Cartel

miércoles, 30 de julio de 2008



Lou Reed (nacido como Lewis Allen Reed el 2 de marzo de 1942 en Freeport, Long Island, Nueva York) es un cantante y escritor de rock, considerado el padre del rock alternativo, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego en solitario. Enormemente influyente en el arte pop desde la década de los 60, sus principales discos son Rock'n Roll Animal, Transformer y, para un primer acercamiento, el soberbio concierto que ofreció en el Meltdown Festival: Perfect Night Live in London. Vive en Nueva York.
En su época de The Velvet Underground escribió canciones que han pasado a la historia de la música pop: Heroin, Rock and Roll y Sweet Jane.
Reed era un fan del rock and roll y el rhythm and blues que tocaba en varias bandas durante su época de estudiante y había grabado un disco sencillo de estilo doo wop como miembro de The Shades. Asistió a la Universidad de Syracuse, donde conoció al poeta Delmore Schwartz, quien le animó a convertirse en escritor. Reed también se aficionó al free jazz y a la música experimental. Más tarde afirmó que sus objetivos eran "traer la sensibilidad de la novela a la música rock" o escribir "la Gran Novela Americana" en un disco.
Se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde trabajó como escritor de canciones para Pickwick Records y cofundó The Velvet Underground como guitarrista/vocalista/letrista, junto con John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker. Aunque la banda se deshizo en 1970 y nunca tuvo éxito comercial, su reputación como uno de los grupos más influyentes en la cultura underground se ha mantenido intacta.
Después de dejar la The Velvet Underground en agosto de 1970, Reed tomó un trabajo en la empresa de contabilidad de su padre como mecanógrafo, con un sueldo de 40 libras a la semana. Sin embargo, un año después, firmó un contrato discográfico con RCA y grabó su primer álbum solista en Inglaterra, con la colaboración con músicos de Yes como el tecladista Rick Wakeman y el guitarrista Steve Howe. El álbum, simplemente titulado: Lou Reed, contenía versiones alternativas de canciones con la The Velvet Underground muchas de las cuales fueron descartadas y archivadas (las cuales se pueden encontrar en el box set Peel Slowly & See). Pese a su calidad musical este primer trabajo solista pasó desapercibido por los críticos y tuvo muy pocas ventas.
Luego del fracaso con su primer álbum, a finales de 1972, Lou Reed trató de re-orientar su carrera musical lanzando Transformer, un álbum de glam rock producido por David Bowie. A continuación publicó Berlin, que cuenta una trágica historia de amor entre dos drogadictos en Berlín. Este disco incluye Caroline Says (violencia), The Kids (prostitución y adicción a las drogas), The Bed (suicidio) y Sad song ("Canción triste").
Reed se adelantó a su tiempo en la elección de estos temas. La música popular no se pondría a su altura hasta la aparición de los punks, entre mediados y finales de los años 70 del siglo XX; pero incluso entonces sus canciones eran únicas: ya fuese entre guitarras distorsionadas o suavemente melódicas, Reed cantaba sobre las cosas desasosegantes, o incluso sórdidas, que otros letristas no trataban. "Walk on the Wild Side" es un saludo irónico y gráfico a los inadaptados, chaperos y travestis en la Factoría de Andy Warhol. "Perfect Day" es una elegía a la adicción de Reed a la heroína, más tarde incluida en la banda sonora de la película Trainspotting. En el material que escogía, Reed seguía, y actualizaba, a autores tales como Allen Ginsberg y Jean Genet. La personalidad de Reed fue también avanzada, prefiriendo el cuero negro y la imaginería sadomasoquista incluso en la época hippie.
En 1975, produjo el doble álbum de estudio Metal Machine Music, lleno de pura distorsión y sonidos de sintetizadores electrónicos. Su discográfica lo estaba presionando para que grabara otro álbum comercial al estilo de Transformer, y Lou decidió cortar con ellos grabando intencionadamente uno de los discos más insoportables de la historia. El periodista de rock Lester Bangs lo declaró genial. Aunque admitiendo que las notas internas de los instrumentos usados es ficticia y paródica, Reed mantiene que MMM era y es un álbum serio. Sus discos de finales de los 70 son frecuentemente recordados con reservas por los críticos de rock, debido al menos en parte a las adicciones de Reed en aquellos años.
Al principio de los años 80, Reed dejó las drogas y comenzó, tanto en su trabajo como en su vida privada, a intentar asuntos más serios, notablemente en su aclamado disco de regreso The Blue Mask. Se casó con Sylvia Morales (más tarde, se divorciaron). En su exitoso álbum New York lanzó una enfadada salva contra los problemas políticos de su ciudad, denunciando el crimen, los caros alquileres, a Jesse Jackson e incluso al Papa Juan Pablo II y Kurt Waldheim. Cuando Andy Warhol, que fue anfitrión y productor de The Velvet Underground, murió tras una operación rutinaria, Reed cerró una brecha de 25 años para colaborar con su compañero de la Velvet John Cale en Songs for Drella, una biografía de Warhol en música pop minimalista. Emocionante y dolorosamente confesional, a menudo ingeniosa, la voz de Reed produce ampollas cuando canta sobre presuntos errores médicos y sobre el intento de asesinato de Warhol llevado a cabo por Valerie Solanas en 1968.
Reed continuó en esos tonos oscuros con Magic and Loss, un disco sobre la mortalidad. En 1997 más de 30 artistas hicieron una versión de "Perfect Day" para un especial de la BBC en favor de los niños. En 2001 fue víctima de un bulo que afirmaba que había muerto de sobredosis de heroína. En 2003, publicó un doble álbum, The Raven, basado en la obra de Edgar Allan Poe. En 2004, se publicó una remezcla de su canción "Satellite of Love" que alcanzó el número 10 en las listas inglesas.


Francis Paul Kossoff (14 de septiembre de 1950 en Hampstead, el noroeste de Londres, Inglaterra-19 de marzo de 1976) fue un guitarrista de rock mejor conocido como un miembro de la banda libre.
Kossoff-hijo del actor británico señaló David Kossoff-comenzó a tocar a mediados del decenio de 1960 y su primera actuación profesional fue con Gato Negro Huesos junto al baterista Simon Kirke. La banda hizo muchos espectáculos para apoyar a Fleetwood Mac y tanto Peter Green (Fleetwood Mac's guitarrista) y Kossoff mermelada y se pasan horas discutiendo blues de juego y los jugadores. Gato Negro Huesos también juega con las giras de blues piano Champion Jack Dupree. Ambos Kossoff y Kirke iría a desempeñar en el álbum Dupree cuando se sienta la sensación ....
En abril de 1968 la pareja trabajó en equipo con Paul Rodgers (cantante) y Andy Fraser (bajo) para formar Libre. Ellos hicieron el "tránsito" del circuito durante dos años y grabó dos álbumes: toneladas de Sobs (1968) y Libre (1969). Ambos álbumes lució la banda de blues y soul influido en el sonido, un estilo que estaba en contraste con algunos de sus progresiva de peso y sus homólogos en el momento.
El éxito llegó en 1970 cuando su tercer álbum, Fuego y Agua (1970), dio lugar a la enorme éxito "Todos los Derechos ahora". La banda tocó la isla de Wight Festival de audiencia a las dos y aclamación de los críticos. Sellout viajes en el Reino Unido, Europa, Japón y seguido, pero después de la liberación del próximo álbum, Highway (1970), banda presiones han provocado una escisión. El álbum en directo "Free Live, grabado en 1970, fue lanzado en 1971 como un registro de despedida. Si bien Fraser Rodgers y perseguido sin éxito en solitario proyectos, Kossoff Kirke y colaboró con Texas teclista John "Rabbit" Bundrick y japonés bajista Tetsu Yamauchi para liberar el 1971 álbum Kossoff, Kirke, Tetsu y Conejo.
Libre reformado y puesto en libertad el álbum por fin libres (1972). Tras su liberación Fraser decidió que había tenido suficiente y dejar de formar los tiburones. Libre redactado Tetsu Conejo y para el 1973 Libre álbum Heartbreaker (1973) tras lo cual el grupo se disolvió.
Rodgers y Kirke pasó a formar el éxito de Bad Company, mientras Kossoff publicó un álbum en solitario, Back Street Crawler (1973). A continuación, acompañado John Martyn en 1975 una gira antes de ensamblar un grupo llamado Back Street Crawler.
Back Street Crawler publicado dos álbumes: la orquesta sigue tocando en 1975 y la Segunda Calle en 1976. Las grabaciones de uno de sus conciertos en Reino Unido en 1975 también fueron liberados bajo el título Live at Croydon Fairfield Halls 15/6/75. Cuando Libre apoya la fe ciega en los Estados Unidos (1969), Eric Clapton ha impresionado lo suficiente como para pedir Kossoff para demostrar su vibrato técnica a él.
Kossoff la guitarra era también mucho de la demanda de período de sesiones de trabajo y contribuyó solos en varios discos entre ellos: Jim Capaldi's Oh Cómo Danced (1972), Martha's Veléz amigos y Ángeles (1969); Blondel's Mulgrave Street (1974); Tío Dog's Old Hat (1972), Michael Gately's Gately's Cafe (1971) y Mike Vernon 1971 del álbum llevarlo de vuelta a casa.
Él también desempeñó en cuatro demostraciones de Ken Hensley (puestos en libertad en 1994 el álbum titulado De vez en cuando) y tres pistas que aparecen en el CD-sólo cuestión de John Martyn's Live at Leeds álbum de 1975.
Un solo de guitarra inéditas también surgió en 2006 el título en el buen camino para el álbum Una Todos por David Elliot que grabó con Paul Kossoff en los años 70.
Jim Capaldi en 1975 del álbum en solitario a corto Cut Draw Blood, dos canciones fueron escritas acerca de fama Kossoff; Gaviota Boy y con un problema. Kossoff desempeñado llevar la guitarra en el segundo.
Kossoff del descontento con el final de su libre de drogas y adicciones contribuido a una drástica disminución en el guitarrista de la salud. En un vuelo procedente de Los Angeles a Nueva York el 19 de marzo de 1976, Paul Kossoff murió a causa de las drogas relacionadas con problemas de corazón. Fue 25. Fue incinerado y enterrados en el Golders Green crematorio.
A 16-pista de carrera retrospectiva, Koss, se publicó en 1977.
Los fines del decenio de 1990 se produjo un renovado interés en Kossoff, y otra carrera retrospectivo fue puesto en libertad, 1997 de la pista 14-Blue Soul (en realidad una reedición de un doble vinilo en libertad a partir de mediados del decenio de 1980 del mismo nombre), así como los cinco discos Libre box set Canciones de ayer, y un Tratado de Libre biografía titulada Heavy Load: The Story of Free


Peter Dennis Blandford Townshend (nacido el 19 de mayo de 1945 en Chiswick, Londres) es un influyente guitarrista y compositor británico de rock conocido principalmente por su trabajo con The Who.
Nacido en el seno de una familia musical (su padre Cliff era saxofonista profesional y su madre Betty cantante), Townshend demostró fascinación por la música siendo bastante joven. Fue expuesto tempranamente al rock and roll estadounidense (su madre sostiene que el veía repetidamente la película de 1956 "Rock Around the Clock") y obtuvo su primera guitarra gracias a su abuela a los 12 años, la que describió como una "Cheap Spanish thing" ("baratija española").
En 1961 Townshend ingresó en el Ealing Art College y un año más tarde, junto a su amigo de la Acton County Grammar School John Entwistle, fundó su primera banda, The Confederates, un dúo de Dixieland en el que estaban Townshend en el banjo y Entwistle en el corno francés. Pronto se unieron a The Detours, una banda de skiffle liderada por Roger Daltrey (quien en ese entonces trabajaba de soldador de hojas de metal), que, bajo el liderazgo de Townshend, se convertiría en The Who. Pronto fueron contratados por un publicista de Mod (movimiento juvenil) llamado Peter Meaden, quien les convenció de cambiar su nombre a The High Numbers (nombre que se refería a términos del movimiento). Luego de lanzar un single (Zoot Suit), comenzaron a trabajar con dos nuevos managers, Chris Stamp y Kit Lambert, lo que marcó el comienzo de The Who.
Las principales influencias de Townshend fueron Link Wray, John Lee Hooker, y Hank Marvin de The Shadows.
The High Numbers se volvió a llamar The Who. Los primeros sencillos que escribió Townshend para el grupo, incluyendo a "I Can't Explain," "Substitute," y "My Generation", unieron un sentido lírico irónico y psicológicamente astuto con música cruda e intensa, combinación que definiría a la banda. Durante los primeros días de la banda, Townshend se volvió popular por su excentricidad sobre el escenario, a veces interrumpiendo conciertos con largas introducciones de las canciones, girando su brazo derecho contra las cuerdas (conformando sus famosos "remolinos"), y a veces destruyendo sus guitarras en el escenario, golpeándolas contra los amplificadores y altavoces. Aunque la primera vez que destrozó su instrumento fue considerada un accidente, la destrucción de los instrumentos se volvió parte regular de las presentaciones de The Who. Townshend iba a relacionar estas acciones con las teorías de arte autodestructiva del pintor austríaco Gustav Metzger, a las que había sido expuesto en la escuela de arte.
The Who siguió progresando a pesar de la muerte de dos de sus miembros originales. Son considerados por muchos críticos como una de las mejores bandas en directo de fines de los años 1960 y principios de los años 1970, gracias a sus acciones en el escenario, el alto volumen y la energía de sus presentaciones.
Townshend siguió siendo el principal compositor del grupo, ya que escribió más de 100 canciones que aparecieron en los 10 álbumes de estudio de la banda. Entre sus logros más importantes se encuentra la creación de Tommy, para la que se creó el término "ópera rock", ser uno de los pioneros en el uso de feedback, y la introducción del sintetizador como instrumento de rock. Townshend siguió creando álbumes con historias que los unificaban a lo largo de su carrera, por lo que es considerado el músico más frecuentemente relacionado con el concepto de ópera rock. Townshend también demostró talento con su guitarra y fue influyente con ella, aunque el mismo afirmó en entrevistas que no entiende por qué es considerado un gran guitarrista.
Townshend ha sido un seguidor del gurú religioso Meher Baba, cuyas enseñanzas fue una importante fuente de inspiración para muchas de sus obras, incluyendo a Tommy y el proyecto no completado por The Who Lifehouse. La canción "Baba O'Riley," escrita para Lifehouse que eventualmente apareció en el álbum Who's Next, fue llamada así por Meher Baba y el compositor minimaista Terry Riley. Aunque las enseñanzas de Baba requieren abstinencia del alcohol y las drogas, Townshend ha tenido diversos problemas con el abuso de esas sustancias.
Además de su trabajo con The Who, Townshend ha estado esporádicamente activo como solista. Entre 1969 y 1971 Townshend, junto a otros seguidores de Meher Baba, grabó un trío de álbumes desconocidos dedicados a las enseñanzas del yogi's - I Am, Happy Birthday, y With Love. Como respuesta a los bootlegs de los mismos, compiló sus highlights (y "Evolution", una colaboración con Ronnie Lane), y lanzó su primer trabajo solista de importancia, Who Came First, en 1972, el cual tuvo éxito moderado y contenía demos de canciones de The Who y demostraba su habilidad con la guitarra acústica. En 1977 colaboró con Ronnie Lane (bajista de The Faces que también era devoto de Meher Baba) en un álbum llamado Rough Mix. El primer álbum verdaderamente solista de Townshend fue Empty Glass, que fue lanzado en 1980 y contenía el single top 10 "Let My Love Open the Door". A este álbum le siguió, en 1982, All the Best Cowboys Have Chinese Eyes, que incluía la popular canción "Slit Skirts". Durante el resto de los años 1980 y principios de los 90 vovlió a experimentar con el concepto de ópera rock, lanzando diversos álbumes basados en cierta historia, incluyendo White City: A Novel (1985), The Iron Man: A Musical (1989), y Psychoderelict (1993).
Townshend también tuvo la oportunidad de tocar con su héroe Hank Marvin para las sesiones Rockestra de Paul McCartney, y además de otros respetados músicos de rock como David Gilmour, John Bonham y Ronnie Lane.
Townshend ha grabado varios álbumes en directo, incluyendo uno en el que aparece un supergrupo que el conformó, llamado Deep End, que sólo tocó tres conciertos y una sesión para el programa de televisión "The Tube", para recaudar dinero para una caridad que ayudaba a los drogadictos. En 1984 Townshend publicó una antología de cuentos titulada "Horse's Neck". También confirmó que está escribiendo una autobiografía. En 1993 escribió y dirigió, junto a Des MacAnuff, una adaptación para Broadway del álbum Tommy, al igual que un musical menos exitoso basado en su álbum solista The Iron Man, basado en el libreo de Ted Hughes (MacAnuff y Townshend iban a co-producir más tarde la película animada The Iron Giant, basada en la misma historia de Hughes).
Desde mediados de los años 1980 hasta la actualidad, Townshend ha participado en una serie de giras de reunión y despedida con los miembros sobrevivientes de The Who.
Townshend sufre de sordera parcial y tinnitus como resultado de su exposición extensiva a música a alto volumen a través de auriculares y en conciertos, incluyendo uno notable en la década de 1970 en el que el volumen llegó a los 120 decibelios a 40 metros del escenario. Parte de su condición es a veces atribuida a una infame presentación de The Who de 1967 en el programa Smothers Brothers Comedy Hour, en la que Keith Moon colocó una gran cantidad de explosivos dentro de su batería y los detonó cuando Townshend estaba parado frente a ella. En 1989, Townshend aportó los fondos iniciales que permitieron la creación de la organización sin fines de lucro H.E.A.R. (Hearing Education and Awareness for Rockers).
Townshend conoció a Karen Astley, hija del compositor Ted Astley, en la escuela de arte y se casó con ella en 1968. La pareja se separó en 1994 pero aún no se ha divorciado. Tienen tres hijos, Emma (nacida en 1969), quien también es cantautora, Aminta (nacida en 1971), y Joseph (nacido en 1989). Por muchos años Townshend evitó emitir comentarios sobre los rumores acerca de su supuesta bisexualidad. Finalmente, en una entrevista de 2002 [1] con la revista Rolling Stone, explicó que, aunque experimentó brevemente con relaciones homosexuales en los años 1960, es heterosexual. Townshend actualmente vive con la música Rachel Fuller, a quien conoce desde hace varios años. Actualmente vive en Richmond, Inglaterra.
En el año 2003 Townshend recibió una "police caution" (alternativa a la prosecución de la policía británica) - dándole antecedentes penales - tras realizar un pago para acceder a un sitio de pornografía infantil en 1999. En su sitio oficial afirmó que estaba realizando una investigación para "A Different Bomb", un libro que nunca se terminó basado en un ensayo que publicó en su sitio. Townshend ha dicho que su autobiografía va a incluir la historia de como el mismo fue abusado sexualmente cuando era chico, un tema que apareció en Tommy. En febrero de 2006 se anunció una gira mundial de The Who para promover el primer álbum del grupo desde 1982.
A pesar de ser más conocido por su música, Pete Townshend ha estido involucrado extensivamente en el mundo literario por más de 3 décadas, escribiendo artículos para diarios y revistas, revisiones de libros, ensayos y disertaciones, libros y guiones.
Uno de sus primeros escritos salió en agosto de 1970 con las primeras nueve ediciones de "The Pete Townshend Page", una columna mensual que escribió para el diario de música británico Melody Maker. En la columna Townshend mostraba sus puntos de vista sobre diversos asuntos, como los medios, el estado de los lugares de conciertos de Estados Unidos y sistemas de dirección pública, mientras que mostraba el estado mental de Townshend durante la evolución de su proyecto Lifehouse.
Townshend también escribió tres ensayos largos para la revista Rolling Stone: el primero apareció en noviembre de 1970 y se llamó "In Love With Meher Baba", ya que hablaba sobre sus ideas espirituales. "Meaty, Beaty, Big and Bouncy," que hablaba detalladamente del compilado de The Who del mismo nombre, salió en diciembre de 1971, y en noviembre de 1977 salió un artículo llamado "The Punk Meets the Godmother,"
También en 1977, Townshend fundó Eel Pie Publishing, que se especializaba en títulos para niños, libros de música y publicaciones relacionadas con Meher Baba. Una librería llamada Magic Bus (como la canción popular de The Who del mismo nombre) fue abierta en Londres. The Story of Tommy, un libro escrito por Townshend y su compañero de la escuela de arte Richard Barnes sobre la creación de la ópera rock de Townshend de 1969 y su película de 1975 (dirigida por Ken Russell), fue publicada por Eel Pie en ese año.
En julio de 1983, Townshend obtuvo un trabajo como editor de adquisiciones para la editorial de Londres Faber and Faber. Sus proyectos más notables incluyeron editar la autobiografía del líder de The Animals Eric Burdon, "Crosstown Traffic" de Charles Shaar Murray (que fue premiado), y More Dark Than Shark de Brian Eno y Russell Mills, y trabajar con el Príncipe Carlos en un volumen de sus collection completa de discursos. Pete comisionó Like Punk Never Happened de Dave Rimmer, y fue editor de Steven Berkoff.
Dos años después de comenzar a trabajar en Faber and Faber, Townshend decidió publicar su propio libro. Horse’s Neck, publicado en mayo de 1985, fue una colección de pequeños relatos que escribió entre 1979 y 1984, sobre temas como la niñez, el estrellato y la espiritualidad. Gracias a su trabajo, Townshend se hizo amigo del ganador del premio Nobel y autor de Lord of the Flies, Sir William Golding, y del poeta premiado Ted Hughes (su amistad con Hughes lo llevó a interpretar musicalmente su historia The Iron Man, seis años más tarde).
Townshend escribió diversos guiones a lo largo de su carrera, incluyendo varios borradores de su proyecto Lifehouse, el último de los cuales (co-escrito con el dramaturgo de radio Jeff Young), fue publicado en 1999. En 1978, Townshend escribió el guión de "Fish Shop", una obra comisionada pero no completada por London Weekend Television, y a mediados de 1984 escribió el de White City, que llevó a un film corto.
En 1989, Townshend comenzó a trabajar en una novela titulada Ray High & The Glass Household, cuyo borrador fue más tarde enviado a su editor. Mientras la novela original sigue sin ser publicada, elementos de la historia fueron usados en el álbum solista de Townshend de 1993, Psychoderelict.
En 1993, Townshend escribió otro libro, "The Who’s Tommy", una crónica del desarrollo de la galardonada versión de Broadway de su ópera rock.
La creación de su sitio oficial, www.petetownshend.com, y su sitio comercial, www.eelpie.com, ambos en 2000, le dieron otro lugar para sus obras literarias. Algunos de sus ensayos fueron publicados online, incluyendo "Meher Baba – The Silent Master: My Own Silence" en 2001, y al año siguiente, "A Different Bomb," una crítica de la industria ponográfica infantil..
Su contribución literaria más reciente es The Boy Who Heard Music, una novela semi-autobiográfica llamada "The Boy Who Heard Music" publicada en forma de serie en su blog desde septiembre de 2005. La última parte fue publicada el 25 de febrero y se anunció que sería seguida por algún tipo de continuación musical.
Townshend firmó un acuerdo con Little, Brown publishing en 1997 para escribir su autobiografía, que supuestamente se llamaría "Pete Townshend: Who He?" y aún está incompleta. Larry David Smith habló sobre sus conceptos y caprichos creativos en su libro "The Minstrel's Dilemma" (Praeger 1999).
En los primeros días de The Who, Townshend tocaba guitarras eléctricas semi-huecas de 6 y 12 cuerdas Rickenbacker semi-hollow electric guitars primarily (particularmente el modelo Rose-Morris). Sin embargo, a medida que la destrucción de instrumentos se volvía algo común en las presentaciones del grupo, comenzó a usar guitarras más resistentes y baratas, como las Fender Stratocaster, Fender Telecaster, y varios modelos Danelectro. A fines de los años 1960 comenzó a usar los modelos "Special" de Gibson SG, como en los festivales de Woodstock y la Isla de Wight. La compañía cambió el diseño de ese modelo en 1972, por lo que Townshend comenzó a utilizar Gibson Les Paul Deluxes, a pesar de que por un tiempo fue buscando SGs antiguas por diferentes tiendas.
Durante los años 1980, Townshend usó principalmente Rickenbackers y modelos similares a los de Telecaster diseñados para el por Schecter y varios otros luthiers. Desde entonces ha usado la Fender Eric Clapton Signature Stratocaster.
Townshend también uso otras guitarras, incluyedo varios otros modelos de Gretsch, Gibson, y Fender. También usó guitarras acústicas de Guild, Takamine y Gibson J-200.
Hay varios modelos de guitarras de Pete Townshend de Gibson, como la Pete Townshend SG, Pete Townshend J-200, y tres Pete Townshend Les Paul Deluxes diferentes. La SG era claramente marcada como un modelo de edición limitada de Pete Townshend e incluía una caja especial y un certificado de autenticidad firmado por Pete. También ha habido una guitarra de Pete Townshend de edición limitada de Rickenbacker.
Desde principios de 1966 Townshend se convirtió en el portavoz de la banda, cuando fue entrevistado sin el resto de la banda para la serie de la BBC A Whole Scene Going admitiendo que la banda consumía drogas. A lo largo de esa década Townshend aparecía regularmente en las páginas de las revistas de música británicas, pero fue la larga entrevista con Rolling Stone de 1968 la que selló su reputación como uno de los intelectuales y teorizadores del rock.
Townshend dio muchas entrevistas a la prensa underground, estableciendo su reputación de comentarista honesto sobre la escena del rock. A eso se le sumaron los artículos que el mismo escribió (su columna mensual de en Melody Maker, y sus tres contribuciones a la revista Rolling Stone).
Al cumplir 30 años, Townshend contó al periodista Roy Carr que sentía que The Who estaba fallando y vertió comentarios ácidos sobre su compañero Roger Daltrey y otros importantes miembros de la escena rock británica. Tras la aparición de estos comentarios en la revista NME, Townshend tuvo problemas con sus compañeros de banda y dejó de dar entrevistas durante dos años. En 1982 Townshend usó a los medios para hablar sobre su adicción a la cocaína y la heroína. Muchos periodistas, con la revolución punk, comenzaron a rechazar a los viejos artistas de rock. Townshend atacó a dos de ellos, Julie Birchill y Tony Parsons, en la canción "Jools And Jim" de su álbum Empty Glass, después de que hicieran comentarios despectivos sobre el ya fallecido Keith Moon. Otros periodistas criticaron a Townshend por traicionar su idealismo de sus primeras entrevistas cuando The Who participó en una gira patrocinada por Miller Brewing en 1982.
En 1990 salió un libro de entrevistas por Timothy White llamado Rock Lives, en el que aparece una entrevista en que Townshend habla sobre el significado de su canción "Rough Boys", que daba la impresión de que era gay o bisexual, y los tabloides ingleses expandieron ese rumor por todo el mundo. Townshend no habló sobre esto por respeto a sus amigos gays, hasta una entrevista de 1994 con la revista Playboy.
Townshend no mostró predilección por las creencias religiosas en los primeros años de The Who y muy pocos podrían haber sospechado que el violento "machacador" de guitarras fuera un monaguillo. Sin embargo, hacia enero de 1968 Townshend empezó a explorar ideas espirituales. En enero de 1968, The Who grabaron su canción "Faith in Something Bigger" (Odds and Sods LP) (la traducción del título al castellano sería "Fe en algo mayor"). Más tarde durante el mismo mes durante un tour en Australia y Nueva Zelanda, Ronnie Lane, miembro de The Small Faces, le presentó a Townshend los escritos del Indio "perfecto maestro" Meher Baba.
Townshend había leido todos los escritos que pudo encontrar de Meher Baba, y para Abril de 1968, se anunció como seguidor de la disciplina de Baba. Fue en ese entonces que Townshend, quien estaba buscando por años una base para una opera de rock, creó una historia inspirada por las enseñanzas de Baba y otros espiritualiztas indios que al final se convertiría en Tommy.


John McLaughlin (nacido el 4 de enero de 1942), también Mahavishnu John McLaughlin, es un guitarrista de jazz extremadamente habilidoso nacido en Yorkshire, Inglaterra. Ganó fama con el grupo de Miles Davis a finales de la década de 1960, junto a otros interpretes como Chick Corea y Tony Williams, y posteriormente con Mahavishnu Orchestra.
Se trasladó a los Estados Unidos en 1969 para unirse al grupo de Tony Williams, Lifetime. Posteriormente tocó con Miles Davis en sus discos In A Silent Way, Bitches Brew, y A Tribute to Jack Johnson.
A principios de los 80 se unió al guitarrista flamenco Paco de Lucía y Al Di Meola formando el Guitar Trio. El Trio se reunió nuevamente en 1996 para una segunda sesión de grabación y una gira mundial.

sábado, 26 de julio de 2008



Anthony Joseph Perry (Joe Perry), es un guitarrista de Hard Rock, popular por pertenecer a la banda Aerosmith.
Perry nació el 10 de septiembre de 1950 en Lawrence, Massachusetts. Es hijo de padres inmigrantes italoportugueses. Al llegar a Estados Unidos de América su abuelo cambió el apellido de Pereira a Perry. Perry y su hermana menor Ann-Marie crecieron en el pequeño pueblo de Hopedale en Massachusetts, donde su padre era contador y su madre era maestra de gimnasia en un colegio. Después, ella se retiró a Arizona cuando su esposo murió en 1975.
Comenzó tocando en bares junto a Tom Hamilton. Para pagar los gastos trabajaba en una heladería, llamada The Anchorage, donde conoció a Steven Tyler unos años después.
Al ingresar en Aerosmith, se hizo adicto a las drogas junto con Steven Tyler. Los demás compartían la adicción pero en menor medida. Más tarde y tras un proceso de desintoxicación pudo dejarlas.
Siendo el guitarrista principal de Aerosmith se separó del grupo por problemas con las drogas, a lo que se unió una pelea entre su esposa y la esposa del bajista de la banda, Tom Hamilton. Desde el año 1979 hasta el año 1984, y junto a su compañero Brad Whitford, formó un grupo bajo el nombre de "The Joe Perry Proyect" que tuvo escasa popularidad y éxito. A mitad de los ochenta se reencontró con sus ex compañeros de Aerosmith.
Entre sus últimos trabajos en solitario Joe publicó un álbum titulado "Joe Perry". Gracias a este trabajo fue nominado a un Grammy.
Es considerado por buena parte de la crítica como uno de los mejores guitarristas de Heavy Metal del mundo. Ha tocado con celebridades como Guns N' Roses, Poison, AC/DC,Kiss, Bob Marley, Ringo Starr, Mick Jagger, Run DMC, entre otros.

sábado, 19 de julio de 2008



T-Bone Walker nació en Linden, Texas y es descendiente Cherokee. De joven su familia se mudó a una región del sur de Dallas conocida como Oak Cliff y conoció a Blind Lemon Jefferson del quien fue lazarillo y aprendió técnicas para tocar la guitarra.
Su debut discográfico fue con el sencillo Wichita Falls Blues/Trinity River Blues para el sello Columbia en el año 1929, bajo el nombre de Oak Cliff T-Bone.
Aún no tenía su sonido tan particular hasta 1942, cuando Walker grabó Mean Old World para el sello Capitol. Sus solos de guitarra en estas grabaciones fueron el primer esbozo de lo que posteriormente, sentarán el sonido de la guitarra eléctrica en el blues.
Mucho material de Walker, grabado entre 1946 y 1948 para el sello Black & White, incluían el hoy clásico Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just As Bad) y T-Bone Shuffle. Esos temas se convertirían en clásicos y fueron interpretados por músicos de todos los géneros; artistas de blues como B.B. King y Albert Collins o rockeros como Gary Moore.
En esta etapa grabó con sesionistas de primera clase, como Teddy Buckner (trompeta), Lloyd Glenn (piano), Billy Hadnott (bajo), and Jack McVea (saxo tenor).
Después de su trabajo para Black & White, grabó entre el año 1950 y 1954 para el sello Imperial. En los próximos cinco años, Walker únicamente grabó el disco T-Bone Blues, grabado en tres sesiones en los años 1955, 1956, y 1959, y finalmente lanzado por el sello Atlantic en el año 1960.


Les Paul (nacido Lester William Polsfuss el 9 de junio, 1915) es un guitarrista de jazz americano e inventor. Él es un pionero en el desarrollo del cuerpo sólido de guitarra eléctrica que "hizo el sonido del rock and roll posible." Sus numerosas innovaciones incluyen la grabación overdubbing, retraso efectos tales como "sonido en sonido" y cinta retraso, eliminación efectos y grabación multipista. En 2003, fue nombrado la 46 ª mejor guitarrista de todos los tiempos de Rolling Stone.
Él nació en Waukesha, Wisconsin a George y Evelyn Polfuss. Su nombre de nacimiento fue simplificado por su madre a Polfuss antes de que él tomó su nombre artístico de Les Paul. También utiliza el apodo de Red Hot Red.
Paul primero se interesó en la música a la edad de ocho años, cuando él comenzó a tocar la armónica. Después de un intento de aprender a tocar el banjo, comenzó a tocar la guitarra. Pero antes de que él tocaba la guitarra tocaba el piano. De 13, Pablo estaba realizando semi-profesional como un país de música guitarrista. A la edad de 17, Pablo juega con la RUBE Tronson Cowboys. Poco después, abandonan la escuela secundaria a unirse a Wolverton's Band Radio en St Louis, Missouri en KMOX. Pero su fama casi llegó a su fin cuando fue herido en un casi fatal accidente automovilístico. Tras el accidente, los médicos le dijo a Pablo que tendrían que fijar el brazo de tal manera que él no sería capaz de doblar de nuevo. Él les había puesto su brazo en un ángulo de noventa grados por lo que aún podría tocar la guitarra.
En la década de 1930, Paul trabajó en Chicago en la radio, donde se realizó la música de jazz. Paul's dos primeros registros fueron puestos en libertad en 1936. Uno de ellos fue acreditado a Ruibarbo Roja, Paul's hillbilly alter ego, y el otro era como un acompañante de artista de blues Georgia White.
Pablo estaba satisfecho con la guitarra eléctrica que se vendieron a mediados de los años 1930 y empezaron a experimentar con unos diseños de su propia cuenta. Famoso, creó "El diario", que no es más que una longitud de 4 común "por 4" valla posterior con puente, la guitarra el cuello, y la recolección adjuntan al presente informe. En aras de la apariencia, que concede el cuerpo de un hueco EPIPHONE cuerpo de guitarra, aserrar longitudinalmente con el registro en el centro. Este resolver sus dos problemas principales: información, como la acústica organismo ya no resonó con la amplificación de sonido, y sostener, como la energía de las cuerdas no se disipa en la generación de sonido a través de la guitarra cuerpo.
En 1938, Paul se mudó a Nueva York y aterrizó un destacado lugar con Fred Waring's residentes de Pennsylvania de radio. Paul se mudó a Hollywood en 1943, donde se formó un nuevo trío. Como última hora para sustituir a Oscar Moore, Paul jugado con Nat King Cole y otros artistas en la inauguración de Jazz en la Filarmónica de concierto en Los Angeles el 2 de julio de 1944. También ese año, Paul's trío apareció en Bing Crosby's radio show. Crosby llegó a patrocinar Paul's experimentos de grabación. Los dos juntos también registraron varias veces, incluyendo un número de 1945 un hit, "Ha sido un largo, largo tiempo." Además de respaldo Crosby y artistas como The Andrews Sisters, Paul's trío también registró algunos de sus álbumes propios en la etiqueta de Decca a fines del 1940.
En 1941, Paul diseñado y construido uno de los primeros sólido cuerpo guitarras eléctricas (aunque Leo Fender también creado de manera independiente su propio cuerpo sólido-guitarra eléctrica en la misma época, y Adolph Rickenbacher había comercializado un sólido cuerpo de guitarra en los años 30). Este prototipo de guitarra que se conoce como "el registro" porque el núcleo sólido de pino es un bloque cuya anchura y profundidad son un poco más que el ancho de la Fretboard. [3] Gibson Guitar Corporation diseñó una guitarra Paul incorporar las sugerencias en los primeros años cincuenta, y lo presentó a él para probarlo. Él estaba impresionado lo suficiente como para firmar un contrato para lo que se convirtió en la "Les Paul" modelo (inicialmente sólo en un "top oro" versión), y de acuerdo nunca para ser visto jugar en público, o ser fotografiados con, cualquier cosa que no sea una guitarra Gibson . Que persistió hasta 1961, cuando Gibson cambiado el diseño de Paul, sin el conocimiento. Dijo que primero vio la "nueva" Gibson Les Paul en una tienda de música en la ventana, y le disgustaba. Aunque su contrato le exige a plantear con la guitarra, dijo que no era "su" instrumento, y pidió a Gibson a eliminar su nombre de la cabezal. Gibson cambió su nombre por el de la guitarra "SG", y también se convirtió en uno de la compañía éxitos de ventas. Se ha dicho que Les había terminado su contrato con el respaldo Gibson porque estaba pasando por un divorcio, y no quería a su esposa para obtener todas las de su aprobación dinero. Más tarde, Paul reanudó su relación con Gibson, y hace suyo el instrumento aún hoy (aunque su personal Gibson Les Pauls son mucho modificados por él mismo - Pablo siempre usa su propia herida en sus pickups guitarras). Hasta el día de hoy, la Gibson Les Paul guitarra se utiliza en todo el mundo, tanto por novatos y profesionales por guitarristas. También fue diseñado el EPIPHONE Les Paul, con el mismo aspecto exterior, y mucho más barato.
En 1947, Capitol Records dio a conocer una grabación que había comenzado como un experimento en el garaje de Pablo, titulado "Lover (cuando hayamos Cerca de mí)", que presentó Paul jugar ocho diferentes partes en guitarra eléctrica, algunos de ellos registrado a media velocidad , Por lo tanto, "doble de rápido" cuando se reproduce a velocidad normal para el maestro. ( "Brasil", de manera similar registrada, fue el B-side). Esta fue la primera vez que el rastreo multi-ha sido utilizado en una grabación. Estas grabaciones fueron hechas no con cinta magnética, pero con los discos de cera. Paul podría grabar una pista en un disco, entonces sí mismo registro jugando otra parte con la primera. Él construyó el multi-pista de grabación superpuestos con pistas, en lugar de paralelo queridos como lo hizo más tarde. No hay ningún registro de cómo unos "toma" se necesitan antes de que él estaba satisfecho con una capa y se trasladó al siguiente.
Paul incluso construyó su propia cera-cortador de montaje, basado en piezas de automóviles. Estaba a favor de la volante de un Cadillac para su peso y planitud. Incluso en estos primeros días, él utilizó la cera de configuración de disco para grabar partes a diferentes velocidades y con retraso, por lo que su sonido con la firma y se hace eco de birdsong-como riffs de guitarra. Cuando más tarde comenzó a utilizar la cinta magnética, el cambio más importante era que él podría tener su equipo de grabación de gira con él, incluso haciendo episodios de sus 15 minutos de radio en su habitación de hotel.
En enero de 1948, Pablo fue herido en un casi fatal accidente automovilístico en Oklahoma, que destrozado su brazo derecho y el codo. Los médicos le dijo a Pablo que no había manera de reconstruir su codo de manera que le permitió recuperar el movimiento, y que su brazo se mantendría en cualquiera que sea la posición que le colocaron en forma permanente. Paul entonces instrucciones a los cirujanos para establecer su brazo en un ángulo que le permitiría recoger la cuna y la guitarra. Le tomó un año y medio para recuperarse.
A principios del decenio de 1950, Paul hizo una serie de revolucionarios grabaciones con su esposa, Mary Ford, que cantaba. Estos registros fueron para su único uso intensivo de overdubbing, lo que hizo por la grabación en disco y rebote de un disco al otro. La pareja de hits incluyen "¿A qué altura la Luna", "Bye Bye Blues", "El Mundo está a la espera de la Salida del sol" y "Vaya con Dios". Estas canciones que figuran María armonizar con ella misma, dando la voz de una muy buena novela.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Jack Mullin interpuso el alemán Magnetophon (grabadora) de nuevo a los EE.UU. en piezas, montarlo y presentado por primera vez a Bing Crosby, que lo utilizó para su programa de radio a finales de 1940. La empresa Ampex, con el respaldo Crosby, se creó el Ampex Modelo 200, la primera producida comercialmente-reel-to-reel grabadora de audio. Bing Crosby dio Les Paul lo es sólo el segundo modelo 200 que se vayan a producir de inmediato y Les vio su potencial, tanto para efectos especiales, como eco y flanger, así como su idoneidad para grabación multipista, para lo cual se considera el padre. El uso de esta máquina, Paul desarrolló su cinta multipista sistema mediante la adición de un nuevo jefe de grabación y circuitos extra, lo que permite múltiples pistas que se registren por separado y asincrónicamente en la misma cinta. Paul's invención fue rápidamente desarrollada por Ampex en producidos comercialmente en dos niveles y tres grabadoras de pista, y estas máquinas eran la columna vertebral del estudio de grabación profesional, la radio y la televisión la industria en la década de 1950 y comienzos de 1960.
En 1954, Paul continuado desarrollando esta tecnología por encargo Ampex a construir los primeros ocho pista grabadora, a su costa. La máquina tardó tres años para obtener funciona correctamente, y Pablo dice que por el momento en que fue funcional su música estaba fuera de favor y por lo que nunca tuvo un éxito récord de usarlo. Su diseño, más tarde conocido como "Sel-Sync," (Sincronización selectiva) en el que un especialmente modificados cabeza de grabación podría registrar una nueva pista o reproducir una previamente registrada, fue el núcleo de la tecnología multi-pista para la grabación próximos treinta años.
Al igual que Crosby, Paul Ford y también se utiliza el ahora omnipresente técnica de grabación conocida como miking estrecha, donde el micrófono es de menos de seis pulgadas desde la boca del cantante. Se obtiene así una más íntima, menos reverberante sonido que se escucha cuando un cantante es un pie o más desde el micrófono. Se hace hincapié en baja frecuencia suena en la voz debido a que el micrófono del efecto de proximidad y pueden dar un más relajado se siente, porque el artista no está trabajando tan duro. El resultado es un estilo de canto que diferían considerablemente de un teatro-amplificado al estilo de cante, como podría ser escuchado en comedias musicales de los años 1930 y'40.
Paul ha acogido a 15 minutos programa de radio, La Les Paul Show, en NBC en 1950, con su trío (a sí mismo, Ford, y el ritmo jugador Eddie Stapleton) y su electrónica, registrada desde su casa y con suave humor entre Ford y Paul puente selecciones musicales, algunos de los cuales ya habían sido un éxito en los registros, algunos de los cuales prevé la pareja grabaciones, y muchos de los cuales presentó deslumbrante volver a la interpretación de este tipo de jazz y pop selecciones como "En el estado de ánimo", "Little Rock Getaway", "Brasil" y "Tiger Rag". Varias de estas grabaciones muestra sobrevivir entre los antiguos en tiempo de radio coleccionistas hoy en día.
Durante su radio, Pablo presenta el legendario "Les Paulverizer" dispositivo, lo que multiplica nada alimentado en ello, como un sonido de guitarra o una voz. Esto incluso se convirtió en el tema de la comedia, con Ford multiplicando ella y su aspiradora con ella para poder terminar las tareas domésticas con mayor rapidez. Más tarde, Paul hizo el mito real para su montaje, utilizando los equipos que oculta lo largo de los años se ha vuelto más pequeño y más visible. Actualmente se utiliza una pequeña caja junto con su guitarra; no se sabe cuánto del producto se mantiene fuera de fase. Él normalmente establece una pista tras otra en el escenario, en la sincronización y, a continuación, juega más la repetición de las formas que ha registrado. Con el sonido digital más nueva tecnología, ese efecto está disponible comercialmente. Hasta el día de hoy, nadie sabe exactamente cómo las obras Les Paulverizer.
A finales del decenio de 1960, Pablo fue en semifinales de la jubilación, aunque lo hizo volver al estudio de vez en cuando. Él y Mary Ford (nacido Iris Colleen Summers) había divorciado en diciembre de 1964, cuando ella ya no podía tolerar el estilo de vida itinerante de su actuar requiere de ellos. Paul's más reconocible grabaciones a partir de entonces a través de mediados del decenio de 1970 fueron un álbum de Londres Records, Les Paul Ahora (1967), en el que actualiza algunas de sus anteriores éxitos, y, con el respaldo de algunos de Nashville's celebra músicos de estudio, una combinación de jazz país y la improvisación con la guitarra virtuosa compañeros de Chet Atkins, Chester y Lester (1977), para el sello RCA Victor.
En 1978, Les Paul y Mary Ford fueron encauzados hacia el Grammy Hall of Fame. Recibió un Premio Grammy Síndicos de los logros de su vida en 1983. En 1988, Paul fue inducida en el Salón de la Fama del Rock de Jeff Beck, que dice, "He copiado más lame de Les Paul que me gustaría admitir." Les Paul fue inducida en el Salón Nacional de Inventores de la Fama en mayo de 2005 para su desarrollo del cuerpo sólido-guitarra eléctrica. En 2006, Paul fue inducida en los Organismos Nacionales de Radiodifusión Salón de la Fama. Fue nombrado miembro honorario de la Audio Engineering Society.
A fines del decenio de 1980, Paul ha devuelto a activo semanal en vivo en la ciudad de Nueva York. En 2006, a la edad de 90, Les Paul ganado dos Grammy en la 48 ª Anual de Premios Grammy por su álbum Les Paul & Friends: American Made Jugado Mundo. Asimismo, realiza todos los lunes por la noche, acompañado al piano por John Colianni, en el Iridium Jazz Club, en Broadway en la ciudad de Nueva York, a pesar de la artritis que ha stilled todos menos dos de los dedos en su mano izquierda .
A biográficos, largometraje documental, titulado Chasing Sonido: Les Paul a 90, hizo su estreno mundial el 9 de mayo de 2007 en el Teatro Downer en Milwaukee, Wisconsin. Paul apareció en el evento y se refirió brevemente a la entusiasta multitud. La película está siendo distribuida por Koch Entertainment y fue transmitido por PBS el 11 de julio de 2007, como parte de su serie American Masters.
En junio de 2008, una exposición que muestra su legado y con los temas de su colección personal en abierto Discovery Mundo en Milwaukee. Paul desempeñado un concierto en Milwaukee para que coincidiera con la inauguración de la exposición.


Frank Vincent Zappa, conocido como Frank Zappa (Baltimore, 21 de diciembre de 1940 -Los Ángeles, 4 de diciembre de 1993) fue un compositor de música sinfónica y de cámara, músico de rock, cantante, guitarrista, y artista satírico estadounidense.
De ascendencia greco-árabe y francesa, fue el mayor de cuatro hijos. A causa del asma que Frank sufría, su familia se mudó en enero de 1951 a Monterey, California, unos 150 kilómetros al sur de San Francisco. Antes de volver a California (San Diego) a principios de los años 50, vivieron un tiempo en Pomona y en El Cajón. En 1955 la familia se reestableció en Lancaster, pequeña ciudad en el valle Antelope, en el desierto Mojave, unos kilómetros al norte de Los Ángeles. A los 15 años, Frank había pasado por seis escuelas diferentes, lo que quizá contribuyó al sentido de alienación que lo embargaría en su edad adulta.
Su padre, que había nacido en Sicilia, era químico y trabajaba cerca de la base Edwards de la Fuerza Aérea estadounidense, lugar dedicado en aquella época a la investigación en el campo de las armas químicas. Dada esa proximidad, tenía en su casa máscaras de gas, en caso de que hubiera algún accidente y es seguro que esto afectó enormemente al joven Frank: en su obra se encuentran varias referencias a gérmenes, guerra bacteriológica y otros aspectos de la industria militar secreta.
La situación de Lancaster permitió a Frank acceder a la estimulante influencia de los sonidos (musicales y publicitarios) de las radios de Los Ángeles y zonas aledañas, y sus padres le compraron un tocadiscos, discos, un televisor e instrumentos musicales. La televisión fue asimismo otra gran influencia: en casi todas sus obras hay referencias a ella, a sus programas, sus anuncios publicitarios y sus jingles.
Su obra cubrió una larga variedad de estilos musicales (principalmente, avant-garde, rock psicodélico, jazz fusión, y clásico contemporáneo) y se destacó en su mezcla de academia, ópera rock, absurdo, humor escatológico y satírico.
Creó y lideró una gran banda musical The Mothers Of Invention, posteriormente llamados sólo "Mothers", por la que pasaron los mejores exponentes del rock y el jazz de su generación, un exquisito grupo de músicos entre los que destacan Jean Luc Ponty, George Duke, Warren Cuccurullo y otros.
Frank Zappa murió el 4 de diciembre de 1993, a la edad de 52 años, de cáncer de próstata. Fue inhumado en una tumba sin identificación en el Westwood Village Memorial Park Cemetery, en Westwood, California.
Frank Zappa , con el ensemble modernPese a que su obra sinfónica fue alabada por la crítica, nunca obtuvo un reconocimiento de crítica masivo. En cambio su música Pop, a pesar de no ser masiva, le permitió llegar a ser un millonario, por su lucha por controlar las ediciones de sus obras, convirtiéndose en empresa de publicación. No buscó ser admitido por el mundo del rock, ni del jazz, a lo largo de su carrera (lo cual puede comprobarse en sus declaraciones acerca del Mainstream, la corriente principal de la industria musical).
En 1983 anticipaba la descarga de música mediante medios electrónicos, proponiendo un hipotético sistema para reemplazar los discos, "A proposal for a system to replace ordinary record merchandising".
Desde el comienzo su obra fue siempre vista desde la composición clásica, teniendo como referente a Igor Stravinsky y al músico que consideraba su maestro Edgar Varese.
De este modo, paralelamente a su actividad Pop, continuaba componiendo obras para percusión, orquesta y cámara, a las que usualmente hacía interpretar a sus bandas de rock o jazz, dentro del repertorio en vivo.
Por medio de orquestas contratadas (LSO) estrenó piezas para gran orquesta, y el Ensemble Interconterporain interpretó una obra suya, dirigida por Pierre Boulez en 1984.
Antes de morir, pudo asistir al estreno mundial de varias obras para conjunto de cámara y ensemble en 1992, por medio de la interpretación del Ensemble Modern.


Winfield Scott "Scotty" Moore III (nacido el 27 de diciembre de 1931 cerca de Gadsden, Tennessee) es un legendario guitarrista de América y miembro del Rock and Roll Hall of Fame. Él es mejor conocido por su respaldo de Elvis Presley en la primera parte de su carrera, entre 1954 y el comienzo de Elvis' Hollywood años.
Scotty Moore aprendido a tocar la guitarra de su familia y amigos a ocho años de edad. Aunque menores, cuando se alistó, Moore sirvió en la Marina de los Estados Unidos entre 1948 y 1952.
Moore's principios de fondo fue en el jazz y la música country. Un ventilador de guitarrista Chet Atkins, Moore dirigió un grupo llamado los "StarLite Wranglers" antes de Sam Phillips en Sun Records lo puso junto con el entonces adolescente Elvis Presley. Phillips cree que Moore a la cabeza la guitarra y el bajista Bill doble Negro era todo lo que se necesita para aumentar Presley la guitarra rítmica y voz de plomo en sus grabaciones. En 1954 Moore y Negro acompañado de Elvis en lo que iba a ser el primer Presley legendario éxito, el Sun Studios período de sesiones de la corte "eso es todo derecho (Mama)", una grabación considerada como un acontecimiento seminal en el rock and roll historia. Elvis, Negro y Scotty Moore formó entonces el "Blue Moon Boys". Se les unió posteriormente el baterista D.J. Fontana. A partir de julio de 1954, el "Blue Moon Boys" y se registrará una gira por toda la América del Sur y Presley como la popularidad de rosa, que recorrió los Estados Unidos e hizo varias apariciones en televisión Presley y muestra las imágenes en movimiento.
Moore desempeñado en muchos de Presley más famosas grabaciones incluyendo "Good Rockin 'Tonight", "Baby Let's Play House", "Heartbreak Hotel", "Mystery Train", "Hound Dog", "Too Much" y "Jailhouse Rock", con el respaldo del grupo Los Jordanaires.
Scotty Moore se le acredita como el pionero del rock 'n' roll conducir guitarrista. Los más populares guitarristas citar Moore como el artista que llevó la iniciativa guitarrista a un papel dominante en un rock 'n' roll band. A pesar de que algunos llevan guitarristas / vocalistas han ganado popularidad, tales como Chuck Berry y la leyenda del blues BB King, Presley rara vez se jugó su propio plomo en el desempeño, por lo general proporciona ritmo y dejando la iniciativa a los derechos Moore. Moore fue una notable presencia en las actuaciones Presley, en sentido estricto como guitarrista. Como resultado, se convirtió en una inspiración para muchos guitarristas populares posteriores, uno de los más vocales de estos objetivos es Keith Richards de los Rolling Stones. Moore, al ser bastante introvertido en el escenario, realizada esta casi exclusivamente a través de su interpretación o ejecución y la interpretación de la música.
En el decenio de 1960, Moore publicó un álbum en solitario llamado La guitarra que cambió el Mundo. Actuó en el especial de televisión NBC conocida como la del 68 le llegará Especial.
Si bien con Presley, Moore inicialmente desempeñado un Gibson ES-295 , antes de cambiar a una Gibson L5 y, posteriormente, una Gibson Super 400.
Por su contribución pionera, Moore ha sido reconocido por el Rockabilly Hall of Fame. En 2000, fue también inducida en el Salón de la Fama del Rock.


Earl Edward "Eddie" Hazel (10 de abril, 1950 - 23 de diciembre de 1992) fue un pionero e influyente guitarrista a principios de la música funk en los Estados Unidos, más famoso por llevar su guitarra trabajar con George Clinton y Funkadelic.
Nacido en Brooklyn, Nueva York, en 1950, Hazel creció en Plainfield, Nueva Jersey, porque su madre, Grace Cook, quería a su hijo a crecer en un entorno sin las presiones de las drogas y la delincuencia que se sentía invadido la ciudad de Nueva York. Hazel ocupados a sí mismo desde una temprana edad jugando una guitarra, que le dio como regalo de Navidad de su hermano mayor. Hazel también cantó en la iglesia. A los 12 años, Hazel se reunió Billy "Bass" Nelson, y la pareja se convirtió rápidamente en amigos cercanos, cantando y tocando la guitarra, antes de añadir Harvey McGee, un baterista, a la mezcla.
En 1967, a los Parlamentos, un Plainfield basado en doo wop banda encabezada por George Clinton, tuvo un éxito disco con "I Want a declarar". Clinton contrató a un banda de respaldo para una gira, la contratación Billy "Bass" Nelson. Hazel fue en Newark, Nueva Jersey que trabajan con George Blackwell y no se pudo llegar. Nelson Después de regresar de la gira, trató de reclutar Hazel. Su madre en primera vetó la idea desde Hazel fue sólo diecisiete, pero Clinton y Nelson trabajado juntos para cambiar su mente.
A finales de 1967, a los Parlamentos fue de gira con Nelson y Hazel. En Filadelfia, Pennsylvania, Hazel se reunió y entabló amistad Tiki Fulwood, que rápidamente sustituido Los parlamentos' baterista. Nelson, Hazel y Fulwood se convirtió en la espina dorsal de Funkadelic, que fue originalmente la copia de seguridad de banda para los parlamentos, sólo para más tarde convertirse en un grupo independiente de turismo dificultades jurídicas cuando obligó al grupo a (temporalmente) abandonar el nombre de "parlamentos"
El doo wop de los parlamentos rápidamente comenzó a desarrollar en el alma de las inflexiones de roca dura de Funkadelic, influenciado tanto por Jimi Hendrix como Frankie Lymon. El cambio a Funkadelic se completa con la adición de Tawl Ross y Bernie Worrell (guitarra rítmica y teclados, respectivamente). Funkadelic (1970), Free Your Mind ... Y Tu Culo seguirá (1970) y Maggot Brain (1971) fueron los primeros tres álbumes, dado a conocer en apenas dos años.
Maggot Brain es tal vez la definitiva declaración musical de Funkadelic, y el título de la canción, "Maggot Brain", contiene una de diez minutos solo de guitarra que se Hazel del momento y una pieza de música que él ha mantenido una leyenda - en 2008, Rolling Stone esta cita como número 60 en su lista de 100 mayores "guitarra canciones" de todos los tiempos. Quizás apocryphally, Hazel dijo Clinton durante la sesión de grabación para "jugar como su momma sólo muerto" y el resultado fue la épica sonidos Hazel de la guitarra. El término, "Maggot Brain", se refiere tanto a Hazel increíble consumo de diversas drogas, así como un modo de pensamiento que le permite a uno por encima de las "bullshit" del mundo, que está habitada de gusanos que no han alcanzado aún el estado de Maggot Brain (véase la mitología P Funk).
Hazel no es el único miembro de Funkadelic a tener problemas de la droga. Ross dejó el grupo a causa de un mal viaje de LSD o de una sobredosis de anfetaminas. Fulwood también se utiliza la droga con Hazel, líder Clinton a suspender sus sueldos para que no gastar el dinero en su totalidad las drogas. Como resultado de ello, América Come Su joven (1972) presentó sólo marginal de entrada de Hazel. En lugar de ello, Hazel comenzó a trabajar con las tentaciones, que aparecen en 1990 (1973) y A Song for You (1975).
En 1974, Hazel fue acusado de agredir a una azafata de líneas aéreas, junto con un cargo posesión de drogas. Mientras estaba en la cárcel, añadió Clinton Michael Hampton a Funkadelic. Hampton fue Hazel sustitución del plomo como guitarrista, contratados sobre el terreno después de que audiciona con una nota por nota versión de "Maggot Brain". Hampton fue diecisiete años, la misma edad Hazel había sido cuando se unió a los Parlamentos.
Hazel domina la guitarra permanente a las puertas de conseguir en (1974), que había sido registrada antes de su detención. Hazel co-escribió todos los de ese álbum las canciones, y en seis de esas canciones el cantar de crédito fue en el nombre de Grace Cook, la madre de Hazel. (Se trataba de una táctica de Hazel contractuales para evitar dificultades con los derechos de publicación. El "G. Cook" de crédito al parecer unas cuantas veces más tarde en Funkadelic álbumes.) Hazel Cuando regresó a Funkadelic, su guitarra de juego rara vez se presentó. Durante los años siguientes, Hazel con la presencia de Funkadelic se convirtió en imprevisible. Una canción que figuran a la cabeza Hazel guitarra es "COMIN 'Ronda de la Montaña" en Hardcore Jollies (1976). Fue completamente ausente de una nación bajo un Groove (1978), Funkadelic más comercialmente exitoso álbum. En la P-Funk All Stars "Live At The Beverly Theater (registrada en 1983, publicado en 1990), Hazel es upstaged durante" Maggot Brain "- su firma canción - de guitarristas Hampton y Dewayne" Blackbyrd "McKnight.
En 1977, Hazel registró un "solo" álbum, Game, Dames y Guitar Thangs, con el apoyo de otros miembros del Parlamento-Funkadelic, incluyendo voces de las novias de Funkenstein.
El 23 de diciembre de 1992, Hazel murió a causa de hemorragias internas y fallo hepático, tras una larga lucha con problemas de estómago. "Maggot Brain" se jugó en su funeral.
Tres colecciones de grabaciones inéditas han sido puestos en libertad póstumo: 1994 La canción de cuatro PE de atascos del corazón (que Rhino Records añadida posteriormente como material extra a su rerelease de juego, Dames y Guitar Thangs), 2000 Resto del P en 2006 y de Eddie Hazel A Inicio.
Otras grabaciones de Hazel han aparecido en álbumes de otros músicos. Varios álbumes producido por Bill Laswell, incluidos Axiom Funk: Funkcronomicon (1995), han destacado la guitarra de Hazel. Bootsy Collins también ha incorporado las grabaciones de Hazel a algunos de sus últimos comunicados, por ejemplo, "Good Night Eddie" en "Blasters del Universo."
Hazel ha participado en una serie de listas de los más grandes guitarristas de todos los tiempos. Él fue de 43 en la lista de la revista Rolling Stone's 100 Greatest Guitarristas de todos los tiempos y se clasificó a 88 en una lista similar de UnCut Magazine.
Eddie Hazel veces recibió el crédito por contribuciones como Grace Cook, su nombre de la madre. Ween La banda grabó un homenaje que se le llamó "una lágrima para Eddie" en su álbum de chocolate y queso, imitando su estilo único solos. Hay una imagen de Hazel en la parte posterior de Primal Scream del álbum dar Pero no se dé por vencido.

sábado, 5 de julio de 2008



James Marshall Hendrix (Seattle, Washington, 27 de noviembre de 1942 - Londres, 18 de septiembre de 1970) fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense. Es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia de la música, además de ser uno de los mayores innovadores en el ámbito de la guitarra eléctrica: durante su carrera artística, tan breve como intensa, fue el precursor de muchas estructuras y del sonido de aquellas que serían las futuras evoluciones del rock (como por ejemplo el hard rock), creando una fusión inédita de blues, rhythm and blues, rock and roll y funky.

Su exhibición durante el cierre del festival de Woodstock en 1969 se transformó en un verdadero y propio símbolo: la imágen del guitarrista que con una irónica y desafiante visión del arte, toca el himno nacional estadounidense con una distorsión visiblemente provocatoria. Ésta entró prepotentemente en el imaginario colectivo musical como uno de los puntos de inflexión en la historia del rock.

Hendrix fue introducido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.

En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos.

Biografía:
Nacido en King County Hospital de Seattle en el estado de Washington, Estados Unidos, de madre de origenes nativo americana y padre afroamericano con el nombre de Johny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall "Jimi" Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix.
El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenia apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ése entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad.
Obtuvo su primer guitarra acústica a los 14 años por $5 a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando como tocaban otros tipos de músicos más experimentados y escuchando discos. En 1958, el año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark blanca, aunque sin amplificador, con la que tocó en varias bandas locales. Ese mismo año su única calificación baja en la escuela fue una F en clase de música. Poco interesado en la escuela, que dejaria antes de laurearse, Jimi comenzó a dedicarse tempestivamente a la música: sus puntos de referencia fueron guitarristas de la escena del blues de Chicago como Elmore James, Muddy Waters ed Albert King, por no hablar de leyendas del más resaliente delta blues, como Robert Johnson y Leadbelly, y del rock and roll como Chuck Berry.
En los inicios de la década del 60, a causa de algunos problemas con la ley, se encontró a tener que elegir entre un periodo de reclusión o el alistamiento militar; elegida la segunda opción, Jimi viene alistado el 31 de mayo de 1961 en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky, despues de un breve adiestramiento. Su aventura en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente e intencionado a dedicarse a la música, Jimi decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual. Tomando en cuenta algunas entrevistas dejadas por Hendrix a propósito, en cambio, parece que con el fin de obtener la baja abdució problemas en la espalda producto de un salto en paracaidas.
El acercamiento a la escena musical. Una vez obtenida la baja, "Buster" (como le conocían muchos amigos y familiares) fijó residencia en las cercanias de Clarksville, en Tennessee. Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo formado junto a su amigo Billy Cox, los King Casuals. El grupo comenzó a exhibirse en locales de la zona hasta que la entera formación decidió transferirse a Nashville. La actividad del grupo se desenvolvia esencialmente en locales de la zona de Jefferson Street, tradicionalmente considerada el corazón de la comunidad afroamericana de Nashville y conocida por la intensa escena rhythm and blues que en aquel periodo se estaba desarrollando; resultando un buen viático así, hacia las primeras experiencias "en vivo" de Hendrix.
Durante los tres años siguientes Jimi llevó una vida errabunda, formando parte en el giro del llamado Chitlin' Circuit y convirtiendose en una presencia fija mediante una interminable serie de exhibiciones, tanto en la vestimenta de guitarrista de los King Casuals como en grupos de soporte para un gran número de musicos blues, rhythm and blues y soul como Chuck Jackson, Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke y Jackie Wilson. El periodo transcurrido en el Chitlin' Circuit resultó fundamental para su formación musical y estilista; propiamente en éste contexto Hendrix definió su actitud y consolidó su conocimiento de las raíces del blues.
Una vez terminado con lo que más tarde se reveló ser su periodo de aprendizaje, en el tentativo de dejar atrás el contexto de racismo y degradación que habia encontrado en el sur del país norteamericano, Hendrix decide de transferirse a New York. En enero de 1964, el guitarrista se mueve al barrio de Harlem, donde consolidó una estrecha amistad con los gemelos Arthur y Albert Allen (hoy día mas conocidos como Taharqa y Tunde-Ra Aleem). La amistad con los gemelos Allen resultó pronto ser fundamental y destinada a durar en el tiempo, como demuestran algunas colaboraciones en la última parte de la carrera de Hendrix en el interior de sus grabaciones (un ejemplo puede ser considerada Freedom, en la cuál los gemelos Allen se ocuparon de los backing vocals acreditados con el nombre de Ghetto Fighters). También resultó fundamental la relación con aquella que más tarde se convertiría en su novia, Lithofayne "Fayne" Pridgeon. Fayne procuró de hecho todo tipo de soporte humano y logístico a Hendrix y se revelò esencial también en su inserimiento en la escena local gracias a sus conocimientos del ambiente underground musical de Harlem.
Su primera oportunidad de saborear el éxito llegó en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la Isley Brothers' Band para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin' Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, single que poco despues se convertiría en un éxito radiófonico.
Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una interminable serie de idas y vueltas desde una banda a la otra: en Nashville dejó a los Isleys Brothers para sumarse como guitarrista del grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard. No obstante Little Richard fuese por aquellos tiempos uno de lo ídolos de Jimi, ambos entraron en diferentes conflictos durante el tour por las razones más disparatadas; la mayoria se debia a la escarsa tolerancia del cantante hacia la teatralidad escénica de Hendrix. Por un breve periodo, Hendrix se separó del grupo de soporte de Richard para seguir en tour a Ike y Tina Turner: pero poco alcanzó, alimentada de las usuales acaloradas actuaciones del guitarrista, para inducir a los dos artístas a reenviarlo a su anterior grupo. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard seria concluida a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington.
En 1965 Hendrix se unió a la banda newyorquina Curtis Knight and the Squires, despues de haber conocido a Knight en el hall de un hotel -clase media- en el cuál ambos habian encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalemente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de royalty sobre las grabaciones con Curtis Knight. No obstante 13 Años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estadia en Vancouver, parece ser que Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylory Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho venga atribuido a la tendencia de Taylor de agrandar las cosas.
No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, consintiéndole de enriquecer ulteriormente su considerable bagaje guitarrístico.
En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluídos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny's Music Shop; entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California a uno y al otro Randy Texas. Randy California se seria convertido más tarde en co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy.

Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.

Hendrix y su nuevo grupo llamaron facilmente la atención de una Nueva York todavia distante de los sonidos y humores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff "Skunk" Baxter. [13] Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecia un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah.
El 1966 fue el año del giro definitivo para Hendrix. Durante una noche en el Cheetah Club, ubicado sobre la West 21st Street, el guitarrista conoció a la entonces novia de Keith Richards, Linda Keith. Los dos se hicieron rapidamente amigos y Linda se esforzó para presentarle a Andrew Loog Oldham, manager de los Rolling Stones, y al productor Symour Stein. Ninguno de los dos recogió una impresión positiva del encuentro y - con gran desilusión de Hendrix - toda prospectiva de inserimiento se esfumó. Lejos de perder los ánimos, Linda insistió en presentarlo a Chas Chandler, en la época bajista del grupo Animals. El encuentro esta vez resulto fructuoso. En aquel periodo Chandler se encontraba próximo a concluir su historia con los Animals y estaba en busca de detalles para redefinir su propia situación como productor y manager; despues de un breve encuentro, Chandler comprendió que Hendrix tenia buenas prospectivas por delante y se convenció a si mismo del hecho de que una versión de un blues de Billy Roberts, Hey Joe, propuesta según el estilo agresivo que el guitarrista le habia ilustrado podia convertirse en un "single" de lanzamiento.
Hendrix se esforzó en buen grado para elaborar una versión propia de Hey Joe; el resultado entusiasmó a Chandler hasta el punto de inducirlo a llevar al guitarrista a Londres para para firmar un contrato con el soporte del manager saliente de Animals, Michael Jeffrey. El paso sucesivo tenia que ser el de acercarle algunos músicos adecuados al nuevo sonido que tenian en mente. Despues de algunas audiciones se decidió en estructurr la formación sobre un modelo power-trio (en la época muy de moda, visto también el éxito de los entonces recién nacidos Cream) y los personajes elegidos para ese fin, ambos ingleses, fueron el guitarrista Noel Redding, relegado al bajo y el pirotécnico baterista Mitch Mitchell.

Habia nacido la Jimi Hendrix Experience.

El sonido del trío se reveló como una novedad absoluta; desde las primeras exhibiciones en Europa, las visionarias escaladas sonoras de Hendrix sostenidas por la furiosa bateria de Mitchell y de las lineas esenciales del bajo de Redding, crearon enorme impresión en el mundo de la música londinense, dando vida a un pasaje de voz sin precedente entre los artistas y grupos que animaban la escena en aquel entonces. La salvaje actitud "en vivo" del guitarrista creó suspiros en artistas ya afirmados como Eric Clapton y Jeff Beck, y el aura que lo acompañaba le permitió muy pronto de entrar en el salón bueno de la música de la época, al punto que los músicos de The Who se empeñaron en que Hendrix aceptase una propuesta de su discográfica, la Track Records.
El primer tema ofrecido a la prensa fue justamente Hey Joe, retocado un poco con respecto a las intenciones iniciales debido de la salida de la versión del cantante folk Tim Rose, pero siempre adecuado al estilo de Jimi. En el lado B del "single" se encontraba Stone Free, un blues de tono grave, áspero y alucinado elegido entre sus primeras composiciones. La respuesta de las ventas fue notable y vino confirmada por los dos temas que le siguieron: Purple Haze y The Wind Cryes Mary; las canciones en cuestión se volvieron columnas importantes en los fogosos actos en vivo del grupo, acompañadas de clásicos del blues como Killing Floor de Howlin' Wolf (con el cuál normalmente abrian sus conciertos) y Rock Me Baby de B.B. King.
Are You Experienced? obtuvo una excelente respuesta de ventas en el viejo continente, interrumpiendo su propio ascenso al segundo lugar en la clasifica británica por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles. De todos modos, la Experience estaba en busca de la ocasión perfecta para desembarcar en USA, donde aún era desconocida.
La ocasión se presentó en junio de 1967, cuando el grupo fue invitado - por medio de Paul McCartney- a la histórica edición del Monterrey International Pop Festival llevada a cabo el 16,17 y 18 de junio de aquel año y generalmente considerado el evento de arranque del llamado "largo verano de amor". La oportunidad se reveló extremadamente favorable para Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendria en todo el país norteamericano, su performance seria inmortalizada en el documental que devendría tiempo más tarde del festival. La Experience no se dejó escapar la ocasión y se desenvolvió en una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de su entera época "live". En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a mimar actos sexuales, sonarla con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador. Al término de la exhibición, para remarcar su furiosa nesecidad de extraer nuevos sonidos al instrumento, le dió fuego con gas liquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis de feedbacks lancinantes.

Los restos de la guitarra que Hendrix destruyó en aquella noche fueron recuperados y actualmente están expuestos en el Experience Music Project di Seattle.
La salvaje performance sonora del trío tuvo un enorme eco en todos los Estados Unidos, preparando así el terreno al suceso que vendria acojido tanto en las exhibiciones "live" del guitarrista cuanto en sus estrenos discográficos.
El año 1967 vió la salida del seguidor de Are You Experienced? titulado Axis: Bold as Love, igualmente marcado de la poderosa vena ácida y experimental de su antesesor, pero caracterizado de sonidos menos ásperos y más proyectados hacia el funk, blues y Rhythm and Blues. Con Bold as Love Hendrix proseguiría con su búsqueda sonora también en el sentido de las variaciones sobre los dos canales de salida estéreo, afirmándose ulteriormente hacia resultados sonoros absolutamente innovativos. El disco fue además íntegramente grabado con el encordado de la guitarra disminuido medio tono, expediente destinado a convertirse en stanrard en la producción del guitarrista.
El disco es además para recordar por los traspiés que lo acompañaron en las fases inmediatamente previas a su salida.
Sucedió de hecho que Jimi olvidó el master tape ya remixado del lado A del disco sobre el asiento posterior de un taxi, sin lograr obtener en ningún modo de recuperarlo. El hecho constituía un serio problema ya que los masters originales deberian haber sido entregados en breve para la impresión del LP; todo el lado A del trabajo debería ser entonces ser remixado desde los multitrack del bajo en una única noche de trabajo, con el desapunte de Hendrix y de su histórico técnico Eddie Kramer que seguidamente afirmarian de no estar completamente satisfechos del resultado.[18]
Algunos otros contratiempos provendrian desde el arte de tapa: a causa de un absurdo malentendido, el pedido de Hendrix para que el tema se enfocase sobre sus orígenes indígenas - refiriéndose a las tribu de piel roja nativas de norteamerica - vino totalmente confundida por parte del estudio gráfico británico que se encargaba, y el resultado fue una tapa en la cuál Hendrix, Redding y Mitchell lucen los vestidos de las deidades Durga y Visnú.
De todos modos, el álbum se reveló todo un suceso, logrando aumentar considerablemente los pedidos de exhibiciones en vivo de la banda y llevando a la Experience a tocar de frente a plateas siempre más amplias. Lamentablemente, la conclusión del tour no logró ser feliz: mientras el grupo se encontraba en Escandinavia por algunos compromisos, la noche del 4 de enero de 1968 Hendrix es arrestado en Estocolmo despues de haber devastado una habitación del hotel en un raptus a causa de las drogas y el alcohol.
La gestación del último LP de estudio de Hendrix, el álbum doble Electric Ladyland, no fue por cierto menos problemático que Bold as Love. Ya durante las primeras fases de las sesiones Hendrix tuvo que aceptar el abandono por parte de su histórico productor Chas Chandler, literalmentemente irritado a causa de los numerosos contrastes con el guitarrista. Su modo de concebir los temas y las grabaciones era totalmente opuesto; Si Chandler optaba por tener unos temas convencionales y de duración no excesiva de 5 minutos, Hendrix rebatía con su estilo absolutamente no ortodoxo, tanto en la concepción de las canciones como en sus registraziones. La influencia de Chandler es evidente en los dos primeros LP de la Jimi Hendrix Experience, donde raramente un tema supera los 4-5 minutos, siguiendo la mejor tradición pop. Al contrario, Electric Ladyland presenta arquitecturas perfectamente en sintonía con el estilo ácido y visionario de Hendrix, compaginando partes de cesura con larguísimas jam sessions caracterizadas por enormes espacios instrumentales, a razón de modalidades notablemente psicodélicas.
La segunda razón en la base de las dimisiones de Chandler, era de rebuscarse en la naturaleza errabunda que Hendrix era normalmente volcado a imprimir en las sesiones de grabación: mientras Chandler era de la idea de la escuela de pensamientos de las regitraciones a desenvolverse en breve tiempo y con todas las ideas en su lugar, Hendrix tendía a dejarse caer en infinitas jam sessions de prueba y afinación con los músicos que le soportaban elaborado, re elaborando, modificando y ampliando aquellas que eran sus ideas de fondo en una contínua turbina de creatividad, la mayoria de veces sabiendo desde donde partir pero no a hasta dónde llegar, dejandose guiar unicamente por el instinto. Las sesiones preparatorias para Electric Ladyland, en particular, fueron pobladas por numerosos músicos adicionales que iban y venian de los estudios de prueba sin ningún criterio aparente; así fue que a los tres instrumentistas de Experience, se sobrepusieron el célebre tecladista Al Kooper, el baterista Buddy Miles además de Jack Casady, bajista de los Jefferson Airplane y Steve Winwood de los Traffic.
Parece evidente como la increible mole de material inédito y alternativo grabado por Hendrix, así sea durante su brevísima actividad, sea de atribuirse justamente a éste continuo hacer y deshacer.
A provocar por último el fin del equilibrio, fue también el proverbial perfeccionamiento de Hendrix. El guitarrista, además de exigir cuantitativas - hasta ese momento impensables - sobreinciciones en los temas, solicitaba también a sus músicos y técnicos grabar nuevas tomas de las partes de una canción un número impreciso de veces, en espera de encontrar la alquimia que éste retuviese fuese la adecuada; la historia quizo que el tema Gipsy Eyes fuese registrado en bien 43 versiones diferentes antes de que Hendrix encontrara una de su agrado.
Chandler no fue la única víctima de los ya conocidos "arranques" del guitarrista. En caída libre estaban también las relaciones con el bajista Noel Redding, él también desesperado por las modalidades de trabajo impuestas por Hendrix. No era raro, de hecho, que el bajista abandonase el estudio de grabación para calmarse luego de la enésima bronca con Hendrix, y que a su retorno la línea de bajo esté grabada por manos del propio guitarrista durante su ausencia.
La última exhibición británica de la banda tuvo lugar el 24 de febrero de 1969 en la Royal Albert Hall de Londres, con dos apariciones que dejaron el "todo lleno". Los dos conciertos fueron además registrados y filmados con fines documentales para una producción Gold & Goldstein que deberia haber sido entitulada Experience. Las cintas son aún hoy inéditas.
La frustración de Redding derivaba también del hecho de no sentirse a gusto en el rol de bajista, siendo él un guitarrista. Resale al 1968 la formación de su propia banda, los Fat Mattress, que en diversas ocasiones cubrió incluso el curioso rol de banda soporte de la mismisima Experience. A todo ésto habia que agregar el sufrimiento por la creciente histeria que puntualmente acompañaba los recitales de Experience: su última exhibición en absoluto, el 29 de junio de 1969 en el Bob Fey's Denver Pop Festival, fue marcada por desencuentros y actos de violencia entre el público, y las fuerzas del órden tuvieron incluso que recorrer a gases lacrimógenos para vover a tomar el control de la situación; con los tres miembros del grupo obligados a evadir encontrando refugio en el acoplado de un camión asediados por los fans. La ruptura con Redding fue oficializada al día siguiente.
Además de la disolución de la que fuere su banda original, Hendrix aquel año tuvo que hacer frente a una serie de controversias legales que lo implicaban en la sede penal y civil; el 3 de mayo de 1969 el guitarrista fue arrestado en el Pearson International Airport de Toronto luego de haberle encontrado hash y heroina en su poder. Durante el proceso Hendrix logró convencer a la corte declarando el hecho de no saber en qué modo las sustancias habian terminado en su equipaje, enfocándose en la tésis de una acción externa. En la sede civil, en cambio, el guitarrista se encontró a tener que tratar con algunos problemas legales conectados a la disolucion del contrato escrito en favor de Ed Chaplin en 1965: el hecho fue resuelto amistosamente, con la disponibilidad del guitarrista a registrar un LP bajo su régimen de producción.
El festival de Woodstock de 1969 fue seguramente uno de los eventos más representativos por el ingenio colectivo acarreado a la música de los años 60 y al movimiento flower power. En éste contexto, la actuación de Jimi Hendrix se convirtió en un verdadero y propio símbolo del festival, además que del pensamiento pacifista de aquellos años. La exhibición del guitarrista estaba programada para el cierre del evento, la noche del 18 de agosto de 1969, tercero y último de aquellos "tres dias de paz, amor y música". A causa de problemas técnicos y logísticos que se verificaron, por no contar con la violenta lluvia que se abatió sobre la zona en mitad del segundo día, su performance debió ser reprogramada para la mañana siguiente. La inmensa cantidad de fans de los tres dias anteriores (mas de 500.000 espectadores pagantes) se habia reducido considerablemente y Hendrix terminó cerrando el recital delante a una audiencia (respetable pero decisamente inferior a las expectativas) de aproximadamente 180.000 espectadores, exhaustos y en muchos casos incluso distraídos y desganados.
El guitarrista se presentó sobre el palco con una formación inédita, introducida por el speaker como Jimi Hendrix Experience, pero rapidamente vuelta a presentar por el mismo Hendrix como Gipsy Sun and Raimbows: prosiguió una exhibición de dos horas (en absoluto entre las más largas de su carrera). El hecho que más sobresalió de todo modos en aquella histórica exhibición, fue la celebérrima transfiguración guitarristica operada sobre el tema The Star-Spangled Banner, himno de los Estados Unidos; Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclandolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla, el todo utilizando nada más que su guitarra.
La realidad de los hechos, queda aún en una extrema controversia sobre el significado que Hendrix quizo dar a aquel modo de proponer el himno nacional estadounidense. Si bien su razón sea mas bien clara, hay que decir que desde hacia un año aquella versión de The Star-Spangled Banner era propuesta en vivo y el mismo Hendrix se mostró siempre misterioso sobre el tema: en una entrevista sobre el festival de Woodstock el guitarrista se declaró desinteresado a las cuestiones políticas, y a una pregunta más precisa - hecha durante el Dick Cavett's Show - sobre el porqué de su versión tan poco ortodoxa del himno norteamericano Jimi respondió muy tranquilamente "encuentro maravilloso tocarlo así".
Algunas teorías de que Hendrix fuese de hecho favorable a la intervención bélica en Vietnam quedan totalmente de lado no solo al tomar en cuenta la transfiguración del himno efectuado en Woodstock, si no mas bien por escuchar el tema Machine Gun, contenido en su último LP Band Of Gypsys, una explícita canción de protesta en contra de la guerra.
En 1970, en Londres (Inglaterra) James Marshall Hendrix muere ahogado en su propio vómito, yendo ya de camino al hospital, a causa de una sobredosis de LSD mezclada con alcohol. Hay leyendas que dicen que al ir en la camilla de la ambulancia Jimi giró la cabeza para vomitar, pero que el enfermero se la volvió a reclinar y él se ahogó en su propio vómito. Muere a los 27 años (edad a la que fallecieron también: Jim Morrison, Janis Joplin y Kurt Cobain).



Robert Fripp (n. 16 de mayo de 1946), guitarrista que se hizo famoso por su trabajo con el grupo King Crimson. Nació en Wimborne Minster, un pueblo del condado de Dorset, al sur de Inglaterra. Aprendió a tocar la guitarra a los 11 años de edad. Luego de participar en varias bandas desde los 14 años, se convierte a fines de la década de los años 1960 en uno de los fundadores del movimiento progresivo junto a King Crimson, También famoso por su singular técnica conocida como frippertronics.

Actualmente es considerado uno de los guitarristas más influyentes de la Música de Avanzada.

Paradójicamente, Fripp está casado desde 1986 con la Toyah Willcox, cantante punk y actriz.

La carrera profesional de Robert Fripp comienza en 1967 cuando se integró a una banda con el bajista Peter Giles y el baterista Michael Giles. El trío grabó solamente dos sencillos aparecidos en un álbum titulado simplemente The Cheerful Insanity of Giles, Giles and Fripp.


Conformación de King Crimson Tras de la disolución de la banda, Fripp junto con el baterista Michael Giles, decidieron formar King Crimson en 1968, con Greg Lake, Peter Sinfield e Ian McDonald. Su primer álbum, In the Court of the Crimson King realizado en 1969, obtuvo críticas encontradas, desde entonces King Crimson se ha disuelto y vuelto a formar en varias ocasiones con distintos integrantes, en todas las cuales Fripp ha sido el único miembro consistente de todos sus discos y todas sus encarnaciones.


Durante el primer lustro de la década de los 70's, tras la disolución aparentemente definitiva de King Crimson, Fripp se alejó un poco de la industria musical por el interés que despertaron en él los textos de George Ivanovich Gurdjieff, estudios que incluso influyeron después en su trabajo con la guitarra Craft. En 1976 volvió al trabajo musical colaborando en el primer disco solista de Peter Gabriel, Fripp incluso salió de gira con Gabriel como uno de sus músicos de apoyo, pero con el nombre de Dusty Rhodes.

En 1977 Fripp recibió una llamada de Brian Eno, quien se encontraba trabajando con David Bowie en su álbum Heroes. Fripp tocó la guitarra en el álbum y desde ese momento inició una serie de colaboraciones con reconocidos músicos. De nuevo con Peter Gabriel en su segundo álbum y con Daryl Hall (integrante del dúo Daryl Hall & John Oates)en su álbum Sacred Songs. Durante ese período Fripp comenzó a trabajar en su propio material, con las contribuciones de Eno, Gabriel y Hall, así como de Peter Hammill, Jerry Marotta, Phil Collins, Tony Levin y Terre Roche. Material que culminó en 1979 con su primer álbum solista, Exposure, seguido de la gira Frippertronics en ese mismo año. Mientras vivía en Nueva York participó en discos y en conciertos de Blondie y de Talking Heads. Su colaboración con Buster Jones, Paul Duskin y David Byrne dio como resultado el álbum Good Save the Queen/Under Heavy Manners. En 1980 formó una "banda de new wave instrumental bailable" llamada League of Gentlemen (Liga de Caballeros), con Sara Lee, Barry Andrews y Johnny Toobad.


En 1981 King Crimson volvió a formarse con Fripp, Bill Bruford, Adrian Belew y Tony Levin. El grupo había sido conceptualizado con el nombre de Discipline, pero durante las grabaciones Fripp comentó a sus compañeros que el nombre King Crimson era más apropiado, así que el disco se llamó Discipline, bajo el nombre de King Crimson. Para Fripp, King Crimson ha sido siempre una manera de hacer cosas, así que no es un grupo de músicos en particular, el grupo sólo deja que su música capture esa metodología. Después de tres álbumes King Crimson se disolvió otra vez en 1984. Durante ese período, Fripp trabajo en dos discos con su amigo Andy Summers de The Police, I Advance Masked en el que Fripp y Summers tocaron todos los instrumentos, y Bewitched que estuvo más dominado por Summers, además de que tuvo la participación de varios músicos más.


En 1984, la American Society for Continuous Education (ASCE) (Claymont Court, West Virginia) le ofreció a Fripp un puesto como profesor. Él había estado envuelto con la ASCE desde 1978, y había considerado seriamente durante bastante tiempo la perspectiva de enseñar guitarra. Su clase, Guitar Craft, tuvo inicio en 1985, teniendo entre sus resultados, un grupo llamado The League of Crafty Guitarists, que ha elaborado ya varios discos.


Las colaboraciones de Fripp con David Sylvian presenta algunos de los más exuberantes ejemplos de su estilo. Fripp contribuyó al track de 20 minutos de Sylvian 'Steel Cathedrals', de su Alchemy - An Index Of Possibilities álbum en el 1985. Luego, Fripp también participó del mismo modo con Gone To Earth, al año siguiente. En 1991, pues, Fripp le ofreció a Sylvian convertirse en el vocalista de la reconformada King Crimson, pero Sylvian rechazó la oferta. Más adelante, se unieron al grupo Trey Gunn en stick y Jerry Marotta en batería, mas durante una gira de promoción Pat Mastelotto reemplazó a Jerry como baterista.


En 1994 Fripp formó de nuevo King Crimson con la alineación de 1981, adhiriendo además a Trey Gunn y a Pat Mastelotto en una configuración conocida como "doble trío". Esta encarnación del grupo llevó a cabo el EP VROOOM en 1994 y el álbum THRAK en 1995. Tras la partida de Bruford y Levin, los miembros restantes realizaron los dos últimos discos de King Crimson hasta el momento, The ConstruKtion of Light y The Power to Believe. La alineación cambió nuevamente tras la partida de Trey Gunn y el regreso de Tony Levin.


Durante el 2004, Fripp dio una gira con Joe Satriani y Steve Vai como el Trío de Guitarra G3.

El 21 de octubre de 2005, Robert Fripp trabajó en los estudios de Microsoft grabando nuevos sonidos y atmósferas para el Windows Vista


Clarence White (nacido en Clarence LeBlanc) (7 de junio de 1944 - 15 de julio de 1973) fue un guitarrista de Nashville West, The Byrds, Muleskinner, y los coroneles de Kentucky. Sus padres eran franceses-canadienses de New Brunswick, Canadá. El padre, Eric LeBlanc, Sor, desempeñó violín, guitarra, banjo y armónica, y sus hijos, Roland, Eric Jr, Joanne y Clarence asumió la música a una edad temprana.

Los coroneles de Kentucky
Clarence Joseph White nació el 7 de junio de 1944 en Lewiston, Maine [1] [2]. En 1954 la familia siguió a los familiares Burbank, California de Madawaska, Maine. Ese año, los hermanos Blanco (Roland, Clarence, y Eric Jr) formaron un grupo llamado las Tres pequeño país Boys. Pronto garantizado un lugar en un programa de radio local, y atrajo el interés de los países estrella, Joe Maphis. En 1958 la banda cortar su primer sencillo, y se ha convertido en lo suficientemente bien conocido a la tierra varias apariciones en las Andy Griffith Show. A finales de 1962, el País Boys se convirtió en el Kentucky coroneles.

A pesar de sus éxitos, los coroneles estaban teniendo dificultades para ganarse la vida tocando bluegrass. El folk boom ha sido escalonada de la invasión británica en 1964, pero el golpe de muerte, irónicamente, fue tratada a mediados-1965 con la publicación de "El señor Tambourine Man" de los Byrds y "Subterráneo su hogar Blues" de Bob Dylan. Si bien lo hicieron intento de experimentar con instrumentación eléctrica, sólo se pudo se reunió con la indiferencia de un público de rock y consternación de su país y folk fan base. En octubre del 65, los coroneles disuelto como una unidad de curso después de jugar su último espectáculo en la noche de Halloween.


El Byrds
Tras la disolución de los coroneles, White encontró empleo como una sesión guitarrista en Los Angeles, jugando en primeros discos de The Monkees, y se lleva a cabo en la noche con futuro Byrd Gene Parsons en el grupo de Nashville Oeste. Junto con la Internacional Submarine Band y los Flying Burrito Brothers, la banda fue uno de los primeros para jugar una perfecta mezcla de rock país y en la música pop moderna.

White asociación con el Byrds comenzó en serio en 1966, cuando aportó su característico juego a los antiguos miembros de Gene Clark álbum en solitario Gene Clark con la Gosdin Brothers; él y Gene Parsons se unió brevemente Clark gira la banda poco después. Lograr un conocimiento Byrds con el bajista Chris Hillman (mandolina que desempeñó en el bluegrass combo Hillmen antes de la elección de sumarse a la ola de rock) durante los períodos de sesiones Clark, White contribuyó twangy llevar la guitarra a dos de sus canciones del álbum más joven que el día de ayer: "El tiempo Entre "y" La niña sin nombre ". Tanto del país fueron las canciones con sabor un poco del estilo de salida para el grupo, que hasta ese momento había pocas veces desviado de folk o el rock psicodélico. Blanco fue invitado de nuevo a grabar un solo de guitarra de plomo para "El cambio es ahora" en la famosa Byrd Brothers. Con su utilización de eco y demora y énfasis en la textura en lugar de la melodía, la pieza ha sido favorable en comparación con el posterior trabajo de Brian Eno y Daniel Lanois.

White también contribuiría a la amada de Rodeo, del grupo Gram Parsons dirigida incursión en tradicional honky-Tonk que se ha convertido en un hito, icono de grabación. White innovadoras e inusuales cadena de flexión y el sentido de la oportunidad que desempeñan un papel clave en el álbum del notable instrumentación que suena tan fresco y excitante hoy como cuando fue grabado. White lame la guitarra en ese registro, con Lloyd's Green y Jaydee Manness del pedal de acero de juego, se han convertido en legendario, sobre todo solos en su "La Vida Cristiana", "Cien años de ahora", y "The Blue Rockies canadienses".

Tras la abrupta salida de Gram Parsons en 1968, con Hillman tras no mucho tiempo después, Blanco fue finalmente invitado a unirse al reconstituido Byrds en septiembre de 1968, que queda para el grupo finalmente se disolvió por Roger McGuinn en 1973. El blanco era de grupo (McGuinn, White, Gene Parsons y bajistas John York & Pasar Battin), mientras que nunca se celebró en la misma estima que el original banda y, a menudo, como ser despedidos poco más de McGuinn y su banda de apoyo, mantener un fiel en los primeros años 70 y grabar cinco discos a algo favorable acogida. Sin embargo, mientras que el grupo original la capacidad de jugar en vivo era a menudo en tela de juicio, este último día Byrds - impulsado por el entrelazamiento de plomo / ritmo de guitarras y McGuinn Blanca - fueron considerados como una de las potencias en vivo de la época (ver en vivo a la Fillmore - febrero de 1969). Nunca uno a abandonar sus raíces, Blanco fue bien conocido por su escenario downplaying virtuosismo, el mantenimiento de la popa "cara de póquer" compostura común entre los músicos de bluegrass.

A pesar de ser el camino para la mayor parte del año (pobres decisiones de negocios había dejado la banda wallowing en la deuda, lo que obligó McGuinn a seguir utilizando los Byrds y moniker interminables tramos de carretera de trabajo), White siguió desempeñando durante sus períodos de sesiones Byrds tenencia de la tierra, alternando con Ry Cooder como guitarrista en Randy Newman's 12 canciones y colaborando con los insurgentes cantautor Jackson Browne en sus álbumes. Periódicamente al frente del grupo, White Browne cantó la composición "Jamaica Diga que va" a Byrdmaniax y el bluegrass estándar "Más a lo largo", ofreciendo el título para el grupo final del álbum.


Post-Byrds y la muerte
En 1972, el ritmo del grupo ha disminuido considerablemente, mientras que montar dos recorridos con más percusionista Joe Lala a bordo, gran parte de la McGuinn atenciones se había desviado a una posible reunión de los originales Byrds, contingient a su disolución de la "otra "Byrds. Tras el cumplimiento de sus obligaciones final a principios de 1973, la Clarence White Byrds-era rompió.

Blanco se mantuvo ocupado todo a principios de 1973. Además de las sesiones más Browne, se unió con Peter Rowan, David Grisman, músico Richard Green y banjo jugador Bill Keith para formar el supergrupo Muleskinner bluegrass. El grupo estaba programado para realizar copias de seguridad de Bill Monroe en una emisión de televisión, pero terminó en el desempeño de su propio proyecto de ley cuando el autobús se rompió en el camino hacia el espectáculo. La banda tocó todos modos y la presentación en vivo las cintas una vez perdido el pensamiento han reaparecido y han sido liberados en los últimos años. Poco después del concierto, hicieron algunas grabaciones preliminares, todos los cuales fueron en el sentido contemporáneo de bluegrass o "newgrass".

Su última excursión por carretera fue un período de tres fecha de "país-rock" paquete turístico con los gustos de Gram Parsons, Emmylou Harris, astuto Pete Kleinow, y Chris Etheridge. A pesar de que presumiblemente había sido el conocimiento recíproco en el pasado, Parsons y Blanco elaboraría una rápida amistad después de lo que era de todas las cuentas muy agrio re-conocido.

White murió el 15 de julio de 1973 [3] después de haber sido golpeado por un conductor borracho. El accidente se produjo poco después del 2 de la mañana, mientras él y su hermano Roland se carga el equipo en su coche tras un estímulo de la reunión momento el concierto de coroneles [4]. Especialmente conmocionado por su muerte fue Gram Parsons, que llevaría un singalong de "Más a lo largo" en el funeral de servicio y concebir su última canción antes de su propia muerte, "En Mi Hora de la oscuridad", como un homenaje al parcial White.

Clarence White es sobrevivido por su hermano Roland White, una hija, Michelle White y sus cinco hijos. Sus nombres son Brad Adkins, Brandon Adkins, Haley Carver, Victoria Bledsoe, y Taurus Bledsoe.


Musical influencia
Clarence White ayudó a popularizar la guitarra acústica como instrumento principal en la música bluegrass. Con pocas excepciones, antes de que White, la guitarra es estrictamente un instrumento de ritmo. Tony Rice Blanco cita como su principal influencia musical. Rice posee y juega White altamente modificado 1935 Martin D-28. David Grier y Russ Barenberg son otros dos guitarristas acústicos que fueron fuertemente influenciadas por la guitarra de White trabajo.

En el lado eléctrico de la guitarra del espectro, Blanco fue igualmente influyente. Con compañeros de Byrd Gene Parsons, Blanco inventó el B-Bender dispositivo. Este dispositivo se plantea la b (segundo) de la cadena en su conjunto la guitarra paso a la utilización de poleas y palancas adjunta a la parte superior del mando de correa y la segunda cuerda en la guitarra. Se activa pulsando abajo en el cuello, y produce un "pedal de acero" tipo de sonido. Posteriormente, su Telecaster sonido se convirtió en su notable como bluegrass de juego. Marty Stuart, otro guitarrista influenciado por Blanca del juego, ahora es propietaria y juega regularmente White Fender Telecaster [5].

En 2003, White fue concedido # 41 en la revista Rolling Stone de la lista de "100 Greatest Guitarristas de todos los tiempos".