tras completar su educación de literatura inglesa, se trasladó a Leeds a comienzo de los 70. Trabajaba para los periódicos Yorkshire Evening Post y el Loughton College. En esta época es cuando conoció a Steve Phillips con el que entabló amistad y grabó varias canciones de country que no verían la luz hasta 1996 cuando Steve Phillips publicara el álbum Just Pickin' con una serie de canciones grabadas entre finales de los 60 y mediados de los 70 con distintos músicos. Steve y Mark volverían a encontrarse en sus carreras musicales con la formación del grupo Notting Hillbillies.
Mark se trasladó a Londres con su hermano, David Knopfler. Mark pasó a formar parte de un grupo llamado Brewer's Droop que había publicado ya un álbum Opening Time. En 1973, grabaron su segundo álbum, Booze Brothers, producido por Dave Edmunds de Rockpile. Sin embargo, por diversos problemas, el álbum no fue publicado hasta 1989. Durante la grabación, Mark conoció al batería del grupo, Pick Whiters.
Una vez disuelto el grupo "Brewer's Droop", Mark volvió a la rutina viviendo con su hermano. En 1977, durante una fiesta, Mark conoció a John Illsley, que tocaba el bajo. Fue entonces cuando decidieron formar un grupo: Mark, su hermano David, John y el antiguo batería de "Brewer's Broop", Pick Withers. En un comienzo, el nombre de la banda fue "Cafe Racers". Interpretaban su repertorio (principalmente compuesto por Mark, aunque con canciones de David y versiones de otros músicos) en los pubs de Londres, como otras muchas bandas británicas del momento (lo que acabó conociéndose como Pub rock). Finalmente, fue Pick el que propuso cambiar el nombre a Dire Straits (que en inglés viene a significar "malos momentos") debido a la penosa situación económica que vivían en aquellos días.
En 1978, consiguen publicar su primer álbum, titulado simplemente Dire Straits. Generó el éxito Sultans of Swing. Tras ese álbum, continuaron publicando discos a medida que el personal de la banda iba cambiando. David y Mark se enfrentaron por el protagonismo que tenía este último dento de la banda. Durante los 80, la banda evolucionó musicalmente hacia una mayor complejidad mientas que se convertía en un conjunto de músicos más variado y más grande. En 1985, tan sólo John y Mark continuaban en la banda. Fue entonces cuando publicaron Brothers In Arms, un éxito sin precedentes que les lanzó definitivamente. Artistas de la talla de Sting y Eric Clapton colaboraron con la banda en ésta época.
Tras una etapa de silencio a finales de los 80, Dire Straits volvió comienzos de los 90 con el que sería su último álbum, con una clara influencia country. No consiguió las mismas ventas que "Brothers in Arms" y tuvo críticas polarizadas. Finalmente, en 1995 la banda se disolvió.
Knopfler se había ganado una cierta reputación como músico de estudio. En 1979 Bob Dylan le llamó para las sesiones de Slow Train Coming, que incluye la conocida "Man Gave Names To All The Animals". Dylan había escuchado el single de "Sultans of Swing" y le había contactado el 29 de marzo tras un concierto en Los Ángeles. Para la grabación en Alabama, Knopfler recomendó a Pick Withers, baterista de Dire Straits.
En 1983, mientras tocaba con Dire Straits, Knopfler compuso la primera de una larga serie de bandas sonoras, "Local Hero", en la que colaboraron la mayoría de sus compañeros. A Guy Fletcher, teclista que se incorporó a la formación poco después, lo conocieron en 1984, durante la grabación de una de estas bandas sonoras. Fletcher seguiría colaborando con Knopfler en su carrera en solitario y en otras bandas sonoras como la de Last Exit To Brooklyn (1989): su trabajo más ambicioso como compositor. El estilo de Knopfler en sus bandas sonoras se acerca en general al sonido llamado celta ("Local Hero", "Cal", "A Shot At Glory") aunque también se pueden encontrar ejemplos de otros estilos como el country ("La Cortina de Humo"). En 1993, se publicó Screenplaying; una recopilación de los mejores temas de algunas de sus bandas sonoras.
En la etapa de silencio de Dire Straits a finales de los 80, Mark se encontraba saturado del esfuerzo que había supuesto la gira mundial del álbum "Brothers in Arms". Además, el estilo musical de la banda, le impedía publicar canciones más personales de estilos más minoritarios como el country o el blues. Por ello, en esos años en los que Dire Straits no publicaba nada, Mark aprovechó para publicar un disco con el guitarrista de country Chet Atkins en 1990 (más adelante, en el año 2006, volvería a publicar un álbum de country en colaboración con otro músico, la cantante Emmylou Harris). En 1988 vuelve a colaborar con Bob Dylan en Down in the Groove, en el que coincide con otros grandes, como Clapton. Con Steve Phillips, Brendan Crocker y Guy Fletcher agrupó la banda Notting Hillbillies, que publicó un sólo álbum de estudio, aunque se han reúnido con frecuencia para hacer giras a lo largo de los 1990.
A mediados de los 90, Mark se sentía cada vez menos libre como músico dentro de Dire Straits. Este sentimiento junto con el hecho de que el último álbum de la banda había tenido un recibimiento tibio, hicieron que Mark decidiera lanzar una carrera en solitario plena tras la disolución de Dire Straits. En 1996, Golden heart vio la luz. En él, encontramos una serie de canciones que continúan el estilo de los últimos álbums de Dire Straits; pero al mismo tiempo encontramos otras canciones impensables en un álbum de pop-rock al uso como Dire Straits solía publicar. En este álbum comenzó a tocar con una serie de colaboradores que serían denominados por el propio Knopfler como "The 96ers" (que viene a significar algo así como "los del 96") y con los que seguiría colaborando en adelante. Digno de mención es la colaboración de los intérpretes de música celta del grupo The Chieftains.
Alejándose progresivamente del estilo que había seguido en los 80, Knopfler publicó Sailing to Philadelphia en el año 2000; con un estilo principalmente de blues. En él colaboraban músicos como Van Morrison, James Taylor o el dúo de Squeeze. Más tarde, llegó The Ragpicker's Dream en 2002 con un estilo folk.
En 2003, Mark Knopfler sufrió un accidente de moto en Londres que le obligó a cancelar su gira mundial. A finales de 2004, publicó el álbum Shangri-La, grabado en el estudio Shangri-La en Malibu; donde grabaron grupos como The Band.
En 2006, Mark Knopfler junto a Emmylou Harris publican el álbum "All the Roadrunning",en el que se recogía colaboraciones entre los dos músicos entre los años 2000 y 2006. El lanzamiento vino acompañado por conciertos en Europa y America durante el año 2006; que dieron lugar al álbum en directo y DVD "Real Live Roadrunning".
El 10 de septiembre de 2007, salió el que hasta la fecha es el último álbum de Mark Knopfler,"Kill to get crimson", en el cual se cuentan las colaboraciones del ex-Dire Straits, Chris White en el saxo tenor, Guy Fletcher en los teclados y Danny Cummings en la percusión. Para este nuevo álbum, Knopfler rompió con la que venía siendo formación habitual de su banda desde mediados de los 80 (dos guitarristas, dos teclados, un bajo y una batería) para pasar a una banda mucho más pequeña (una guitarra, un teclado, un bajo y una batería). Con ello, buscaba alcanzar el estilo musical de las canciones de los años 60.
Mark Knopfler tiene dos hijos gemelos (Benji y Joseph, de su segundo matrimonio), y dos hijas, Isabella y Katya Ruby Rose (del actual); tiene un título en literatura inglesa de la universidad de Leeds, la universidad de Newcastle le ha concedido un título honorífico en música


Tom Morello creció en Libertyville, IL. El nombre de su madre es Mary Morello, quien es la fundadora de "Parents for Rock & Rap" , es una organización contra la censura. Su padre fue un militar que estuvo en la batalla de Mau-Mau que liberaba a Kenya de órdenes británicas. Su educación política, dice él: "empezó el primer minuto que tuve piel café y entré a un jardín de infancia interracial".
Fue a una guardería en Libertyville donde una niña blanca le decía constantemente "negrata" y otras frases racistas, y aunque él no sabía que quería decir, cuando se lo contó a su madre, ella le enseñó información sobre Malcolm X, y habló con él. Al día siguiente, la niña le dijo las mismas cosas de nuevo, y el le contestó: "¡Cállate blanquita!" y le pegó un puñetazo en la cara.[1]
Vivió en Libertyville casi toda su vida y estaba en el club de teatro del colegio y se interesaba en las políticas marxistas. También resulta ser un fanático de la ciencia-ficción, debido a numerosas referencias que han salido durante los años, como el título del disco de "Lock Up", que fue basado en la novela de Ray Bradbury "Something wicked this way comes"; siendo más joven estuvo en un grupo llamado "Electric Sheep", este nombre fue tomado del título de la novela de Phillip K. Dick "¿Sueñan los androides con ovejas electricas?", que luego fue llevada al cine como "Blade Runner". Finalmente, "Radio Free L.A." fue una adaptación del título de otra novela del señor Dick "Radio Free Albermuth". Dick fue un escritor que usualmente expresaba desilusión y establecía el orden del Universo.
Su primera experiencia con la guitarra, la tuvo cuando oyó una canción de KISS que quería tocar. Le pagó 5 dólares a una persona para que le enseñara, pero desafortunadamente, lo primero que le enseñó fue como afinar la guitarra. Tom volvió la siguiente semana, pagó otros 5 dólares, y le enseñaron la nota "Do". Eso fue todo para él, no volvió a tocar guitarra en varios años. Después oyó una canción de los "Sex Pistols", y también pensó que podría demostrar sus sentimientos e ideas políticas por medio de la guitarra, así que aprendió a tocar. Formó una banda llamada "Electric Sheep" con su compañero de colegio Adam Jones de Tool. Estudió en la Universidad de Harvard, donde se graduó en Historia. Aquí es cuando comenzó a practicar obsesionadamente, casi 8 horas diarias con la guitarra. Después todos sus amigos de Harvard terminaron siendo doctores, abogados, etc, Tom se fue para Los Ángeles, porque supuestamente ahí era donde tenía que ir uno para formar una banda de rock.
Llegó sin nada, excepto con un estuchito de aluminio de Harvard para guardar números de teléfonos. Empezó su carrera rockera, tocó en muchas bandas pero ninguna tuvo éxito. Empezó a dar clases de guitarra para poder vivir, hasta que consiguió trabajo como el secretario del senador de California. Fue despedido cuando una mujer llamó quejándose de que unos negros se estaban mudando en su vecindario, y él le dijo a la mujer que tal vez el problema no eran ellos, sino el hecho de que ella era una racista. Luego formó un grupo llamado "Lock Up", donde él hacía los coros.
Conoció a Zack de la Rocha, y formó Rage Against The Machine, en donde destacó por sus iracundas letras y filosofía anti-sistema.
Tras 9 años con el grupo, (1991-2000) Zack deja el grupo. El resto de la banda, con el ex vocalista de Soundgarden, Chris Cornell, forma el grupo Audioslave. Después de tocar en una banda sin fines políticos como Audioslave, en 2003 volvió al activismo político tocando música folk con el seudónimo de The Nightwatchman él al principio no tenía planes de grabar disco, pero después grabó la canción "No One Left" para "Songs and Artists that Inspired Fahrenheit 9/11". En febrero del 2007, anunció el lanzamiento de un álbum como solista, One Man Revolution, el cual fue lanzado el 24 abril en los Estados Unidos y el 7 de mayo para todo el mundo. Actualmente se espera una nueva reunión del grupo Rage Against The Machine o el lanzamiento de un nuevo disco por parte de los mismos, tras la inmediata disolución de Audioslave que se dio tras publicar su último disco, además de las actuaciones que tuvo la formación original de Rage Against The Machine con Zack de la Rocha como cantante recientemente.


El guitarrista Freddie King montó a caballo a la fama a principios de los años 60 con una crecida de los instrumentales pegadizos que se hicieron el forraje de quiosco de música inmediato para bluesmen de muchacho(colega) y conjuntos rock blancos igualmente. El empleo de un más poco exigente (mancha y picos de dedo) el acercamiento al B.B. El estilo de cuerda sola de rey de juego, Rey disfrutó del éxito sobre una variedad de etiquetas diferentes de registro. Además, él era uno de primer bluesmen para emplear un grupo racialmente integrado teatral detrás de él. Bajo la inflluencia de Eddie Taylor, Jimmy Rogers, y Robert junior. Lockwood, el Rey continuó a influir el gusta de Eric Clapton, Mick Taylor, Stevie Ray Vaughan, y Lonnie Mack, entre muchos otros.
Freddie King (quien al principio fue facturado como "Freddy" temprano en su carrera) fue nacido y levantó en Gilmer, TX, donde él aprendió como jugar la guitarra como un niño; su madre y tío lo enseñaron el instrumento. Al principio, el Rey jugó el blues rural acústico, en la vena de Lightin ' Hopkins. En el tiempo él era un adolescente, él había crecido para gustar los sonidos ásperos, electrificados de blues de Chicago. En 1950, cuando él tenía 16 años, su familia movida a Chicago, donde él comenzó a frecuentar clubs de blues locales, escuchando a músicos como Aguas Fangosas, Jimmy Rogers, Robert junior. Lockwood, Pequeño Walter, y Eddie Taylor. Pronto, el guitarrista jóven formó su propia cinta, Cada Muchachos de Blues de Hora, y se realizaba.Al mediados - los años 50, el Rey comenzaron a aprovecharse de sesiones para Parrott y Registros De ajedrez, así como jugar con los Gatos de Blues de Earlee Payton y la Pequeña Cinta de Tonelero Sonny. Freddie King no cortó su propio registro hasta 1957, cuando él registró " el Muchacho de País " para la pequeña etiqueta independiente la Abeja el-. El solo fracasado ganar mucha atención.
Tres años más tarde, el Rey firmó con Registros Federales, una filial de Registros de Rey, y registró su primero solo para la etiqueta, " Usted tiene que Amarla con un Sentimiento, " en agosto de 1960. El solo aparecido el mes siguiente y se hizo un golpe menor, raspando el inferior de la pequeña explosión traza a principios de 1961. " Usted tiene que Amarla con el Sentimiento " fue seguido " del Puesto Lejos, " la canción que se haría la melodía de firma de Freddie King y la grabación más influyente. " El puesto Lejos " fue adaptado por el Rey y la Magia Sam de un Perro de Sabueso el instrumental de Taylor y nombrado una de las barras más populares en Chicago. El solo fue liberado como el Lado de b " de Amo a la Mujer " (sus individuales(solteros) figuraron un vocal Aparte y un Lado de b instrumental) en la caída 1961 y esto se hizo un golpe principal, alcanzando número cinco sobre el RB traza y número 29 sobre la pequeña explosión traza. A lo largo de los años 60, " el Puesto Lejos " era uno del blues de canciones necesario y cintas de barra de seguridad de roca a través de América y Inglaterra tuvo que jugar durante sus falúas.El primer álbum del rey, Freddy King Canta, apareció en 1961, y fue seguido más tarde ese año por Van a Ocultarse Lejos y el Baile Lejos con Freddy King: Estrictamente Instrumental. A lo largo de 1961, él resultó una serie de instrumentales - incluyendo "San-Ho-Zay", " el Tropezón, " " y soy Derribó " - que se hizo clásicos de blues; cada uno de la Magia Sam y Stevie Ray Vaughan a Dave Edmunds y Peter Green cubrió el material del Rey. " El blues de Silbido Solitario, " " San-Ho-Zay, " " y soy Derribó " todos se hicieron Diez primeros RB golpes ese año.
Freddie King siguió registrando para Registros de Rey hasta 1968, con un segundo álbum instrumental (Freddy King Le da una Bonanza de Instrumentales) apareciendo en 1965, aunque ninguno de sus individuales(solteros) se hiciera golpes. Sin embargo, su influencia fue oída en todas partes del blues y guitarristas de roca a lo largo de los años 60 - Eric Clapton hecho " el Puesto Lejos " su número de escaparate en 1965. El rey firmó con Atlántico/Cotillón a finales de 1968, liberación Freddie King Es los Maestros de Blues el año siguiente y Mi Compadecencia al Blues en 1970; ambas colecciones fueron producidas por el Rey Curtis. Después de su liberación, Freddie King y Atlántico/Cotillón separaron caminos.El rey aterrizó un nuevo contrato de registro con el Refugio de León Russell Registra a principios de 1970. El rey registró tres álbumes para el Refugio a principios de los años 70, todo lo cual se vendió bien. Además de ventas respetables, sus conciertos eran también bastante populares entre tanto con el público de roca como con el blues. En 1974, él firmó un contrato con Registros de RSO - que era también la etiqueta de registro de Eric Clapton - y él liberó al Ladrón, que fue producido y registrado con Clapton. Después de la liberación de Ladrón, Rey viajó América, Europa, y Australia. En 1975, él liberó su segundo RSO el álbum, Más grande Que la Vida.
A lo largo de 1976, Freddie King viajó América, aun cuando su salud comenzara a disminuir. El 29 de diciembre de 1976, el Rey murió de paro cardíaco. Aunque su ida fuera prematura - él tenía sólo 42 años - la influencia de Freddie King todavía podría ser oída en el blues y décadas de guitarristas de roca después de su muerte


David Evans nació en Barking, Inglaterra, hijo de Garvin y Gwenda Evans, ambos de origen galés. Cuando tenía sólo un año, su familia se mudó a Dublín, Irlanda, donde tiempo después estudiaría en el St. Andrew's National School.[1]
Siendo conocido por no relacionarse mucho con sus compañeros de secundaria, tomó clases de piano y guitarra. A menudo tocaba con su hermano Dick Evans, antes de responder a un anuncio colocado por Larry Mullen Jr. buscando músicos para formar una banda de rock, que en un primer momento se nombró Feedback y luego The Hype. Su hermano Dick dejó el grupo para irse con los Virgin Prunes.[1]


Warren Haynes nació el 6 de abril de 1960 en Asheville, Carolina del Norte, EEUU. Es un guitarrista americano de rock y blues, vocalista y compositor y, por mucho tiempo, miembro de The Allman Brothers Band. Haynes también fundó y gestionó Evil Teen Records.
Además Haynes ha sido el cantante principal, guitarrista y compositor de la banda Gov't Mule, que fundó con su compañero en la Allman Allen Woody, con el batería de la que fue Dickey Betts Band, Matt Abts del mismo grupo. Además de tocar con la Allman Brothers y con Gov't Mule, Haynes ha grabado y realizado numerosas giras con antiguos miembros de Grateful Dead, ello sin abandonar una carrera en solitario. En 2004, fue incluido en el número 23 de la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos, publicada por la revista Rolling Stone, junto con sus compañeros en la Allman Brothers Band Duane Allman, Dickey Betts, y Derek Trucks


Highway 61, en español Autopista 61, también llamada "Blues Highway", se extiende desde Nueva Orleans, Louisiana, hasta Memphis, Tennessee, así como desde Iowa hasta la frontera con Canadá, pasando por Duluth, Minnesota, lugar de nacimiento de Bob Dylan. Es frecuente su referencia en canciones de blues, notablemente en "61 Highway", de Mississippi Fred McDowell. Por su parte, Robert Johnson se ha referido al cruce entre la Autopista 61 y la 49 como el lugar en el que vendió su alma al diablo. Elvis Presley creció en un barrio construido en las cercanías del lugar, mientras Martin Luther King, Jr. sería asesinado en un motel tras abandonar la Autopista 61.
"Muchas personas importantes en la cultura americana cruzaron esa autopista y ese río", comentaría Robert Shelton a la BBC. "Y en su juventud Dylan cruzó esa carretera. La autopista 61 es, creo, un símbolo de libertad, un símbolo de movimiento, de independencia y una oportunidad para largarse de una vida que no quería en Minnesota."
Mientras "Like a Rolling Stone" fue completado a mediados de junio de 1965, el resto del álbum sería grabado con un productor diferente, Bob Johnston, durante cuatro días de sesiones de grabación que tuvieron lugar tras la aparición de Dylan en el Newport Folk Festival de 1965. Las sesiones producirían, asimismo, el siguiente single de Dylan, "Positively 4th Street", no incluido en el álbum.
Antes de que Dylan grabara las canciones e incluso antes de componerlas, realizó una histórica aparición en el Newport Folk Festival, tocando dos sets. El primero de ellos fue un set acústico interpretado en la tienda de un compositor el sábado por la tarde.[2]
En el segundo set, Dylan se acompañó de una banda de blues eléctrica, con una mezcla de aplausos y abucheos por parte del público. Dylan abandonaría el escenario tras interpretar tres canciones. Los abucheos procedían en su totalidad de seguidores de la música tradicional folk que criticaron a Dylan en el mismo momento en que se colgó la guitarra eléctrica. Otras fuentes señalan que las quejas se produjeron básicamente por el pobre sonido y por el corto set.[2] Aún así, Dylan volvería a aparecer en el escenario para cantar dos canciones mejor recibidas que las anteriores, "It's All Over Now, Baby Blue" y "Mr. Tambourine Man".
Tras la crítica suscitada por el set eléctrico, el nuevo estilo de Dylan provocaría fuertes debates en torno a la música folk.[3] Según Andy Gill, "los viejos folkies estaban demasiado ocupados cantando "The Times They Are a-Chaging'" como para enterarse de que los tiempos en realidad habían cambiado."[1]
Entre 1964 y 1965, Dylan escribiría Tarantula, una novela que no sería publicada hasta 1971. Al menos, un extracto del libro serviría como fuente para componer una canción. Tal y como Dylan reconoció en 1966: "Me encontré a mí mismo escribiendo esta canción, esta historia, esta larga pieza de vómito de unas veinte páginas, y después tomé "Like A Rolling Stone"... Después de escribirla, no estaba interesado en escribir una novela."
El manuscrito original de veinte páginas ha sido descrito por su biógrafo Clinto Heylin como "una masa deforme de palabras cuya dirección es incierta." Después de ser reescrita en diez páginas, "no se llamaba de ninguna manera", recalcó Dylan, "sólo una cosa rítmica en papel, dirigido en alguna dirección que era honesta."
Cuando Dylan recuperó las fuerzas para grabar un nuevo álbum, él y Tom Wilson juntaron a cierto número de músicos para conformar una banda. Para la guitarra principal, Dylan reclutaría a un viejo conocido, Mike Bloomfield. En 1965, era guitarrista principal en la banda de blues de Paul Butterfield, valorada por los críticos dentro del género del blues. Dylan contactaría con Bloomfield y le invitaría a Woodstock, Nueva York. "Por entonces no tenía una funda para guardar la guitarra", reconocería Bloomfield, "sólo mi Fender Telecaster. Y Bob me llamó y me citó en la casa donde vivía... me dio esas canciones, "Like A Rolling Stone", y todos esos temas de Highway 61 Revisited, y me dijo: "No quiero que toques ese plomo estilo B.B. King, nada de estereotipos del blues, quiero que toques cualquier otra cosa." De modo que tonteamos y finalmente toqué lo que quería."
Días después, el 15 de junio de 1965, Dylan organizaría una sesión de grabación en el estudio A de Columbia en Nueva York. De forma adicional, Dylan y Wilson reclutaron al pianista Frank Owens, al bajista Russ Savakus y al batería Bobby Gregg. También presente estuvo Al Kooper, un joven músico invitado por Wilson para observar.
Dylan y su banda grabaron tres canciones: una nueva composición titulada "Phantom Engineer" (posteriormente regrabada y publicada con el nombre de "It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry"), "Sitting on a Barbed Wire Fence" y "Like a Rolling Stone". Se desempeñaron varios intentos de grabar "Phantom Engineer" y "Sitting on a Barbed Wire Fence" antes de que Dylan centrara su atención en "Like a Rolling Stone".
Tras falsos comienzos, Dylan decidió usar un piano y un órgano en "Like a Rolling Stone". Kooper se ofrecería voluntario para tocar el órgano, y si bien Wilson dejó claro que Kooper no tenía experiencia en tocar el instrumento, al final le permitió participar en la grabación. Kooper se mostró tan incierto que tocó por debajo del ritmo para escuchar primero los cambios en éste. Tras grabar una toma completa, "se trasladaron a la cabina para oirlo de nuevo", diría Kooper. Durante la escucha, y tras ser de su agrado el resultado, Dylan preguntaría a Wilson si podían subir el sonido del órgano en la mezcla.
Todo lo grabado el 15 de junio fue finalmente rechazado, aunque preparó el escenario para las siguientes sesiones. Dylan y su banda volverían al estudio A el siguiente día. De forma virtual, la sesión al completo estuvo dedicada a "Like a Rolling Stone", con Kooper tocando de nuevo el órgano. La cuarta toma fue finalmente seleccionada como toma maestra, si bien Dylan y la banda volverían a grabar once tomas nuevas antes de escuchar los resultados de la grabación en la cabina del estudio.
Si bien "Like a Rolling Stone" podía ser seleccionada como single, Dylan decidió al final incluirla en su próximo trabajo. Debido a la escasez de nuevo material, Dylan pasaría un mes en su nueva casa de Byrdcliffe, cerca de Nueva York, escribiendo nuevas canciones.
Cuatro días después del Newport Folk Festival, el 29 de julio de 1965, Dylan volvería al estudio A para reanudar el trabajo de su siguiente álbum. Apoyado por la misma banda que participó en las anteriores sesiones (el pianista Paul Griffin sería recluido para el resto de las grabaciones), Dylan encontraría un problema al desligarse el productor Tom Wilson del trabajo en el álbum. De forma inmediata, fue reemplazado por el productor de Columbia Bob Johnston. Al llegar a las grabaciones de Highway 61 Revisited, Johnston traería un nuevo ingeniero, Mike Figlio, quien previamente había trabajado en el tema "I Left My Heart in San Francisco", de Tony Bennett.
La primera sesión fue dedicada a tres canciones. Tras experimentar con distintos acordes y tempos, se produjeron tomas maestras de "Tombstone Blues", "It Takes a Lot To Laugh, It Takes a Lot To Cry" y "Positively 4th Street". "Tombstone Blues" e "It Takes a Lot To Laugh, It Takes a Lot To Cry" serían incluidas en el álbum, mientras "Positively 4th Street" fue editado de forma exclusiva como single.
Al día siguiente, Dylan y su banda volverían al estudio A para grabar otras tres canciones. Se produjo una toma maestra de "From a Buick 6", finalmente incluida en el álbum, aunque la mayor parte de la sesión de grabación fue dedicada a "Can You Please Crawl Out Your Window?". Dylan se mostró insatisfecho con los resultados, y descartaría la canción para otro día; sería regrabada de forma eventual meses más tarde. Una toma alternativa procedente de las sesiones de Highway 61 Revisited sería publicada en single, llevando el título de "Positively 4th Street".[4] De forma adicional, una toma alternativa de "From a Buick 6", con una introducción de harmónica, fue publicada accidentalmente en algunas ediciones en estéreo del álbum.
Durante los dos siguientes días, Dylan pasaría cierto tiempo escribiendo las seis canciones restantes que conformarían el álbum, en cuya grabación el bajista Russ Savakus sería reemplazado por Harvey Brooks. El 2 de agosto de 1965, se llevó a cabo una nueva sesión de grabación en el estudio A, con Sam Lay en la batería. "Highway 61"Revisited", "Just Like Tom Thumb's Blues", "Queen Jane Approximately" y "Ballad of a Thin Man" fueron grabadas de forma satisfactoria, siendo seleccionadas tomas maestras para el álbum.
El 4 de agosto de 1965 se desarrolló la última sesión de grabación, nuevamente en el estudio A. Gran parte de la sesión fue dedicada a "Desolation Row", finalmente grabada con dos guitarras. Según Kooper y Johnston, el guitarrista Charlie McCoy se desplazó hasta Nueva York para acompañar a Dylan en el tema. Se grabaron siete tomas, con la seis y la siete fusionadas en una única toma maestra finalmente incluida en el álbum. Una toma de "Tombstone Blues" fue también grabada, pero no reemplazaría a la toma maestra grabada en la sesión anterior.
Positively 4th Street" fue grabada durante las sesiones de Highway 61 Revisited, pero finalmente no fue incluida en el álbum. La canción sería seleccionada como el single sucesor de "Like a Rolling Stone", entrando en los diez primeros puestos de las listas a ambos lados del Atlántico.
"Can You Please Crawl Out Your Window?" fue finalmente grabada en noviembre con una banda diferente, the Hawks (posteriormente renombrados como The Band). Una de las tomas grabadas durante las sesiones de Highway 61 Revisited sería accidentalmente editada, aunque al poco tiempo sería eliminada.
"Sitting on a Barbed-Wire Fence", tema grabado en las sesiones del álbum Bringing It All Back Home, fue de nuevo intentada para Highway 61 Revisited, aunque finalmente omitida. La toma maestra grabada durante las últimas sesiones vería la luz en The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991.
Otra canción descartada del álbum fue "Lunatic Princess Revisited (Why Should You Have to Be so Frantic?)".
Las siguientes canciones, omitidas de Highway 61 Revisited, fueron grabadas durante dichas sesiones y publicadas en The Bootleg Series Vol. 7: No Direction Home: The Soundtrack:

"It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry" – 3:33
Toma alternativa grabada el 15 de junio de 1965
"Tombstone Blues" – 3:34
Toma alternativa grabada el 29 de junio de 1965
"Just Like Tom Thumb's Blues" – 5:42
Toma alternativa grabada el 2 de agosto de 1965
"Desolation Row" – 11:44
Toma alternativa grabada el 29 de junio de 1965
"Highway 61 Revisited" – 3:38
Toma alternativa grabada el 2 de agosto de 1965

Años después de su publicación, Dave Marsh escribió que Highway 61 Revisited era "uno de los mejores álbumes de Dylan, y uno de los mayores logros en la historia del rock'n'roll". Encuestas desarrolladas en años recientes demuestran que el álbum sigue fijo en lo alto del panteón del rock. En 1995, Highway 61 Revisited fue nombrado el quinto mejor álbum de todos los tiempos en una encuesta producida por la revista Mojo. En 1998, los lectores de la revista Q emplazaron a Highway 61 Revisited en el puesto #57 de los mejores álbumes. En 2001, la cadena de televisión VH1 emplazó el álbum en el número 22. En 2003, la revista musical Rolling Stone colocaría a Highway 61 Revisited en el puesto #4, mientras los temas "Like A Rolling Stone", "Desolation Row" y "Highway 61 Revisited" se alzarían hasta los puestos #1, #185 y #364 respectivamente en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
Reconocido como una influencia masiva en los contemporáneos de Dylan, su publicación coincidió con los éxitos comerciales de singles como "Like a Rolling Stone" y "Positively 4th Street", brindándole una nueva audiencia.


George Harold Harrison French nació el 25 de febrero de 1943 en el 12 de Arnold Grove, Liverpool, Inglaterra, en el seno de una familia católica y de ascendencia irlandesa por parte de su madre, Louise.[1] Fue el único Beatle cuya infancia no fue empañada por la muerte o el divorcio de sus padres. Su padre, Harold Harrison, había sido marino hasta que abandonó su puesto y desempeñó el de conductor de autobus. Acudió a la escuela infantil Dovedale Road, cerca de Penny Lane, al mismo tiempo que John Lennon.[1] A los once años, tras pasar una prueba, le fue concedida una plaza en el Liverpool Institute for Boys, edificio hoy en día convertido en el Liverpool Institute for Performing Arts, en el cual conoció a Paul McCartney. A los doce años, poco antes de dar inicio el curso, fue ingresado en el hospital debido a una nefritis. Durante su convalecencia compró su primera guitarra, una Egmond, a un compañero de Dovedale, Raymond Hughes, por 3 libras con 10 chelines.
Poco después, al tiempo que conseguía su primera "guitarra decente", una Hofner President, forma su primer grupo tras el auge del skiffle: The Rebels, junto a su hermano Peter y Arthur Kelly[2] Entre los artistas que influyen en su forma de tocar destacan Elvis Presley, Little Richard, Buddy Holly, Fats Domino, Bill Halley, Eddie Cochran, Lonnie Donegan y Chet Atkins. Más tarde, Harrison es presentado por Paul McCartney a John Lennon e ingresa en The Quarry Men, que posteriormente, tras cambiar varias veces de nombre, acabará denominándose The Beatles.
Tras abandonar la escuela en 1959, alternó durante poco tiempo su afición a la música con un trabajo de aprendiz de electricista. El entrenamiento ayudó a hacer de Harrison el miembro más eficaz del grupo a la hora de experimentar nuevos sonidos y de arreglar equipaciones. A mediados de los 60, fue el primero en equipar su casa de Esher con un estudio personal donde podría componer y trabajar con mayor eficacia.
1960-1970: En los primeros días de The Quarrymen, McCartney animó a Harrison a que se uniera. Al comienzo, y debido a su temprana edad, era visto con desconfianza por los otros miembros del grupo.[3] En un principio, Harrison no podía considerarse como un guitarrista virtuoso, si bien el hecho de que supiera suficientes acordes para tocar varios temas hizo que John Lennon le aceptara en el grupo. Pese a ello, a finales de los 60, el entrenamiento hizo de Harrison un guitarrista más fluido y creativo, realizando las labores de guitarrista principal y rítmico. Más adelante, entrados los 70, el sonido que conseguía con la guitarra slide se convertiría en su sello personal.
Harrison fue el primero de los Beatles en llegar a los Estados Unidos con el fin de visitar a su hermana, Louise, en Benton, Illinois, en septiembre de 1963, cinco meses antes de la aparición del grupo en The Ed Sullivan Show.[4] Durante la visita, George visitó una tienda de discos y compró varios singles sin que el dueño le conociera debido al escaso conocimiento que tenían los estadounidenses acerca de la música pop británica. A su regreso a Inglaterra, comentó a sus compañeros de grupo que sería difícil cosechar el éxito en América.
Durante la Beatlemanía, Harrison fue caracterizado como el "Beatle tranquilo" o el "Beatle Silencioso", debido a su carácter introspectivo y su tendencia a un segundo plano en las conferencias de prensa. A pesar de la imagen de "Beatle tranquilo", la mayoría de compañeros y amigos, como Eric Idle, miembro de Monty Python, aseguran que en las distancias cortas era muy hablador y dicharachero, contraponiéndose a la imagen que solía tener de él la prensa.[5]
Durante el primer viaje de The Beatles a los Estados Unidos en febrero de 1964, Harrison recibió un nuevo modelo de guitarra, el "360/12", de la compañía Rickenbacker, eléctrica y con doce cuerdas, que comenzaría a tocar en futuros álbumes del grupo. Roger McGuinn, interesado en el sonido, adoptó como modelo propio el 360/12, dando lugar al sonido característico de las canciones de The Byrds.
Harrison escribió su primera canción, "Don't Bother Me", durante un día de convalecencia en cama, en 1963, con el fin de probar, como declararía posteriormente, "si era capaz de componer un tema". La canción aparece publicada en el álbum With the Beatles de 1963 y en su versión americana de 1964 Meet the Beatles!. Si bien para el siguiente álbum del grupo, Beatles For Sale, también había compuesto un tema, éste fue descartado, olvidando la composición hasta que contribuyera al álbum Help! con los temas "I Need You" y "You Like Me Too Much".
Harrison fue el cantante de todas las canciones compuestas por él en su etapa con The Beatles. Asimismo, también cantó temas de otros artistas, incluyendo "Chains" y "Do You Want to Know a Secret" en Please Please Me, "Roll Over Beethoven" y "Devil In Her Heart" en With the Beatles, "I'm Happy Just to Dance With You" en A Hard Day's Night, y "Everybody's Trying To Be My Baby" en Beatles For Sale.
Un punto adicional sobre George Harrison es que las canciones que el compuso y canto como nos dice el autor de este articulo, es que todas o la myoria de sus canciones, fueron un exito a nivel mundial, en su epoca de beatle y en solitario tambien. Algo que los otros beatles no llegaron a pensar.
Un importante punto de inflexión en su carrera musical tuvo lugar durante la gira americana de 1965, en la que David Crosby de The Byrds introdujo a Harrison en la cultura india a través de la música de Ravi Shankar. Muy pronto, quedó fascinado con el especial sonido de su música, permitiendo la lenta introducción de la misma en la cultura occidental. Tras comprar un sitar poco después de dar por finalizada la gira de 1965, fue el primer músico de la cultura pop en introducir el instrumento en un álbum de estudio, especialmente en la canción "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", del álbum Rubber Soul.
El productor croata Veljko Despot y George Harrison en 1967.Otro importante momento de su vida tuvo lugar durante el rodaje de la película Help! en las islas Bahamas, al entregarle un hindú un libro sobre la reencarnación. También por aquel tiempo mantuvo una decisiva correspondencia con Joan Mascaró tras leer la versión de los Upanishads de aquel excepcional traductor mallorquín.[6] Su interés por la cultura hindú se expandería formalmente al abrazar el hinduísmo. En una peregrinación con su mujer Pattie a la India entre la última gira de The Beatles en 1966 y el inicio de las grabaciones de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Harrison estudió lecciones de sitar, conoció a varios gurús y visitó sitios sagrados, acercándose así a la cultura oriental. Poco después, de vuelta a Inglaterra, conoció a Maharishi Mahesh Yogi, a quien presentó al resto del grupo para iniciar unos ejercicios de meditación transcendental que tendría lugar a comienzos de 1968 en Rishikesh.
En el verano de 1969, produjo el single "Hare Krishna Mantra", interpretado por devotos del templo londinense de Radha-Krishna. El mismo año, él y John Lennon conocieron a A.C. Bhaktivedanta Swami Prabhupada, fundador de la Sociedad Internacional para la Conciencia de Krishna (ISKCON) [1]. Poco después, Harrison abrazaría la tradición Hare Krishna, en particular el canto del mantra usado como meditación privada y llamado japa-yoga, técnicamente similar al rosario en la tradición católica.
A medida que transcurría el tiempo, las composiciones de Harrison fueron haciéndose más notables, pasando de un segundo plano a competir con las composiciones de Lennon y McCartney en materia de calidad. Entre 1965 y 1970, los temas compuestos por George Harrison fueron: "If I Needed Someone", "I Want to Tell You", "Think For Yourself", "Taxman" (que abría el álbum Revolver), "Within You Without You", "Blue Jay Way", "Only a Northern Song", "Old Brown Shoe", "I Need You", "While My Guitar Gently Weeps" (con Eric Clapton en la guitarra), "Piggies", "Savoy Truffle", "Something", "The Inner Light", "Here Comes the Sun", "I Me Mine" y "For You Blue".[7]
Los roces entre Harrison, Lennon y McCartney comenzaron a hacerse patentes a partir de la muerte de Brian Epstein, mánager del grupo, y en especial desde las sesiones de grabación de The Beatles, llegando a intentar dejar el grupo por aquel momento. Entre 1967 y 1969, McCartney expresó en más de una ocasión su insatisfación con la forma de tocar de Harrison. Las tensiones entre ambos quedan patentes durante los ensayos del proyecto Get Back en Twickenham Studios, que acabará por editarse como documental bajo el título Let It Be, donde Harrison acaba por decir con sorna: "Bien, no me importa. Tocaré lo que quieras que toque o no tocaré nada si no quieres que toque nada. Todo lo que sea por complacerte, lo haré." Descontento con las pobres condiciones en las que se desarrollaban las sesiones y aletargado por las horas de trabajo, Harrison acabará por abandonar el grupo el 10 de enero, si bien retornará a su trabajo el 22 del mismo mes tras dos reuniones de negocios.[8]
Las relaciones internas del grupo se desarrollaron más cordiales durante las sesiones de grabación de Abbey Road, en las que se incluyen las composiciones de Harrison "Something" y "Here Comes The Sun". "Something" ha sido reconocido como uno de los mejores trabajos de The Beatles tanto por Elvis Presley como por Frank Sinatra, si bien, a modo de anécdota, Sinatra comentó acerca de la canción que era su "composición de Lennon/McCartney favorita". La creciente productividad de Harrison al final de la vida de The Beatles le permitiría recopilar suficiente material para desarrollar una carrera musical en solitario bastante exitosa y larga, que daría comienzo a partir de la última sesión junto al resto del grupo el 4 de enero de 1970, con casi 27 años.[9]
1970-1980: Tras la disolución de The Beatles en 1970, y tras años opacado por las sombras de Lennon y McCartney, publicó gran parte del material que había acumulado durante los últimos años en su proyecto más loado por la crítica, All Things Must Pass, el primer álbum triple de la historia musical.
All Things Must Pass supuso una entrada triunfal para la carrera musical en solitario de Harrison, acallando así las voces discrepantes que auguraban una mala carrera para él. Junto al álbum John Lennon/Plastic Ono Band de John Lennon y Ram de Paul McCartney, All Things Must Pass es considerado uno de los álbumes más trabajados por un Beatle en su carrera en solitario.
El álbum, que alcanzó el puesto #1 en las listas de éxitos británicas y estadounidenses, incluía los singles de éxito "My Sweet Lord" e "Isn't It A Pity", así como "What Is Life", que entró entre los diez primeros puestos. Años después, Harrison sería demandado debido a una violación de derechos de autor en "My Sweet Lord", donde supuestamente imita el single de The Chiffons "He's So Fine". Si bien Harrison negó la acusación, acabó perdiendo el juicio en 1976. Durante el mismo, la corte había aceptado la posibilidad de que Harrison hubiera "copiado subconscientemente" el éxito de The Chiffons como base a su propia canción, lo que utilizó para mofarse del tribunal en su tema "This Song", publicada en el álbum Thirty Three & 1/3. Las disputas por los derechos de autor continuaron en la década de los 90, con el antiguo mánager de The Beatles Allen Klein denunciando a Harrison tras comprar Bright Tunes, la compañía que poseía los derechos de autor de "He's So Fine". Finalmente, Harrison acabaría poseyendo los derechos de ambos temas.[10]
Harrison fue, asimismo, el primer músico en organizar un concierto benéfico. Su Concert for Bangla Desh el 1 de agosto de 1971 reunió a cerca de 40.000 personas en torno a dos espectáculos organizados en el Madison Square Garden de Nueva York con el fin de recaudar fondos para paliar el hambre y la miseria de los refugiados en la antigua Pakistán del Este, hoy en día Bangladesh. Ravi Shankar abrió el concierto, que incluía a artistas de la envergadura de Eric Clapton, Bob Dylan, Jim Keltner, Billy Preston, Leon Russell, Ringo Starr y Klaus Voormann. Desafortunadamente, problemas con los impuestos y gastos cuestionables ensombrecieron la leyenda del mismo. En octubre de 2005, Apple Corps. reeditó el concierto en CD y DVD, siendo el dinero recaudado por las ventas destinado a UNICEF.
De forma adicional a su propio trabajo, Harrison escribió dos temas para Ringo Starr, "It Don't Come Easy" y "Photograph" y apareció en el álbum Imagine de John Lennon, así como en los temas "You're Breakin' My Heart" de Harry Nilsson, "Day After Day" de Badfinger, "That's The Way God Planned It" de Billy Preston y "Basketball Jones" de Cheech & Chong.
El siguiente álbum de Harrison, Living in the Material World, sería publicado en 1973. Su primer single, "Give Me Love (Give Me Peace on Earth)" le brindaría su segundo #1 en Estados Unidos, mientras "Sue Me Sue You Blues" serviría de mofa al proceso judicial que estaba desarrollando McCartney para disolver de forma oficial The Beatles. Con un sonido más intimista y una lírica más espiritual y filosófica, el álbum se mantuvo en el primer puesto de las listas de éxitos estadounidenses durante cinco semanas. En septiembre de 2006, una reedición del álbum con "Deep Blue" y "Miss O'Dell" como temas extra, así como con DVD, alcanzaría el puesto #38 del Billboard Pop Catalog Chart.
En 1974, vio la luz Dark Horse, al tiempo que daba inicio a una gira por los Estados Unidos. La gira fue duramente criticada por la duración del acto principal, a cargo de Ravi Shankar, y por la voz ronca de Harrison debida a una laringitis. Aún así, el álbum alcanzó el puesto #5 en las listas de éxios estadounidenses, si bien las críticas desfavorables y el poco interés suscitado provocarían que Dark Horse no entrara en las listas de éxitos británicas. El single "Dark Horse" alcanzaría el puesto #15 en las listas de Billboard.
Durante el periodo de preparación para la gira estadounidense, abrió oficinas en La Brea Avenue de Los Ángeles para su futuro sello discográfico, Dark Horse Records. Dentro de las oficinas conocería a su segunda mujer, Olivia Trinidad Arias, asignada para trabajar en el sello junto a Terry Doran de Apple y Jack Oliver. Su relación sentimental daría frutos a partir de la gira, hasta que en 1978 contrajeran matrimonio.
Su último álbum de estudio bajo el sello Apple, Extra Texture (Read All About It), fue publicado en 1975, del cual se extrajeron dos singles: "You", que alcanzó el Top 20 de las listas de Billboard, y "This Guitar (Can't Keep From Crying)", que supuso el último single editado por Apple y el primer sencillo de un Beatle que no entró en las listas estadounidenses.
Tras la salida de John Lennon, George Harrison y Ringo Starr del sello EMI (Paul McCartney permanecería en él hasta que en 2007 fichara por Hear Music), la compañía discográfica tuvo libertad para editar el trabajo del grupo y de sus componentes en solitario en un mismo álbum, utilizando a Harrison como experimento en The Best of George Harrison, en la que se combinaban sus éxitos compuestos en The Beatles y en solitario. Al mismo tiempo, Harrison se vio envuelto en problemas con la industria discográfica. Durante la grabación de su primer álbum en Dark Horse Records, Thirty Three & 1/3, Harrison se vio aquejado de hepatitis, retrasando su publicación e incumpliendo una cláusula del contrato firmado previamente con la distribuidora A&M. Tras ser denunciado, Warner Bros. Records se hizo cargo de la distribución de su sello, permitiéndole suficiente tiempo para recuperarse de la enfermedad y grabar el álbum.
Thirty Three & 1/3 supuso un considerable éxito tras sus dos álbumes anteriores, alcanzando el puesto #11 en las listas de éxitos estadounidenses. El primer single, "This Song", supone una sátira del proceso judicial por el "plagio inconsciente" de "He's So Fine" de The Chiffons, mientras "Crackerbox Palace" sería posteriormente publicado como segundo single.
Tras su segundo matrimonio con Olivia Trinidad Arias y el nacimiento de su primer y único hijo Dhani Harrison, Harrison emprendería la grabación de su álbum epónimo, George Harrison, publicado en 1979 con los singles "Blow Away", "Love Comes To Everyone" y "Faster". Tanto el álbum como el primer single alcanzaron el Top 20 en las listas de éxitos de Billboard.
1980-1990: En 1980, Harrison se convierte en el primer Beatle en escribir una autobiografía, titulada I Me Mine. El publicista de The Beatles Derek Taylor le ayudó en la ardua tarea de escribir el libro, publicado inicialmente por Genesis Publications. Si bien la biografía de Harrison cuenta algunas anécdotas de su etapa con los Beatles, se centra en su mayoría en los hobbies del artista, desde la jardinería hasta la Fórmula Uno.

Tras el sesinato de John Lennon el 8 de diciembre de 1980, Harrison sufrió una grave conmoción, debido en parte a su escaso contacto con Lennon y al enfado de éste por no verse mencionado en su autobiografía. La muerte de Lennon forzó a Harrison a rodearse de medidas de seguridad en su mansión de Friar Park, en Henley-on-Thames. Poco después, modificó la letra de "All Those Years Ago", canción que había compuesto en un principio para Ringo y que posteriormente sirvió de tributo a Lennon en su álbum Somewhere in England. Con Ringo Starr en la batería y con Paul y Linda McCartney en los coros, tanto el álbum como el single, publicados en 1981, recibieron buenas reseñas por parte de la crítica musical, alcanzando el puesto #2 en las listas de éxitos estadounidenses.
Tras la publicación en 1982 de Gone Troppo, George Harrison se vio apartado del mundo de la música un total de cinco años para dar prioridad a otras aficiones. Durante este tiempo, aparecería públicamente en el especial Carl Perkins and Friends, con Ringo Starr y Eric Clapton entre los invitados, y grabaría una canción para la banda sonora de "Porky's Revenge" y el tema "I Don't Want To Do It" de Bob Dylan. En 1987, regresaría con Cloud Nine, uno de sus álbumes más loados por la crítica, producido por Jeff Lynne, alcanzando su tercer número #1 en Estados Unidos con el single "Got My Mind Set On You". "When We Was Fab", un tema retrospectivo de su etapa con The Beatles, supuso también un notable éxito. El álbum alcanzó el puesto #8 en las listas de éxitos estadounidenses y el #10 en las británicas, dando a Harrison su mejor resultado desde Living in the Material World.
Durante la grabación del tema "Handle With Care" reuniría en el garaje de Bob Dylan a Tom Petty, Jeff Lynne y Roy Orbison. Lo que en un primer momento sería la cara B del single "This Is Love" acabaría convirtiéndose en la primera canción grabada por The Traveling Wilburys, al considerar la compañía discográfica que el tema era demasiado bueno para relegarlo a un segundo plano. El primer álbum del grupo, grabado en apenas dos semanas antes de que diera comienzo la gira de Bob Dylan, fue publicado en octubre de 1988 con el nombre de Traveling Wilburys Vol. 1 y con los nombres de los músicos ocultos tras seudónimos.
Uno de las empresas desarrolladas por Harrison durante la época fue la productora cinematográfica Handmade Films, poco después de que EMI Films rechazara el proyecto La vida de Brian, de los Monty Python. Handmade Films financió el proyecto, dando inicio a un listado de películas producidas por la compañía de Harrison entre las que figuran Mona Lisa, Time Bandits, Shanghai Surprise y Withnail and I. En algunas de ellas, Harrison llegó incluso a realizar cameos, como en el caso de "Shanghai Surprise" como cantante de un club nocturno, y caracterizado como Mr. Papadopolous en La vida de Brian. Uno de los cameos más memorables fue como reportero en la parodia de The Beatles The Rutles, creada por Eric Idle. Pese a todo, Handmade Films entraría en quiebra debido a la mala administración y a las demandas que aquejaron las finanzas de Harrison.
A comienzos de 1989, Harrison, Lynne y Starr participaron en la grabación del tema "I Won't Back Down", de Tom Petty, donde George toca la guitarra eléctrica. Ese mismo año tiene lugar la publicación del segundo recopilatorio de la carrera musical de Harrison, Best of Dark Horse 1976-1989, con los éxitos de su etapa bajo el sello Dark Horse Records. el álbum incluye dos temas grabados para la ocasión, "Poor Little Girl" y "Cockamamie Business", así como el tema de la banda sonora Lethal Weapon 2 "Cheer Down".
1990-2001: El primer año de la nueva década vería la luz el segundo álbum de Traveling Wilburys, Traveling Wilburys Vol. 3, a pesar del óbito de Roy Orbison en 1988. Como sustituto, el grupo había pensado en Del Shannon, pero en febrero de 1990 el músico se suicidaría, truncando los planes de los demás componentes.
En 1991, Harrison emprendió por Japón y junto a Eric Clapton su primera gira desde 1974, si bien aún tenía en mente el agrio recuerdo de aquel momento. Tras una docena de conciertos, en 1992 vería la luz el álbum Live in Japan, acreditado a George Harrison, Eric Clapton & Band. En octubre del mismo año, Harrison participaría en el concierto tributo a Bob Dylan en el Madison Square Garden de Nueva York interpretando tres canciones: If Not For You", "Absolutely Sweet Marie" y "My Back Pages".
Entre 1994 y 1996, emprendió junto a Paul McCartney y Ringo Starr el proyecto Anthology, incluyendo la grabación de dos nuevas canciones de The Beatles a partir de demos caseros de mediados de los 70 donde John Lennon tocaba el piano y cantaba. Asimismo, el proyecto incluía un recorrido visual por la carrera musical del grupo, con entrevistas a los tres miembros supervivientes. En 1996, grabaría y produciría junto a Carl Perkins el tema "Distance Makes No Difference With Love" para su álbum Go-Cat-Go.
La última aparición de Harrison en televisión tendría lugar en 1997 para la promoción de Chants of india, una colaboración junto a su amigo y músico hindú Ravi Shankar. En el programa, Harrison interpretó, después de que un miembro del público le pidiera una "canción de The Beatles" y el respondiera "'creo que no conozco ninguna", "All Things Must Pass" y la futura "Any Road", canción que aparecería en 2002 en su álbum póstumo Brainwashed.
En enero de 1998, Harrison asistiría al funeral de su ídolo de juventud, Carl Perkins, en Jackson, Tennessee, donde interpretó una versión de la canción "Your True Love" durante la ceremonia.
A mediados de los 90, y debido en parte a su condición de fumador, Harrison libró una batalla contra el cáncer, siendo eliminado en sucesivas operaciones primero de la boca y posteriormente del pulmón.
El 30 de diciembre de 1999, Harrison vivió una secuela del asesinato de John Lennon al sobrevivir a un ataque de navaja en su propia casa, propiciado por un intruso. Harrison y su mujer, Olivia, se enfrentaron al intruso y lo redujeron para posteriormente ser trasladado a dependencias policiales por la autoridad. Michael Abram, de 35 años, declaró que estaba poseido por el espíritu de Harrison y que era una misión concedida por Dios el matarle. Más tarde fue trasladado a un sanatorio mental. Tras el suceso, Harrison quedó relativamente traumatizado y limitó aún más sus apariciones públicas.
En 2001, Harrison apareció como invitado en el álbum Zoom de Electric Light Orchestra, tocó la guitarra slide en las canciones "Love Letters" para Bill Wyman & Rhythm Kings, remasterizó y restauró canciones de Traveling Wilburys y compuso una nueva canción, "Horse To The Water". La canción, que sería su última publicación en vida, fue grabada el 2 de octubre, dos meses antes de su muerte, y apareció en el álbum Small World, Big Band de Jools Holland.
El cáncer que sufría Harrison reapareció en 2001, siendo diagnosticado como metástasis. A pesar de los tratamientos agresivos, pronto descubrió que era terminal, decidiendo de inmediato pasar sus últimos días en familia y trabajar en algunos proyectos para posteriormente ser terminados por su viuda e hijo.
Harrison falleció en una mansión de Hollywood, Los Ángeles, en un principio propiedad de Paul McCartney,[11] el día 29 de noviembre de 2001 a la temprana edad de 58 años. Su muerte fue justificada por el cáncer de pulmón que padecía y que había hecho metástasis con el cerebro. Posteriormente fue cremado, y si bien algunos medios afirmaron que sus cenizas habían sido depositadas en el río Ganges, no ha habido ninguna declaración familiar que lo certifique.[12]
Tras la muerte de Harrison, su familia emitió el siguiente comunicado: "Abandonó este mundo como vivió: consciente de Dios, sin miedo a la muerte y en paz, rodeado de familiares y amigos. En ocasiones Harrison decía: "Todo lo demás puede esperar, pero la búsqueda de Dios no; amaos los unos a los otros."".[11]
Harrison y Aaliyah hicieron historia en las listas de éxitos británicas al convertirse, hasta la fecha, en dos números uno consecutivos tras el fallecimiento del artista, con el tema "More than a Woman" de Aaliyah alcanzando el primer puesto el 13 de enero de 2002 y la reedición de "My Sweet Lord" alzándose hasta lo más alto de las listas el 20 de enero de 2002.
El álbum póstumo de George Harrison, Brainwashed, fue completado por su hijo Dhani Harrison y Jeff Lynne y publicado el 18 de noviembre de 2002, recibiendo positivas críticas y alcanzando el puesto #18 en las listas de álbumes de Billboard. El promo "Stuck Inside a Cloud", fue radiado con frecuencia en las emisoras americanas, mientras el primer single, "Any Road", publicado en mayo de 2003, alcanzó el puesto #37 en las listas de éxitos británicas


Nacido en Minden, LA, el 21 de agosto de 1939, el guitarrista influyente James Burton consiguió su principio en los años 1950 como un músico de reserva sobre el programa de radio Luisiana Hayride, donde él encontró a Dale Hawkins. El golpe de 1957 de Hawkins, " la Q Suzie, " era la primera en una cuerda de éxitos en destacar a Burton jóven.Una limitación de seis años (1958-1964) la grabación y viajando en la cinta de Ricky Nelson siguió, posteriormente consiguiéndolo un par de añicos de camafeo sobre Ozzie y Harriet. A causa de sus habilidades de guitarra brillantes y únicas - él perfeccionó un estilo él dobló " el pollo pickin ' " - a Burton empleos rápidamente hacendados como un músico de lado para un molde diverso incluyendo: Búfalo Springfield, el Monkees, la cinta de Elvis Presley (de 1969 hasta la muerte de Presley en 1977), Curas de Gramo, Joni Mitchell, Judy Collins, John Denver, Esquiva Owens, y Merle Haggard (con el éste dos él era un catalizador importante en el ajustar del sonido de Bakersfield) Él más tarde prestó sus talentos a varios Elvis Costello grabaciones así como aquellos por Gillian Welch, Jimmie Dale Gilmore, y otros incontables. Con esta lista(programa), esto no es ninguna sorpresa que Burton sólo ha cortado dos registros de su propio sobre un de 40 años.


Richard Thompson es un solista y compositor que no puede ser encasillado en ninguna categoría en materia de estilo. Originario de Aberdeen, Escocia, Richard Thompson debutó en el Purcell Room, del Royal Festival Hall en Londres. Se ha presentado en el programa radial en vivo para la B.B.C. Jazz y la Classical Radio, para la RAI (Radio y Televisón Italiana) y ha dado conciertos en La Piccola Scala in Milan, entre otros. Sus presentaciones con orquesta fueron con la del Festival Harlem , la Orquesta de Cámara de Glasgow y la Orquesta de Cámara de Aberdeen.
En 1999 Richard Thompson recibió el Premio "Individual Artist Award" en materia de composición dado por The Brooklyn Arts Council. La obra ganadora fué, Legend Of The Moors, que es una descripción musical de la presencia de los moros en España durante la Edad Media y fue estrenada por The Brooklyn Conservatory en 1999. En el año 2000 estrenó una composición para orquesta llamada Voices con la Orquestra Sinfónica Long Island Sound bajo la batuta de Dorothy Savitch. Voices es una obra de gran magnitud, que desarrolla un tema principal , escrito en el estilo de los Sprituals afroamericanos.
En 1997 reemplazó a Geri Allen en la producción para Off-Broadway del musical "In Walks Bud", ejecutando en el estilo de Thelonious Monk y Bud Powell. Los antecedentes de Richard Thompson en materia de composición y grabación incluyen temas de la música de Graeme Revell para el film de Wayne Wang "Chinese Box", además de componer y grabar temas para el film producido por la Columbia Tristar, "Love Walked In" y en colaboración compuso la partitura para el film independiente "Dogs The Rise and Fall Of An All Girl Bookie Joint" de Eve Annenberg. También grabó la música para el film independiente "Girlfight".
La Orquesta de Cámara de Manhattan bajo la dirección de Richard Auldon Clark y la soprano Christine Moore, presentaron el estreno mundial en el año 2000, del ciclo de canciones de Richard Thompson The Shadow of Dawn en el Merkin Hall, de la ciudad de New York. La inspiración de esta obra fueron los poemas del poeta afroamericano Paul Laurence Dunbar. Este ciclo se encuentra publicado por la M.M.B.Music de la ciudad de St.Louis.
El San Diego TV Canal 24 ha presentado en numerosas ocasiones su recital de jazz como solista, originalmente presentado en el edificio principal de la Biblioteca Pública en el otoño del año 2000. También ha colaborado con el tenor clásico Darryl Taylor, en la Universidad del Estado de San Diego , en un recital de canciones basado en la poesía de Langston Hughes. Darryl Taylor ha presentado este homenaje a Langston Hughes en una docena de universidades en los Estados Undios, incluyendo la Universidad del Estado de Ohio y la Universidad de Wisconsin . El programa tiene dos partes compuestas por Richard Thompson;- The Negro speaks of rivers y I, too, sing America .
Richard Thompson también se ha presentado en varias ocasiones con la clarinetista y miembro del cuerpo docente de la Universidad del Estado de San Diego (SDSU), Dra. Marian Liebowitz. Durante el verano del año 2003, ellos se presentaron en conciertos en Guatemala , con el recital "When Classical Meets Jazz" (Cuando la música clásica encuentra al Jazz) bajo el auspicio de la Embajada de los Estados Unidos.
Richard Thompson es en la actualidad Profesor Adjunto de Música en la Universidad del Estado de San Diego donde enseña a tocar jazz e historia. Se presenta con frecuencia como solista en conciertos de música clásica y jazz y con muchos conjuntos de cámara, incluyendo su propio cuarteto de jazz, llamado Mirage.


Jack White, nacido en el suroeste de Detroit, el 9 de julio de 1975, séptimo hijo de una familia católica numerosa, es el compositor, cantante, guitarrista y teclista del grupo The White Stripes conformado por él y Meg White, baterista. Aunque los dos integrantes siempre aseguran ser hermanos, en 2003 se descubrió que son ex-esposos, puesto que contrajeron matrimonio en septiembre de 1996 y se separaron pocos años después. Cuando joven, Jack tras finalizar la escuela, estudió el oficio de tapicero; a consecuencia abrió su propia tapicería Third Man Upholstery, que posteriormente se convirtió en su propia casa de discos Third Man Records, que además de producir sus discos, también produce álbumes de otras bandas.
John Gillis (su verdadero nombre) es considerado uno de los líderes de la tercera generación del rock y del renacimiento del Garage Rock, junto con otros grupos como The Strokes, The Hives o Yeah Yeah Yeahs. El 27 de agosto de 2003 la revista Rolling Stones colocó en su edición de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos a Jack White en el puesto número 17. Tanto Jack como Meg son amantes del rojo, del blanco y del negro por eso sus discos, su vestuario y sus símbolos publicitarios son de tales colores.
Con los White Stripes ha sacado 6 discos: The White Stripes, De Stijl, White Blood Cells, que lo catapultó a la fama, Elephant (considerado uno de los mejores discos de los últimos años e incluido en la lista de los 500 mejores discos de la historia según la revista Rolling Stone), Get Behind Me Satan que ha sido aclamado por las críticas de todo el mundo y, el más reciente, Icky Thump, lanzado en junio del 2007.
También actuó en la película Cold Mountain en la que también compuso la banda sonora original completa. Jack también es productor. Un ejemplo es el último disco de la cantante country Loretta Lynn: Van Lear Rose (2005) en la que White colabora con una canción, "Portland Oregon". EL último proyecto de Jack son The Raconteurs, en el que también participan Brendan Benson, Jack Lawrence y Patrick Keller. Este nuevo grupo s estrenó con 7" limitado en el que aparecían dos canciones: "Steady As She Goes" y "Store Bought Bones". En 2006 publicaron su primer LP, Broken Boy Soldier
El 1ro de Junio de 2005 Jack y la modelo Karen Elson se casaron durante el tour por Sudamérica de la banda. La ceremonia tuvo lugar sobre una canoa en el río Amazonas, donde el manager de la banda, Ian Montone, fue el padrino y Meg la dama de honor. El sitio web de la banda declaro que fue el "primer casamiento para cada uno de los recién casados", disertando la documentación que mostraba que Jack y Meg estuvieron casados. La pareja tuvo su primer hija, Scarlett Teresa, el Martes 2 de Mayo del 2006


Johnny fue delincuente en su adolescencia y admirador del rock de los '50s. Se caracterizó por utilizar el mismo modelo de guitarra, Mosrite, a lo largo de toda su trayectoria Ramone. Antes de participar en los Ramones tuvo una Banda con Tommy Ramone, a la que llamaron Tangerine Puppets.
El guitarrista mantuvo una relación distante y conflictiva con el vocalista de la banda, Joey Ramone, ya que diferían ideológicamente. La relación empeoró cuando Johnny se casó con la ex novia de Joey. Este enfrentamiento terminó con su amistad, pero no con la banda, ya que ambos siguieron integrándola hasta 1996. La canción "The KKK Took My Baby Away" dícese referir al tema en cuestión, con KKK haciendo alusión a Johnny explotando su posición política conservadora.
Siendo un ferviente nacionalista toda su vida, desde la separación de la banda se dedicó a causas conservadoras, como apoyar la candidatura del presidente estadounidense George W. Bush. Al recibir en 2002 el homenaje de inclusión al Salón de la Fama del Rock and Roll dijo:
"Dios bendiga a Norteamerica y al presidente Bush"
Johnny falleció en septiembre a causa de un cancer de prostata.
En el 2004Fue incluido en el ranking de Rolling Stone de los 100 mejores guitarristas de la historia en el puesto 16º por detrás de Carlos Santana.
Principalmente se caracterizó por su particular forma de tocar, siempre agachado y rara vez tocando solos que largos y difíciles. Hacía subidas y bajadas con la guitarra y tenía una habilidad para moverse y tocar muy rápido al mismo tiempos.A demas fue uno de los mejores guitarristas del mundo


Su padre fue violinista en una banda de mariachi. De joven, Carlos Santana aprendió a tocar el violín, pero lo cambió por la guitarra cuando tenía ocho años. En 1955 su familia se mudó a Tijuana. Allí Santana empezó a tocar el bajo eléctrico con el guitarrista de rock mexicano Javier Batiz del cual tendria muchisima influencia musical en clubes y bares en la zona turística. En principio se quedó en Tijuana cuando su familia se mudó de nuevo, esta vez a San Francisco, California, pero pronto la siguió, cuando tenía 18 años fue el telonero de Jimi Hendrix donde por error agarro una guitarra y Hendrix le dijo que toce algo y al tocar un gran solo dejo a todos sorprendidos. En 1966, ayudó a fundar la Santana Blues Band, acortándolo luego a Santana. El grupo empezó a tocar en The Fillmore West, donde muchas de las bandas legendarias de San Francisco tocaban. Su primera grabación fue The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper (Las Aventuras en Vivo de Mike Bloomfield y Al Kooper) con Al Kooper y Mike Bloomfield, no se debe olvidar a Santana tocando y elevando su fama en el Festival de Woodstock, el Sábado 16 de agosto de 1969 tocó.

Waiting
You Just Don't Care
Savior
Jingo
Persuasion
Soul Sacrifice
Fried Neckbones

Tras firmar un contrato con Columbia Records, Santana sacó al mercado un álbum llamado Santana. El grupo estaba formado por el propio Carlos Santana (guitarra), Gregg Rolie, el cual llegaría a ser un miembro fundador de Journey, (piano y voz), Mariano Luís Díaz (Guitarra), David Brown (bajo), Michael Shrieve (batería), Diego Olivarez (maracas), Juan Perez Bruna (corneta), Jose "Chepito" Areas (percusión) y Michael Carabello (percusión). Haciendo una gira para promover el álbum, la banda Santana tocó en Woodstock, donde la presentación de la escena fue legendaria y aumentó mucho su popularidad. Santana fue un gran éxito, así como Abraxas (1970) y Santana III (1971). La banda original se disolvió finalmente.
Carlos Santana se quedó con el nombre de la banda y continuó su gira por los Estados Unidos con una serie de músicos distintos, lanzando varios álbumes. Durante este período Carlos adoptó el nombre "Devadip", conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy. Sacó al mercado muchos álbumes en los 1970 y 1980, incluyendo colaboraciones con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds. En 1991, Santana colaboró en el álbum de Ottmar Liebert Solo Para Ti, en las canciones "Reaching out 2 U" y una grabación nueva de su propia canción "Samba Pa Ti". Fue instalado en el Rock and Roll Hall of Fame en 1998.
En 1992 canceló su contrato con Columbia y después grabó con Polygram y Arista Records.
Santana surgió de nuevo en 1999 con el lanzamiento de Supernatural, que incluyó colaboraciones con Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill, el grupo Mexicano Maná y Sebastián Trepode, el exitoso cantante argentino que grabó por recomendación de Maná. La intervención de Maná en el disco acompañando a la guitarra< se debió a su buena relación con Fher Olvera. Supernatural fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy.
En 2002, Santana sacó al mercado Shaman, revisitando el formato de artistas invitados, incluyendo P.O.D., Seal y Michelle Branch.
En 2005, Santana lanzó su álbum más reciente All That I Am ("Todo Lo Que Soy"). Incluye artistas invitados como Big Boi (de Outkast), Mary J. Blige, Black Eyed Peas, Los Lonely Boys, Sean Paul, Kirk Hammett (de Metallica), Steven Tyler (de Aerosmith) y Robert Randolph.
En 2007 colabora en la cancion Into the night de Chad Kroeger, vocalista de Nickelback, la cual es considerada una de las mejores canciones de dicho año
1971. Carlos Santana, post Woodstock, más pelucón y camisa abierta, camina a través de la pista de aterrizaje del aeropuerto internacional Jorge Chávez de Lima. Sus fanáticos locales cuentan las horas que faltan para que el guitarrista de Black Magic Woman se presente en el estadio de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Dos días después, el músico regresa por donde llegó sin haber podido tocar. Por decisión del general Juan Velasco Alvarado el evento fue cancelado y Santana obligado a abandonar el país tras haber sido sindicado de "hippie imperialista".
En 1973, Santana se une sentimentalmente a Deborah King, y es padre de tres hijos.
La familia mudó a la ciudad creciente de Tijuana en 1955. Carlos, a los ocho años se levantó la guitarra, estudió y emuló los sonidos de B.B. King, T-Bone Walker y John Lee Hooker. Entre poco estaba tocando con conjuntos locales como Los T.J.'s, donde se añadió su propio toque y sentido original a las canciones populares de rock 'n roll de la década del cincuenta. Al continuar a tocar con diferentes conjuntos a lo largo del recorrido "Tijuana Strip," se comenzó a perfeccionar su estilo y sonido. En 1960, la familia de Carlos se mudaron a San Francisco mientras él se quedó en Tijuana para mejorar su pericia musical en los clubes locales. Cuando se mudó al norte después de un año, se encontró matriculado en la escuela, aprendiendo inglés, y queriendo tocar música. En el mismo tiempo, Carlos fue sumergido en el ambiente pintoresco de San Francisco, con sus diversas influencias culturales y estilos musicales. Parecía como que el destino llevó a Carlos al lugar propicio en el momento justo para los conjuntos surgiendo de las calles. Durante los siguientes años, Carlos continuó a evolucionar en su propio estilo musical original-un estilo que llegará de ser el modelo para un nuevo categoría musical. En 1966, esta misma música estalló en las calles de San Francisco con el espectáculo estreno del conjunto de Santana Blues. Durante los siguientes dos años, el conjunto estaban envueltos por una honda de popularidad que les llevó desde las plataformas de Fillmore West en San Francisco a su estreno histórico en el Festival de Woodstock en 1969. Con este espectáculo exaltador, Carlos Santana ya llegó; y con él llegó ambos-un nuevo, poderoso sonido de rock con tono latino y una dedicación intransigente a su música. El mundo adoptó a Carlos con pasión. Estaban fascinados con su música-siempre cambiante, siempre exaltador, siempre creciente-aún siempre consistente y claramente; Carlos. Cada nuevo estreno-incluyendo ocho álbums de oro y siete de platino-llegó de ser un reflejo del crecimiento y evolución personal de Carlos. Los aficionados también fueron encantados con sus mensajes-incitaciones gentiles hacía paz, compasión, alegría y comprensión-que consistentemente nos ha entregado de manera sincera y personal en sus espectáculos en más de 50 países. Y, estaban encantados con el estilo en que toca su guitarra que hasta hoy en día queda entre los más distintivos de todo el mundo. Desde el doble platino álbum de estreno del conjunto de Santana, "SANTANA", y el siguiente de cuádruple platino de "ABRAXAS", hasta el amplio retrospectivo juego encajado, "DANCE OF THE RAINBOW SERPENT", estrenado en 1995... desde las obras solistas exitosas de Carlos, influenciadas por el jazz, al emocionante y sumamente personal "BLUES FOR SALVADOR", a su estreno especial en el álbum de John Lee Hooker, "CHILL OUT"... desde el álbum producido por G&G, "BROTHERS", (que incluyó canciones por Carlos, su hermano Jorge y su sobrino, Carlos Hernández), hasta el estreno en 1996 de "MYSTIC MAN", por el compositor italiano, Paolo Rustichelli... desde el vídeo retrospectivo en 1988, "¡VIVA SANTANA!", hasta el vídeo del concierto en América del Sur en 1993, "SACRED FIRE", al estreno en 1997 del CD-ROM, "THE HISTORY OF SANTANA: THE RIVER OF COLOR AND SOUND" y "SANTANA: LIVE AT THE FILLMORE", un CD doble que muestra sesiones grabadas en los espectáculos del conjunto en 1968 en el club legendario San Francisco... queda claro que Carlos siempre demuestra una pasión intransigente para su expresión musical.
Esta pasión le ha permitido aventurarse en nuevos territorios tanto geográficos como musicales, incluyendo escorificar la película principal La Bamba, lanzarse en un recorrido en 1988 con el saxofonista de jazz Wayne Shorter y participar en el "Rock'n Roll Summit" de 1987, el primer concierto patrocinado en conjunto por los E.U. y la Unión Soviética en toda la historia. Además de ser un presente para beneficio de varias causas notables, tales como "Blues for Salvador", "California Earthquake Relief", huérfanos de Tijuana, los derechos de Gente Indígena, y educación para la juventud latina en sociedad con Hispanic Media & Education Group (HEMG, por sus siglas en inglés).
A Carlos se le ha votado el mejor guitarrista de pop-rock en un escrutinio de la revista Playboy y, en 1977, el conjunto Santana fue el primer en ganar honores de CBS Records Crystal Globe Award por haber vendido 5 millones o más álbumes internacionalmente. Recibió un Grammy para el mejor espectáculo instrumental de Rock en 1988 además de ser el sujeto de un concierto de tributo especial patrocinado por N.A.R.A.S. (por sus siglas en inglés) durante la celebración de los Honores de Grammy en 1996 en coyuntura con su inducción dentro el Hollywood Rock Walk. Recibió diez honores de Bammy I incluyendo seis de El Mejor Guitarrista y tres honores de Músico del Año) y, en 1997, fue entre el grupo inaugural, junto con los finados Bill Graham y Jerry García, elegido al Bammy Hall of Fame. En 1996, Carlos recibió Honor de Billboard Century, el honor más alto de la revista Billboard Magazine, para logro creativo, y fue nombrado Leyenda de la Música Latina del Año por el Chicano Music Awards en 1997. Además de sus honores musicales, Carlos también recibió numerosas alabanzas cívicas y humanitarias, incluyendo el Honor de Arthur M. Sohcot en 1997 para Servicio Público y Excelencia en su Espectáculo, en 1997, el honor de Golden Eagle Legend in Music de "Nosotros", un "Honor de Logro Especial" en 1999 la ceremonia de Honores del American Latino Media Arts (ALMA, por sus siglas en inglés). Y, el 17 de agosto de 1998, Carlos recibió su "estrella" en el Hollywood Walk of Fame, (el camino de la fama de Hollywood). Hoy en día, las ventas de Santana superan los 50 millones de discos.
Sobre sus gustos se sabe que sus guitarras favoritas son las Paul Reed Smith. Entre otras que ha usado se encuentra una Gibson SG con la que tocó en el famoso Festival de Woodstock.



Geoffrey Arnold ("Jeff") Beck (nacido el 24 de junio de 1944 en Wallington, Gran Londres, Reino Unido) es un guitarrista de rock/blues que ha tocado en varias bandas influyentes en las décadas de los 60s y los 70s como los The Yardbirds. Además, durante 25 años ha mantenido una esporádica carrera en solitario. A pesar de no haber alcanzado nunca la proyección comercial de sus contemporáneos, Beck ha tenido un gran reconocimiento, especialmente en la comunidad de guitarristas. Nunca nadie le ha encasillado en un género, Beck ha experimentado con blues rock, heavy metal y jazz fusion y actualmente ha absorbido influencias del techno, creando una innovadora mezcla de música heavy rock y música electrónica.
Jeff Beck comenzó su carrera musical con un breve paso por la Escuela de Arte de Wimbledon, Londres. Se ganó la reputación apoyando a Lord Sutch , quien le ayudó a buscar trabajo como guitarrista líder de los Yardbirds, tras la salida de Eric Clapton. Beck permaneció en los Yardbirds durante casi 2 años dejándoles a finales de 1966 con la disculpa de abandonar la música. Volvió meses más tarde con Love is Blue, un single en el cual tocó mal a drede porque odiaba la canción. Más adelante, en 1967 formó The Jeff Beck Group con el vocalista Rod Stewart, el bajista Ron Wood y el baterista Aynsley Dunbar, sustituido rápidamente por Mickey Waller y el teclista Nicky Hopkins agregado a principios de 1968. Con sus potentes arreglos de temas de blues y sus intercalamientos de guitarra y voz, Jeff Beck estableció las bases del heavy metal. Ninguno de los disco de la banda como Truth(1968) o Beck-Ola(1969) (grabado con el nuevo baterista Tony Newman) fueron particularmente exitosos. La banda solía pelearse a menudo, especialmente en sus frecuentes tours en los EE.UU. En 1970 Stewart y Wood la dejaron para unirse a Faces, y Beck disolvió el grupo.
Beck intentó formar un potente trío con los miembros de Vanilla Fudge: Carmine Appice(batería) y Tim Bogert(bajo) pero sus planes se vinieron abajo cuando Beck sufrió un grave accidente de tráfico en 1970. Para cuando se recuperó en 1971, Bogart y Appice estaban tocando en Cactus, así que el guitarrista formó una nueva versión del Jeff Beck Group con la participación del teclista Max Middleton, baterista Cozy Powell, bajista Clive Chaman y el vocalista Bobby Tench, la banda grabó Rough and Ready(1971) y Jeff Beck Group(1972). Ninguno de ambos discos atrajo mucho la atención.
Cactus se disolvió a finales de 1972 y Beck , Bogert y Appice formaron un potente trío al año siguiente. El único álbum de estudio del grupo –una grabación en directo publicada en Japón pero nunca en EE.UU. of U.K.- fue ampliamente menospreciado debido a sus pesados arreglos y débiles voces y el grupo se disolvió al año siguiente.
Durante 18 meses Beck permaneció callado, re-emergiendo en 1975 con Blow by Blow. Producido por George Martin, Blow by Blow fue un álbum instrumental de jazz-fussion que recibió buenas críticas. Beck colaboró con Jan Hammer, ex teclista de Mahavishnu Orchestra para hacer Wired(1976) y apoyó el disco co-liderando una gira con la banda de Hammer. El tour se documentó en la grabación en directo de Jeff Beck with the Jan Hammer Group Live. Tras el tour con Hammer, Beck se retiró a su estancia a las afueras de Londres y permaneció callado durante 3 años. Retornó en 1980 con There and Back que contó con la colaboración de Hammer de nuevo. Nuevamente el tour de There and Back y Beck se retiró volviendo cinco años más tarde con el logrado Flash, producido por Nile Rodgers. Un disco de pop/rock grabado con una amplia variedad de vocalistas. Flash dio el único hit en single de su historia, el cantado por Stewart People Get Ready y también catapultó Escape, que ganó el Grammy por el Mejor Rock Instrumental.
Durante 1987 tocó la guitarra solista en el segundo álbum en solitario de Mick Jagger, Primitive Cool. Hubo una larga pausa entre Flash y el Guitar Shop de 1989, con Terry Bozzio and Tony Hymas. Aunque el disco sólo se vendió moderadamente bien, recibió buenas críticas y ganó el Grammy de nuevo de Rock Instrumental. Beck apoyó el álbum con una gira co-liderando con el guitarrista Stevie Ray Vaughan. De nuevo, Beck se retiró tras finalizar la gira.
En 1992 Beck tocó la guitarra solista en el disco de retorno de Roger Waters, Amused to Death. Un año más tarde publicó Crazy Legs con Big Town Playboys; un tributo a Gene Vincent y su guitarrista solista Cliff Gallup. Beck permaneció callado tras la publicación de dichos discos antes de resurgir en 1999 con Who Else!. You Had it Coming fue la continuación 2 años más tarde. Con la pista Dirty MInd de este disco, Beck ganó su tercer Grammy en la categoría de Mejor Rock Instrumental.
La publicación en 2003 de Jeff mostró que el nuevo estilo eléctrico usado en los dos álbumes anteriores continuaba dominando. Este estilo ha sido laureado por los críticos. Beck funde magistralmente su influencia electrónica con su pasado de blues/jazz; un estilo fuertemente influido por el sonido "marrón" de posteriores guitarristas como Van Halen of Joe Satriani. El tema Plan B. de este mismo le dio en otoño su cuarto Grammy. En los últimos años Beck ha tocado regularmente, incluida la presentación para B.B.King en el verano del 2003, respaldado por Terry Bozzio y Tony Hymas. Los tours más recientes de Jeff Beck en el 2005 y el 2006 han incluido a Jason Rebello a los teclados, Vinnie Colaiuta a la batería y Pino Palladino al bajo (sustituido recientemente por Randy Hope-Taylor por el anterior compromiso de Palladino con The Who).