ROCK 4 LIFE

2008-12-31T09:59:00.000-08:00

Edward Lodewijk Van Halen, (nacido el 26 de enero de 1955 en Amsterdam, Países Bajos) es el guitarrista y pianista fundador de la banda de rock Van Halen.
Ocupó la septuagésima posición entre los mejores guitarristas en una encuesta realizada entre los suscriptores de Rolling Stone[cita requerida].
Los hermanos Van Halen, Eddie y Alex, nacieron en Holanda y en el año 1967 se trasladaron a California. Ahí, su padre, un músico de Jazz, de nombre Jan Van Halen, los incentivó a que fueran músicos y fueron, durante muchos años, concertistas de piano. Sin embargo al crecer fueron cautivados por el Rock lo que los llevó a aprender a tocar nuevos instrumentos. Al principio, Ed tocaba la batería y Alex la guitarra, sin embargo Eddie, aprovechando que Alex salía constantemente a fiestas, agarraba su guitarra y la tocaba desde muy temprano hasta la madrugada, Alex cuando llegaba de las fiestas, sentado al pie de su cama, tocando casi 8 horas diarias. Al ver Alex la destreza de Eddie, pasó a sentarse en la batería.
Empezaron a tocar en 1972 en reuniones familiares y en la escuela, donde Eddie parecía inspirarse por guitarristas como Eric Clapton, Brian May y Jimmy Page.
Después conocieron a DLR (David Lee Roth), quien cantaba en The Red Balls Jet y que impuso fuerza al grupo.
En la escuela secundaria estaba Michael Anthony quien dijo: "todos en la escuela tocan guitarra o batería, así que yo tocaré el bajo", y le quitó dos cuerdas a su guitarra. Estos cuatro personajes formaron Mammoth en 1973 y se cambiaron el nombre a Van Halen, desechando la idea de Rat Salad, en 1974.
Empezaron a tocar en clubes nocturnos durante tres años y, un día, Gene Simmons (Bajista de KISS), les financió unas grabaciones de demos para el sello Warner, quienes en un principio no los aceptaron, y luego hicieron toda su discografía.
El álbum debut fue homónimo (Van Halen) y tuvo grandes éxitos tales como: "Runnin´ with the Devil", "Eruption", "You Really Got Me", "Ain't Talkin 'bout Love", "Atomic Punk" y "Jamie's Cryin", alrededor de 1978.
Al año siguiente, le propusieron hacer la segunda parte de este álbum (Van Halen II), en el cual se incluyeron éxitos tales como: "Dance the Night Away", "You're No Good", etc. Eso fue en el año 1979.
En 1980, salió el tercer disco de la banda, llamado "Women And Children First", que no tuvo muchos singles de exitosos, pero como álbum, llegó muy arriba en Billboard.
Dos años más tarde salió el disco "Diver down", el cual recorrió los lugares más altos de Billboard y tenía los siguientes éxitos: "(Oh) Pretty Woman", "Cathedral", "Big Bad Bill (Is Sweet William Now"), etc.
Después de un año, 1983, salió "Fair warning", el cuál contenía uno de los éxitos más grandes de la banda, "Unchained".
Después en el año 1984, salió el disco del mismo nombre (1984) que fue el punto cúlmine de la Era de DLR. El primer single, Jump, sacó del nro.1 de Billboard a Thriller de Michael Jackson, y éste, admirado por la calidad de Eddie, Le pidió la colaboración en uno de sus temas, Beat It. Esto molestó mucho a DLR, que para vengarse grabó su propio disco en solitario sin avisar a los otros miembros de la banda. DLR dijo que preferiría seguir con su carrera de solista para ganar más dinero y, por este comentario fue expulsado del grupo.
Cuando Van Halen estaba buscando a alguien que pusiera la voz por el grupo, Eddie fue al garaje y había un auto muy lujoso. Éste, extrañado preguntó quién era el dueño y el propietario del garaje le dijo: "es de un tal Sammy Haggar. ¡Hey!, lo deberías tener en tu banda." y Ed le pidió su número. Se juntaron los tres con el nuevo cantante y empezaron a tocar.
Sammy era un cantante que con su primer disco con "mini-éxitos" había ganado algo de dinero. Entre sus cualidades estaba la de tener una voz muy aguda y saber tocar guitarra, algo que DLR nuncá trató de hacer.
Sammy empezó a improvisar letras y de esa forma salieron varias canciones. Así, Sammy fue el nuevo vocalista de Van Halen y principal figura de 5150, álbum clásico para los seguidores de Van Halen. Éste tuvo grandes éxitos como: "Why Can't This Be Love", "Dreams", "Love Walks In" y "Best Of Both Worlds".
Dos años después, en 1988 salió "OU812", discó que empezó a bajar la clásica dureza del estilo que cultivaba Van Halen. De allí, hubo varios singles exitosos, tales como: "When It's Love", "Finish What Ya Started", "Feels So Good", "Cabo Wabo", etc.
Después de dos años de giras y uno de trabajo, salió al mercado For Unlawful Carnal Knowledge, más conocido como F.U.C.K., que fue el punto más alto de la popularidad de Van Halen. Hubo un trabajo promocional de este disco tan grande que llegaron hasta Japón, Holanda y Argentina. Cubriendo distintas partes del globo.
Fue tan bueno el material que se obtuvo durante esas giras, que se grabó un disco en vivo llamado: Van Halen LIVE: Right here, Right Now. En él se encuentra casi todo el disco F.U.C.K, éxitos de discos anteriores, un solo de cada un de los miembros de la banda y tres canciones inéditas: "One Way To Rock", "Give To Live" (Sammy Solo) y "Won't Get Fooled Again".
Después de estos años de gira, en 1995 salió Balance. En este disco se encuentran los éxitos: "Can't Stop Lovin' You", "Don't Tell Me" (What love Can Do), "Not Enough", etc. Después, Eddie tuvo problemas con el alcohol y Sammy generó un a polémica por la canción Amsterdam, que hace mención que allí las drogas son legales. Eddie y Sammy generaron una polémica cuando Ed mencionó la idea de hacer una recopilación de los grandes éxitos de la banda.
Eddie Van Halen es considerado uno de los mayores virtuosos de la guitarra en la historia del rock, A él se le debe el desarrollo y popularización de la técnica del tapping, tan utilizada ahora por guitarristas de todos los estilos.
Eddie utiliza guitarras de muchas marcas distintas como Gibson, Fender, Kramer o Steinberger, aunque es un gran fanático de la personalización de sus guitarras. En los últimos años utilizó un modelo que Peavey fabricaba para él (la famosa Peavey Wolfgang), en 2005 la marca Charvel, hizo una serie que imita las guitarras de Eddie de los años 80, En 2007 sale a la venta una replica de la guitarra Frankenstrat con la marca EVH Gear fabricada por Fender.
Además, contribuyó enormemente al desarrollo del sistema Floyd Rose para la afinación de la guitarra, e incluso patentó su propio dispositivo llamado “D-tuner”, que permite desafinar la 6ta cuerda de la guitarra (E) a D y viceversa en un solo movimiento.

2008-12-31T09:53:00.001-08:00

Jerry Miller (nacido el 10 de julio de 1943 en Tacoma, Washington) es un cantautor, guitarrista y vocalista. Actúa como solista y como miembro de la Jerry Miller Band. También es miembro fundador de la década de 1960 la banda de San Francisco Moby de uva, que sigue llevando a cabo de vez en cuando.
Jerry Miller, de la carrera profesional comenzó a finales de 1950, tocando y grabando con el noroeste de la danza popular-bandas de rock como The Elegants. Contribuyó a la guitarra una primera versión de la popular registro contra mi por la Ley El Bobby Fuller Four, y gira con Bobby Fuller en el grupo a su predecesor El Bobby Fuller Four.
Si bien ambos estaban jugando a nivel local en Seattle, antes de ser famosa internacionalmente, Jerry Miller, amigo de Jimi Hendrix. Junto con Larry Coryell, que está desarrollando su reputación como guitarrista mientras asistía a la Universidad de Washington en Seattle, que periódicamente se reúnen para ver bandas de turismo que visita la zona de Seattle. Un club español fue el Castillo, en Des Moines, Washington, entre Seattle y Tacoma. La canción más tarde Hendrix, español castillo mágico, se basa en sus experiencias con otros guitarristas en el Castillo de español en Des Moines.
Antes de co-fundador de uva Moby, Miller y Don Stevenson banda eran miembros de la Frantics, una barra de banda Noroeste Pacífico, con sede en Seattle. La banda se trasladó a San Francisco y, con la adición de Bob Mosley, formaron el núcleo de lo que se convertiría en Moby uva. Moby uva se formó en San Francisco en 1966. Jerry Miller fue el principal guitarrista de la banda de tres guitarras. Las uvas firmó con Columbia y grabó cuatro álbumes para que la etiqueta, publicado entre 1967 y 1969. Durante este período, Miller co-escribió (con Don Stevenson) tres de Moby Uva de las canciones más conocidas, "Hola abuela" y "8,05", ambos de la primera auto-titulado Moby Uva álbum (1967) y "Asesinato en mi corazón para El Juez ", a partir de la ululación álbum (1968). Esta última canción fue cubierto por las dos Three Dog Night y Lee Michaels, mientras que Robert Plant cubiertos "8:05" El movimiento y cubiertos "Hola abuela". Más recientemente, "Hola abuela "fue incluido en la banda sonora de 2005 a Sean Penn-película de Nicole Kidman, La Intérprete.
Moby Uva recorrió los EE.UU. y Europa, pero se vino abajo a partir de 1970. Los miembros se reagruparon para un álbum en Reprise Records en 1971 y desempeñó intermitente registrada y posteriormente, en diversas configuraciones. Moby uva sigue llevando a cabo de vez en cuando hoy en día.
A finales del verano de 1969, posterior a la liberación de verdad Bellas Ciudadana, Moby Uva del último álbum para Columbia, Jerry Miller y Don Stevenson se unió con John Barrett (bajo) y John "Fuzzy" Oxendine (batería) para formar El Ritmo duques. Don Stevenson tocaba la guitarra, en lugar de tambores. Se especuló que dejó la banda poco después de su formación por esta razón, prefería seguir siendo un baterista. La banda se unieron a la iniciativa de Jerry Miller, en un momento en que el futuro de Moby de uva era incierto. La banda vivieron juntos en Santa Cruz, y se sumaron más tarde por Bill Champlin en coros y órgano. Champlin, junto con Miller, se convirtió en el principal grupo de cantautores. Al Ritmo duques compartido escenario con artistas como Albert Collins, Lee Michaels, The Flying Burrito Hermanos, Canned Heat, The Grateful Dead y la Madre y el gato All Night Newsboys, generalmente se cobran por segundo. Grabaron un álbum en 1970, que vio la liberación en 2005 como Flashback, con tres canciones Jerry Miller.
Jerry Miller pasó a compartir el escenario con muchos grandes musicales - Jimi Hendrix, Eric Clapton, BB King, y The Doors. Sus admiradores son Jimmy Page, Stephen Stills, David Crosby, Taj Mahal, David Fricke, Eric Clapton, y Robert Plant. Eric Clapton llamado Jerry "el mejor guitarrista del mundo" cuando llegó por primera vez a los EE.UU. Robert Plant Jerry cita como una influencia importante para Led Zeppelin - la banda incluso desempeñado Moby Uva canciones en su primer ensayo. Led Zeppelin y los Grateful Dead son sólo dos de las famosas bandas que han cubierto Jerry Miller canciones en vivo y en acta.
Él es # 68 en la Rolling Stone de la lista 2003 de las 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos, por delante de Eddie Van Halen (# 70), Johnny Winter (# 74), Robbie Robertson (# 78), David Gilmour (# 82), Neil Pareja (# 83), Robbie Krieger (# 91), Angus Young (# 96) y Leigh Stephens (# 98). En estas circunstancias clasificado, que se describe como sigue: "Su juego nunca fue auto-indulgente, y sus solos fue de propulsión, siempre conscientes de que la canción fue dirigido". "Hola abuela", de Moby Uva del primer álbum, se cita como un elemento esencial de grabación de Jerry Miller.
Desde 1995, Jerry Miller, se ha basado en Tacoma, Washington, que viven a pocas cuadras de su infancia. En la actualidad los frentes El Jerry Miller Band, con Tom Murphy en la batería y Kim laboral en el bajo, entre otros músicos. En julio de 2007, Jerry Miller Band realizado en Monterrey para el 40 aniversario del Monterey Pop.
En julio de 2008, Jerry Miller participó en un beneficio para recaudar fondos para la atención médica para Rick Burton, con el bajista Jerry Miller Band y un amigo personal cercano, cuyos días de jugar con Jerry regresaron más de cuarenta años. Que había estado en La Elegants juntos. En la década de 1990 y principios de 2000, Burton había estado en otra banda de frente por Jerry Miller, DiaBando. También ha contribuido al beneficio de 2005, cuando el propio Miller estaba en la necesidad de financiar la asistencia a Jerry A. Miller Fundación para la Promoción de las Artes, con el objetivo de la utilización de locales para ofrecer a la práctica y la enseñanza un espacio para músicos locales. En el otoño de 2007, los 60 años de edad, Burton ha sido asaltado y gravemente herido en lo que fue considerado como un azar, orientado a atacar las pandillas, donde los responsables aún no han sido encontrados. El beneficio, "Ninguno de daños" se destina también a aumentar la concienciación sobre la violencia en Tacoma.
A pesar de los continuos para escribir nuevas canciones, Miller, no ha lanzado un álbum de material original desde 1998. Además, similar a la uva Moby bandmates Bob Mosley y Peter Lewis, su trabajo en solitario todavía no ha sido objeto de amplia base nacional o mundial de la distribución

2008-12-31T09:49:00.000-08:00

Fred Lincoln "Enlace" Jr Wray (2 de mayo de 1929 - 5 de noviembre de 2005) fue una de rock and roll guitarrista, compositor y cantante ocasional.
Wray se observó para el pionero de un nuevo sonido de las guitarras eléctricas, como lo demuestra su éxito en 1958 instrumental "Rumble", de Link Wray y sus hombres Ray, que fue pionera en un saturado, distorsionado guitarra eléctrica de sonido, y también por haber "inventado el poder acorde, los principales modus operandi del guitarrista rock moderno y, al hacerlo, la paternidad, "o hacer posible", punk y rock duro ".
Wray nació en Dunn, Carolina del Norte a Lillie M. Norris y Frederick ( "Fred") Lincoln Wray. Fue allí donde escuché por primera diapositiva Enlace guitarra a la edad de ocho de un trabajador que viaja de carnaval, un hombre negro llamado "Hambone ". Link y su familia más tarde se trasladó a Norfolk, Virginia, como su padre se trabajo en los astilleros de la Armada. Enlace sirve un tirón en el Ejército de los EE.UU. y es un Veterano de la Guerra de Corea. En 1956, su familia más tarde se trasladó a Washington, DC, y desde allí, se trasladaron a una finca en Accokeek, Maryland. Enlace se trasladó a Arizona con su hermano Vernon, en el decenio de 1970, y más tarde se trasladó a San Francisco a mediados del decenio de 1970.
Wray fue un veterano de la guerra de Corea, donde contrajo la tuberculosis que finalmente le costaron un pulmón. Su médico le dijo que nunca cantan de nuevo. Enlace a fin de concentrarse en su trabajo de guitarra pesados. A pesar de ello, en su número de vocales que rara muestra una voz fuerte y una gama equivalente a Clarence "Frogman" Henry.
Después de la aprobación de la gestión del Ejército, Wray y sus hermanos Doug y Vernon Wray, con los amigos Shorty Horton y Dixie Neale, formado suerte Wray y el perezoso Wranglers Pino, más tarde conocido como la suerte y el Wray Palomino Ranch manos. Que ha venido desempeñando la música country y swing Occidental durante varios años cuando tuvo una actuación como la banda de la casa en el programa de televisión diario vivir Milt Grant House Party, una versión de Washington, DC American Bandstand. La banda hizo sus primeras grabaciones en 1956, como la suerte y el Wray Palomino Ranch manos para Starday Records.
Para el programa de televisión, también respaldado muchos artistas intérpretes o ejecutantes, de Fats Domino a Ricky Nelson. En 1958, en un concierto en vivo de la DC basada en "Milt Grant House Party" (la versión regional de "American Bandstand") en Fredericksburg, VA, intentando - a instancias de la multitud local - para comenzar a cubrir sonido similar a los diamantes' hit, "El paseo", que surgió con la majestuosa, de gran alcance 12-bar blues instrumental "Rumble", que originalmente llamado "Oddball". La canción fue un éxito instantáneo con la audiencia en vivo, que demandó cuatro repite esa noche. Finalmente la canción llegó a la atención del productor de Archie Bleyer Cadencia Records, que odiaba, sobre todo después de Wray Palpó agujeros en su amplificador de oradores para hacer la grabación de sonido más parecido a la versión en vivo (ver "Rocket 88" de Ike Turner de la historia similar ). Sin embargo, la hijastra Bleyer encanto y fue puesto en libertad a pesar de su protesta. Ella fue quien propuso cambiar el nombre de la canción "Rumble", porque le recordaba a West Side Story. Rumble es una jerga para "luchar contra las pandillas".
El amenazante sonido de "Rumble" (y su nombre) se llevó a la prohibición de varias estaciones de radio, una rara proeza para una canción sin letra, sobre la base de que la delincuencia juvenil glorificado. Sin embargo, se convirtió en un gran éxito, no sólo en los Estados Unidos, pero también Gran Bretaña, donde ha sido citado como una influencia en The Kinks y The Who, entre otros. Pete Townshend declaró en notas sin publicar para el 1970 regreso álbum, "Él es el rey, si no hubiera sido por Link Wray y 'Rumble', yo nunca habría recogido una guitarra". En otras notas en 1974, Townshend ha dicho, de "Rumble": "Recuerdo haber estado muy difícil la primera vez que me escuchó, y aún emocionado por la guitarra suena salvaje". Durante los primeros años 60 se unió a John Van Horn y el Enlace Raymen, y continuó a través del seguimiento en los años 60 hasta finales de Enlace, cuando dejó de jugar, a salir y regresar a la granja. Se cree que Link Blanco 58 Supro se pone entonces en el cuidado de la familia Van Horn, y luego vendidos en una subasta privada por John Van Horn, Jr., quien desempeñó John Van Horn en el último álbum, que fue motivada por Mick Fleetwood, y, de hecho, el respaldo de Late Night de la batería Anton Fig.. Véase John (Jack) Van Horn para más detalles. Sobre esta última, John Van Horn álbum, John jugado los 58 Supro, y plantea de una forma similar a la original de Enlace de promoción comunicado de prensa.
Jeff Beck, Jimmy Page, Jimi Hendrix, Marc Bolan, Neil Young y Bob Dylan han citado como una influencia Wray. De 1980 Adán y las Hormigas canción "Asesino en el Hogar" (de sus reyes de la frontera salvaje álbum) se basa en el mismo siniestro, descendiendo tres acordes glissando riff que se presenta en "Rumble" (hormigas' guitarrista Marco Pirroni, un ávido fanático Wray, ha descrito la canción como "Link Wray reúne Coronel Kurtz" - siendo este último una referencia a Apocalypse Now). Mark E. Smith de la caída de la línea cantó "Yo solía tener esta cosa acerca de Link Wray, solía jugar él todos los sábados, Dios bendiga a sábado" en la canción "vecindad del infinito" en el álbum por Perverted Idioma.
Link Wray fue nombrado como uno de los cien mejores guitarristas de todos los tiempos por la revista Rolling Stone, pero aún no se ha incluido en el Rock and Roll Hall of Fame. Él es, sin embargo, un miembro del Salón de la Fama del Rockabilly.
La banda tuvo varios más difícil balanceo instrumental éxitos a finales de los años 1950 y principios de 1960, incluyendo "Rawhide", "Ace of Spades" y "Jack el Destripador", este último el nombre de una "sucia boogie" baile popular en Baltimore en el tiempo. La sucia boogie danza fue una de las varias funciones de danza crazes en 1988 la película Hairspray.
Después de su primer éxito, la carrera de Wray había períodos de jubilación seguido por la renovación de popularidad, especialmente en Europa. Él gira y grabó dos álbumes con retro-rockabilly Robert Gordon artista en la década de 1970. El decenio de 1980 hasta el día de hoy se produjo un gran número de reediciones, así como nuevo material. Inspirado por la utilización de sus canciones en diversos largometrajes, la de 1997 "Shadowman" álbum es generalmente considerado como el Rumble del hombre regresar a su raíces rock crudo. Respaldado por una banda consistente en holandés Eric Geevers en el bajo y Rob Louwers en la batería, Wray gira por Europa y Australia, además, documentada en un álbum en directo y DVD. Nuevo enlace de la última grabación de 2000 fue "alambre de púas", grabado de nuevo con su sección rítmica holandés. Fue generalmente acompañados de gira por su esposa Julia Oliva, y desde finales de los años noventa su "colorido" irlandés nacido carretera gerente John Tynan. Su banda de apoyo ordinario en los EE.UU. desde 1998 hasta 2003 se Atom Ellis y el bajista Danny Heifetz bateristas (Sr. Bungle, Dieselhed) y Dustin Donaldson (Soy Spoonbender, varios). En términos de historia musical, cabe señalar que uno de los miembros de su banda en los años 80, en la batería, fue la figura Anton (famoso como el baterista Paul Shaffer en el Letterman show para los últimos 26 años.) Él siguió viaje hasta cuatro meses antes de su muerte.
Su música ha aparecido en numerosas películas, incluyendo Pulp Fiction, Desperado, el Día de la Independencia, Doce Monos, El Chico de la Vida, Golpe, Johnny Suede, The Shadow, aliento, Roadracers, y Pink Flamingos, que se fija en Baltimore.
Shawnee parte india, Wray frecuentemente habla de su ascendencia en actuaciones y entrevistas. Tres de las canciones que realizaron los nombres de las tribus indias de América: "Shawnee", "Apache", y "Comanche". "Apache" era un instrumento compuesto por Jerry Lordan, que se convirtió en un éxito en el Reino Unido para las sombras en 1960. Wray registró una de las mejores portadas de la canción 30 años después, de alguna manera la búsqueda de una nueva vida en esta mítica, menor de clave, guitarra / tambor de diálogo que por entonces también se asoció con todos, desde El Increíble Ventures a la Bongo Band.
Se trasladó a Dinamarca en la década de 1980 después de la reunión y casarse con un estudiante danés, de oliva, que había sido el estudio de la cultura americana nativa. Vivió sus últimos años con un danés de oliva en la isla, viajar con frecuencia. Link Wray murió el 5 de noviembre de 2005 en su casa de Copenhague. Fue 76. Fue enterrado en el cementerio de la Iglesia Cristiana en el suburbio oriental de Christianshavn Copenhague el 18 de noviembre de 2005.
De acuerdo a una nota añadida por Deborah Wray en su Salón de la Fama del Rockabilly página, Link Wray se casó cuatro veces y es sobrevivido por nueve hijos: Fred Lincoln Wray III Enlace Elvis Wray, Shayne Wray, Elizabeth (Beth) Wray Webb, Mona Kay Wray Tidwell, Wray Bellinda Muth, Rhonda Wray Sayen, y Charlotte Vidrio Wray. Impresa y en línea obituarios han mencionado sólo la esposa y su hijo estaba viviendo con él en el momento de su muerte, de Oliva y Oliver Christian Wray.
Wray fue respaldada por los miembros de la banda de Seattle Jet City Corrección a la duración de su próximo viaje a la última. Su última gira fue muy reservado y dirigido por Marc Mencher de Acción Bolsas de Eventos. Enlace de la batería en esa gira fue Gary Weiss de la banda de rockabilly Vibro Campos y fue respaldada en el bajo de Kris Día actual bajista. Vibro Campos El sitio web también incluye fotos y video de Enlace de la última banda de gira.
Robert Ehrlich, el gobernador de Maryland, declaró a 15 de enero Día de Link Wray.
El 25 de marzo de 2006 Enlace fue honrado por "los primeros americanos en las Artes" con el tiempo de vida Achievement Award.

2008-12-31T09:48:00.000-08:00

Vernon Reid (nacido el 22 de agosto de 1958) es un músico británico, guitarrista, conocido por ser fundador y líder de la banda Living Colour.
Nació en Londres, Inglaterra, pero desde su niñez vivió en Brooklyn, New York. Estudió guitarra con los jazzeros Rodney Jones y Ted Dunbar. Sus primeras grabaciones fueron con la banda del baterista y compositor de jazz Ronald Shannon Jackson, con en el que Reid colaboró en la década de 1980 antes de formar Living Colour. También trabajó con una amplia variedad de bandas y músicos experimentales como Defunkt, Public Enemy, Bill Frisell, John Zorn y Arto Lindsay, entre otros.
Fundó la Black Rock Coalition junto al periodista Greg Tate y al productor Konda Mason, a mediados de los 80, que buscaba igualdad de oportunidades para artistas afroamericanos marginados, promocionaba bandas de su seno, realizaba conciertos y firma de contratos discográficos para todo tipo de trabajos. Sin embargo, el concepto de raza negra de la B.R.C. cayó porque fueron tomando en sus filas a artistas latinos, orientales, mujeres, etc.
En 1984 formó la banda Living Colour con la que grabó tres larga duración y un EP, hasta la separación en 1995. En Living Colour logró prestigio y reconocimiento que lo llevó a colaborar con artistas como B.B. King, Carlos Santana, Mick Jagger, The Ramones, Rollins Band, Tracy Chapman y Jack Bruce, entre otros.
Los años posteriores a Living Colour comienza su etapa como solista. En 1995 lanzó su primer disco llamado Mistaken Identity. Entre sus múltiples proyectos forma Yohimbe Brothers, junto a DJ Logic, y edita dos placas (Front End Lifter y The Tao of Yo). También experimenta con un proyecto de rock, jazz, hip hop y electrónica llamado Vernon Reid & The Masque. En el 2001, se reúne con Living Colour y lanzó el disco CollideØscope, pero al mismo tiempo se mantiene trabajando con las otras bandas que formó.

2008-12-31T09:44:00.000-08:00

Hubert Sumlin (nacido el 16 de noviembre de 1931) es un guitarrista y cantante de blues, más conocido por su célebre obra, desde 1955, como guitarrista de Howlin 'Wolf la banda. Su singular juego se caracteriza por "endemoniado, destrozando ráfagas de notas, repentina acantilado-percha silencios rítmicos suspensiones y audaz". Enumeradas en el Rolling Stone de las 100 mejores guitarristas de todos los tiempos. Sumlin sigue gira y el juego de guitarra de blues. Es citado como una influencia importante por muchos artistas, como Eric Clapton, Keith Richards, Stevie Ray Vaughan, Jimmy Page y Jimi Hendrix.
Nacido en Greenwood, Mississippi, Sumlin se suscitó en Hughes, Arkansas. Cuando tenía ocho años, obtuvo su primera guitarra. [2] Como un niño, se reunió por primera vez Sumlin Howlin 'Wolf (Chester Burnett) por furtivamente en una actuación. Cuando Burnett trasladado desde Memphis a Chicago en 1953, su largo tiempo guitarrista Willie Johnson optó por no unirse a él. A su llegada a Chicago, primera Wolf contratado guitarrista de Chicago Jody Williams, y en 1954, Wolf Sumlin invitó a trasladarse a Chicago a jugar la segunda guitarra en su banda con base en Chicago. Williams dejó la banda en 1955, dejando Sumlin en el principal guitarrista de la banda de Lobo, un cargo que ocupó casi continuamente (excepto por un breve periodo jugando con Muddy Waters c. 1956) para el resto de la carrera de Wolf. Tras la muerte de Wolf en 1976, continúa en la Sumlin con varios otros miembros de la tarde Burnett la banda bajo el nombre de "El Wolf Pack" hasta el c. 1980. Sumlin ha registrado también en su propio nombre, comenzando con una sesión grabada mientras gira por Europa con Burnett en 1964. Su último esfuerzo es con respecto a estas zapatillas, publicado en 2005 por el tono fresco Records. Se sometió a la cirugía de pulmón eliminación en 2004, pero se mantienen fuertes a partir de 2008.
Principios de influencias que afectan a Hubert Sumlin del estilo de juego a una edad temprana han sido citados por él, ya que, principalmente, Muddy Waters, Charley Patton, Robert Lockwood, Jr. y Robert Johnson.
Según una entrevista citada en la Segrest, James y Mark Hoffman. "Moanin 'a la medianoche, la vida y época de Aullantes' Wolf, Howlin Wolf Sumlin envió a un instructor de la guitarra clásica en el Conservatorio de Chicago.
A menudo se afirma que Sumlin se está jugando un importante catalizador para el boom del blues británico proporciona un enlace desde el blues acústico del delta del Mississippi, que era más accesible a los guitarristas eléctricos, como Clapton, Page, Richards y Beck. De hecho, a lo largo de la carrera de estos artistas, muchos Howlin 'Wolf canciones han sido cubiertos y la guitarra de líneas Sumlin imitado. Ejemplos de ello son las portadas de Clapton "Goin 'Up Lenta", The Rolling Stones "versión de" Little Red Rooster ", The Yardbirds" versión de "chimenea Lightnin'" y "La Canción de limón", de Led Zeppelin (que es una revisión de " Piso matar ")

2008-12-31T09:38:00.000-08:00

Mick Ronson (26 de mayo de 1946 - 29 de abril de 1993) fue un Inglés guitarrista, compositor, multi-instrumentista, arreglador y productor. Él es más conocido por su trabajo con David Bowie de 1970 a 1973, de glam rock de Bowie del período, incluidos los que forman parte de Ziggy Stardust Arañas de Marte de la banda.
También tuvo una carrera en solitario, el ejemplo más notable de las cuales fue la Masacre de su álbum El 10 Avenida, que alcanzó el n º 9 en Reino Unido álbum gráficos. Ronson también guested en diferentes bandas de prensa después de su época con Bowie. Fue nombrado el 64 º más grande guitarrista de todos los tiempos de Rolling Stone.
Michael Ronson nació en Beverley Road, Hull, East Riding de Yorkshire en 1946, y luego se trasladó a vivir en Greatfield, Hull. Como un niño que tocaba el piano, grabadora, violín y armonio. Inicialmente quería ser violonchelista, se trasladó a la guitarra, pero cuando él consiguió enganchado Duane Eddy y El Yardbirds. Se incorporó a su primera banda, Los Marinos, en noviembre de 1963 a la edad de 17. Su debut con la etapa de marinos fue en apoyo de la banda en Hato Keith Elloughton Village Hall, un concierto para el que la banda viajó 35 millas y se paga un 10 chelines (50p). Ronson, mientras estaba trabajando con los navegantes, otro grupo local Hull - El Crestas - contratado él en el consejo de El marinos bajista Johnny Griffin. Con Ronson a bordo de la Crestas adquirido una sólida reputación, haciendo apariciones regulares en salas locales: de lunes a Halfway House en Hull, jueves en el barco hotel, el viernes a las Regal Ballroom en Beverley, y los domingos en el duque de Cumberland en North Ferriby .
En 1965, la izquierda Ronson Crestas a probar suerte en Londres. Él tomó un trabajo a tiempo parcial como mecánico y antes de tiempo, él se asoció con un grupo llamado La Voz, en sustitución de Miller Anderson. Poco después, Crestas' baterista Dave Bradfield hizo el viaje a Londres cuando la voz del baterista de la izquierda. Después de jugar unos pocos fechas con el grupo, y Ronson Bradfield de regresar de un fin de semana en Hull para encontrar sus aparejos apilados en su piso y una nota explicando que el resto del grupo se había ido a las Bahamas. Ronson se quedó en Londres y se asoció brevemente con un grupo llamado El alma busca, antes de eventualmente regresar a Hull.
En 1966, se unió a Mick Ronson Hull principales locales de la banda, las ratas, que une cantante Benny Marshall, el bajista Jeff Appleby, y el batería Jim Simpson (que posteriormente fue sustituido por Clive John Taylor, y luego de Cambridge). El grupo tocaba el circuito local, y también hizo algunos viajes infructuosos a Londres y París.
Las Ratas en 1967 registró una pista de despegue psicodélico, "La subida y la caída de Bernie Gripplestone" en Fairview Studios en Hull, y se pueden escuchar en la habitación 2008 del Frente de liberación de máster - Fairview Estudios 1966-1973 (Frente habitación master). 1968 vio la banda cambio su nombre brevemente a melaza y otra sesión de grabación de libros en Fairview Studios en 1969, antes de volver a su nombre original. Alrededor de este tiempo, Ronson fue recomendado por Rick Kemp a tocar la guitarra de Michael Chapman's plenamente cualificado Sobrevivientes LP.
Cuando John Cambridge Ratas La izquierda a unirse a su antigua banda Mick Wayne Hullabaloos en Junior de Ojos, que fue sustituido por Mick "Woody" Woodmansey. En noviembre de 1969, la banda grabó un último período de sesiones en Fairview, grabación "Teléfono Blues" y "a principios de la primavera".
En marzo de 1970, durante las sesiones de grabación para el álbum de Elton John Tumbleweed conexión, Mick Ronson tocaba la guitarra en la pista "loco a través del agua". Sin embargo la canción no se incluyó en la versión original. La grabación con Ronson sólo vio la luz en 1995 la reedición de Tumbleweed conexión
A principios de 1970, John Cambridge volvió a Hull en busca de Mick Ronson, la intención de contratar al agente a una nueva banda de David Bowie apoyo llamado The Hype. Encontró un marcado Ronson rugby, una de sus funciones como un Departamento de Parques de jardinero para el Ayuntamiento de Hull. Habiendo fracasado en sus intentos anteriores en Londres, Ronson era reacio, pero finalmente aceptó acompañar a Cambridge para una reunión con David Bowie. Dos días después, el 5 de febrero, Ronson hizo su debut con Bowie John Peel en la BBC Radio 1 nacional Mostrar Domingo.
El Hype jugó su primer concierto en el Roundhouse, el 22 de febrero con un line up que incluyó Bowie, Ronson, Cambridge, y el productor / bajista Tony Visconti. El grupo vestidos con trajes de superhéroes, con Bowie como Rainbowman, como Visconti Hypeman, como Gangsterman Ronson, y Cambridge como Cowboyman. Este desempeño fue filmado y grabado y actualmente se encuentra en las bóvedas de propiedad de MainMan. También en el proyecto de ley de ese día se Bachdenkel, Groundhog y caravanas. Al día siguiente se realiza en la Streatham Armas en Londres bajo el seudónimo de "Harry El Carnicero '. También se realizó el 28 de febrero en el Laboratorio Arte Basildon la música experimental en el club Centro de Arte en Basildon Essex. Anunciado como "de David Bowie New Electric Band 'tan nueva que no tiene un nombre aún! También en el proyecto de ley se marea alta, y Overson Iron Butterfly. Strawbs se deben realizar, pero se sustituyeron por David Bowie del New Electric Band. Cambridge John partió el 30 de marzo, una vez más sustituido por Woody Woodmansey. En abril de 1970, Ronson, Woodmansey, y Tony Visconti Bowie comenzó la grabación de El hombre que vende en el mundo el álbum, con Ronson de Jeff Beck-influenciado el trabajo de guitarra a la palestra.
Durante las sesiones de El hombre que vende en el mundo, el trío de Ronson, Visconti, y Woodmansey - aún bajo el moniker Hype - firmado a Vértigo Records. El grupo de contratación de The Benny Marshall Ratas como vocalista, y entró en el estudio a grabar un álbum. En el momento parecía una sola, El Hype ha sido re-bautizada Ronno. "La cuarta hora de mi sueño" fue puesto en libertad el Vértigo indiferente a una recepción en enero de 1971. La canción fue escrita por Tucker Zimmerman, un amigo de Visconti, y no como Bob Dylan han sugerido muchas fuentes. El B-side es un Ronson / Marshall composición llamado "poder de las tinieblas". Ronno el álbum nunca fue completado.
David Bowie el respaldo conjunto, que por ahora incluye a Trevor audaces que había reemplazado a Tony Visconti en el bajo y la guitarra derechos tecladista Rick Wakeman, se utilizaron en la grabación de Hunky Dory. La salida de Visconti también significa que Ronson, con Bowie, se hizo cargo de los arreglos, mientras que Ken Scott coproducida con Bowie. Muy diferente de la pesada roca de la anterior álbum, Ronson la orquesta showcased un régimen mucho más melódico lote de Bowie composiciones. Hunky Dory es quizás su mayor colaboración en el álbum, que toma nota de reconocer la manga.
Fue este grupo, menos Rick Wakeman, que fue conocido como El Arañas de Marte en el título del próximo álbum de Bowie. Una vez más, Ronson fue una parte clave de la subida y la caída de Ziggy Stardust y las Arañas de Marte álbum, proporcionando arreglos de cuerda y varios instrumentos, así como el tratamiento de la iniciativa guitarra funciones. Este álbum volvió a la roca orientado a la música de la anterior álbum, con la guitarra de Ronson heroicos proporcionar el marco perfecto para Bowie condenados papel estrella de rock. Ronson Bowie y más de notoriedad alcanzado algunos de los conciertos la promoción de este álbum, Bowie cuando se simula una felación en la guitarra de Ronson como tocaba.
Ronson coproducido el álbum de Lou Reed Transformer con Bowie, tocando la guitarra de plomo en el álbum y el piano en la canción "Perfect Day". De nuevo con Bowie, que Recut el tema "El hombre que vendió el mundo" de Lulu, lanzado como un sencillo en el Reino Unido, y desempeñó en un número reducido de las pistas del álbum Dana Gillespie no nacieron un hombre.
Ronson apareció en 1972 el país-rock álbum Bustin 'Out por Pure Prairie League, donde realizó la cadena conjunto régimen y contribuyó guitarra y voz en varias pistas.
Su siguiente trabajo fue la guitarra de oído Bowie Aladdin sane y 1973 del álbum abarca pin ups. Mucha gente ha comenzado a creer que la contribución de la Ronson a la salida de Bowie se estaba convirtiendo en indispensable, por lo que fue una gran sorpresa que estaba ausente de la Diamond Perros álbum (a pesar de que jugó en el "1980 Piso Show", con canciones que aparecieron en el registro
Presley la canción, "Love Me Tender", así como Ronson más famoso de la pista en solitario - "Sólo en la oscuridad". Además, su hermana, Margaret Ronson, siempre y cuando la voz del conjunto. Entre el 1975 y este seguimiento, Ronson tenían una vida corta temporada con la Mott Hoople. Luego se convirtió en un largo tiempo con el ex colaborador de la Mott Hoople líder Ian Hunter, que comienza con el álbum de Ian Hunter y con el Reino Unido hit singles chart "Una vez Bitten, Twice Shy", incluyendo una gira como el hechizo Hunter Ronson Band. En 1980, el álbum en directo Bienvenido al Club fue puesto en libertad, incluido un par de vitrinas Ronson, que curiosamente también tuvo algunas nuevas pistas de estudio - de las cuales es un cazador / Ronson canción. En 1990, colaboró de nuevo con Ronson Hunter en el álbum, Yui Orta, esta vez recibiendo conjunta de crédito - el disco fue detallada como por la de "Cazador / Ronson". En 1993, nuevamente apareció en un álbum de David Bowie; Negro Lazo Blanco ruido que juegan en la pista "I Feel Free", grabado originalmente por Cream. Bowie y Ronson ya había cubierto este tema vivir unos 20 años antes, mientras que viajar como Ziggy Stardust y las Arañas de Marte.
Su segundo y tercer álbumes fueron Play Don't Worry, en 1975, y el cielo y el casco en 1994. El último set fue sólo parcialmente en el momento de la desaparición Ronson, y se publicó póstumamente.
Además de Bowie y Hunter, Mick Ronson pasó a trabajar como músico, escritor y productor de muchos otros actos incluidos Masacre y The Dogs (que tomó su nombre del álbum Ronson Masacre en 10th Avenue), Morrissey, El Wildhearts, los ricos Infantil (con post-Sex Pistols Glen Matlock y Midge Ure post-Slik/pre-Ultravox), Elton John, Johnny Cougar, T-Bone Burnett, Dalbello, Benny Mardones, Ciudad Houserockers Hierro y el grupo italiano de Moda, que incluía a Andrea Chimenti la voz. No limitar su influencia detrás de la mesa de registro sólo para los actos establecidos. Su trabajo aparece en la producción de álbumes de los artistas más oscuras, como El Payolas, Phil y Los Illegals Rambow. El Ronson producido visible objetivos, un grupo de Seattle, en su pista de 1983 5-PE "Autistic Savant". Tenía una pasión por la vida unheralded ayudar a los artistas la oportunidad de brillar, y ayudado a muchas bandas locales a lo largo del camino.
Ronson también era miembro de Bob Dylan de "Rolling Thunder Revue" banda en vivo, y puede ser visto tanto dentro como fuera de la etapa en la película de la gira. También hizo una conexión con el ex-Byrd Roger McGuinn durante este tiempo, lo que condujo a la producción y contribuir a la guitarra y arreglos McGuinn de 1976 álbum en solitario de Cardiff Rose.
En 1982, participó en llevar la guitarra en una banda de corta duración con colinas Michaels en la batería y Les Fradkin sobre Bass Guitar. Una de sus grabaciones de este grupo ( "libre cambio") aparece en el CD de 2006: Les Fradkin, "Goin 'Back".
En 1987, Ronson hizo una aparición en un disco de banda de Geffen, el peaje. Ronson desempeña la firma riffs de la banda de la canción, "En pie de Invierno", del álbum titulado, "El precio de la progresión", producido por Steve Thompson y Michael Barbiero.
En 1992 produjo Morrissey Su álbum Arsenal, ayudando a reorientar la carrera de Morrissey tras la muerte álbum tío.
Su última, de alto perfil, la actuación en directo fue su famosa aparición en El Concierto de Tributo Freddie Mercury en 1992. Conmovedora, que desempeñó en "todos los jóvenes Amigos" con David Bowie y Ian Hunter, y "Héroes" con Bowie.
Ronson el último período de sesiones se haya registrado jamás, como invitado en el 1993 Wildhearts álbum Vs. La Tierra Wildhearts, donde tocaba el solo de guitarra en la canción "Mi bebé es un Headfuck".
Ronson era un miembro de La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días, pero ha aumentado el desencanto con la fe antes de su muerte.
Ronson murió de cáncer de hígado el 29 de abril de 1993 a la edad de 46 años. En su memoria, la memoria de Mick Ronson Etapa fue construido en su ciudad natal de Hull.

2008-12-31T09:30:00.000-08:00

Danny Gatton (4 de septiembre de 1945 - 4 de octubre de 1994) fue un talentoso guitarrista y enigmático de América que se suicidó en su casa de Maryland en 1994, mientras aún relativamente desconocido para el público. Una biografía, Unfinished Business: La Vida y Tiempos de Danny Gatton por Ralph Heibutzki, se publicó en 2003. Tiene una voluminosa discografía. Gatton se clasificó 63ro en la revista Rolling Stone de las 100 mejores guitarristas de todos los tiempos en 2003
Gatton nació en Washington, DC el 4 de septiembre de 1945. Su padre, Daniel W. Gatton Sr., fue un ritmo guitarrista conocido por su estilo único de percusión, que abandonó su carrera musical a criar a su familia en una profesión más estable. El joven Gatton creció a compartir la pasión de su padre para el instrumento.
Danny Gatton comenzó su carrera tocando en bandas, mientras que aún un adolescente. Comenzó a atraer un interés más amplio en la década de 1970, mientras que tocando la guitarra y el banjo para el grupo Liz Meyer & Friends. Hizo su nombre como artista intérprete o ejecutante en el área de Washington, DC, el área durante el decenio de 1980, tanto como artista en solitario y con su Redneck Jazz Explosion, en el que se lame con el comercio de acero de pedal virtuoso jugador Buddy Emmons en un apretado ritmo bajo-batería señaló que desde el blues, el país, el bebop y rockabilly influencias. Asimismo, el respaldo de Robert Gordon y Roger Miller. Contribuyó una tapa de "Apricot Brandy", una canción de Elektra Records-supergrupo rinoceronte, al álbum de 1990 Rubaiyyat.
Gatton juego combinado de estilos musicales como el jazz, el blues y el rockabilly en una manera innovadora, y era conocido por algunos como "el telemaster" (un portmanteau de "Telecaster", Gatton elección de la guitarra, y "Master"). También fue llamado "el más grande del mundo desconocido guitarrista". Su apodo más común fue "Los humildes", debido a su capacidad de "humilde" o fuera de juego a nadie dispuesto a ir en contra de él en "la cabeza de corte" jam sessions. Una foto publicada en octubre de 2007 el guitarrista de la revista muestra Gatton jugando frente a un letrero de neón que dice "Se buscan víctimas".
Sin embargo, nunca logró el éxito comercial que merecía sin duda su talento. Su álbum 88 Elmira Street fue hasta 1990 para un premio Grammy por la canción "Boogie Street Elmira", en la categoría de Mejor Rock Instrumental de rendimiento, pero fue golpeado por Eric Johnson para "acantilados de Dover".
Sus habilidades fueron muy apreciados por sus colegas como Eric Clapton, Willie Nelson y su ídolo de infancia Les Paul. Durante su carrera, Gatton apareció en el escenario con guitarra héroes como Alvin Lee y Jimmie Vaughan, el último, literalmente, caminar en una noche en un club de Gatton concierto. También hay un rumor acerca de un apócrifo escenario "cabeza-de corte" atasco entre Gatton y compañeros de Washington, DC, residente en la zona (y Telecaster jugador) Roy Buchanan. En 1993, fue invitado por Gatton rockero Chris Isaak a grabar temas para la Isaak San Francisco Días CD. Informes de Gatton cuando está jugando se puede escuchar en el CD variar, con informes no confirmados sobre su colocación, o bien "No se puede hacer nada (Para Stop Me)", "5:15" o "casas". Gatton habrían traído una personalizada Fender Telecaster y Stratocaster a la sesión de grabación.
Se suele tocar un 1953 Fender Telecaster (Fender fabrica ahora una réplica de su gran instrumento personalizado), con Joe Barden y pastillas de Fender Super 250L, o de acero niquelado (.010 a .046 con un .015 para el G) cuerdas. En una diapositiva Gatton se suelen utilizar una taza o botella de cerveza (todavía medio lleno de cerveza) sin tener en cuenta si podría derramar todo momento su guitarra o (más probablemente, un ingenioso artilugio por el empresario). [2] En 1991 un el rendimiento en los límites de la ciudad de Austin que sigue esta limpiando la guitarra el cuello con un trapo y, a continuación, la celebración de trapo entre los dedos y los trastes, mientras que la igualdad de todos sin problemas.
Él siempre juega con un estilo de jazz de lágrima de selección, y fue capaz de combinar pasajes intrincados Bluegrass, bebop, garaje y sonidos, ejecutados con asombrosa claridad y velocidad vertiginosa. Su técnica de recolección fue una combinación de selección y los dedos, principalmente sus dedos medio y anular de su mano derecha. La base de su técnica de recolección fue Banjo rollos - fue un consumado jugador de banjo y aprendió el tradicional (estilo Scruggs) mano derecha técnica de tocar el banjo.
También entre sus admiradores åre Les Paul, James Burton, Lenny Breau, Vince Gill, Evan Johns (de "Evan Johns y su H-Bombas"), Chris Cheney, Bill Kirchen, Albert Lee, Steve Vai, Arlen Roth, Ricky Skaggs, barra ( "Guns N 'Roses"), y Richie Sambora.

2008-12-31T09:21:00.000-08:00

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Bill Harkleroad (alias Zoot Cuerno Rollo), el nacimiento 12 de diciembre 1948 [1], fue guitarrista de Captain Beefheart y The Magic Band. Después de grabar "algunas de las más singulares de música nunca antes se habían comprometido a vinilo", que dejó en 1973 con varios otros miembros de la banda para formar Mallard. Su libro, Lunar Observa, describe algunas de las tensiones entre Captain Beefheart y los miembros de la banda, lo que contribuyó a la división.
Había nacido en Palmdale, California. Entrenado como un acordeonista durante la infancia, pasó a la guitarra en su adolescencia. En cerca de Lancaster, California, que participó en bandas locales. Se incorporó con el futuro miembro de la Magic Band, Marcos de Boston en una banda llamada BC & El cavernícolas. Más tarde, los dos de ellos también jugaron en Blues In A Bottle junto con Jeff algodón. Por último, se incorporó a la Magic Band en 1968, después de la salida de Alex St. Claire. Después de la disolución de Mallard, tenía una limitada participación con la comunidad de la música como un artista intérprete o ejecutante. Continuó su participación en otra capacidad, sin embargo, como administrador de una tienda de guitarra y profesor en Eugene, Oregon, donde enseñar el futuro corazonadas guitarrista Chris Gunn que desempeñar.
El 27 de noviembre de 2001, publicado vimos un Bozo de viaje submarino. En 2003, ocupó el número 62 en la lista de Rolling Stone de las 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos

2008-12-31T09:17:00.000-08:00

Nació el 5 de noviembre de 1931 en Clarksdale Mississippi A los 5 años aprendió a tocar el piano y a los 11 comenzó a tocar en conciertos junto a Sonny Boy Williamson y Robert Knighthawk.
Conoció a Tina Turner a los 17 años en un club de Saint Louis (Misuri). Se casó con ella en México en 1962 y formaron el grupo Ike & Tina. Tuvieron hijos en común, divorciándose en 1976 debido a las continuas violencias de Ike, que pegaba y obligaba Tina a cantar enferma y a sus públicas y reiteradas traiciones con otras mujeres.
Ike Turner se fue hundiendo en el alcohol y las drogas. Fue arrestado numerosas veces por posesión de estupefacientes y pasó 17 meses en la cárcel.
En 1993 se estrenó la película What’s Love Got To Do With It, obtenida de la autobiografía de Tina y dirigida por Brian Gibson, que narraba la vida de Tina Turner y en la que el actor Laurence Fishburne encarnó a un violento Ike... en la que era acusado de malos tratos.
Falleció el 12 de diciembre de 2007 a los 76 años en San Marcos (California). Reportes médicos forenses confirmaron sucesivamente que su muerte se debió a sobredosis de cocaína.

2008-12-31T09:12:00.000-08:00

Edward "Ed" John O'Brien (Nacido el 15 de abril de 1968, en Oxford) es un miembro de la banda Radiohead, a pesar de no ser uno de los miembros más importantes de la banda, es un gran guitarrista, de hecho la revista Rolling Stone lo colocó dentro de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos. Además de tocar la guitarra, hace percusiones y usualmente se encarga de la parte vocal. Es conocido por su gran colección de pedaleras, que son una parte importante en el sonido único de Radiohead. Originalmente fue invitado a la banda por Thom Yorke debido a su parecido con Morrissey.
Ed ha hecho contribuciones a la banda sonora del proyecto para la serie de la BBC Eureka Street. Tiene un blog en la página de Radiohead, donde da a conocer un punto de vista más profundo acerca de cómo fueron grabados los álbumes. Su trabajo más reciente fuera de Radiohead es la de guitarrista en un álbum de Asian Dub Foundation, dentro del cual tocó en la canción "1000 Mirror".
Ed está casado y actualmente tiene dos hijos, Salvador, nacido en Enero del 2004, y una niña llamada Oona, que nació a principios de 2006.

2008-09-10T13:31:00.000-07:00

Jonathan Richard Guy Greenwood, más conocido como Jonny Greenwood (nacido el 5 de noviembre de 1971) es uno de los integrantes de Radiohead. Además es hermano del también miembro de Radiohead Colin Greenwood, el bajista del grupo. Su apodo, "Jonny", se escribe sin h, ya que viene del nombre Jonathan, no de John. Los seguidores de Radiohead han hecho bromas con esa situación, sugiriendo que el líder del grupo, Thom Yorke, adoptara la h que Jonny dejó.
Jonny a menudo es considerado como el segundo artista más importante de Radiohead. Es uno de los más talentosos multi-instrumentistas, capaz de tocar la primera guitarra con sorprendente maestría, así como también el órgano, sintetizador, piano, xilófono, armónica y otros instrumentos con los que nunca ha grabado. Es la guitarra con la que logra un increíble dominio gracias a su perfeccionista forma de tocarla. A pesar de que casi nunca incluye extravagantes solos de guitarra a las canciones del grupo, es, para muchos, uno de los mejores guitarristas de la historia. Las originales contribuciones de Jonny para Radiohead incluyen la canción de un rock más bien suave ("The Tourist") y el tema con influencias de The Beatles "A Wolf at the Door" - dos pistas que cierran los álbumes OK Computer y Hail to the Thief, respectivamente. Thom Yorke ha resaltado que la canción "Just" del disco The Bends era "una competencia entre Jonny y yo para conseguir tantos acordes como fuera posible dentro de la canción". El extremadamente agresivo estilo de Jonny para tocar la guitarra le causó en el pasado una repetitiva lesión en su brazo derecho. Aconsejado por su médico a usar un soporte en su brazo por un período de tiempo, dicho refuerzo se ha convertido en una especie de marca registrada. "Disfruto poniéndomelo antes de tocar... Es como pegar tus dedos antes de boxear." Jonny también es el campeón de quienes utilizan las ondas martenot, un viejo sintetizador que cataloga como uno de sus instrumentos favoritos. Compuso el tema "Smear" con un par de ondas martenot. Las ondas pueden ser escuchadas en muchas canciones de Radiohead, sobre todo en "The National Anthem", del LP "Kid A". Jonny también utiliza sintetizadores de moduladores y aparatos como el Korg Kaoss Pad, usado en las canciones más recientes.
Jonny ha continuado con su progresión como integrante de Radiohead y en el año 2003 lanzó su primer álbum en solitario, Bodysong, la banda sonora de la película del mismo nombre, del cineasta Simon Pummell. Su hermano Colin también participó en el álbum tocando bajo en uno de los tracks. Jonny fue contratado por la BBC como compositor en mayo de 2004. Además, aparece en la película "Harry Potter y el Cáliz de Fuego" junto al también integrante Radiohead Phil Selway y el líder de Pulp, Jarvis Cocker, como miembros de un grupo ficticio llamado "The Weird Sisters". Thom y Jonny también colaboran en un nuevo proyecto, organizado por la London Synfonietta, en el Festival de Ether en marzo de 2005.
En octubre de 2007, Radiohead lanzó su séptimo álbum de estudio, "In Rainbows", exclusivamente por internet.
El primero de enero de 2008, "In Rainbows" fue publicado en formato físico, el cual llegó a liderar los rankings de ventas en el Reino Unido y EE. UU.
A principios del mismo mes, Greenwood recibió el premio al Mejor Compositor en el rango de música de películas -por parte de los Critics' Choice Awards- por su participación en la banda sonora del filme "There Will Be Blood", composición que lo llevó a ser preelecto para los Premios Oscar 2008 en la misma categoría. Finalmente, fue descalificado debido a que su obra no cumplía con el expreso requisito de ser una composición absolutamente inédita. Esto porque algunos de los tracks de dicho álbum contenían pasajes de su anterior trabajo, "Bodysong".

2008-09-10T13:26:00.000-07:00

Forrest Richard "Dickey" Betts (nacido 12 de diciembre de 1943) es un americano guitarrista, cantante y compositor, más conocido por su labor como miembro fundador del sur del blues / rock El grupo de Allman Brothers Band.
Nacido en West Palm Beach, Florida, Betts principios de la experiencia fue líder de una banda llamada La Segunda Venida, antes de que él y otros músicos de la zona de Florida se reunió, atascado, y formaron la Allman Brothers Band en 1969. Betts fue la banda el segundo guitarrista de plomo, por detrás de Duane Allman, y contribuyeron significativamente a su doble marca de sonido de guitarra de plomo. También escribió canciones incluyendo "En memoria de Elizabeth Reed" y "Blue Sky" que se convirtió en concierto de radio y grapas.
Tras la muerte de Duane Allman a finales de 1971, Betts se convirtió en la única banda del guitarrista, y también tomó en un canto y una mayor papel de liderazgo. Él siguió para escribir tales sur de Rock clásicos como "Jessica", y los Allmans' comercial más grande éxito, "Ramblin 'Man".
Betts primer disco en solitario, Highway Call, fue puesto en libertad en 1974, y contó con la tarde violín jugador Vassar Clements. Después de la separación Allmans cayó en 1976, Betts puesto en libertad más discos, comenzando con Dickey Betts & Great Southern en 1977, que incluyó el éxito "Buganvilla", que co-escribió con el actor Don Johnson. En 1978 lanzó un álbum titulado "Atlanta's Burning Down".
El Allman Brothers reformada en 1979 para el álbum "Iluminado pícaros" con un nuevo guitarrista (Dan Toler) y un nuevo bajista (David Goldflies). Varios álbumes aplicaría en los años 80 con varios cambios de personal. La reunión trajo de vuelta Betts, junto con el fundador Allman Brothers miembros Gregg Allman, Butch Trucks, y Jai "Jaimoe" Johanny Johanson. La banda fue aumentada en los finales de los 80 por Warren Haynes (transparencia y el plomo guitarra), Woody Allen (bajo) y Johnny Neel (en teclados, aunque Neel izquierda después de varias giras). Esta alineación de la banda iba a poner en libertad a tres aclamados álbumes de estudio, con Betts, Allman Haynes y que actúa como la principal canción escritores, así como de varios álbumes en vivo a lo largo del decenio de 1990.
Betts tuvo que ser sustituido en numerosas en todo el tourdates mediados de los 90 "motivos personales". Entre los artistas que aparecen en lugar de Betts fueron Jimmy Herring (en 1993 y nuevamente en 2000), Zakk Wylde, Pearson y Jack David Grissom. John Popper of Blues Traveler se sentó también en la Allman Brothers a Betts de ausencia.
Mientras que el ABB siguió desempeñando aclamados shows en vivo durante el decenio de 1990, no poner en libertad a un álbum de material nuevo después de 1994 la Vuelta donde todo comienza. Haynes y Woody formado Gob MULE con el baterista Matt ABTS (antes de Dickey Betts proyectos solistas) como un proyecto paralelo en 1994 y dejaría a los Allman Brothers para Gob MULE a tiempo completo tras la ABB anual del Beacon Ejecutar en marzo de 1997. Haynes y Woody no asociarse con la Allman Brothers Band en el escenario de nuevo Betts hasta después de la salida en 2000, a pesar de que compartirían el escenario con Gregg Allman en varias ocasiones con MULE Gob.
El resto de miembros originales, Allman, Trucks y Jaimoe, suspendido Betts (según se informa por fax) antes de la puesta en marcha de la banda Campaña de Verano del Tour de 2000. Betts fue sustituido temporalmente para que viaje por Jimmy Herring, antes del Aquarium Unidad de Rescate, entre otras bandas. Warren Haynes también apareció con los Allmans muestra a tres después de Betts' suspensión por primera vez en más de tres años.
Betts rápidamente presentó una demanda contra los otros tres Allmans original y la separación se convirtió en un permanente divorcio (Haynes le sustituirán de forma definitiva a raíz de un stand con la banda en el Beacon Theatre en marzo de 2001). Betts rápidamente formaron la banda de Dickey Betts en el año 2000 y que gira de verano. Ahora giras con el nombre de Dickey Betts y el Gran Sur, que recientemente ha añadido el hijo de Dickey, Duane Betts, a llevar la guitarra.
En 2005 Betts vivir en libertad el DVD "En vivo desde el Rock and Roll Hall of Fame".
En los primeros días de la Allman Brothers, Dickey desempeñado una Gibson SG 1961, que dio a Duane Allman en 1971 para su uso como todos los de la guitarra slide. Dickey entonces comenzó a utilizar un 1957 Gibson Les Paul Goldtop. Dickey se convertiría en famosa por la utilización de un Goldtop, nombrándolo "Goldie". Recientemente ha pintado de color rojo. Dickey también se ha visto jugar de vez en cuando Fender Stratocasters, y ha sido un a-y-fuera jugador y endorser de guitarras PRS.

2008-09-10T13:21:00.001-07:00

Roy Buchanan (23 de septiembre de 1939 - 14 de agosto de 1988), fue un guitarrista estadounidense de blues. Se caracteriza por su uso del glissando, de rápidos staccatos y de pellizcos armónicos. Buchanan fue pionero en el uso del sonido Telecaster.
La carrera musical de Roy Buchanan empezó en Pixley, California. Su padre fue un aparcero. Buchanan contó cómo su primer recuerdo musical está vinculado a reuniones de mezcla racial promovidas por su familia. "Gospel," decía, "así fue cómo entré en la música negra". Creció, efectivamente, entre influencias muy dispares mientras aprendía a tocar su instrumento. Inicialmente, demostró talento para la guitarra de acero antes de cambiarse al instrumento estándar a comienzos de los cincuenta.
En 1957 Buchanan hizo su grabación de debut, tocando el solo de "My Babe" Dale Hawkins para Chess Records.
Tres años más tarde, Buchanan se dirigió a Canadá, donde tocó la guitarra en el grupo de Ronnie Hawkins (más tarde conocido como The Band). Uno de los guitarristas del grupo, Robbie Robertson, estudió guitarra aprendiendo de Buchanan y terminó por ser el guitarrista principal cuando Buchanan abandonó el grupo.
Los comienzos de los 60 sitúan a Buchanan tocando de acompañante en muchas bandas de rock y con músicos como Freddy Cannon y Merle Kilgore.
Los problemas de muchos años con alcohol y sustancias sufridos por Buchanan empeoraron con el tiempo, culminando cuando le arrestaron por conducir en estado de ebriedad; algunas horas después, Buchanan fue encontrado en su celda ahorcado con su propia camisa. La causa de muerte fue registrada oficialmente como suicidio, lo cual ha sido discutido por algunos amigos de Buchanan y familia (cita requerida).
La carrera musical de Roy le llevó de gigs subterráneos del club en los años 60 y 7 a la televisión nacional, a las ventas de registro del oro y a los viajes mundiales en los años 80 con Lonnie Mack, The Allman Brothers Band y Willie el Nilo.

2008-09-10T13:15:00.000-07:00

Tom Verlaine (nacido como Thomas Miller el 13 de diciembre de 1949 en Morristown, Nueva Jersey, Estados Unidos) es un guitarrista, cantante y compositor conocido por haber liderado el grupo de proto-punk Television, además de tener una carrera solista.
Verlaine (nombre que adopta de un poeta simbolista francés) fue criado en Wilmington, Delaware, y comenzó temprano su instrucción musical, primero como pianista y luego como guitarrista, influenciado por la canción "19th Nervous Breakdown" de los Rolling Stones.[1] En 1968 dedide irse a la parte este de Nueva York junto a su compañero, el bajista Richard Meyers (quien luego se cambiaría el nombre a Richard Hell). Allí formaron un grupo junto al baterista Billy Ficca, al cual le dieron el nombre de The Neon Boys, grupo que durará poco; con la incorporación de un segundo guitarrista, Richard Lloyd, en el año 1973, el grupo volvió a surgir bajo el nombre de Television. Tras grabar un demo con Brian Eno Hell dejó el grupo y fue reemplazado por Fred Smith. En 1973 Verlaine participó en el primer single de su novia Patti Smith, "Hey Joe"/"Piss Factory", con quien también editó un libro de poesía titulado The Night.Posteriormente tocaría en los dos primeros álbumes de Smith.
El primer single de Television, "Little Johnny Jewel", los conviertió en un grupo afamado dentro del ámbito underground de Nueva York. El grupo editó su primer LP, Marquee Moon, en el año 1977, el cual fue muy bien recibido por la crítica y es considerado un clásico de culto, aunque no tuvo éxito comercial en Estados Unidos. Adventure le siguió en 1978 con un destino similar, y tras ese álbum el grupo se separó.
Esta no sería la desaparición del guitarrista. En 1979 lanza su carrera en solitario con el sencillo "Kingdom Come" (David Bowie hizo una versión de esta canción en su álbum Scary Monsters, ya que tiene un gran aprecio por su música),y edita su primer LP autotitulado. Su gran éxito personal llegará de la mano de su poco conocido Dreamtime, de 1981. Debido a las buenas críticas que recibe de la prensa inglesa por sus dos siguientes discos (Cover y Words From The Front) decide establecer a Londres como su residencia principal.
Verlaine se tomó unos tres años de reposo antes de volver a presentar un trabajo (el último databa de 1984), el cual fue titulado Flash Light, mientras que su siguiente álbum, de 1990, fue titulado The Wonder. Television se volvió a juntar en 1992 para grabar un álbum autotitulado, pero se volvieron a separar en 1993, aunque el grupo se volvería a juntar para realizar presentaciones en vivo ocasionales. En 1992 también publicó su primer LP instrumental, Warm And Cool, y en 1994 compuso la banda sonora de la película Love and a .45. Pasarían 12 años hasta su siguiente edición de material original. A mediados de los años 90 Verlaine volvería a trabajar con Patti Smith, e iba a ser el productor de Jeff Buckley en su álbum Sketches for My Sweetheart the Drunk, pero Buckley falleció antes de poder completar el álbum. En el año 2006 editó dos lanzamientos solistas: Songs And Other Things y su continuación al instrumental Warm And Cool, que se llama Around.

2008-09-10T13:09:00.000-07:00

Richard Hugh Blackmore (Weston-super-Mare, Inglaterra, 14 de abril de 1945) es un guitarrista de rock que ha tocado para bandas como Deep Purple, Rainbow y Blackmore's Night. Es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia.
Músico influido por la manera de tocar la guitarra eléctrica de Jimi Hendrix, cuya técnica supo combinar con tonos clásicos en sus solos de guitarra (Bach, Mozart, etc.) debido a la formación de guitarrista clásico que tenía.
Desde el punto de vista técnico, destaca por su manipulación de la escala pentatónica, escala y frases de blues, e modalidades clásicas. Así como de evolucionar la improvisación al máximo en sus conciertos en directo, convirtiéndose en un referente, particularmente en los años de su agrupación Rainbow en un prócer del estilo neoclásico de los años 80.
Blackmore, criticado por su carácter temperamental y apodado "Man in Black" por su raro comportamiento tanto dentro como fuera del escenario, tuvo una gran influencia entre muchos de los guitarristas que vinieron después de él, y no sólo en su popularmente reconocida influencia clásica en el rock. Su fraseo fue siempre ejemplar, y el lenguaje de sus improvisaciones singularmente puro. Siempre ha sido un admirador de la Fender Stratocaster, guitarra que le ha acompañado a lo largo de casi toda su trayectoria musical, aunque solamente usaba, al tocar, dos de las tres pastillas del instrumento (en las posiciones mástil y puente, concretamente), lo que confiere a sus solos un tono muy particular y reconocible. El resto de su equipo "clásico" lo conforman una grabadora que ponía entre el instrumento y su amplificador, un preamplificador a válvulas y por supuesto un enorme Marshall modificado para que tuviera una salida de alrededor de 200 W. En algunas ocasiones utilizó un pedal de Flanger, especialmente reconocible en el famoso tema Mistreated (del álbum Burn, con David Coverdale) y en algunas canciones de Rainbow.
A finales de 1974, Ritchie Blackmore no se encuentra del todo satisfecho en el seno de Deep Purple. La onda funky-soul que impregnaba el estilo de la banda, motivado por la incorporación de Glenn Hughes y David Coverdale, no era del agrado de Ritchie. Por otro lado, la negación del resto de la banda de interpretar el tema de Quatermass “The black sheep of the family” desencadenó el enfado definitivo de Ritchie.
Ritchie había estado en contacto con Ronnie James Dio, cantante de ELF, grupo que había teloneado a Deep Purple en su gira inglesa de ese mismo año, y con él decide formar su propia banda. Para ello incorpora a toda la banda de Dio, a excepción del guitarrista y se meten en el estudio de grabación. Con esa formación grabará el que será primer disco de Rainbow: Ritchie Blackmore’s Rainbow.
Es conocido por tocar con desmesurada intuición, lo que no debe llevar a menospreciar su bagaje teórico y su indiscutible técnica. Mayores, menores, disminuidos; cualquier modo tonal parece serle cómodo. En sus actuaciones en directo se le llegó a acusar de tocar muy sucio, pues era frecuente que empezara a golpear la guitarra a media actuación, rompiera el puente a golpes de palanca o sencillamente se dedicara a dejar sonar algunos grupos de notas mientras variaba su sonido a golpes con el instrumento. En el álbum en directo Made in Japan, que grabó con Deep Purple en los '70, se da una buena prueba de ello.
Es también considerado uno de los padres del Heavy Metal especialmente después de formar equipo con el vocalista Ronnie James Dio, con quien fundó Rainbow.

2008-09-06T15:05:00.000-07:00

Jorma Kaukonen nacido a un finlandés de América padre y una madre judía americana, empleado por los EE.UU. del servicio exterior, Kaukonen fue miembro fundador de la popular psicodélico con sede en San Francisco la banda Jefferson Airplane, que anotó dos de radio Top 10 hits en 1967 con "Somebody to Love "Y" White Rabbit ".
Kaukonen aprendido a tocar la guitarra como un adolescente en Washington, DC Sin embargo, antes de pasar a la zona de DC, Jorma y la familia vivía en las Filipinas y otros locales como siguió su padre la carrera de cesión a cesión, antes de regresar al lugar de su nacimiento. Como un adolescente en Washington que él y Jefferson Airplane futuro bajista Jack Casady (que en el momento que desempeñan seis cuerdas de guitarra) formaron una banda llamada los triunfos. Kaukonen partió de Washington para cursar estudios en Antioch College, donde amigo Ian Buchanan le enseñó la guitarra fingerstyle. Buchanan Kaukonen también introdujo a la música del Reverendo Gary Davis, cuyas canciones se han mantenido una parte importante de Kaukonen del repertorio a lo largo de su carrera.
En 1962 se trasladó a Kaukonen la Bay Area de San Francisco y matriculados en la Universidad de Santa Clara. Durante este tiempo ha enseñado lecciones de guitarra en una pequeña tienda de música en San José. Como auto-describe blues purista, Kaukonen nunca tuvo ninguna ambición de jugar en una banda de rock. Jugó como un solo acto en cafés y se puede escuchar a un joven que acompaña a Janis Joplin en guitarra acústica en una histórica grabación de 1964 (conocida como "la máquina de escribir Cintas" debido a las molestas, Kaukonen sonido de la primera esposa Margareta escribiendo en el fondo). Invitados a asistir a un ensayo Jefferson Airplane miembro fundador de Paul Kantner, Kaukonen encontró a su imaginación excitada por el arsenal de efectos disponibles para guitarra eléctrica y más tarde dijo: "Yo estaba en aspirado por la tecnología."
Jorma Kaukonen es un miembro del Rock'n'Roll Hall of Fame.
Kaukonen guitarra eléctrica del trabajo fue distintivo y muy emulada por otros guitarristas del Área de la Bahía. Cabe destacar el trabajo con Jefferson Airplane incluye "Greasy Heart", "Si usted se siente", "Hey Frederick" (que culmina en un largo plomo dúo de guitarras con él mismo), "Los buques de madera" y su composición original, "siento tan bien". Rolling Stone llamado Kaukonen la 54 ª más grande guitarrista de rock de todos los tiempos y el 16 de mayor guitarrista acústico.
Aunque nunca un prolífico cantante y compositor durante su mandato la Aeronave, Kaukonen contribuido algunos distintivo material. "Viaje embrionarias" lució su guitarra acústica fingerstyle virtuosismo. En la siguiente álbum Jefferson Airplane, después de bañarse a Baxter, su juego desarrollado un difícil filo de sonido inspirado en Mike Bloomfield de la Paul Butterfield Blues Band, Cream y otros grupos que visitó San Francisco. Estos cambios estilísticos son prominentes en el ácido rocker "el último muro del Castillo", así como el instrumental "de repuesto Chaynge", co-escrita con el bajista Jack Casady y el baterista Spencer Dryden. Reloj de 9:12 a minutos, este estilo de improvisación fue explorar más en la libre-forma ampliada atascos "Thing" y "Bear Melt", tanto instrumentales grabado en vivo en 1968. Kaukonen insiste, no obstante, en la línea de las notas Live at Fillmore East el álbum que estos atascos no son caóticas "libre de todas" pero en realidad "compleja ensayado acuerdos". Dos notables canciones que fueron más tarde a convertirse en Hot Tuna firma melodías También se registraron durante el período 1968-1969. Estos fueron los tradicionales "Rock Me Baby" y la balada gospel "Buen Pastor". Otras composiciones originales con el avión apareció en 1971 el álbum "Bark", el instrumental "Wild Turkey" y "Feel so good", así como la acústica autobiográfico "Tercera Semana en el Chelsea" detallando sus sentimientos acerca de la desintegración de la banda .
Hot Tuna en Merlefest, 2006-De izquierda a derecha, Jack Casady, Jorma Kaukonen, y Barry MitterhofIn 1969-70, Kaukonen y Jack Casady formado Hot Tuna, una empresa spin-off del grupo que les permitió jugar siempre y cuando quisiera. Una de las primeras encarnación de Hot Tuna incluido Aeronave vocalista Marty Balin y destacó Joey Covington a la batería y voz. Esta agrupación llegó a su fin después de un infructuoso registro de excursión a Jamaica, a las reuniones de las cuales nunca han sido puestos en libertad. Pared hasta Kaukonen y Casady, Hot Tuna vive como en un vehículo para Kaukonen a mostrar su estilo Piamonte fingerpicking blues acústico habilidades. La auto-titulado primer álbum fue todo acústico y grabado en directo. Con la disolución de Jefferson Airplane en 1972, Hot Tuna fue eléctrico, con la Aeronave músico Papa John Creach unirse para los próximos dos álbumes. Hot Tuna FM anotó un hit con "Ja Da (Mantenga El Truckin ')" de su tercera parte (y el primer estudio) álbum, Burgers. En este momento, la canción de Kaukonen-escritura comenzó a dominar, como se demuestra por el siguiente álbum, The Rat fosforescentes, que sólo presentó una cobertura canción. A partir de su quinto álbum, America's Choice (1974), la adición de baterista Bob Steeler alentó un aumento en volumen y un cambio de banda de personalidad - un rampaging, Cream-como el rock, con frecuencia cuasi-mística letras cortesía de Kaukonen. Durante este período, el poder trío era conocido por su muy larga vida a conjuntos instrumentales y atascos.
En 1974, Kaukonen registró el primer y más exitoso de varios discos como solista, Quah, junto con Tom Hobson. Producido por Jack Casady, y con (algo sorprendente) overdubs cadena en algunas pistas, este álbum contenía algunas de Kaukonen más deft fingerpicking trabajo, especialmente en "Hamar Promenade", "Preludio Azul", "Génesis" y "Flying Clouds". La curiosa imagen que adorna la portada Quah es hoy en día en pantalla a Donkey y Cafetería Espresso, una cafetería en Atenas, Ohio.
Kaukonen gira vigorosamente a lo largo del 1970 en los Estados Unidos y Europa, pero con Hot Tuna de la ruptura en 1978, la primera etapa de la banda terminó la carrera. Casady izquierda para formar la nueva ola de banda "SVT", mientras que Kaukonen lanzó su segundo álbum en solitario, Jorma, una combinación de guitarra eléctrica y acústica fingerstyle en 1979. Mientras tanto, había formado la banda "partes vitales".
Partes vitales que figuran Denny DeGorio bajista, que había desempeñado en San Francisco un grupo llamado los "offs" con ex-Hot Tuna baterista Bob Steeler. Kaukonen, experimentando con una nueva imagen, no sólo cortar el pelo teñido, pero que luego púrpura brillante de color naranja, y una amplia tatuajes que adornan su cuerpo, espalda y brazos. El álbum barbacoa King fue puesto en libertad en 1980. Kaukonen de la tradicional base de fans no caliente a este nuevo, la percepción de que "punk" imagen, y las ventas del álbum fueron tan decepcionantes que Jorma pronto se bajó de RCA registros.
Él continuó jugando como solista en todo el decenio de 1980 en lugares tales como la castaña Cabaret en Filadelfia, The Capitol Theater en Passaic, Nueva Jersey y en Port Chester, Nueva York. Al igual que en su día Hot Tuna, que desempeñó muy largo conjuntos, por lo general comienza con una hora de duración acústica establecidos seguido de un largo intermedio y luego de dos horas de electricidad conjunto, a veces acompañado por contrabajo y batería. Hot Tuna reformarse a sí mismos a fines del 1980. En 1988 Hot Tuna rendimiento en el Fillmore Auditorium, Kaukonen sorprendidos compañeros de la Aeronave alumno Paul Kantner, que estaba sentado, con una aparición sorpresa de su amante separados Grace Slick; el éxito de esta actuación contribuido a allanar el camino para una reunión Jefferson Airplane gira y grabar en 1989.
En 1984, apareció en Kaukonen Robert Hunter's Amagamalin Street. Este fue el tercer álbum publicado por Relix Records, un sello, fundado por Les Kippel, que especializados en las bandas de la Bay Area de San Francisco. Relix también liberados Splashdown, con una rara rendimiento de Hot Tuna en WQIV, una desaparecida estación de radio en Nueva York. Kippel fue instrumental en reunir a Kaukonen y Casady en 1985 por un Hot Tuna teatro gira. Relix Records se Hot Tuna de la compañía hasta el año 2000, y también puestos en libertad Classic Acoustic Hot Tuna, Classic Electric Hot Tuna, Live at Sweetwater, y Live at Sweetwater Dos.
Dos importantes proyectos fuera de Kaukonen se desempeñó en el álbum de David Crosby Si yo sólo podía Recuerde mi nombre (1971) y Warren Zevon "Transverse City" (1989). En 1993, colaboró con el ex-Grateful Dead tecladista Tom Constanten en el registro de numerosos acuerdos de "Viaje embrionarias". Las pistas resultantes fueron puestos en libertad como un álbum de 1994, sobre la etiqueta Relix. En 1999, desempeñó varios conciertos con Phil Lesh y amigos. En 2000, apareció con mermelada de pánico generalizado banda durante su gira de verano.
Con su esposa Vanessa, Kaukonen actualmente es propietaria y opera la Paz Fur Ranch, 119 acres de música y guitarra campamento en las colinas del sudeste de Ohio, al norte de Pomeroy; completa con un estudio de 32 pistas. En la actualidad está bajo contrato como solista a Red House Records y todavía registros y viajes con Jack Casady y otros amigos, como Barry Mitterhof como Hot Tuna. Su álbum de 2002 Blue País Corazón, también liberados como 5,1 sola capa SACD, fue ampliamente aclamada por la crítica como uno de los ejemplos definitiva de América "Depression Era" la música y las características Kaukonen respaldada por una todas las estrellas Nashville banda de bluegrass. El álbum fue nominado para un Grammy. Su último álbum, Mi Estrellas en la Corona, fue puesto en libertad en marzo de 2007.
En su sitio web, Kaukonen escribe que él es un amante de la guitarra Gibson; su favorito guitarras acústicas que el 1936 Avanzada Jumbo y la J-190. Kaukonen del Día de Acción de Gracias Eva mostrar a Keswick Theater en Glenside, Pennsylvania se ha convertido en una tradición.

2008-08-18T17:57:00.000-07:00

Mickey Baker, también conocido como Mickey "Guitar" Baker (nacido en McHouston Baker, 15 de octubre de 1925, Louisville, Kentucky es un guitarrista americano.
Fue la mitad de los pop dúo Mickey & Sylvia, que tenía un solo hit con "El amor es extraño" en 1957. La canción fue escrita por Bo Diddley, (sino que acredita a su esposa en el momento, Ethel Smith), y Jody Williams, que había desarrollado el distintivo riff de guitarra de plomo. Williams había registrado el anterior riff en una canción llamada "Billy's Blues" de Billy Stewart. Finalmente la canción, mucho más que un simple riff, terminó siendo acreditado a Smith, Baker y el diplomático. Es que figuran en el Rolling Stone de la lista de las 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos. Baker es también digno de mención como una sesión de guitarra guitarrista y educador. Baker el período de sesiones de trabajo abarca el jazz, calypso, mambo, y el ritmo y blues. Él es ampliamente celebrada a ser una fuerza decisiva en el puente de ritmo y blues y rock and roll, junto a Bo Diddley y Chuck Berry.
En 1961, él tomó la parte que habla de sexo masculino (por lo general supone que Ike Turner) a Ike & Tina Turner la pronta respuesta positiva, "Es Gonna Work Out Fine". Poco después se trasladó a Francia, haciendo unos discos en solitario y trabajar con mucho pop francés de rock y artistas intérpretes o ejecutantes, entre ellos Ronnie Bird. Baker ha registrado sólo esporádicamente desde mediados del decenio de 1960.
Baker apareció en la versión 1975 del Festival de Roskilde.
En 1999, Baker fue inducida en la Ritmo y Blues Foundation.
Su auto-matrícula método de series de libros, el "curso completo en Jazz Guitar" es uno de los pilares para introducir a los estudiantes de guitarra con el mundo del jazz. Con Les Paul, Baker es importante como un exponente temprano de cuerpo sólido, las guitarras eléctricas por el jazz y la música popular.

2008-07-30T06:12:00.000-07:00

Lou Reed (nacido como Lewis Allen Reed el 2 de marzo de 1942 en Freeport, Long Island, Nueva York) es un cantante y escritor de rock, considerado el padre del rock alternativo, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego en solitario. Enormemente influyente en el arte pop desde la década de los 60, sus principales discos son Rock'n Roll Animal, Transformer y, para un primer acercamiento, el soberbio concierto que ofreció en el Meltdown Festival: Perfect Night Live in London. Vive en Nueva York.
En su época de The Velvet Underground escribió canciones que han pasado a la historia de la música pop: Heroin, Rock and Roll y Sweet Jane.
Reed era un fan del rock and roll y el rhythm and blues que tocaba en varias bandas durante su época de estudiante y había grabado un disco sencillo de estilo doo wop como miembro de The Shades. Asistió a la Universidad de Syracuse, donde conoció al poeta Delmore Schwartz, quien le animó a convertirse en escritor. Reed también se aficionó al free jazz y a la música experimental. Más tarde afirmó que sus objetivos eran "traer la sensibilidad de la novela a la música rock" o escribir "la Gran Novela Americana" en un disco.
Se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde trabajó como escritor de canciones para Pickwick Records y cofundó The Velvet Underground como guitarrista/vocalista/letrista, junto con John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker. Aunque la banda se deshizo en 1970 y nunca tuvo éxito comercial, su reputación como uno de los grupos más influyentes en la cultura underground se ha mantenido intacta.
Después de dejar la The Velvet Underground en agosto de 1970, Reed tomó un trabajo en la empresa de contabilidad de su padre como mecanógrafo, con un sueldo de 40 libras a la semana. Sin embargo, un año después, firmó un contrato discográfico con RCA y grabó su primer álbum solista en Inglaterra, con la colaboración con músicos de Yes como el tecladista Rick Wakeman y el guitarrista Steve Howe. El álbum, simplemente titulado: Lou Reed, contenía versiones alternativas de canciones con la The Velvet Underground muchas de las cuales fueron descartadas y archivadas (las cuales se pueden encontrar en el box set Peel Slowly & See). Pese a su calidad musical este primer trabajo solista pasó desapercibido por los críticos y tuvo muy pocas ventas.
Luego del fracaso con su primer álbum, a finales de 1972, Lou Reed trató de re-orientar su carrera musical lanzando Transformer, un álbum de glam rock producido por David Bowie. A continuación publicó Berlin, que cuenta una trágica historia de amor entre dos drogadictos en Berlín. Este disco incluye Caroline Says (violencia), The Kids (prostitución y adicción a las drogas), The Bed (suicidio) y Sad song ("Canción triste").
Reed se adelantó a su tiempo en la elección de estos temas. La música popular no se pondría a su altura hasta la aparición de los punks, entre mediados y finales de los años 70 del siglo XX; pero incluso entonces sus canciones eran únicas: ya fuese entre guitarras distorsionadas o suavemente melódicas, Reed cantaba sobre las cosas desasosegantes, o incluso sórdidas, que otros letristas no trataban. "Walk on the Wild Side" es un saludo irónico y gráfico a los inadaptados, chaperos y travestis en la Factoría de Andy Warhol. "Perfect Day" es una elegía a la adicción de Reed a la heroína, más tarde incluida en la banda sonora de la película Trainspotting. En el material que escogía, Reed seguía, y actualizaba, a autores tales como Allen Ginsberg y Jean Genet. La personalidad de Reed fue también avanzada, prefiriendo el cuero negro y la imaginería sadomasoquista incluso en la época hippie.
En 1975, produjo el doble álbum de estudio Metal Machine Music, lleno de pura distorsión y sonidos de sintetizadores electrónicos. Su discográfica lo estaba presionando para que grabara otro álbum comercial al estilo de Transformer, y Lou decidió cortar con ellos grabando intencionadamente uno de los discos más insoportables de la historia. El periodista de rock Lester Bangs lo declaró genial. Aunque admitiendo que las notas internas de los instrumentos usados es ficticia y paródica, Reed mantiene que MMM era y es un álbum serio. Sus discos de finales de los 70 son frecuentemente recordados con reservas por los críticos de rock, debido al menos en parte a las adicciones de Reed en aquellos años.
Al principio de los años 80, Reed dejó las drogas y comenzó, tanto en su trabajo como en su vida privada, a intentar asuntos más serios, notablemente en su aclamado disco de regreso The Blue Mask. Se casó con Sylvia Morales (más tarde, se divorciaron). En su exitoso álbum New York lanzó una enfadada salva contra los problemas políticos de su ciudad, denunciando el crimen, los caros alquileres, a Jesse Jackson e incluso al Papa Juan Pablo II y Kurt Waldheim. Cuando Andy Warhol, que fue anfitrión y productor de The Velvet Underground, murió tras una operación rutinaria, Reed cerró una brecha de 25 años para colaborar con su compañero de la Velvet John Cale en Songs for Drella, una biografía de Warhol en música pop minimalista. Emocionante y dolorosamente confesional, a menudo ingeniosa, la voz de Reed produce ampollas cuando canta sobre presuntos errores médicos y sobre el intento de asesinato de Warhol llevado a cabo por Valerie Solanas en 1968.
Reed continuó en esos tonos oscuros con Magic and Loss, un disco sobre la mortalidad. En 1997 más de 30 artistas hicieron una versión de "Perfect Day" para un especial de la BBC en favor de los niños. En 2001 fue víctima de un bulo que afirmaba que había muerto de sobredosis de heroína. En 2003, publicó un doble álbum, The Raven, basado en la obra de Edgar Allan Poe. En 2004, se publicó una remezcla de su canción "Satellite of Love" que alcanzó el número 10 en las listas inglesas.

2008-07-30T06:10:00.001-07:00

Francis Paul Kossoff (14 de septiembre de 1950 en Hampstead, el noroeste de Londres, Inglaterra-19 de marzo de 1976) fue un guitarrista de rock mejor conocido como un miembro de la banda libre.
Kossoff-hijo del actor británico señaló David Kossoff-comenzó a tocar a mediados del decenio de 1960 y su primera actuación profesional fue con Gato Negro Huesos junto al baterista Simon Kirke. La banda hizo muchos espectáculos para apoyar a Fleetwood Mac y tanto Peter Green (Fleetwood Mac's guitarrista) y Kossoff mermelada y se pasan horas discutiendo blues de juego y los jugadores. Gato Negro Huesos también juega con las giras de blues piano Champion Jack Dupree. Ambos Kossoff y Kirke iría a desempeñar en el álbum Dupree cuando se sienta la sensación ....
En abril de 1968 la pareja trabajó en equipo con Paul Rodgers (cantante) y Andy Fraser (bajo) para formar Libre. Ellos hicieron el "tránsito" del circuito durante dos años y grabó dos álbumes: toneladas de Sobs (1968) y Libre (1969). Ambos álbumes lució la banda de blues y soul influido en el sonido, un estilo que estaba en contraste con algunos de sus progresiva de peso y sus homólogos en el momento.
El éxito llegó en 1970 cuando su tercer álbum, Fuego y Agua (1970), dio lugar a la enorme éxito "Todos los Derechos ahora". La banda tocó la isla de Wight Festival de audiencia a las dos y aclamación de los críticos. Sellout viajes en el Reino Unido, Europa, Japón y seguido, pero después de la liberación del próximo álbum, Highway (1970), banda presiones han provocado una escisión. El álbum en directo "Free Live, grabado en 1970, fue lanzado en 1971 como un registro de despedida. Si bien Fraser Rodgers y perseguido sin éxito en solitario proyectos, Kossoff Kirke y colaboró con Texas teclista John "Rabbit" Bundrick y japonés bajista Tetsu Yamauchi para liberar el 1971 álbum Kossoff, Kirke, Tetsu y Conejo.
Libre reformado y puesto en libertad el álbum por fin libres (1972). Tras su liberación Fraser decidió que había tenido suficiente y dejar de formar los tiburones. Libre redactado Tetsu Conejo y para el 1973 Libre álbum Heartbreaker (1973) tras lo cual el grupo se disolvió.
Rodgers y Kirke pasó a formar el éxito de Bad Company, mientras Kossoff publicó un álbum en solitario, Back Street Crawler (1973). A continuación, acompañado John Martyn en 1975 una gira antes de ensamblar un grupo llamado Back Street Crawler.
Back Street Crawler publicado dos álbumes: la orquesta sigue tocando en 1975 y la Segunda Calle en 1976. Las grabaciones de uno de sus conciertos en Reino Unido en 1975 también fueron liberados bajo el título Live at Croydon Fairfield Halls 15/6/75. Cuando Libre apoya la fe ciega en los Estados Unidos (1969), Eric Clapton ha impresionado lo suficiente como para pedir Kossoff para demostrar su vibrato técnica a él.
Kossoff la guitarra era también mucho de la demanda de período de sesiones de trabajo y contribuyó solos en varios discos entre ellos: Jim Capaldi's Oh Cómo Danced (1972), Martha's Veléz amigos y Ángeles (1969); Blondel's Mulgrave Street (1974); Tío Dog's Old Hat (1972), Michael Gately's Gately's Cafe (1971) y Mike Vernon 1971 del álbum llevarlo de vuelta a casa.
Él también desempeñó en cuatro demostraciones de Ken Hensley (puestos en libertad en 1994 el álbum titulado De vez en cuando) y tres pistas que aparecen en el CD-sólo cuestión de John Martyn's Live at Leeds álbum de 1975.
Un solo de guitarra inéditas también surgió en 2006 el título en el buen camino para el álbum Una Todos por David Elliot que grabó con Paul Kossoff en los años 70.
Jim Capaldi en 1975 del álbum en solitario a corto Cut Draw Blood, dos canciones fueron escritas acerca de fama Kossoff; Gaviota Boy y con un problema. Kossoff desempeñado llevar la guitarra en el segundo.
Kossoff del descontento con el final de su libre de drogas y adicciones contribuido a una drástica disminución en el guitarrista de la salud. En un vuelo procedente de Los Angeles a Nueva York el 19 de marzo de 1976, Paul Kossoff murió a causa de las drogas relacionadas con problemas de corazón. Fue 25. Fue incinerado y enterrados en el Golders Green crematorio.
A 16-pista de carrera retrospectiva, Koss, se publicó en 1977.
Los fines del decenio de 1990 se produjo un renovado interés en Kossoff, y otra carrera retrospectivo fue puesto en libertad, 1997 de la pista 14-Blue Soul (en realidad una reedición de un doble vinilo en libertad a partir de mediados del decenio de 1980 del mismo nombre), así como los cinco discos Libre box set Canciones de ayer, y un Tratado de Libre biografía titulada Heavy Load: The Story of Free

2008-07-30T05:58:00.000-07:00

Peter Dennis Blandford Townshend (nacido el 19 de mayo de 1945 en Chiswick, Londres) es un influyente guitarrista y compositor británico de rock conocido principalmente por su trabajo con The Who.
Nacido en el seno de una familia musical (su padre Cliff era saxofonista profesional y su madre Betty cantante), Townshend demostró fascinación por la música siendo bastante joven. Fue expuesto tempranamente al rock and roll estadounidense (su madre sostiene que el veía repetidamente la película de 1956 "Rock Around the Clock") y obtuvo su primera guitarra gracias a su abuela a los 12 años, la que describió como una "Cheap Spanish thing" ("baratija española").
En 1961 Townshend ingresó en el Ealing Art College y un año más tarde, junto a su amigo de la Acton County Grammar School John Entwistle, fundó su primera banda, The Confederates, un dúo de Dixieland en el que estaban Townshend en el banjo y Entwistle en el corno francés. Pronto se unieron a The Detours, una banda de skiffle liderada por Roger Daltrey (quien en ese entonces trabajaba de soldador de hojas de metal), que, bajo el liderazgo de Townshend, se convertiría en The Who. Pronto fueron contratados por un publicista de Mod (movimiento juvenil) llamado Peter Meaden, quien les convenció de cambiar su nombre a The High Numbers (nombre que se refería a términos del movimiento). Luego de lanzar un single (Zoot Suit), comenzaron a trabajar con dos nuevos managers, Chris Stamp y Kit Lambert, lo que marcó el comienzo de The Who.
Las principales influencias de Townshend fueron Link Wray, John Lee Hooker, y Hank Marvin de The Shadows.
The High Numbers se volvió a llamar The Who. Los primeros sencillos que escribió Townshend para el grupo, incluyendo a "I Can't Explain," "Substitute," y "My Generation", unieron un sentido lírico irónico y psicológicamente astuto con música cruda e intensa, combinación que definiría a la banda. Durante los primeros días de la banda, Townshend se volvió popular por su excentricidad sobre el escenario, a veces interrumpiendo conciertos con largas introducciones de las canciones, girando su brazo derecho contra las cuerdas (conformando sus famosos "remolinos"), y a veces destruyendo sus guitarras en el escenario, golpeándolas contra los amplificadores y altavoces. Aunque la primera vez que destrozó su instrumento fue considerada un accidente, la destrucción de los instrumentos se volvió parte regular de las presentaciones de The Who. Townshend iba a relacionar estas acciones con las teorías de arte autodestructiva del pintor austríaco Gustav Metzger, a las que había sido expuesto en la escuela de arte.
The Who siguió progresando a pesar de la muerte de dos de sus miembros originales. Son considerados por muchos críticos como una de las mejores bandas en directo de fines de los años 1960 y principios de los años 1970, gracias a sus acciones en el escenario, el alto volumen y la energía de sus presentaciones.
Townshend siguió siendo el principal compositor del grupo, ya que escribió más de 100 canciones que aparecieron en los 10 álbumes de estudio de la banda. Entre sus logros más importantes se encuentra la creación de Tommy, para la que se creó el término "ópera rock", ser uno de los pioneros en el uso de feedback, y la introducción del sintetizador como instrumento de rock. Townshend siguió creando álbumes con historias que los unificaban a lo largo de su carrera, por lo que es considerado el músico más frecuentemente relacionado con el concepto de ópera rock. Townshend también demostró talento con su guitarra y fue influyente con ella, aunque el mismo afirmó en entrevistas que no entiende por qué es considerado un gran guitarrista.
Townshend ha sido un seguidor del gurú religioso Meher Baba, cuyas enseñanzas fue una importante fuente de inspiración para muchas de sus obras, incluyendo a Tommy y el proyecto no completado por The Who Lifehouse. La canción "Baba O'Riley," escrita para Lifehouse que eventualmente apareció en el álbum Who's Next, fue llamada así por Meher Baba y el compositor minimaista Terry Riley. Aunque las enseñanzas de Baba requieren abstinencia del alcohol y las drogas, Townshend ha tenido diversos problemas con el abuso de esas sustancias.
Además de su trabajo con The Who, Townshend ha estado esporádicamente activo como solista. Entre 1969 y 1971 Townshend, junto a otros seguidores de Meher Baba, grabó un trío de álbumes desconocidos dedicados a las enseñanzas del yogi's - I Am, Happy Birthday, y With Love. Como respuesta a los bootlegs de los mismos, compiló sus highlights (y "Evolution", una colaboración con Ronnie Lane), y lanzó su primer trabajo solista de importancia, Who Came First, en 1972, el cual tuvo éxito moderado y contenía demos de canciones de The Who y demostraba su habilidad con la guitarra acústica. En 1977 colaboró con Ronnie Lane (bajista de The Faces que también era devoto de Meher Baba) en un álbum llamado Rough Mix. El primer álbum verdaderamente solista de Townshend fue Empty Glass, que fue lanzado en 1980 y contenía el single top 10 "Let My Love Open the Door". A este álbum le siguió, en 1982, All the Best Cowboys Have Chinese Eyes, que incluía la popular canción "Slit Skirts". Durante el resto de los años 1980 y principios de los 90 vovlió a experimentar con el concepto de ópera rock, lanzando diversos álbumes basados en cierta historia, incluyendo White City: A Novel (1985), The Iron Man: A Musical (1989), y Psychoderelict (1993).
Townshend también tuvo la oportunidad de tocar con su héroe Hank Marvin para las sesiones Rockestra de Paul McCartney, y además de otros respetados músicos de rock como David Gilmour, John Bonham y Ronnie Lane.
Townshend ha grabado varios álbumes en directo, incluyendo uno en el que aparece un supergrupo que el conformó, llamado Deep End, que sólo tocó tres conciertos y una sesión para el programa de televisión "The Tube", para recaudar dinero para una caridad que ayudaba a los drogadictos. En 1984 Townshend publicó una antología de cuentos titulada "Horse's Neck". También confirmó que está escribiendo una autobiografía. En 1993 escribió y dirigió, junto a Des MacAnuff, una adaptación para Broadway del álbum Tommy, al igual que un musical menos exitoso basado en su álbum solista The Iron Man, basado en el libreo de Ted Hughes (MacAnuff y Townshend iban a co-producir más tarde la película animada The Iron Giant, basada en la misma historia de Hughes).
Desde mediados de los años 1980 hasta la actualidad, Townshend ha participado en una serie de giras de reunión y despedida con los miembros sobrevivientes de The Who.
Townshend sufre de sordera parcial y tinnitus como resultado de su exposición extensiva a música a alto volumen a través de auriculares y en conciertos, incluyendo uno notable en la década de 1970 en el que el volumen llegó a los 120 decibelios a 40 metros del escenario. Parte de su condición es a veces atribuida a una infame presentación de The Who de 1967 en el programa Smothers Brothers Comedy Hour, en la que Keith Moon colocó una gran cantidad de explosivos dentro de su batería y los detonó cuando Townshend estaba parado frente a ella. En 1989, Townshend aportó los fondos iniciales que permitieron la creación de la organización sin fines de lucro H.E.A.R. (Hearing Education and Awareness for Rockers).
Townshend conoció a Karen Astley, hija del compositor Ted Astley, en la escuela de arte y se casó con ella en 1968. La pareja se separó en 1994 pero aún no se ha divorciado. Tienen tres hijos, Emma (nacida en 1969), quien también es cantautora, Aminta (nacida en 1971), y Joseph (nacido en 1989). Por muchos años Townshend evitó emitir comentarios sobre los rumores acerca de su supuesta bisexualidad. Finalmente, en una entrevista de 2002 [1] con la revista Rolling Stone, explicó que, aunque experimentó brevemente con relaciones homosexuales en los años 1960, es heterosexual. Townshend actualmente vive con la música Rachel Fuller, a quien conoce desde hace varios años. Actualmente vive en Richmond, Inglaterra.
En el año 2003 Townshend recibió una "police caution" (alternativa a la prosecución de la policía británica) - dándole antecedentes penales - tras realizar un pago para acceder a un sitio de pornografía infantil en 1999. En su sitio oficial afirmó que estaba realizando una investigación para "A Different Bomb", un libro que nunca se terminó basado en un ensayo que publicó en su sitio. Townshend ha dicho que su autobiografía va a incluir la historia de como el mismo fue abusado sexualmente cuando era chico, un tema que apareció en Tommy. En febrero de 2006 se anunció una gira mundial de The Who para promover el primer álbum del grupo desde 1982.
A pesar de ser más conocido por su música, Pete Townshend ha estido involucrado extensivamente en el mundo literario por más de 3 décadas, escribiendo artículos para diarios y revistas, revisiones de libros, ensayos y disertaciones, libros y guiones.
Uno de sus primeros escritos salió en agosto de 1970 con las primeras nueve ediciones de "The Pete Townshend Page", una columna mensual que escribió para el diario de música británico Melody Maker. En la columna Townshend mostraba sus puntos de vista sobre diversos asuntos, como los medios, el estado de los lugares de conciertos de Estados Unidos y sistemas de dirección pública, mientras que mostraba el estado mental de Townshend durante la evolución de su proyecto Lifehouse.
Townshend también escribió tres ensayos largos para la revista Rolling Stone: el primero apareció en noviembre de 1970 y se llamó "In Love With Meher Baba", ya que hablaba sobre sus ideas espirituales. "Meaty, Beaty, Big and Bouncy," que hablaba detalladamente del compilado de The Who del mismo nombre, salió en diciembre de 1971, y en noviembre de 1977 salió un artículo llamado "The Punk Meets the Godmother,"
También en 1977, Townshend fundó Eel Pie Publishing, que se especializaba en títulos para niños, libros de música y publicaciones relacionadas con Meher Baba. Una librería llamada Magic Bus (como la canción popular de The Who del mismo nombre) fue abierta en Londres. The Story of Tommy, un libro escrito por Townshend y su compañero de la escuela de arte Richard Barnes sobre la creación de la ópera rock de Townshend de 1969 y su película de 1975 (dirigida por Ken Russell), fue publicada por Eel Pie en ese año.
En julio de 1983, Townshend obtuvo un trabajo como editor de adquisiciones para la editorial de Londres Faber and Faber. Sus proyectos más notables incluyeron editar la autobiografía del líder de The Animals Eric Burdon, "Crosstown Traffic" de Charles Shaar Murray (que fue premiado), y More Dark Than Shark de Brian Eno y Russell Mills, y trabajar con el Príncipe Carlos en un volumen de sus collection completa de discursos. Pete comisionó Like Punk Never Happened de Dave Rimmer, y fue editor de Steven Berkoff.
Dos años después de comenzar a trabajar en Faber and Faber, Townshend decidió publicar su propio libro. Horse’s Neck, publicado en mayo de 1985, fue una colección de pequeños relatos que escribió entre 1979 y 1984, sobre temas como la niñez, el estrellato y la espiritualidad. Gracias a su trabajo, Townshend se hizo amigo del ganador del premio Nobel y autor de Lord of the Flies, Sir William Golding, y del poeta premiado Ted Hughes (su amistad con Hughes lo llevó a interpretar musicalmente su historia The Iron Man, seis años más tarde).
Townshend escribió diversos guiones a lo largo de su carrera, incluyendo varios borradores de su proyecto Lifehouse, el último de los cuales (co-escrito con el dramaturgo de radio Jeff Young), fue publicado en 1999. En 1978, Townshend escribió el guión de "Fish Shop", una obra comisionada pero no completada por London Weekend Television, y a mediados de 1984 escribió el de White City, que llevó a un film corto.
En 1989, Townshend comenzó a trabajar en una novela titulada Ray High & The Glass Household, cuyo borrador fue más tarde enviado a su editor. Mientras la novela original sigue sin ser publicada, elementos de la historia fueron usados en el álbum solista de Townshend de 1993, Psychoderelict.
En 1993, Townshend escribió otro libro, "The Who’s Tommy", una crónica del desarrollo de la galardonada versión de Broadway de su ópera rock.
La creación de su sitio oficial, www.petetownshend.com, y su sitio comercial, www.eelpie.com, ambos en 2000, le dieron otro lugar para sus obras literarias. Algunos de sus ensayos fueron publicados online, incluyendo "Meher Baba – The Silent Master: My Own Silence" en 2001, y al año siguiente, "A Different Bomb," una crítica de la industria ponográfica infantil..
Su contribución literaria más reciente es The Boy Who Heard Music, una novela semi-autobiográfica llamada "The Boy Who Heard Music" publicada en forma de serie en su blog desde septiembre de 2005. La última parte fue publicada el 25 de febrero y se anunció que sería seguida por algún tipo de continuación musical.
Townshend firmó un acuerdo con Little, Brown publishing en 1997 para escribir su autobiografía, que supuestamente se llamaría "Pete Townshend: Who He?" y aún está incompleta. Larry David Smith habló sobre sus conceptos y caprichos creativos en su libro "The Minstrel's Dilemma" (Praeger 1999).
En los primeros días de The Who, Townshend tocaba guitarras eléctricas semi-huecas de 6 y 12 cuerdas Rickenbacker semi-hollow electric guitars primarily (particularmente el modelo Rose-Morris). Sin embargo, a medida que la destrucción de instrumentos se volvía algo común en las presentaciones del grupo, comenzó a usar guitarras más resistentes y baratas, como las Fender Stratocaster, Fender Telecaster, y varios modelos Danelectro. A fines de los años 1960 comenzó a usar los modelos "Special" de Gibson SG, como en los festivales de Woodstock y la Isla de Wight. La compañía cambió el diseño de ese modelo en 1972, por lo que Townshend comenzó a utilizar Gibson Les Paul Deluxes, a pesar de que por un tiempo fue buscando SGs antiguas por diferentes tiendas.
Durante los años 1980, Townshend usó principalmente Rickenbackers y modelos similares a los de Telecaster diseñados para el por Schecter y varios otros luthiers. Desde entonces ha usado la Fender Eric Clapton Signature Stratocaster.
Townshend también uso otras guitarras, incluyedo varios otros modelos de Gretsch, Gibson, y Fender. También usó guitarras acústicas de Guild, Takamine y Gibson J-200.
Hay varios modelos de guitarras de Pete Townshend de Gibson, como la Pete Townshend SG, Pete Townshend J-200, y tres Pete Townshend Les Paul Deluxes diferentes. La SG era claramente marcada como un modelo de edición limitada de Pete Townshend e incluía una caja especial y un certificado de autenticidad firmado por Pete. También ha habido una guitarra de Pete Townshend de edición limitada de Rickenbacker.
Desde principios de 1966 Townshend se convirtió en el portavoz de la banda, cuando fue entrevistado sin el resto de la banda para la serie de la BBC A Whole Scene Going admitiendo que la banda consumía drogas. A lo largo de esa década Townshend aparecía regularmente en las páginas de las revistas de música británicas, pero fue la larga entrevista con Rolling Stone de 1968 la que selló su reputación como uno de los intelectuales y teorizadores del rock.
Townshend dio muchas entrevistas a la prensa underground, estableciendo su reputación de comentarista honesto sobre la escena del rock. A eso se le sumaron los artículos que el mismo escribió (su columna mensual de en Melody Maker, y sus tres contribuciones a la revista Rolling Stone).
Al cumplir 30 años, Townshend contó al periodista Roy Carr que sentía que The Who estaba fallando y vertió comentarios ácidos sobre su compañero Roger Daltrey y otros importantes miembros de la escena rock británica. Tras la aparición de estos comentarios en la revista NME, Townshend tuvo problemas con sus compañeros de banda y dejó de dar entrevistas durante dos años. En 1982 Townshend usó a los medios para hablar sobre su adicción a la cocaína y la heroína. Muchos periodistas, con la revolución punk, comenzaron a rechazar a los viejos artistas de rock. Townshend atacó a dos de ellos, Julie Birchill y Tony Parsons, en la canción "Jools And Jim" de su álbum Empty Glass, después de que hicieran comentarios despectivos sobre el ya fallecido Keith Moon. Otros periodistas criticaron a Townshend por traicionar su idealismo de sus primeras entrevistas cuando The Who participó en una gira patrocinada por Miller Brewing en 1982.
En 1990 salió un libro de entrevistas por Timothy White llamado Rock Lives, en el que aparece una entrevista en que Townshend habla sobre el significado de su canción "Rough Boys", que daba la impresión de que era gay o bisexual, y los tabloides ingleses expandieron ese rumor por todo el mundo. Townshend no habló sobre esto por respeto a sus amigos gays, hasta una entrevista de 1994 con la revista Playboy.
Townshend no mostró predilección por las creencias religiosas en los primeros años de The Who y muy pocos podrían haber sospechado que el violento "machacador" de guitarras fuera un monaguillo. Sin embargo, hacia enero de 1968 Townshend empezó a explorar ideas espirituales. En enero de 1968, The Who grabaron su canción "Faith in Something Bigger" (Odds and Sods LP) (la traducción del título al castellano sería "Fe en algo mayor"). Más tarde durante el mismo mes durante un tour en Australia y Nueva Zelanda, Ronnie Lane, miembro de The Small Faces, le presentó a Townshend los escritos del Indio "perfecto maestro" Meher Baba.
Townshend había leido todos los escritos que pudo encontrar de Meher Baba, y para Abril de 1968, se anunció como seguidor de la disciplina de Baba. Fue en ese entonces que Townshend, quien estaba buscando por años una base para una opera de rock, creó una historia inspirada por las enseñanzas de Baba y otros espiritualiztas indios que al final se convertiría en Tommy.

2008-07-30T05:55:00.000-07:00

John McLaughlin (nacido el 4 de enero de 1942), también Mahavishnu John McLaughlin, es un guitarrista de jazz extremadamente habilidoso nacido en Yorkshire, Inglaterra. Ganó fama con el grupo de Miles Davis a finales de la década de 1960, junto a otros interpretes como Chick Corea y Tony Williams, y posteriormente con Mahavishnu Orchestra.
Se trasladó a los Estados Unidos en 1969 para unirse al grupo de Tony Williams, Lifetime. Posteriormente tocó con Miles Davis en sus discos In A Silent Way, Bitches Brew, y A Tribute to Jack Johnson.
A principios de los 80 se unió al guitarrista flamenco Paco de Lucía y Al Di Meola formando el Guitar Trio. El Trio se reunió nuevamente en 1996 para una segunda sesión de grabación y una gira mundial.

2008-07-26T06:10:00.000-07:00

Anthony Joseph Perry (Joe Perry), es un guitarrista de Hard Rock, popular por pertenecer a la banda Aerosmith.
Perry nació el 10 de septiembre de 1950 en Lawrence, Massachusetts. Es hijo de padres inmigrantes italoportugueses. Al llegar a Estados Unidos de América su abuelo cambió el apellido de Pereira a Perry. Perry y su hermana menor Ann-Marie crecieron en el pequeño pueblo de Hopedale en Massachusetts, donde su padre era contador y su madre era maestra de gimnasia en un colegio. Después, ella se retiró a Arizona cuando su esposo murió en 1975.
Comenzó tocando en bares junto a Tom Hamilton. Para pagar los gastos trabajaba en una heladería, llamada The Anchorage, donde conoció a Steven Tyler unos años después.
Al ingresar en Aerosmith, se hizo adicto a las drogas junto con Steven Tyler. Los demás compartían la adicción pero en menor medida. Más tarde y tras un proceso de desintoxicación pudo dejarlas.
Siendo el guitarrista principal de Aerosmith se separó del grupo por problemas con las drogas, a lo que se unió una pelea entre su esposa y la esposa del bajista de la banda, Tom Hamilton. Desde el año 1979 hasta el año 1984, y junto a su compañero Brad Whitford, formó un grupo bajo el nombre de "The Joe Perry Proyect" que tuvo escasa popularidad y éxito. A mitad de los ochenta se reencontró con sus ex compañeros de Aerosmith.
Entre sus últimos trabajos en solitario Joe publicó un álbum titulado "Joe Perry". Gracias a este trabajo fue nominado a un Grammy.
Es considerado por buena parte de la crítica como uno de los mejores guitarristas de Heavy Metal del mundo. Ha tocado con celebridades como Guns N' Roses, Poison, AC/DC,Kiss, Bob Marley, Ringo Starr, Mick Jagger, Run DMC, entre otros.

2008-07-19T11:44:00.001-07:00

T-Bone Walker nació en Linden, Texas y es descendiente Cherokee. De joven su familia se mudó a una región del sur de Dallas conocida como Oak Cliff y conoció a Blind Lemon Jefferson del quien fue lazarillo y aprendió técnicas para tocar la guitarra.
Su debut discográfico fue con el sencillo Wichita Falls Blues/Trinity River Blues para el sello Columbia en el año 1929, bajo el nombre de Oak Cliff T-Bone.
Aún no tenía su sonido tan particular hasta 1942, cuando Walker grabó Mean Old World para el sello Capitol. Sus solos de guitarra en estas grabaciones fueron el primer esbozo de lo que posteriormente, sentarán el sonido de la guitarra eléctrica en el blues.
Mucho material de Walker, grabado entre 1946 y 1948 para el sello Black & White, incluían el hoy clásico Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just As Bad) y T-Bone Shuffle. Esos temas se convertirían en clásicos y fueron interpretados por músicos de todos los géneros; artistas de blues como B.B. King y Albert Collins o rockeros como Gary Moore.
En esta etapa grabó con sesionistas de primera clase, como Teddy Buckner (trompeta), Lloyd Glenn (piano), Billy Hadnott (bajo), and Jack McVea (saxo tenor).
Después de su trabajo para Black & White, grabó entre el año 1950 y 1954 para el sello Imperial. En los próximos cinco años, Walker únicamente grabó el disco T-Bone Blues, grabado en tres sesiones en los años 1955, 1956, y 1959, y finalmente lanzado por el sello Atlantic en el año 1960.

2008-07-19T11:37:00.000-07:00

Les Paul (nacido Lester William Polsfuss el 9 de junio, 1915) es un guitarrista de jazz americano e inventor. Él es un pionero en el desarrollo del cuerpo sólido de guitarra eléctrica que "hizo el sonido del rock and roll posible." Sus numerosas innovaciones incluyen la grabación overdubbing, retraso efectos tales como "sonido en sonido" y cinta retraso, eliminación efectos y grabación multipista. En 2003, fue nombrado la 46 ª mejor guitarrista de todos los tiempos de Rolling Stone.
Él nació en Waukesha, Wisconsin a George y Evelyn Polfuss. Su nombre de nacimiento fue simplificado por su madre a Polfuss antes de que él tomó su nombre artístico de Les Paul. También utiliza el apodo de Red Hot Red.
Paul primero se interesó en la música a la edad de ocho años, cuando él comenzó a tocar la armónica. Después de un intento de aprender a tocar el banjo, comenzó a tocar la guitarra. Pero antes de que él tocaba la guitarra tocaba el piano. De 13, Pablo estaba realizando semi-profesional como un país de música guitarrista. A la edad de 17, Pablo juega con la RUBE Tronson Cowboys. Poco después, abandonan la escuela secundaria a unirse a Wolverton's Band Radio en St Louis, Missouri en KMOX. Pero su fama casi llegó a su fin cuando fue herido en un casi fatal accidente automovilístico. Tras el accidente, los médicos le dijo a Pablo que tendrían que fijar el brazo de tal manera que él no sería capaz de doblar de nuevo. Él les había puesto su brazo en un ángulo de noventa grados por lo que aún podría tocar la guitarra.
En la década de 1930, Paul trabajó en Chicago en la radio, donde se realizó la música de jazz. Paul's dos primeros registros fueron puestos en libertad en 1936. Uno de ellos fue acreditado a Ruibarbo Roja, Paul's hillbilly alter ego, y el otro era como un acompañante de artista de blues Georgia White.
Pablo estaba satisfecho con la guitarra eléctrica que se vendieron a mediados de los años 1930 y empezaron a experimentar con unos diseños de su propia cuenta. Famoso, creó "El diario", que no es más que una longitud de 4 común "por 4" valla posterior con puente, la guitarra el cuello, y la recolección adjuntan al presente informe. En aras de la apariencia, que concede el cuerpo de un hueco EPIPHONE cuerpo de guitarra, aserrar longitudinalmente con el registro en el centro. Este resolver sus dos problemas principales: información, como la acústica organismo ya no resonó con la amplificación de sonido, y sostener, como la energía de las cuerdas no se disipa en la generación de sonido a través de la guitarra cuerpo.
En 1938, Paul se mudó a Nueva York y aterrizó un destacado lugar con Fred Waring's residentes de Pennsylvania de radio. Paul se mudó a Hollywood en 1943, donde se formó un nuevo trío. Como última hora para sustituir a Oscar Moore, Paul jugado con Nat King Cole y otros artistas en la inauguración de Jazz en la Filarmónica de concierto en Los Angeles el 2 de julio de 1944. También ese año, Paul's trío apareció en Bing Crosby's radio show. Crosby llegó a patrocinar Paul's experimentos de grabación. Los dos juntos también registraron varias veces, incluyendo un número de 1945 un hit, "Ha sido un largo, largo tiempo." Además de respaldo Crosby y artistas como The Andrews Sisters, Paul's trío también registró algunos de sus álbumes propios en la etiqueta de Decca a fines del 1940.
En 1941, Paul diseñado y construido uno de los primeros sólido cuerpo guitarras eléctricas (aunque Leo Fender también creado de manera independiente su propio cuerpo sólido-guitarra eléctrica en la misma época, y Adolph Rickenbacher había comercializado un sólido cuerpo de guitarra en los años 30). Este prototipo de guitarra que se conoce como "el registro" porque el núcleo sólido de pino es un bloque cuya anchura y profundidad son un poco más que el ancho de la Fretboard. [3] Gibson Guitar Corporation diseñó una guitarra Paul incorporar las sugerencias en los primeros años cincuenta, y lo presentó a él para probarlo. Él estaba impresionado lo suficiente como para firmar un contrato para lo que se convirtió en la "Les Paul" modelo (inicialmente sólo en un "top oro" versión), y de acuerdo nunca para ser visto jugar en público, o ser fotografiados con, cualquier cosa que no sea una guitarra Gibson . Que persistió hasta 1961, cuando Gibson cambiado el diseño de Paul, sin el conocimiento. Dijo que primero vio la "nueva" Gibson Les Paul en una tienda de música en la ventana, y le disgustaba. Aunque su contrato le exige a plantear con la guitarra, dijo que no era "su" instrumento, y pidió a Gibson a eliminar su nombre de la cabezal. Gibson cambió su nombre por el de la guitarra "SG", y también se convirtió en uno de la compañía éxitos de ventas. Se ha dicho que Les había terminado su contrato con el respaldo Gibson porque estaba pasando por un divorcio, y no quería a su esposa para obtener todas las de su aprobación dinero. Más tarde, Paul reanudó su relación con Gibson, y hace suyo el instrumento aún hoy (aunque su personal Gibson Les Pauls son mucho modificados por él mismo - Pablo siempre usa su propia herida en sus pickups guitarras). Hasta el día de hoy, la Gibson Les Paul guitarra se utiliza en todo el mundo, tanto por novatos y profesionales por guitarristas. También fue diseñado el EPIPHONE Les Paul, con el mismo aspecto exterior, y mucho más barato.
En 1947, Capitol Records dio a conocer una grabación que había comenzado como un experimento en el garaje de Pablo, titulado "Lover (cuando hayamos Cerca de mí)", que presentó Paul jugar ocho diferentes partes en guitarra eléctrica, algunos de ellos registrado a media velocidad , Por lo tanto, "doble de rápido" cuando se reproduce a velocidad normal para el maestro. ( "Brasil", de manera similar registrada, fue el B-side). Esta fue la primera vez que el rastreo multi-ha sido utilizado en una grabación. Estas grabaciones fueron hechas no con cinta magnética, pero con los discos de cera. Paul podría grabar una pista en un disco, entonces sí mismo registro jugando otra parte con la primera. Él construyó el multi-pista de grabación superpuestos con pistas, en lugar de paralelo queridos como lo hizo más tarde. No hay ningún registro de cómo unos "toma" se necesitan antes de que él estaba satisfecho con una capa y se trasladó al siguiente.
Paul incluso construyó su propia cera-cortador de montaje, basado en piezas de automóviles. Estaba a favor de la volante de un Cadillac para su peso y planitud. Incluso en estos primeros días, él utilizó la cera de configuración de disco para grabar partes a diferentes velocidades y con retraso, por lo que su sonido con la firma y se hace eco de birdsong-como riffs de guitarra. Cuando más tarde comenzó a utilizar la cinta magnética, el cambio más importante era que él podría tener su equipo de grabación de gira con él, incluso haciendo episodios de sus 15 minutos de radio en su habitación de hotel.
En enero de 1948, Pablo fue herido en un casi fatal accidente automovilístico en Oklahoma, que destrozado su brazo derecho y el codo. Los médicos le dijo a Pablo que no había manera de reconstruir su codo de manera que le permitió recuperar el movimiento, y que su brazo se mantendría en cualquiera que sea la posición que le colocaron en forma permanente. Paul entonces instrucciones a los cirujanos para establecer su brazo en un ángulo que le permitiría recoger la cuna y la guitarra. Le tomó un año y medio para recuperarse.
A principios del decenio de 1950, Paul hizo una serie de revolucionarios grabaciones con su esposa, Mary Ford, que cantaba. Estos registros fueron para su único uso intensivo de overdubbing, lo que hizo por la grabación en disco y rebote de un disco al otro. La pareja de hits incluyen "¿A qué altura la Luna", "Bye Bye Blues", "El Mundo está a la espera de la Salida del sol" y "Vaya con Dios". Estas canciones que figuran María armonizar con ella misma, dando la voz de una muy buena novela.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Jack Mullin interpuso el alemán Magnetophon (grabadora) de nuevo a los EE.UU. en piezas, montarlo y presentado por primera vez a Bing Crosby, que lo utilizó para su programa de radio a finales de 1940. La empresa Ampex, con el respaldo Crosby, se creó el Ampex Modelo 200, la primera producida comercialmente-reel-to-reel grabadora de audio. Bing Crosby dio Les Paul lo es sólo el segundo modelo 200 que se vayan a producir de inmediato y Les vio su potencial, tanto para efectos especiales, como eco y flanger, así como su idoneidad para grabación multipista, para lo cual se considera el padre. El uso de esta máquina, Paul desarrolló su cinta multipista sistema mediante la adición de un nuevo jefe de grabación y circuitos extra, lo que permite múltiples pistas que se registren por separado y asincrónicamente en la misma cinta. Paul's invención fue rápidamente desarrollada por Ampex en producidos comercialmente en dos niveles y tres grabadoras de pista, y estas máquinas eran la columna vertebral del estudio de grabación profesional, la radio y la televisión la industria en la década de 1950 y comienzos de 1960.
En 1954, Paul continuado desarrollando esta tecnología por encargo Ampex a construir los primeros ocho pista grabadora, a su costa. La máquina tardó tres años para obtener funciona correctamente, y Pablo dice que por el momento en que fue funcional su música estaba fuera de favor y por lo que nunca tuvo un éxito récord de usarlo. Su diseño, más tarde conocido como "Sel-Sync," (Sincronización selectiva) en el que un especialmente modificados cabeza de grabación podría registrar una nueva pista o reproducir una previamente registrada, fue el núcleo de la tecnología multi-pista para la grabación próximos treinta años.
Al igual que Crosby, Paul Ford y también se utiliza el ahora omnipresente técnica de grabación conocida como miking estrecha, donde el micrófono es de menos de seis pulgadas desde la boca del cantante. Se obtiene así una más íntima, menos reverberante sonido que se escucha cuando un cantante es un pie o más desde el micrófono. Se hace hincapié en baja frecuencia suena en la voz debido a que el micrófono del efecto de proximidad y pueden dar un más relajado se siente, porque el artista no está trabajando tan duro. El resultado es un estilo de canto que diferían considerablemente de un teatro-amplificado al estilo de cante, como podría ser escuchado en comedias musicales de los años 1930 y'40.
Paul ha acogido a 15 minutos programa de radio, La Les Paul Show, en NBC en 1950, con su trío (a sí mismo, Ford, y el ritmo jugador Eddie Stapleton) y su electrónica, registrada desde su casa y con suave humor entre Ford y Paul puente selecciones musicales, algunos de los cuales ya habían sido un éxito en los registros, algunos de los cuales prevé la pareja grabaciones, y muchos de los cuales presentó deslumbrante volver a la interpretación de este tipo de jazz y pop selecciones como "En el estado de ánimo", "Little Rock Getaway", "Brasil" y "Tiger Rag". Varias de estas grabaciones muestra sobrevivir entre los antiguos en tiempo de radio coleccionistas hoy en día.
Durante su radio, Pablo presenta el legendario "Les Paulverizer" dispositivo, lo que multiplica nada alimentado en ello, como un sonido de guitarra o una voz. Esto incluso se convirtió en el tema de la comedia, con Ford multiplicando ella y su aspiradora con ella para poder terminar las tareas domésticas con mayor rapidez. Más tarde, Paul hizo el mito real para su montaje, utilizando los equipos que oculta lo largo de los años se ha vuelto más pequeño y más visible. Actualmente se utiliza una pequeña caja junto con su guitarra; no se sabe cuánto del producto se mantiene fuera de fase. Él normalmente establece una pista tras otra en el escenario, en la sincronización y, a continuación, juega más la repetición de las formas que ha registrado. Con el sonido digital más nueva tecnología, ese efecto está disponible comercialmente. Hasta el día de hoy, nadie sabe exactamente cómo las obras Les Paulverizer.
A finales del decenio de 1960, Pablo fue en semifinales de la jubilación, aunque lo hizo volver al estudio de vez en cuando. Él y Mary Ford (nacido Iris Colleen Summers) había divorciado en diciembre de 1964, cuando ella ya no podía tolerar el estilo de vida itinerante de su actuar requiere de ellos. Paul's más reconocible grabaciones a partir de entonces a través de mediados del decenio de 1970 fueron un álbum de Londres Records, Les Paul Ahora (1967), en el que actualiza algunas de sus anteriores éxitos, y, con el respaldo de algunos de Nashville's celebra músicos de estudio, una combinación de jazz país y la improvisación con la guitarra virtuosa compañeros de Chet Atkins, Chester y Lester (1977), para el sello RCA Victor.
En 1978, Les Paul y Mary Ford fueron encauzados hacia el Grammy Hall of Fame. Recibió un Premio Grammy Síndicos de los logros de su vida en 1983. En 1988, Paul fue inducida en el Salón de la Fama del Rock de Jeff Beck, que dice, "He copiado más lame de Les Paul que me gustaría admitir." Les Paul fue inducida en el Salón Nacional de Inventores de la Fama en mayo de 2005 para su desarrollo del cuerpo sólido-guitarra eléctrica. En 2006, Paul fue inducida en los Organismos Nacionales de Radiodifusión Salón de la Fama. Fue nombrado miembro honorario de la Audio Engineering Society.
A fines del decenio de 1980, Paul ha devuelto a activo semanal en vivo en la ciudad de Nueva York. En 2006, a la edad de 90, Les Paul ganado dos Grammy en la 48 ª Anual de Premios Grammy por su álbum Les Paul & Friends: American Made Jugado Mundo. Asimismo, realiza todos los lunes por la noche, acompañado al piano por John Colianni, en el Iridium Jazz Club, en Broadway en la ciudad de Nueva York, a pesar de la artritis que ha stilled todos menos dos de los dedos en su mano izquierda .
A biográficos, largometraje documental, titulado Chasing Sonido: Les Paul a 90, hizo su estreno mundial el 9 de mayo de 2007 en el Teatro Downer en Milwaukee, Wisconsin. Paul apareció en el evento y se refirió brevemente a la entusiasta multitud. La película está siendo distribuida por Koch Entertainment y fue transmitido por PBS el 11 de julio de 2007, como parte de su serie American Masters.
En junio de 2008, una exposición que muestra su legado y con los temas de su colección personal en abierto Discovery Mundo en Milwaukee. Paul desempeñado un concierto en Milwaukee para que coincidiera con la inauguración de la exposición.

2008-07-19T11:21:00.000-07:00

Frank Vincent Zappa, conocido como Frank Zappa (Baltimore, 21 de diciembre de 1940 -Los Ángeles, 4 de diciembre de 1993) fue un compositor de música sinfónica y de cámara, músico de rock, cantante, guitarrista, y artista satírico estadounidense.
De ascendencia greco-árabe y francesa, fue el mayor de cuatro hijos. A causa del asma que Frank sufría, su familia se mudó en enero de 1951 a Monterey, California, unos 150 kilómetros al sur de San Francisco. Antes de volver a California (San Diego) a principios de los años 50, vivieron un tiempo en Pomona y en El Cajón. En 1955 la familia se reestableció en Lancaster, pequeña ciudad en el valle Antelope, en el desierto Mojave, unos kilómetros al norte de Los Ángeles. A los 15 años, Frank había pasado por seis escuelas diferentes, lo que quizá contribuyó al sentido de alienación que lo embargaría en su edad adulta.
Su padre, que había nacido en Sicilia, era químico y trabajaba cerca de la base Edwards de la Fuerza Aérea estadounidense, lugar dedicado en aquella época a la investigación en el campo de las armas químicas. Dada esa proximidad, tenía en su casa máscaras de gas, en caso de que hubiera algún accidente y es seguro que esto afectó enormemente al joven Frank: en su obra se encuentran varias referencias a gérmenes, guerra bacteriológica y otros aspectos de la industria militar secreta.
La situación de Lancaster permitió a Frank acceder a la estimulante influencia de los sonidos (musicales y publicitarios) de las radios de Los Ángeles y zonas aledañas, y sus padres le compraron un tocadiscos, discos, un televisor e instrumentos musicales. La televisión fue asimismo otra gran influencia: en casi todas sus obras hay referencias a ella, a sus programas, sus anuncios publicitarios y sus jingles.
Su obra cubrió una larga variedad de estilos musicales (principalmente, avant-garde, rock psicodélico, jazz fusión, y clásico contemporáneo) y se destacó en su mezcla de academia, ópera rock, absurdo, humor escatológico y satírico.
Creó y lideró una gran banda musical The Mothers Of Invention, posteriormente llamados sólo "Mothers", por la que pasaron los mejores exponentes del rock y el jazz de su generación, un exquisito grupo de músicos entre los que destacan Jean Luc Ponty, George Duke, Warren Cuccurullo y otros.
Frank Zappa murió el 4 de diciembre de 1993, a la edad de 52 años, de cáncer de próstata. Fue inhumado en una tumba sin identificación en el Westwood Village Memorial Park Cemetery, en Westwood, California.
Frank Zappa , con el ensemble modernPese a que su obra sinfónica fue alabada por la crítica, nunca obtuvo un reconocimiento de crítica masivo. En cambio su música Pop, a pesar de no ser masiva, le permitió llegar a ser un millonario, por su lucha por controlar las ediciones de sus obras, convirtiéndose en empresa de publicación. No buscó ser admitido por el mundo del rock, ni del jazz, a lo largo de su carrera (lo cual puede comprobarse en sus declaraciones acerca del Mainstream, la corriente principal de la industria musical).
En 1983 anticipaba la descarga de música mediante medios electrónicos, proponiendo un hipotético sistema para reemplazar los discos, "A proposal for a system to replace ordinary record merchandising".
Desde el comienzo su obra fue siempre vista desde la composición clásica, teniendo como referente a Igor Stravinsky y al músico que consideraba su maestro Edgar Varese.
De este modo, paralelamente a su actividad Pop, continuaba componiendo obras para percusión, orquesta y cámara, a las que usualmente hacía interpretar a sus bandas de rock o jazz, dentro del repertorio en vivo.
Por medio de orquestas contratadas (LSO) estrenó piezas para gran orquesta, y el Ensemble Interconterporain interpretó una obra suya, dirigida por Pierre Boulez en 1984.
Antes de morir, pudo asistir al estreno mundial de varias obras para conjunto de cámara y ensemble en 1992, por medio de la interpretación del Ensemble Modern.

2008-07-19T11:19:00.000-07:00

Winfield Scott "Scotty" Moore III (nacido el 27 de diciembre de 1931 cerca de Gadsden, Tennessee) es un legendario guitarrista de América y miembro del Rock and Roll Hall of Fame. Él es mejor conocido por su respaldo de Elvis Presley en la primera parte de su carrera, entre 1954 y el comienzo de Elvis' Hollywood años.
Scotty Moore aprendido a tocar la guitarra de su familia y amigos a ocho años de edad. Aunque menores, cuando se alistó, Moore sirvió en la Marina de los Estados Unidos entre 1948 y 1952.
Moore's principios de fondo fue en el jazz y la música country. Un ventilador de guitarrista Chet Atkins, Moore dirigió un grupo llamado los "StarLite Wranglers" antes de Sam Phillips en Sun Records lo puso junto con el entonces adolescente Elvis Presley. Phillips cree que Moore a la cabeza la guitarra y el bajista Bill doble Negro era todo lo que se necesita para aumentar Presley la guitarra rítmica y voz de plomo en sus grabaciones. En 1954 Moore y Negro acompañado de Elvis en lo que iba a ser el primer Presley legendario éxito, el Sun Studios período de sesiones de la corte "eso es todo derecho (Mama)", una grabación considerada como un acontecimiento seminal en el rock and roll historia. Elvis, Negro y Scotty Moore formó entonces el "Blue Moon Boys". Se les unió posteriormente el baterista D.J. Fontana. A partir de julio de 1954, el "Blue Moon Boys" y se registrará una gira por toda la América del Sur y Presley como la popularidad de rosa, que recorrió los Estados Unidos e hizo varias apariciones en televisión Presley y muestra las imágenes en movimiento.
Moore desempeñado en muchos de Presley más famosas grabaciones incluyendo "Good Rockin 'Tonight", "Baby Let's Play House", "Heartbreak Hotel", "Mystery Train", "Hound Dog", "Too Much" y "Jailhouse Rock", con el respaldo del grupo Los Jordanaires.
Scotty Moore se le acredita como el pionero del rock 'n' roll conducir guitarrista. Los más populares guitarristas citar Moore como el artista que llevó la iniciativa guitarrista a un papel dominante en un rock 'n' roll band. A pesar de que algunos llevan guitarristas / vocalistas han ganado popularidad, tales como Chuck Berry y la leyenda del blues BB King, Presley rara vez se jugó su propio plomo en el desempeño, por lo general proporciona ritmo y dejando la iniciativa a los derechos Moore. Moore fue una notable presencia en las actuaciones Presley, en sentido estricto como guitarrista. Como resultado, se convirtió en una inspiración para muchos guitarristas populares posteriores, uno de los más vocales de estos objetivos es Keith Richards de los Rolling Stones. Moore, al ser bastante introvertido en el escenario, realizada esta casi exclusivamente a través de su interpretación o ejecución y la interpretación de la música.
En el decenio de 1960, Moore publicó un álbum en solitario llamado La guitarra que cambió el Mundo. Actuó en el especial de televisión NBC conocida como la del 68 le llegará Especial.
Si bien con Presley, Moore inicialmente desempeñado un Gibson ES-295 , antes de cambiar a una Gibson L5 y, posteriormente, una Gibson Super 400.
Por su contribución pionera, Moore ha sido reconocido por el Rockabilly Hall of Fame. En 2000, fue también inducida en el Salón de la Fama del Rock.

2008-07-19T11:06:00.000-07:00

Earl Edward "Eddie" Hazel (10 de abril, 1950 - 23 de diciembre de 1992) fue un pionero e influyente guitarrista a principios de la música funk en los Estados Unidos, más famoso por llevar su guitarra trabajar con George Clinton y Funkadelic.
Nacido en Brooklyn, Nueva York, en 1950, Hazel creció en Plainfield, Nueva Jersey, porque su madre, Grace Cook, quería a su hijo a crecer en un entorno sin las presiones de las drogas y la delincuencia que se sentía invadido la ciudad de Nueva York. Hazel ocupados a sí mismo desde una temprana edad jugando una guitarra, que le dio como regalo de Navidad de su hermano mayor. Hazel también cantó en la iglesia. A los 12 años, Hazel se reunió Billy "Bass" Nelson, y la pareja se convirtió rápidamente en amigos cercanos, cantando y tocando la guitarra, antes de añadir Harvey McGee, un baterista, a la mezcla.
En 1967, a los Parlamentos, un Plainfield basado en doo wop banda encabezada por George Clinton, tuvo un éxito disco con "I Want a declarar". Clinton contrató a un banda de respaldo para una gira, la contratación Billy "Bass" Nelson. Hazel fue en Newark, Nueva Jersey que trabajan con George Blackwell y no se pudo llegar. Nelson Después de regresar de la gira, trató de reclutar Hazel. Su madre en primera vetó la idea desde Hazel fue sólo diecisiete, pero Clinton y Nelson trabajado juntos para cambiar su mente.
A finales de 1967, a los Parlamentos fue de gira con Nelson y Hazel. En Filadelfia, Pennsylvania, Hazel se reunió y entabló amistad Tiki Fulwood, que rápidamente sustituido Los parlamentos' baterista. Nelson, Hazel y Fulwood se convirtió en la espina dorsal de Funkadelic, que fue originalmente la copia de seguridad de banda para los parlamentos, sólo para más tarde convertirse en un grupo independiente de turismo dificultades jurídicas cuando obligó al grupo a (temporalmente) abandonar el nombre de "parlamentos"
El doo wop de los parlamentos rápidamente comenzó a desarrollar en el alma de las inflexiones de roca dura de Funkadelic, influenciado tanto por Jimi Hendrix como Frankie Lymon. El cambio a Funkadelic se completa con la adición de Tawl Ross y Bernie Worrell (guitarra rítmica y teclados, respectivamente). Funkadelic (1970), Free Your Mind ... Y Tu Culo seguirá (1970) y Maggot Brain (1971) fueron los primeros tres álbumes, dado a conocer en apenas dos años.
Maggot Brain es tal vez la definitiva declaración musical de Funkadelic, y el título de la canción, "Maggot Brain", contiene una de diez minutos solo de guitarra que se Hazel del momento y una pieza de música que él ha mantenido una leyenda - en 2008, Rolling Stone esta cita como número 60 en su lista de 100 mayores "guitarra canciones" de todos los tiempos. Quizás apocryphally, Hazel dijo Clinton durante la sesión de grabación para "jugar como su momma sólo muerto" y el resultado fue la épica sonidos Hazel de la guitarra. El término, "Maggot Brain", se refiere tanto a Hazel increíble consumo de diversas drogas, así como un modo de pensamiento que le permite a uno por encima de las "bullshit" del mundo, que está habitada de gusanos que no han alcanzado aún el estado de Maggot Brain (véase la mitología P Funk).
Hazel no es el único miembro de Funkadelic a tener problemas de la droga. Ross dejó el grupo a causa de un mal viaje de LSD o de una sobredosis de anfetaminas. Fulwood también se utiliza la droga con Hazel, líder Clinton a suspender sus sueldos para que no gastar el dinero en su totalidad las drogas. Como resultado de ello, América Come Su joven (1972) presentó sólo marginal de entrada de Hazel. En lugar de ello, Hazel comenzó a trabajar con las tentaciones, que aparecen en 1990 (1973) y A Song for You (1975).
En 1974, Hazel fue acusado de agredir a una azafata de líneas aéreas, junto con un cargo posesión de drogas. Mientras estaba en la cárcel, añadió Clinton Michael Hampton a Funkadelic. Hampton fue Hazel sustitución del plomo como guitarrista, contratados sobre el terreno después de que audiciona con una nota por nota versión de "Maggot Brain". Hampton fue diecisiete años, la misma edad Hazel había sido cuando se unió a los Parlamentos.
Hazel domina la guitarra permanente a las puertas de conseguir en (1974), que había sido registrada antes de su detención. Hazel co-escribió todos los de ese álbum las canciones, y en seis de esas canciones el cantar de crédito fue en el nombre de Grace Cook, la madre de Hazel. (Se trataba de una táctica de Hazel contractuales para evitar dificultades con los derechos de publicación. El "G. Cook" de crédito al parecer unas cuantas veces más tarde en Funkadelic álbumes.) Hazel Cuando regresó a Funkadelic, su guitarra de juego rara vez se presentó. Durante los años siguientes, Hazel con la presencia de Funkadelic se convirtió en imprevisible. Una canción que figuran a la cabeza Hazel guitarra es "COMIN 'Ronda de la Montaña" en Hardcore Jollies (1976). Fue completamente ausente de una nación bajo un Groove (1978), Funkadelic más comercialmente exitoso álbum. En la P-Funk All Stars "Live At The Beverly Theater (registrada en 1983, publicado en 1990), Hazel es upstaged durante" Maggot Brain "- su firma canción - de guitarristas Hampton y Dewayne" Blackbyrd "McKnight.
En 1977, Hazel registró un "solo" álbum, Game, Dames y Guitar Thangs, con el apoyo de otros miembros del Parlamento-Funkadelic, incluyendo voces de las novias de Funkenstein.
El 23 de diciembre de 1992, Hazel murió a causa de hemorragias internas y fallo hepático, tras una larga lucha con problemas de estómago. "Maggot Brain" se jugó en su funeral.
Tres colecciones de grabaciones inéditas han sido puestos en libertad póstumo: 1994 La canción de cuatro PE de atascos del corazón (que Rhino Records añadida posteriormente como material extra a su rerelease de juego, Dames y Guitar Thangs), 2000 Resto del P en 2006 y de Eddie Hazel A Inicio.
Otras grabaciones de Hazel han aparecido en álbumes de otros músicos. Varios álbumes producido por Bill Laswell, incluidos Axiom Funk: Funkcronomicon (1995), han destacado la guitarra de Hazel. Bootsy Collins también ha incorporado las grabaciones de Hazel a algunos de sus últimos comunicados, por ejemplo, "Good Night Eddie" en "Blasters del Universo."
Hazel ha participado en una serie de listas de los más grandes guitarristas de todos los tiempos. Él fue de 43 en la lista de la revista Rolling Stone's 100 Greatest Guitarristas de todos los tiempos y se clasificó a 88 en una lista similar de UnCut Magazine.
Eddie Hazel veces recibió el crédito por contribuciones como Grace Cook, su nombre de la madre. Ween La banda grabó un homenaje que se le llamó "una lágrima para Eddie" en su álbum de chocolate y queso, imitando su estilo único solos. Hay una imagen de Hazel en la parte posterior de Primal Scream del álbum dar Pero no se dé por vencido.

2008-07-05T11:58:00.000-07:00

James Marshall Hendrix (Seattle, Washington, 27 de noviembre de 1942 - Londres, 18 de septiembre de 1970) fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense. Es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia de la música, además de ser uno de los mayores innovadores en el ámbito de la guitarra eléctrica: durante su carrera artística, tan breve como intensa, fue el precursor de muchas estructuras y del sonido de aquellas que serían las futuras evoluciones del rock (como por ejemplo el hard rock), creando una fusión inédita de blues, rhythm and blues, rock and roll y funky.

Su exhibición durante el cierre del festival de Woodstock en 1969 se transformó en un verdadero y propio símbolo: la imágen del guitarrista que con una irónica y desafiante visión del arte, toca el himno nacional estadounidense con una distorsión visiblemente provocatoria. Ésta entró prepotentemente en el imaginario colectivo musical como uno de los puntos de inflexión en la historia del rock.

Hendrix fue introducido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.

En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos.

Biografía:
Nacido en King County Hospital de Seattle en el estado de Washington, Estados Unidos, de madre de origenes nativo americana y padre afroamericano con el nombre de Johny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall "Jimi" Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix.
El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenia apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ése entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad.
Obtuvo su primer guitarra acústica a los 14 años por $5 a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando como tocaban otros tipos de músicos más experimentados y escuchando discos. En 1958, el año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark blanca, aunque sin amplificador, con la que tocó en varias bandas locales. Ese mismo año su única calificación baja en la escuela fue una F en clase de música. Poco interesado en la escuela, que dejaria antes de laurearse, Jimi comenzó a dedicarse tempestivamente a la música: sus puntos de referencia fueron guitarristas de la escena del blues de Chicago como Elmore James, Muddy Waters ed Albert King, por no hablar de leyendas del más resaliente delta blues, como Robert Johnson y Leadbelly, y del rock and roll como Chuck Berry.
En los inicios de la década del 60, a causa de algunos problemas con la ley, se encontró a tener que elegir entre un periodo de reclusión o el alistamiento militar; elegida la segunda opción, Jimi viene alistado el 31 de mayo de 1961 en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky, despues de un breve adiestramiento. Su aventura en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente e intencionado a dedicarse a la música, Jimi decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual. Tomando en cuenta algunas entrevistas dejadas por Hendrix a propósito, en cambio, parece que con el fin de obtener la baja abdució problemas en la espalda producto de un salto en paracaidas.
El acercamiento a la escena musical. Una vez obtenida la baja, "Buster" (como le conocían muchos amigos y familiares) fijó residencia en las cercanias de Clarksville, en Tennessee. Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo formado junto a su amigo Billy Cox, los King Casuals. El grupo comenzó a exhibirse en locales de la zona hasta que la entera formación decidió transferirse a Nashville. La actividad del grupo se desenvolvia esencialmente en locales de la zona de Jefferson Street, tradicionalmente considerada el corazón de la comunidad afroamericana de Nashville y conocida por la intensa escena rhythm and blues que en aquel periodo se estaba desarrollando; resultando un buen viático así, hacia las primeras experiencias "en vivo" de Hendrix.
Durante los tres años siguientes Jimi llevó una vida errabunda, formando parte en el giro del llamado Chitlin' Circuit y convirtiendose en una presencia fija mediante una interminable serie de exhibiciones, tanto en la vestimenta de guitarrista de los King Casuals como en grupos de soporte para un gran número de musicos blues, rhythm and blues y soul como Chuck Jackson, Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke y Jackie Wilson. El periodo transcurrido en el Chitlin' Circuit resultó fundamental para su formación musical y estilista; propiamente en éste contexto Hendrix definió su actitud y consolidó su conocimiento de las raíces del blues.
Una vez terminado con lo que más tarde se reveló ser su periodo de aprendizaje, en el tentativo de dejar atrás el contexto de racismo y degradación que habia encontrado en el sur del país norteamericano, Hendrix decide de transferirse a New York. En enero de 1964, el guitarrista se mueve al barrio de Harlem, donde consolidó una estrecha amistad con los gemelos Arthur y Albert Allen (hoy día mas conocidos como Taharqa y Tunde-Ra Aleem). La amistad con los gemelos Allen resultó pronto ser fundamental y destinada a durar en el tiempo, como demuestran algunas colaboraciones en la última parte de la carrera de Hendrix en el interior de sus grabaciones (un ejemplo puede ser considerada Freedom, en la cuál los gemelos Allen se ocuparon de los backing vocals acreditados con el nombre de Ghetto Fighters). También resultó fundamental la relación con aquella que más tarde se convertiría en su novia, Lithofayne "Fayne" Pridgeon. Fayne procuró de hecho todo tipo de soporte humano y logístico a Hendrix y se revelò esencial también en su inserimiento en la escena local gracias a sus conocimientos del ambiente underground musical de Harlem.
Su primera oportunidad de saborear el éxito llegó en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la Isley Brothers' Band para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin' Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, single que poco despues se convertiría en un éxito radiófonico.
Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una interminable serie de idas y vueltas desde una banda a la otra: en Nashville dejó a los Isleys Brothers para sumarse como guitarrista del grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard. No obstante Little Richard fuese por aquellos tiempos uno de lo ídolos de Jimi, ambos entraron en diferentes conflictos durante el tour por las razones más disparatadas; la mayoria se debia a la escarsa tolerancia del cantante hacia la teatralidad escénica de Hendrix. Por un breve periodo, Hendrix se separó del grupo de soporte de Richard para seguir en tour a Ike y Tina Turner: pero poco alcanzó, alimentada de las usuales acaloradas actuaciones del guitarrista, para inducir a los dos artístas a reenviarlo a su anterior grupo. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard seria concluida a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington.
En 1965 Hendrix se unió a la banda newyorquina Curtis Knight and the Squires, despues de haber conocido a Knight en el hall de un hotel -clase media- en el cuál ambos habian encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalemente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de royalty sobre las grabaciones con Curtis Knight. No obstante 13 Años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estadia en Vancouver, parece ser que Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylory Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho venga atribuido a la tendencia de Taylor de agrandar las cosas.
No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, consintiéndole de enriquecer ulteriormente su considerable bagaje guitarrístico.
En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluídos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny's Music Shop; entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California a uno y al otro Randy Texas. Randy California se seria convertido más tarde en co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy.

Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.

Hendrix y su nuevo grupo llamaron facilmente la atención de una Nueva York todavia distante de los sonidos y humores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff "Skunk" Baxter. [13] Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecia un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah.
El 1966 fue el año del giro definitivo para Hendrix. Durante una noche en el Cheetah Club, ubicado sobre la West 21st Street, el guitarrista conoció a la entonces novia de Keith Richards, Linda Keith. Los dos se hicieron rapidamente amigos y Linda se esforzó para presentarle a Andrew Loog Oldham, manager de los Rolling Stones, y al productor Symour Stein. Ninguno de los dos recogió una impresión positiva del encuentro y - con gran desilusión de Hendrix - toda prospectiva de inserimiento se esfumó. Lejos de perder los ánimos, Linda insistió en presentarlo a Chas Chandler, en la época bajista del grupo Animals. El encuentro esta vez resulto fructuoso. En aquel periodo Chandler se encontraba próximo a concluir su historia con los Animals y estaba en busca de detalles para redefinir su propia situación como productor y manager; despues de un breve encuentro, Chandler comprendió que Hendrix tenia buenas prospectivas por delante y se convenció a si mismo del hecho de que una versión de un blues de Billy Roberts, Hey Joe, propuesta según el estilo agresivo que el guitarrista le habia ilustrado podia convertirse en un "single" de lanzamiento.
Hendrix se esforzó en buen grado para elaborar una versión propia de Hey Joe; el resultado entusiasmó a Chandler hasta el punto de inducirlo a llevar al guitarrista a Londres para para firmar un contrato con el soporte del manager saliente de Animals, Michael Jeffrey. El paso sucesivo tenia que ser el de acercarle algunos músicos adecuados al nuevo sonido que tenian en mente. Despues de algunas audiciones se decidió en estructurr la formación sobre un modelo power-trio (en la época muy de moda, visto también el éxito de los entonces recién nacidos Cream) y los personajes elegidos para ese fin, ambos ingleses, fueron el guitarrista Noel Redding, relegado al bajo y el pirotécnico baterista Mitch Mitchell.

Habia nacido la Jimi Hendrix Experience.

El sonido del trío se reveló como una novedad absoluta; desde las primeras exhibiciones en Europa, las visionarias escaladas sonoras de Hendrix sostenidas por la furiosa bateria de Mitchell y de las lineas esenciales del bajo de Redding, crearon enorme impresión en el mundo de la música londinense, dando vida a un pasaje de voz sin precedente entre los artistas y grupos que animaban la escena en aquel entonces. La salvaje actitud "en vivo" del guitarrista creó suspiros en artistas ya afirmados como Eric Clapton y Jeff Beck, y el aura que lo acompañaba le permitió muy pronto de entrar en el salón bueno de la música de la época, al punto que los músicos de The Who se empeñaron en que Hendrix aceptase una propuesta de su discográfica, la Track Records.
El primer tema ofrecido a la prensa fue justamente Hey Joe, retocado un poco con respecto a las intenciones iniciales debido de la salida de la versión del cantante folk Tim Rose, pero siempre adecuado al estilo de Jimi. En el lado B del "single" se encontraba Stone Free, un blues de tono grave, áspero y alucinado elegido entre sus primeras composiciones. La respuesta de las ventas fue notable y vino confirmada por los dos temas que le siguieron: Purple Haze y The Wind Cryes Mary; las canciones en cuestión se volvieron columnas importantes en los fogosos actos en vivo del grupo, acompañadas de clásicos del blues como Killing Floor de Howlin' Wolf (con el cuál normalmente abrian sus conciertos) y Rock Me Baby de B.B. King.
Are You Experienced? obtuvo una excelente respuesta de ventas en el viejo continente, interrumpiendo su propio ascenso al segundo lugar en la clasifica británica por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles. De todos modos, la Experience estaba en busca de la ocasión perfecta para desembarcar en USA, donde aún era desconocida.
La ocasión se presentó en junio de 1967, cuando el grupo fue invitado - por medio de Paul McCartney- a la histórica edición del Monterrey International Pop Festival llevada a cabo el 16,17 y 18 de junio de aquel año y generalmente considerado el evento de arranque del llamado "largo verano de amor". La oportunidad se reveló extremadamente favorable para Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendria en todo el país norteamericano, su performance seria inmortalizada en el documental que devendría tiempo más tarde del festival. La Experience no se dejó escapar la ocasión y se desenvolvió en una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de su entera época "live". En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a mimar actos sexuales, sonarla con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador. Al término de la exhibición, para remarcar su furiosa nesecidad de extraer nuevos sonidos al instrumento, le dió fuego con gas liquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis de feedbacks lancinantes.

Los restos de la guitarra que Hendrix destruyó en aquella noche fueron recuperados y actualmente están expuestos en el Experience Music Project di Seattle.
La salvaje performance sonora del trío tuvo un enorme eco en todos los Estados Unidos, preparando así el terreno al suceso que vendria acojido tanto en las exhibiciones "live" del guitarrista cuanto en sus estrenos discográficos.
El año 1967 vió la salida del seguidor de Are You Experienced? titulado Axis: Bold as Love, igualmente marcado de la poderosa vena ácida y experimental de su antesesor, pero caracterizado de sonidos menos ásperos y más proyectados hacia el funk, blues y Rhythm and Blues. Con Bold as Love Hendrix proseguiría con su búsqueda sonora también en el sentido de las variaciones sobre los dos canales de salida estéreo, afirmándose ulteriormente hacia resultados sonoros absolutamente innovativos. El disco fue además íntegramente grabado con el encordado de la guitarra disminuido medio tono, expediente destinado a convertirse en stanrard en la producción del guitarrista.
El disco es además para recordar por los traspiés que lo acompañaron en las fases inmediatamente previas a su salida.
Sucedió de hecho que Jimi olvidó el master tape ya remixado del lado A del disco sobre el asiento posterior de un taxi, sin lograr obtener en ningún modo de recuperarlo. El hecho constituía un serio problema ya que los masters originales deberian haber sido entregados en breve para la impresión del LP; todo el lado A del trabajo debería ser entonces ser remixado desde los multitrack del bajo en una única noche de trabajo, con el desapunte de Hendrix y de su histórico técnico Eddie Kramer que seguidamente afirmarian de no estar completamente satisfechos del resultado.[18]
Algunos otros contratiempos provendrian desde el arte de tapa: a causa de un absurdo malentendido, el pedido de Hendrix para que el tema se enfocase sobre sus orígenes indígenas - refiriéndose a las tribu de piel roja nativas de norteamerica - vino totalmente confundida por parte del estudio gráfico británico que se encargaba, y el resultado fue una tapa en la cuál Hendrix, Redding y Mitchell lucen los vestidos de las deidades Durga y Visnú.
De todos modos, el álbum se reveló todo un suceso, logrando aumentar considerablemente los pedidos de exhibiciones en vivo de la banda y llevando a la Experience a tocar de frente a plateas siempre más amplias. Lamentablemente, la conclusión del tour no logró ser feliz: mientras el grupo se encontraba en Escandinavia por algunos compromisos, la noche del 4 de enero de 1968 Hendrix es arrestado en Estocolmo despues de haber devastado una habitación del hotel en un raptus a causa de las drogas y el alcohol.
La gestación del último LP de estudio de Hendrix, el álbum doble Electric Ladyland, no fue por cierto menos problemático que Bold as Love. Ya durante las primeras fases de las sesiones Hendrix tuvo que aceptar el abandono por parte de su histórico productor Chas Chandler, literalmentemente irritado a causa de los numerosos contrastes con el guitarrista. Su modo de concebir los temas y las grabaciones era totalmente opuesto; Si Chandler optaba por tener unos temas convencionales y de duración no excesiva de 5 minutos, Hendrix rebatía con su estilo absolutamente no ortodoxo, tanto en la concepción de las canciones como en sus registraziones. La influencia de Chandler es evidente en los dos primeros LP de la Jimi Hendrix Experience, donde raramente un tema supera los 4-5 minutos, siguiendo la mejor tradición pop. Al contrario, Electric Ladyland presenta arquitecturas perfectamente en sintonía con el estilo ácido y visionario de Hendrix, compaginando partes de cesura con larguísimas jam sessions caracterizadas por enormes espacios instrumentales, a razón de modalidades notablemente psicodélicas.
La segunda razón en la base de las dimisiones de Chandler, era de rebuscarse en la naturaleza errabunda que Hendrix era normalmente volcado a imprimir en las sesiones de grabación: mientras Chandler era de la idea de la escuela de pensamientos de las regitraciones a desenvolverse en breve tiempo y con todas las ideas en su lugar, Hendrix tendía a dejarse caer en infinitas jam sessions de prueba y afinación con los músicos que le soportaban elaborado, re elaborando, modificando y ampliando aquellas que eran sus ideas de fondo en una contínua turbina de creatividad, la mayoria de veces sabiendo desde donde partir pero no a hasta dónde llegar, dejandose guiar unicamente por el instinto. Las sesiones preparatorias para Electric Ladyland, en particular, fueron pobladas por numerosos músicos adicionales que iban y venian de los estudios de prueba sin ningún criterio aparente; así fue que a los tres instrumentistas de Experience, se sobrepusieron el célebre tecladista Al Kooper, el baterista Buddy Miles además de Jack Casady, bajista de los Jefferson Airplane y Steve Winwood de los Traffic.
Parece evidente como la increible mole de material inédito y alternativo grabado por Hendrix, así sea durante su brevísima actividad, sea de atribuirse justamente a éste continuo hacer y deshacer.
A provocar por último el fin del equilibrio, fue también el proverbial perfeccionamiento de Hendrix. El guitarrista, además de exigir cuantitativas - hasta ese momento impensables - sobreinciciones en los temas, solicitaba también a sus músicos y técnicos grabar nuevas tomas de las partes de una canción un número impreciso de veces, en espera de encontrar la alquimia que éste retuviese fuese la adecuada; la historia quizo que el tema Gipsy Eyes fuese registrado en bien 43 versiones diferentes antes de que Hendrix encontrara una de su agrado.
Chandler no fue la única víctima de los ya conocidos "arranques" del guitarrista. En caída libre estaban también las relaciones con el bajista Noel Redding, él también desesperado por las modalidades de trabajo impuestas por Hendrix. No era raro, de hecho, que el bajista abandonase el estudio de grabación para calmarse luego de la enésima bronca con Hendrix, y que a su retorno la línea de bajo esté grabada por manos del propio guitarrista durante su ausencia.
La última exhibición británica de la banda tuvo lugar el 24 de febrero de 1969 en la Royal Albert Hall de Londres, con dos apariciones que dejaron el "todo lleno". Los dos conciertos fueron además registrados y filmados con fines documentales para una producción Gold & Goldstein que deberia haber sido entitulada Experience. Las cintas son aún hoy inéditas.
La frustración de Redding derivaba también del hecho de no sentirse a gusto en el rol de bajista, siendo él un guitarrista. Resale al 1968 la formación de su propia banda, los Fat Mattress, que en diversas ocasiones cubrió incluso el curioso rol de banda soporte de la mismisima Experience. A todo ésto habia que agregar el sufrimiento por la creciente histeria que puntualmente acompañaba los recitales de Experience: su última exhibición en absoluto, el 29 de junio de 1969 en el Bob Fey's Denver Pop Festival, fue marcada por desencuentros y actos de violencia entre el público, y las fuerzas del órden tuvieron incluso que recorrer a gases lacrimógenos para vover a tomar el control de la situación; con los tres miembros del grupo obligados a evadir encontrando refugio en el acoplado de un camión asediados por los fans. La ruptura con Redding fue oficializada al día siguiente.
Además de la disolución de la que fuere su banda original, Hendrix aquel año tuvo que hacer frente a una serie de controversias legales que lo implicaban en la sede penal y civil; el 3 de mayo de 1969 el guitarrista fue arrestado en el Pearson International Airport de Toronto luego de haberle encontrado hash y heroina en su poder. Durante el proceso Hendrix logró convencer a la corte declarando el hecho de no saber en qué modo las sustancias habian terminado en su equipaje, enfocándose en la tésis de una acción externa. En la sede civil, en cambio, el guitarrista se encontró a tener que tratar con algunos problemas legales conectados a la disolucion del contrato escrito en favor de Ed Chaplin en 1965: el hecho fue resuelto amistosamente, con la disponibilidad del guitarrista a registrar un LP bajo su régimen de producción.
El festival de Woodstock de 1969 fue seguramente uno de los eventos más representativos por el ingenio colectivo acarreado a la música de los años 60 y al movimiento flower power. En éste contexto, la actuación de Jimi Hendrix se convirtió en un verdadero y propio símbolo del festival, además que del pensamiento pacifista de aquellos años. La exhibición del guitarrista estaba programada para el cierre del evento, la noche del 18 de agosto de 1969, tercero y último de aquellos "tres dias de paz, amor y música". A causa de problemas técnicos y logísticos que se verificaron, por no contar con la violenta lluvia que se abatió sobre la zona en mitad del segundo día, su performance debió ser reprogramada para la mañana siguiente. La inmensa cantidad de fans de los tres dias anteriores (mas de 500.000 espectadores pagantes) se habia reducido considerablemente y Hendrix terminó cerrando el recital delante a una audiencia (respetable pero decisamente inferior a las expectativas) de aproximadamente 180.000 espectadores, exhaustos y en muchos casos incluso distraídos y desganados.
El guitarrista se presentó sobre el palco con una formación inédita, introducida por el speaker como Jimi Hendrix Experience, pero rapidamente vuelta a presentar por el mismo Hendrix como Gipsy Sun and Raimbows: prosiguió una exhibición de dos horas (en absoluto entre las más largas de su carrera). El hecho que más sobresalió de todo modos en aquella histórica exhibición, fue la celebérrima transfiguración guitarristica operada sobre el tema The Star-Spangled Banner, himno de los Estados Unidos; Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclandolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla, el todo utilizando nada más que su guitarra.
La realidad de los hechos, queda aún en una extrema controversia sobre el significado que Hendrix quizo dar a aquel modo de proponer el himno nacional estadounidense. Si bien su razón sea mas bien clara, hay que decir que desde hacia un año aquella versión de The Star-Spangled Banner era propuesta en vivo y el mismo Hendrix se mostró siempre misterioso sobre el tema: en una entrevista sobre el festival de Woodstock el guitarrista se declaró desinteresado a las cuestiones políticas, y a una pregunta más precisa - hecha durante el Dick Cavett's Show - sobre el porqué de su versión tan poco ortodoxa del himno norteamericano Jimi respondió muy tranquilamente "encuentro maravilloso tocarlo así".
Algunas teorías de que Hendrix fuese de hecho favorable a la intervención bélica en Vietnam quedan totalmente de lado no solo al tomar en cuenta la transfiguración del himno efectuado en Woodstock, si no mas bien por escuchar el tema Machine Gun, contenido en su último LP Band Of Gypsys, una explícita canción de protesta en contra de la guerra.
En 1970, en Londres (Inglaterra) James Marshall Hendrix muere ahogado en su propio vómito, yendo ya de camino al hospital, a causa de una sobredosis de LSD mezclada con alcohol. Hay leyendas que dicen que al ir en la camilla de la ambulancia Jimi giró la cabeza para vomitar, pero que el enfermero se la volvió a reclinar y él se ahogó en su propio vómito. Muere a los 27 años (edad a la que fallecieron también: Jim Morrison, Janis Joplin y Kurt Cobain).

2008-07-05T11:39:00.001-07:00

Robert Fripp (n. 16 de mayo de 1946), guitarrista que se hizo famoso por su trabajo con el grupo King Crimson. Nació en Wimborne Minster, un pueblo del condado de Dorset, al sur de Inglaterra. Aprendió a tocar la guitarra a los 11 años de edad. Luego de participar en varias bandas desde los 14 años, se convierte a fines de la década de los años 1960 en uno de los fundadores del movimiento progresivo junto a King Crimson, También famoso por su singular técnica conocida como frippertronics.

Actualmente es considerado uno de los guitarristas más influyentes de la Música de Avanzada.

Paradójicamente, Fripp está casado desde 1986 con la Toyah Willcox, cantante punk y actriz.

La carrera profesional de Robert Fripp comienza en 1967 cuando se integró a una banda con el bajista Peter Giles y el baterista Michael Giles. El trío grabó solamente dos sencillos aparecidos en un álbum titulado simplemente The Cheerful Insanity of Giles, Giles and Fripp.

Conformación de King Crimson Tras de la disolución de la banda, Fripp junto con el baterista Michael Giles, decidieron formar King Crimson en 1968, con Greg Lake, Peter Sinfield e Ian McDonald. Su primer álbum, In the Court of the Crimson King realizado en 1969, obtuvo críticas encontradas, desde entonces King Crimson se ha disuelto y vuelto a formar en varias ocasiones con distintos integrantes, en todas las cuales Fripp ha sido el único miembro consistente de todos sus discos y todas sus encarnaciones.

Durante el primer lustro de la década de los 70's, tras la disolución aparentemente definitiva de King Crimson, Fripp se alejó un poco de la industria musical por el interés que despertaron en él los textos de George Ivanovich Gurdjieff, estudios que incluso influyeron después en su trabajo con la guitarra Craft. En 1976 volvió al trabajo musical colaborando en el primer disco solista de Peter Gabriel, Fripp incluso salió de gira con Gabriel como uno de sus músicos de apoyo, pero con el nombre de Dusty Rhodes.

En 1977 Fripp recibió una llamada de Brian Eno, quien se encontraba trabajando con David Bowie en su álbum Heroes. Fripp tocó la guitarra en el álbum y desde ese momento inició una serie de colaboraciones con reconocidos músicos. De nuevo con Peter Gabriel en su segundo álbum y con Daryl Hall (integrante del dúo Daryl Hall & John Oates)en su álbum Sacred Songs. Durante ese período Fripp comenzó a trabajar en su propio material, con las contribuciones de Eno, Gabriel y Hall, así como de Peter Hammill, Jerry Marotta, Phil Collins, Tony Levin y Terre Roche. Material que culminó en 1979 con su primer álbum solista, Exposure, seguido de la gira Frippertronics en ese mismo año. Mientras vivía en Nueva York participó en discos y en conciertos de Blondie y de Talking Heads. Su colaboración con Buster Jones, Paul Duskin y David Byrne dio como resultado el álbum Good Save the Queen/Under Heavy Manners. En 1980 formó una "banda de new wave instrumental bailable" llamada League of Gentlemen (Liga de Caballeros), con Sara Lee, Barry Andrews y Johnny Toobad.

En 1981 King Crimson volvió a formarse con Fripp, Bill Bruford, Adrian Belew y Tony Levin. El grupo había sido conceptualizado con el nombre de Discipline, pero durante las grabaciones Fripp comentó a sus compañeros que el nombre King Crimson era más apropiado, así que el disco se llamó Discipline, bajo el nombre de King Crimson. Para Fripp, King Crimson ha sido siempre una manera de hacer cosas, así que no es un grupo de músicos en particular, el grupo sólo deja que su música capture esa metodología. Después de tres álbumes King Crimson se disolvió otra vez en 1984. Durante ese período, Fripp trabajo en dos discos con su amigo Andy Summers de The Police, I Advance Masked en el que Fripp y Summers tocaron todos los instrumentos, y Bewitched que estuvo más dominado por Summers, además de que tuvo la participación de varios músicos más.

En 1984, la American Society for Continuous Education (ASCE) (Claymont Court, West Virginia) le ofreció a Fripp un puesto como profesor. Él había estado envuelto con la ASCE desde 1978, y había considerado seriamente durante bastante tiempo la perspectiva de enseñar guitarra. Su clase, Guitar Craft, tuvo inicio en 1985, teniendo entre sus resultados, un grupo llamado The League of Crafty Guitarists, que ha elaborado ya varios discos.

Las colaboraciones de Fripp con David Sylvian presenta algunos de los más exuberantes ejemplos de su estilo. Fripp contribuyó al track de 20 minutos de Sylvian 'Steel Cathedrals', de su Alchemy - An Index Of Possibilities álbum en el 1985. Luego, Fripp también participó del mismo modo con Gone To Earth, al año siguiente. En 1991, pues, Fripp le ofreció a Sylvian convertirse en el vocalista de la reconformada King Crimson, pero Sylvian rechazó la oferta. Más adelante, se unieron al grupo Trey Gunn en stick y Jerry Marotta en batería, mas durante una gira de promoción Pat Mastelotto reemplazó a Jerry como baterista.

En 1994 Fripp formó de nuevo King Crimson con la alineación de 1981, adhiriendo además a Trey Gunn y a Pat Mastelotto en una configuración conocida como "doble trío". Esta encarnación del grupo llevó a cabo el EP VROOOM en 1994 y el álbum THRAK en 1995. Tras la partida de Bruford y Levin, los miembros restantes realizaron los dos últimos discos de King Crimson hasta el momento, The ConstruKtion of Light y The Power to Believe. La alineación cambió nuevamente tras la partida de Trey Gunn y el regreso de Tony Levin.

Durante el 2004, Fripp dio una gira con Joe Satriani y Steve Vai como el Trío de Guitarra G3.

El 21 de octubre de 2005, Robert Fripp trabajó en los estudios de Microsoft grabando nuevos sonidos y atmósferas para el Windows Vista

2008-07-05T11:35:00.000-07:00

Clarence White (nacido en Clarence LeBlanc) (7 de junio de 1944 - 15 de julio de 1973) fue un guitarrista de Nashville West, The Byrds, Muleskinner, y los coroneles de Kentucky. Sus padres eran franceses-canadienses de New Brunswick, Canadá. El padre, Eric LeBlanc, Sor, desempeñó violín, guitarra, banjo y armónica, y sus hijos, Roland, Eric Jr, Joanne y Clarence asumió la música a una edad temprana.

Los coroneles de Kentucky
Clarence Joseph White nació el 7 de junio de 1944 en Lewiston, Maine [1] [2]. En 1954 la familia siguió a los familiares Burbank, California de Madawaska, Maine. Ese año, los hermanos Blanco (Roland, Clarence, y Eric Jr) formaron un grupo llamado las Tres pequeño país Boys. Pronto garantizado un lugar en un programa de radio local, y atrajo el interés de los países estrella, Joe Maphis. En 1958 la banda cortar su primer sencillo, y se ha convertido en lo suficientemente bien conocido a la tierra varias apariciones en las Andy Griffith Show. A finales de 1962, el País Boys se convirtió en el Kentucky coroneles.

A pesar de sus éxitos, los coroneles estaban teniendo dificultades para ganarse la vida tocando bluegrass. El folk boom ha sido escalonada de la invasión británica en 1964, pero el golpe de muerte, irónicamente, fue tratada a mediados-1965 con la publicación de "El señor Tambourine Man" de los Byrds y "Subterráneo su hogar Blues" de Bob Dylan. Si bien lo hicieron intento de experimentar con instrumentación eléctrica, sólo se pudo se reunió con la indiferencia de un público de rock y consternación de su país y folk fan base. En octubre del 65, los coroneles disuelto como una unidad de curso después de jugar su último espectáculo en la noche de Halloween.

El Byrds
Tras la disolución de los coroneles, White encontró empleo como una sesión guitarrista en Los Angeles, jugando en primeros discos de The Monkees, y se lleva a cabo en la noche con futuro Byrd Gene Parsons en el grupo de Nashville Oeste. Junto con la Internacional Submarine Band y los Flying Burrito Brothers, la banda fue uno de los primeros para jugar una perfecta mezcla de rock país y en la música pop moderna.

White asociación con el Byrds comenzó en serio en 1966, cuando aportó su característico juego a los antiguos miembros de Gene Clark álbum en solitario Gene Clark con la Gosdin Brothers; él y Gene Parsons se unió brevemente Clark gira la banda poco después. Lograr un conocimiento Byrds con el bajista Chris Hillman (mandolina que desempeñó en el bluegrass combo Hillmen antes de la elección de sumarse a la ola de rock) durante los períodos de sesiones Clark, White contribuyó twangy llevar la guitarra a dos de sus canciones del álbum más joven que el día de ayer: "El tiempo Entre "y" La niña sin nombre ". Tanto del país fueron las canciones con sabor un poco del estilo de salida para el grupo, que hasta ese momento había pocas veces desviado de folk o el rock psicodélico. Blanco fue invitado de nuevo a grabar un solo de guitarra de plomo para "El cambio es ahora" en la famosa Byrd Brothers. Con su utilización de eco y demora y énfasis en la textura en lugar de la melodía, la pieza ha sido favorable en comparación con el posterior trabajo de Brian Eno y Daniel Lanois.

White también contribuiría a la amada de Rodeo, del grupo Gram Parsons dirigida incursión en tradicional honky-Tonk que se ha convertido en un hito, icono de grabación. White innovadoras e inusuales cadena de flexión y el sentido de la oportunidad que desempeñan un papel clave en el álbum del notable instrumentación que suena tan fresco y excitante hoy como cuando fue grabado. White lame la guitarra en ese registro, con Lloyd's Green y Jaydee Manness del pedal de acero de juego, se han convertido en legendario, sobre todo solos en su "La Vida Cristiana", "Cien años de ahora", y "The Blue Rockies canadienses".

Tras la abrupta salida de Gram Parsons en 1968, con Hillman tras no mucho tiempo después, Blanco fue finalmente invitado a unirse al reconstituido Byrds en septiembre de 1968, que queda para el grupo finalmente se disolvió por Roger McGuinn en 1973. El blanco era de grupo (McGuinn, White, Gene Parsons y bajistas John York & Pasar Battin), mientras que nunca se celebró en la misma estima que el original banda y, a menudo, como ser despedidos poco más de McGuinn y su banda de apoyo, mantener un fiel en los primeros años 70 y grabar cinco discos a algo favorable acogida. Sin embargo, mientras que el grupo original la capacidad de jugar en vivo era a menudo en tela de juicio, este último día Byrds - impulsado por el entrelazamiento de plomo / ritmo de guitarras y McGuinn Blanca - fueron considerados como una de las potencias en vivo de la época (ver en vivo a la Fillmore - febrero de 1969). Nunca uno a abandonar sus raíces, Blanco fue bien conocido por su escenario downplaying virtuosismo, el mantenimiento de la popa "cara de póquer" compostura común entre los músicos de bluegrass.

A pesar de ser el camino para la mayor parte del año (pobres decisiones de negocios había dejado la banda wallowing en la deuda, lo que obligó McGuinn a seguir utilizando los Byrds y moniker interminables tramos de carretera de trabajo), White siguió desempeñando durante sus períodos de sesiones Byrds tenencia de la tierra, alternando con Ry Cooder como guitarrista en Randy Newman's 12 canciones y colaborando con los insurgentes cantautor Jackson Browne en sus álbumes. Periódicamente al frente del grupo, White Browne cantó la composición "Jamaica Diga que va" a Byrdmaniax y el bluegrass estándar "Más a lo largo", ofreciendo el título para el grupo final del álbum.

Post-Byrds y la muerte
En 1972, el ritmo del grupo ha disminuido considerablemente, mientras que montar dos recorridos con más percusionista Joe Lala a bordo, gran parte de la McGuinn atenciones se había desviado a una posible reunión de los originales Byrds, contingient a su disolución de la "otra "Byrds. Tras el cumplimiento de sus obligaciones final a principios de 1973, la Clarence White Byrds-era rompió.

Blanco se mantuvo ocupado todo a principios de 1973. Además de las sesiones más Browne, se unió con Peter Rowan, David Grisman, músico Richard Green y banjo jugador Bill Keith para formar el supergrupo Muleskinner bluegrass. El grupo estaba programado para realizar copias de seguridad de Bill Monroe en una emisión de televisión, pero terminó en el desempeño de su propio proyecto de ley cuando el autobús se rompió en el camino hacia el espectáculo. La banda tocó todos modos y la presentación en vivo las cintas una vez perdido el pensamiento han reaparecido y han sido liberados en los últimos años. Poco después del concierto, hicieron algunas grabaciones preliminares, todos los cuales fueron en el sentido contemporáneo de bluegrass o "newgrass".

Su última excursión por carretera fue un período de tres fecha de "país-rock" paquete turístico con los gustos de Gram Parsons, Emmylou Harris, astuto Pete Kleinow, y Chris Etheridge. A pesar de que presumiblemente había sido el conocimiento recíproco en el pasado, Parsons y Blanco elaboraría una rápida amistad después de lo que era de todas las cuentas muy agrio re-conocido.

White murió el 15 de julio de 1973 [3] después de haber sido golpeado por un conductor borracho. El accidente se produjo poco después del 2 de la mañana, mientras él y su hermano Roland se carga el equipo en su coche tras un estímulo de la reunión momento el concierto de coroneles [4]. Especialmente conmocionado por su muerte fue Gram Parsons, que llevaría un singalong de "Más a lo largo" en el funeral de servicio y concebir su última canción antes de su propia muerte, "En Mi Hora de la oscuridad", como un homenaje al parcial White.

Clarence White es sobrevivido por su hermano Roland White, una hija, Michelle White y sus cinco hijos. Sus nombres son Brad Adkins, Brandon Adkins, Haley Carver, Victoria Bledsoe, y Taurus Bledsoe.

Musical influencia
Clarence White ayudó a popularizar la guitarra acústica como instrumento principal en la música bluegrass. Con pocas excepciones, antes de que White, la guitarra es estrictamente un instrumento de ritmo. Tony Rice Blanco cita como su principal influencia musical. Rice posee y juega White altamente modificado 1935 Martin D-28. David Grier y Russ Barenberg son otros dos guitarristas acústicos que fueron fuertemente influenciadas por la guitarra de White trabajo.

En el lado eléctrico de la guitarra del espectro, Blanco fue igualmente influyente. Con compañeros de Byrd Gene Parsons, Blanco inventó el B-Bender dispositivo. Este dispositivo se plantea la b (segundo) de la cadena en su conjunto la guitarra paso a la utilización de poleas y palancas adjunta a la parte superior del mando de correa y la segunda cuerda en la guitarra. Se activa pulsando abajo en el cuello, y produce un "pedal de acero" tipo de sonido. Posteriormente, su Telecaster sonido se convirtió en su notable como bluegrass de juego. Marty Stuart, otro guitarrista influenciado por Blanca del juego, ahora es propietaria y juega regularmente White Fender Telecaster [5].

En 2003, White fue concedido # 41 en la revista Rolling Stone de la lista de "100 Greatest Guitarristas de todos los tiempos".

2008-07-05T11:31:00.000-07:00

Sin dudas, el suyo es uno de los nombres más exitosos de la historia de la música. John Cameron Fogerty fue el lider indiscutido de Creedence Clearwater Revival. Tras su alejamiento de la banda en 1972, atravesó un infierno legal, producto de malos contratos firmados con el sello Fantasy. A través de la etiqueta editó Blue Ridge Rangers, un experimento country.

Años más tarde consiguió liberarse a medias de Fantasy y editó John Fogerty, álbum que contenía un gran clásico ("Almost Saturday Night"), pero que carecía de magia. Hoodoo, en cambio, no llegó a editarse de común acuerdo entre Fogerty y Warner, por lo que permaneció inédito. Después de eso, Fogerty se llamó a silencio por ¡diez años!

Su resurrección se produce en 1985, con el álbum Centerfield, con el que vuelve a los primeros planos. Más batallas legales enturbian el lanzamiento de Eye of the Zombie, lo que lo deja mudo otra década más.

Pero en 1993 Fogerty toma revancha con Blue Moon Swamp, un álbum que regenera el toque mágico de Creedence en un contexto contemporáneo.

Más dedicado a su vida familiar y a la creación silenciosa, Fogerty logra con Deja Vu (all over again) una buena entrada al nuevo milenio.

2008-07-05T11:26:00.000-07:00

Peter Green (nacido como Peter Allen Greenbaum el 29 de octubre de 1946 en Bethnal Green, Londres), es un guitarrista inglés de blues rock y miembro fundador de la banda Fleetwood Mac.

B.B.King se refirió a Green como "el único hombre que me llegó a hacer sudar". Aunque el fraseo de Green no era tan rápido o repentino como el de sus colegas Bluesbrakers Eric Clapton y Mick Taylor, si estaba marcado por un distintivo vibrato y economía de estilo.

Green se inició como solista en la banda de Peter Barden Peter Barden's Looners in 1966. Tras una breve estancia de 3 meses tuvo la oportunidad de sustituir a Eric Clapton en la John Mayall & The Bluesbreakers para 3 conciertos. Tras la marcha definitiva de Clapton un poco más tarde, fue contratado a tiempo completo.

Dado que Clapton gozaba de muy buena reputación, Green tuvo una fuerte presión para llenar el vacío dejado por la marcha de Eric. Pero los escépticos fans enseguida se convencieron del exclusivo estilo melancólico de Green. En 1967 Green decidió formar su propia banda de blues, Fleetwood Mac -el nombre provenía de la sección rítmica de la banda: Mick Fleetwood y John McVie, y fue originalmente nombrada como Peter Green's Fleetwood Mac-.

En los finales de los 70's la reconocida banda coparía las listas con álbumes principalmente pop/rock pero inicialmente fue una banda ligada al blues/rock tocando clásicos del blues y nuevo material -junto con los Bluesbreakers de John Mayall. Green fue el líder del grupo durante el periodo inicial de éxito a finales de los 60 e inicios de los 70, cuando sus éxitos incluyeron Oh Well, Man of the World y Albatross. El escribió la canción Black Magic Woman que popularizaría Santana.

Tras la publicación de Albatross y su consiguiente fama, Green luchó espiritualmente contra el éxito alcanzado por la banda. Durante la gira por Europa y tras un concierto en Munich, Alemania, tuvo durante 3 días un empacho de LSD. En sus propias palabras: "tuvo un viaje y nunca regresó".

La personalidad de Green cambió radicalmente tras ello, empezó a vestir un tabardo, se dejó crecer la barba y un lució un crucifijo en su pecho. El uso del LSD pudo contribuir a su enfermedad mental: esquizofrenia. Abandonó Fleetwood Mac en 1970 declarando el dinero como maldito y dándose a la caridad. Grabó un extremadamente experimental y nada comercial álbum The End of the Game (El Final del Juego) y se perdió en la oscuridad partipando en una sucesión de trabajos menores.

Green tuvo un breve reunión con Fleetwood Mac cuando Jeremy Spencer dejó el grupo (voló a U.S.A. para ayudarles a completar la gira) y fue también el invitado en su álbum de 1973 "El Pingüino" en la pista Night Watch.

Urgido por sus amigos para continuar tocando, resurgió a finales de los 70 y principios de los 80 con una serie de álbumes que incluyen In the Skies, Little Dreamer y White Sky. Aunque de calidad irregular, éstos discos contenían guiños del inigualable estilo del blues de Green. Fuen también el invitado anónimo del Brown Eyes de Tusk, contibuyó en Rattlesnake Shake y Super Brains de el álbum en solitario de Mick Fleetwood The Visitor.

1990 vio el retorno de Green en la forma de Peter Green Splinter Group con la asistencia de colegas, incluyendo el mismísimo Cozy Powell. Esta formación publicó 9 discos entre 1997 y 2003.

Se canceló una gira y la grabación del nuevo disco de estudio en los inicios de 2004 cuando Green dejó la banda y se fue a Suecia. En breve se uniría a The British Blues All Stars, pero también se cancelaría su tour del 2005. Las razones pudieron ser una planeada reunión de los originales Fleetwood Mac anunciada por Mick Fleetwood el 14 de Marzo de 1980.

2008-07-05T11:15:00.000-07:00

Bo Diddley (McComb, 30 de diciembre de 1928 - 2 de junio de 2008), fue un compositor, cantante y guitarrista estadounidense que tuvo una gran influencia en el rock and roll. Se le suele considerar como la figura predominante en la transición del blues al rock and roll, creador de ritmos básicos con un sonido duro y afilado de su guitarra. Por ello tenía el sobre nombre de "The Originator" (El Autor).

Nació en una granja algodonera entre McComb y Magnolia (Misisipi). Con el nombre de Otha Ellas Bates, más adelante, al vivir con su madre adoptiva, Gussie McDaniel, prima de su madre, pasaría a llamarse Ellas McDaniel. El nombre artístico de Bo Diddley, viene a significar en argot algo así como "nada de nada". Otra fuente dice que el nombre vendría de un apodo de su época de boxeador. El nombre también se liga al arco de diddley (diddley bow en inglés), un instrumento de cuerda usado en los campos del sur, principalmente por los músicos negros.

En 1933 pasó a vivir en Chicago donde a temprana edad comenzaría su afición por la música. Siendo muy joven, su hermana le regaló una guitarra, comenzando a recibir lecciones de este instrumento y de violín con el profesor O. W. Frederick. Según él mismo reconoció, su inspiración le vino viendo a John Lee Hooker.

Si en el rock and roll Elvis Presley es el rey y Chuck Berry su poeta, Bo Diddley fue su arquitecto. Su estilo personal ha influido y sigue influyendo de tal modo que según pasa el tiempo su figura se agranda en el panorama de la música rock. Por otro lado, su fama no fue premiada en el aspecto económico como cabría haber esperado. La crudeza de su estilo le cerró las puertas a ventas millonarias, puertas que sí se abrirían de par en par para muchos músicos y bandas en los que influyó.

Sus inicios comienzan en 1951 tocando en las calles, los mercados y en el 708, un famoso club de la época. Sus temas ponían de manifiesto sus influencias de Nat King Cole, Muddy Waters, Louis Jordan o John Lee Hooker.

Su oportunidad vendría de manos de la Chess Records de Chicago, una filial de la Checker Records. En 1955 grabaría su primer disco con dos temas: Bo Diddley y I'm a man. En estos temas ya destaca con su potente chorro de voz y el sonido psicodélico inconfundible de su guitarra.

El 20 de noviembre de 1955, Bo Diddley era el primer afroamericano en aparecer en el programa de televisión The Ed Sullivan Show. Años más tarde, recordando este hecho díría que la experiencia no hizo más que enfurecerlo. "Interpreté dos canciones y consiguió enojarme... Ed Sullivan dijo que era uno de esos prometedores jóvenes de color que siempre le engañaban. Dijo que no duraría más seis meses".

Con el tiempo fueron surgiendo nuevas canciones en las que una parte importante eran los músicos que le acompañaban: Su hermanastra, llamada "La Duquesa", a la segunda guitarra; Billy Boy Arnold a la armónica; Franz Kirkland o Clifton James en la batería; Otis Spann al piano; Jerome Green con las maracas y voz acompañante.

Debido a su estilo musical, es más conocido como "Bo Diddley beat". Su estilo beat ha sido utilizado por muchos otros importantes artistas en distintas canciones, como en "Willie and the Hand Jive" de Johnny Otis (más cercano al hambone que al estilo de Bo Diddley), la versión en vivo de "She's the One" de Bruce Springsteen, "Magic bus" de The Who, "Desire" de U2 y "Not Fade Away" de Buddy Holly así como temas menos conocidos como el "Callin' All Cows" de los Blues Rockers.

Bo Diddley utilizó una gran variedad de ritmos, sin embargo, con el back beat haría estallar el estilo de la balada, al introducir el sonido frecuente de las maracas de Jerome Green. También fue un guitarrista que introdujo multitud de nuevos efectos especiales e innovaciones en la forma de tocar. Como violinista puede oirse en el tema "The Clock Strikes Twelve".

El ritmo es tan importante en la música de Bo Diddley que la armonía está reducida a menudo a una simplicidad desnuda. Con frecuencia, sus canciones (como por ejemplo "Hey Bo Diddley" y "Who Do You Love?") no tienen ningún cambio de acorde; es decir, los músicos tocan el mismo acorde durante todo el tema, de modo que el entusiasmo es creado por el propio ritmo, más que por la armonía.

Aunque Bo Diddley fue un artista que abrió fronteras interculturales al trabajar con audiencias de público blanco, apareciendo por ejemplo en conciertos de Alan Freed, sus composiciones raramente trataron problemas relacionados con la adolescencia. La excepción más notable es probablemente su álbum "Surfin' With Bo Diddley", donde ofreció el tema "Surfer's Love Call" siguiendo el estilo musical imperante en los años 60 en California, y aunque Bo nunca pudo alcanzar una gran ola que lo llevase al éxito del estilo surf, sí consiguió influir en sus guitarristas.

Las letras de sus composiciones son a menudo ingeniosas y humorísticas adaptaciones de temas de la música tradicional. Su primer éxito, "Bo Diddley" estaba basado en la nana "Hush Little Baby". Del mismo modo, "Hey Bo Diddley" se basa en la canción popular "Old Macdonald".

Entre sus canciones podemos destacar además de las ya mencionadas Diddley Daddy, Pretty thing (1955); Who do you love, Before you acuse me (1956); Mona oh yea (1957); Say man (1958); Roadrunner (1959); Cadillac (1960); I can tell, you can't jugde a book by the cover (1961).

Además de las muchas canciones que compuso para sí mismo, escribió "Love Is Strange" para Mickey y Sylvia bajo seudónimo, una canción considerada como pionera de la música pop.

Cabe mencionar su amistad con Chuck Berry con el que colaboró en más de una ocasión además de haber compartido cartel en algún concierto. Le acompañó a la guitarra en las canciones Memphis y Sweet little rock and roller y grabaron juntos el álbum Two great guitars.

Su instrumento, con marca registrada, es la guitarra square-bodied que él mismo desarrolló y con la que tocó en miles de conciertos anuales; desde sudorosos clubs de Chicago a giras con viejas glorias del rock and roll, pasando por actuaciones como telonero para The Clash o de artista invitado por los míticos Rolling Stones. Su entusiasmo por este instrumento le hizo poseer una espectacular colección de guitarras.

La influencia de este francés negro, como a él mismo le gustaba definirse, en la música contemporánea de Europa y América ha sido más que notable. Tanto músicos como grupos han realizado con frecuencia versiones de sus propias canciones. Caben destacar The Animals, que grabaron "The Story of Bo Diddley", The Who y The Yardbirds que grabaron "I'm a Man" y The Woolies y George Thorogood que alcanzarían un éxito con "Who Do You Love", tema que también sería utilizado por la banda Quicksilver Messenger Service y que era uno de los favoritos en los conciertos de The Doors.

"Road Runner" de Bo Diddley también fue grabado con frecuencia, incluyendo a The Who en uno de sus conciertos y a Brownsville Station en uno de sus discos. El tema "Mannish Boy" de Muddy Waters era una adaptación del tema Diddley "I'm a Man". El grupo The Jesus and Mary Chain también realizó una grabación titulada "Bo Diddley is Jesus" ("Bo Diddley es Jesús") como tributo a su persona. Ronnie Hawkins interpretó "Hey Bo Diddley", "Bo Diddley" y "Who Do You Love" durante muchas de sus sesiones de grabación, incluidas las realizadas con su banda, The Hawks, más tarde conocida como The Band.

En los últimos años, Bo Diddley recibió numerosos reconocimientos a su papel como uno de los padres fundadores del rock and roll. En 1986 lo incluyeron en la Washington Area Music Association. Al año siguiente lo incluirían en el Rock and Roll Hall of Fame. Su contribución pionera al género ha sido reconocida también por el Rockabilly Hall of Fame. En 1996, la Rhythm and Blues Foundation le concedió el mérito de una vida consagrada al ritmo. En 1998, la Recording Academy le premia con un Lifetime Achievement Award en la ceremonia de los premios Grammy por su canción "Bo Diddley" grabada en 1955.

El comienzo del nuevo milenio introdujo a Bo Diddley en el Mississippi Musicians Hall of Fame y en los famosos de la North Florida Music Association. En 2002, recibió sendos premios de la National Association of Black Owned Broadcasters y de la Broadcast Music Incorporated en reconocimiento a sus múltiples contribuciones a la música contemporánea.

En 2003, en la Cámara de representantes de los Estados Unidos, Hon. John Conyers, Jr. de Michigan, rendía un tributo a Bo Diddley al describirlo como "uno de los verdaderos pioneros del rock and roll, que ha influenciado a generaciones".

En 2004, la grabación de 1956 que realizaron Mickey Baker y Sylvia Vanderpool de su canción "Love Is Strange" (El amor es extraño) fue incluida en el "Grammy Hall of Fame" como una de las grabaciones con significación histórica. La revista Rolling Stone lo nombró como uno de sus temas immortals en el artículo The 50 Greatest Artists of All Time (Los 50 artistas más grandes del todo el tiempo).

En 2005, Bo Diddley celebró su quincuagésimo aniversario en el mundo de la música con exitosas giras por Australia, Europa y de costa a costa por toda Norteamérica. En el vigésimo aniversario de la creación del Rock and Roll Hall of Fame interpretó su canción "Bo Diddley" con Eric Clapton y Robbie Robertson. En el Reino Unido, la revista Uncut incluyó su álbum de 1958 en la lista 100 Music, Movie & TV Moments That Have Changed The World (Las 100 canciones, películas y programas de televisión que han cambiado el mundo).

Diddley murió el 2 de junio de 2008 a los 79 años. El año 2007 sufrió una serie de ataques cerebrales y cardíacos que lo dejaron muy debilitado. Falleció en su casa de Archer (Florida).

2008-07-05T11:08:00.000-07:00

Steve "El Coronel" Cropper (nacido 21 de octubre de 1941) es un americano guitarrista, compositor y productor .. El 9 de junio de 2005, Cropper fue inducida en el Songwriters Hall of Fame junto a Bill Withers, Robert B. Sherman, Richard M. Sherman, John Fogerty, David Porter y Isaac Hayes.

Biografía

Primeras etapas de la vida
Cropper nació Stephen Lee Cropper en una granja fuera de Dora, Missouri. En 1950, su familia se mudó a Memphis, Tennessee. A la edad de diez, él strummed una guitarra por primera vez, su cuñado de Gibson. Cropper recibió su primera guitarra a los 14 años, y comenzó a tocar con músicos locales. Su héroe en ese momento era Lowman Pauling de Memphis de The Five Royales.

El StAX años (1961-1970)
Cropper y el guitarrista Charlie Freeman formado (como una punta de la gorra a la banda de Pauling) El Real Espadas, que eventualmente se convirtió en el Mar-Keys. El Mar-Keys es una obra de teatro en la carpa fuera de StAX (en el momento llamado por satélite Records). La banda del jugador sin experiencia saxo Charles "Packy" Axton la madre de Estelle y tío Jim Stewart propiedad de Satélite, y, finalmente, La Mar-Keys comenzó a tocar en sesiones y tenía un solo hit de su propia 1961 con "Anoche". También en la banda productor / compositor Don Nix y futuras leyendas, el bajista Donald "Duck" Dunn y trompetista Wayne Jackson.

Steve Cropper en concierto (1990) Además de ser impresionado con el joven guitarrista del juego, el entonces presidente StAX Records Jim Stewart se produjo un punto de vista económico, el profesionalismo, la madurez y en Cropper más allá de sus años. Cuando American Records fundador Chips Moman StAX izquierda, el joven Cropper se le dio las llaves del estudio, que abrió todos los días, se convirtió en la empresa A & R man, y comparte funciones con la ingeniería Stewart. Un miembro fundador de Booker T. & the MG's, la casa de StAX banda, Cropper, junto con Booker T. Jones en órgano y piano, el bajista Dunn, y el batería Al Jackson, Jr, pasó a registrar varios resultados. Como guitarrista de una casa, tocó a cientos de registros, desde "(Sittin 'on) el muelle de la Bahía", cowritten con Otis Redding, Sam and Dave "Soul Man" (ganar el famoso grito de "Play, Steve ! ")

Cropper la fama no se limita a los Estados Unidos. Los Beatles a favor de la Cropper jugar y su producción en los registros Otis Redding. De hecho, John Lennon y Paul McCartney hizo planes provisionales para grabar en Memphis para trabajar con el guitarrista. Brian Epstein se cancela el período de sesiones, citando problemas de seguridad.

El MGS, como instrumental artistas, trabajaron porque "escribió sonidos". Rob Bowman, profesor de música y autor del libro Soulsville EE.UU.: la historia de StAX Records, cita a Booker T. Jones como diciendo, "Nos escrito parece demasiado, sobre todo Steve. Él es muy consciente de sonido, y él recibe una gran cantidad de sonidos de una Telecaster sin cambiar ninguna configuración - sólo con usar sus dedos, su selección, y su amperios ". Juntos, con Jones en un B-3 de órganos, podrían llegar a tantos sonidos que van sonaban como un grupo mucho mayor.

Además de su influyente trabajo con la MGS, Cropper co-escribió "El Knock Wood" con Eddie Floyd, "En el Midnight Hour" con Wilson Pickett, y "(Sittin 'On) El muelle de la Bahía" con Otis Redding. Su asociación con Redding fue particularmente fructífera; "(Sittin 'On) el muelle de la Bahía" solo se ha jugado más de seis millones de veces, por lo que es la sexta más jugado canción de todos los tiempos (ASCAP y el catálogo de la segunda).

En 1969, Cropper lanzó su primer disco en solitario, con algo de ayuda de mis amigos.

Después de StAX (1970-presente)

Steve Cropper bajo Hamar Festival de Música en 2007Cropper StAX izquierda en el otoño de 1970. La compañía ya había perdido Otis Redding en un accidente de aviación, las estrellas Sam & Dave (a través de StAX tratar de distribución de ruptura con Atlantic), y también un descontentos Booker T. Jones. Cuando Cropper izquierda, StAX perdido sus más exitosas de productores, junto con sus compañeros David Porter y Isaac Hayes.

Formó TMI (Trans-Maximus), con Jerry Williams y ex Mar-clave Ronnie Stoots. Allí prestó su guitarra y la producción de conocimientos a Jeff Beck, Tower of Power, John Prine, y José Feliciano (en sus 3 álbumes RCA; 1972 "Memphis Menú", 1973 "compartimentos estancos", 1974 "Para Mi Amor"). También durante este tiempo, tocaba Ringo Starr en 1973 del álbum Ringo y al año siguiente la Goodnight Viena, y John Lennon le pidió que desempeñar en su Rock 'n' Roll álbum. En 1975, Cropper había cerrado la tienda y se trasladó a Los Ángeles, donde Booker T. Jones también se vive. Hicieron un llamamiento a Jackson y Al Duck Dunn, aún en StAX, y decidió reformar la MGS. Sin embargo, Jackson, que Cropper llamado "el mayor baterista nunca a caminar sobre la Tierra", fue asesinado en su casa de Memphis.

A finales de los años setenta, Cropper y Dunn se convirtieron en miembros de (la banda el baterista) Levon Helm's RCO All-Stars, y luego pasó a conducir La Blues Brothers Band con Al Jackson's protegé baterista, Willie Hall. Esto llevó a varios álbumes y dos bandas sonoras de películas. Cropper vivían en Luisiana para los próximos trece años antes de trasladarse a Nashville.

Cropper permanece en el La Blues Brothers Band, reunificada en 1988. Él y Dunn tienen un círculo el mundo muchas veces con varios hombres delante, entre ellos Larry Thurston y StAX hombres Soul Sam Moore y Eddie Floyd. Otros notables e influyentes miembros de la banda Blues Brothers incluir el saxofonista Lou Marini (alias "Blue Lou"), el trompetista Alan Rubin (alias "Señor Fabulous") y trombonista Tom Malone (alias "Bones" Malone).

En febrero de 1998, dio a conocer este juego, Steve! donde se describe la inspiración detrás de su creación de algunas de Soul música más perdurables canciones. Fue puesto en libertad en este juego, Steve! Records. La frase es de Moore exclamó a Sam & Dave "Soul Man" y más tarde por John Belushi (alias "Joliet" Jake Blues) con El Blues Brothers. Cropper es también una parte de muchas organizaciones benéficas y presta su nombre a las prestaciones cada año.

Steve Cropper junto a Jimmy Barnes en Memphis el álbum gira en marzo, 2008Cropper es generalmente considerado como el más conocido e influyente guitarrista y alma, por su capacidad para adaptarse a diferentes estilos, en 1996, fue nombrado el más grande guitarrista de vida (segundo de todos los tiempos detrás de Jimi Hendrix) de Gran Bretaña de la revista Mojo. Cuando se le preguntó qué pensaba de Cropper, el guitarrista en el número cuatro, The Rolling Stones' Keith Richards, dijo: "Perfecto, el hombre".

Recientemente trabajó con Cropper Soul cantante australiano Guy Sebastian en su último disco El álbum Memphis. Cropper co-produjo el álbum, y ha trabajado junto con Donald "Duck" Dunn, Lester Snell y Steve Potts. El 2 de marzo de 2008 Steve Cropper Guy fueron invitados a la reunión Vega Domingo de acogida con Choirboys Mark Gable, mientras que Steve Guy respaldado en su Memphis Tour en Australia.

Steve ha sido confirmado para actuar en el Festival Ritmo 2008 junto a La Fauna

2008-07-05T11:05:00.000-07:00

John Fahey (28 de febrero de 1939 - 22 de febrero de 2001) fue un norteamericano fingerstyle guitarrista y compositor que fue pionera en la cadena de acero de la guitarra como instrumento solista. Su estilo ha sido muy influyente y se ha descrito como primitivas de América, un término tomado de la pintura y refiriéndose principalmente a los autodidactas naturaleza de su arte. Fahey propio tomada del folk blues y las tradiciones en la música americana, pero, además, incorporarse clásica, brasileña, india y el resumen de música en su ecléctica obra. En 2003, se clasificó 35to en Rolling Stone de "Los 100 Greatest Guitarristas de todos los tiempos" .

Carrera:
John Aloysius Fahey nació en Takoma Park, Maryland en un musical del hogar - como sus padres desempeñan el piano. Los fines de semana, la familia suelen asistir las actuaciones de los altos país y grupos de bluegrass del día, pero fue Bill Monroe audiencia de la versión de Jimmie Rodgers "" Blue Yodel N º 7 "en la radio que encendió los jóvenes Fahey la pasión por la música.

En 1952, después de haber sido impresionado por el guitarrista Frank Hovington, a quien accidentalmente se reunió durante una viaje de pesca, compró su primera guitarra por $ 17 desde la Sears-Roebuck catálogo. Junto con su incipiente interés por la guitarra, Fahey fue atraído a la recogida de registro. Aunque su gusto corre principalmente en el bluegrass y el país vena, Fahey descubrió su amor por el blues a principios de audiencia Blind Willie Johnson's "Alabado sea Dios que estoy satisfecho" en un registro de recogida de viaje a Baltimore con su amigo y mentor, el musicólogo Richard K . Spottswood. Mucho más tarde, Fahey la experiencia en comparación a una conversión religiosa y sigue siendo un devoto discípulo blues hasta su muerte.

Como su guitarra y componiendo avanzado, Fahey desarrollado un estilo que mezcla los patrones de recolección descubrió en 78s viejos blues con la disonancia de compositores clásicos contemporáneos que amaba, como Charles Ives y Béla Bartók. En 1958, Fahey hizo sus primeras grabaciones. Estos eran para su amigo Joe Bussard de aficionados Fonotone etiqueta. Lo grabó bajo el seudónimo de Ciegos Thomas.

Al año siguiente, que no tengan idea de cómo acercarse a profesionales y empresas discográficas están convencidos de que sería desinteresado, Fahey decidido publicar su primer álbum propio, con algo de dinero ahorrado de su estación de trabajo y asistente de algunas tomadas de un sacerdote episcopal. Por lo tanto, Takoma Records nació, llamado en honor de su ciudad natal. Un centenar de ejemplares de este primer álbum se presiona. A un lado de la manga álbum era el nombre "John Fahey" y por otra parte, "Blind Joe Death"-este último era un apodo humorístico que le ha otorgado sus compañeros de blues fans. Él trató de vender estos discos a sí mismo. Algunos le regalaron, algunos sneaked que el ahorro en las tiendas y el blues secciones locales de tiendas de discos, y algunos que envió a la música popular estudiosos, algunos de los cuales se deje engañar en pensar que existe realmente es la vida antigua cantante de blues llamada Blind Joe Death. Le tomó tres años para Fahey para vender el resto.

Después de graduarse de la Universidad Americana con un título en filosofía y religión, Fahey se trasladó a California en 1963 para estudiar filosofía en la Universidad de California en Berkeley. Llegada en el campus, Fahey-nunca-el forastero comenzó a sentirse insatisfechos con el programa del plan de estudios (que más tarde sugirió que el estudio de la filosofía había sido un error y que lo que había querido entender es realmente la psicología) y fue igualmente unimpressed con Berkeley (hippie) escena musical. Fahey loathed la cortés Pete Seeger-inspirado revivalists él se encontró con clasificados. Al año siguiente, Fahey se trasladó al sur de Los Angeles a unirse al folclore programa de maestría en UCLA, por invitación del jefe del departamento DK Wilgus. Fahey's UCLA tesis de maestría en la música de Charley Patton, publicadas más tarde, es considerada entre las mejores instituciones académicas del folclore. Terminó con la ayuda musicológica de su amigo Alan Wilson, que poco después pasó a ser miembro de Conservas de calor.

Durante este período, Takoma Records fue renacido. Fahey y ED Denson, un área de Washington, DC amigo que también ha movido al oeste, decidido a localizar Blues leyenda Bukka White mediante el envío de un telegrama a Aberdeen, MS (White había cantado Aberdeen que fue su ciudad natal, y Mississippi John Hurt se ha redescubierto utilizando un método similar). White se convirtió en la primera no Fahey Takoma liberación. Fahey también, por último, publicó un segundo álbum a finales de 1963, llamado Death Chants, Averías y Valses Militar. Para su sorpresa la liberación Fahey vendido mejor que White y Fahey tuvo una carrera adelante. Pero todavía no Fahey empezar a jugar en público por un año más.

Sus emisiones durante mediados del decenio de 1960 empleados impares afinaciones de guitarra y repentinos cambios de estilo sólidamente arraigada en los viejos tiempo y blues stylings de la década de 1920. Pero él no era un simple copista, como composiciones tales como "Cuando el siluro es Cactus en flor" o "Esta noche pisoteando a los Pensilvania / Alabama Fronteras" demostrar. Fahey describe la última pieza de la siguiente manera: "La apertura de los acordes son el último movimiento de Vaughan Williams" Sexta Sinfonía. Huelga de allí a un Ignorar James motivo. Después de que se desplace a un canto gregoriano, Dies irae. Es la más temible uno en el himno Episcopal libros, es todo sobre el día del juicio. A continuación, se vuelve a la Vaughan Williams acordes, seguido de un blues correr de origen indeterminado, a continuación, volver a Pasar James y así sucesivamente. " Una característica distintiva de su clásico de las emisiones es la inclusión de largas notas, parodiando las que se encuentran en versiones de blues. Típicamente, estos actos se épica de la libre mythologization, mezcla biografía personal, Reverie, el folclore, así como multitud de oscuros blues y bluegrass referencias.

Más tarde, álbumes de los años sesenta, como Requia y The Yellow Princess encontrado Fahey hacer collages de sonido de elementos tales como Gamelan música, canto tibetano, animales y aves gritos y cantando puentes. En 1967, grabó con Fahey Red Crayola en el 1967 Berkeley Folk Festival, la música que resurgió en el 1998 la ciudad de Arrastre de nuevo, The Red Krayola: Live 1967.

Además de su propia producción creativa, Fahey ampliado la etiqueta de Takoma, descubriendo colegas guitarristas Leo Kottke, Robbie Basho y Peter Lang, así como las nuevas pianista George Winston. Kottke el debut de liberación en la etiqueta, 6 - y 12-String Guitar, en última instancia resultó ser el mayor éxito del cultivo, la venta de más de 500000 copias. Otros artistas con los álbumes en la etiqueta incluido Mike Bloomfield, Rick Ruskin, The Fabulous Thunderbirds, Maria Muldaur, Michael Gulezian y Conservas de calor. En 1979, vendió Fahey Takoma a Chrysalis Records. Jon lunes, que había sido el Gerente General de la etiqueta desde 1970 era el único empleado que ir con la nueva empresa. Chrysalis finalmente vendió los derechos a los álbumes, y Takoma fue en el limbo hasta que han comprado de Fantasy Records en 1995.

últimos años:
A mediados de los años 1970, Fahey disminuido la producción y comenzó a sufrir de un problema con el alcohol. Él perdió su casa en la disolución de su primer matrimonio, contraído, divorciado una vez más, y se mudó a Salem, Oregon en 1981 a vivir con su tercera esposa. En 1986, contrajo Fahey Epstein-Barr síndrome, una larga infección viral similar al síndrome de fatiga crónica, lo que agrava su diabetes y otros problemas de salud. Él siguió para llevar a cabo dentro y alrededor de la zona de Salem, ya que fue gestionado por Finke amigos David y su esposa Pam. El trío intentó Fahey para mantener a flote la carrera por radio y pequeñas apariciones en el lugar o ejecuciones. Él rompió con su tercera esposa y su vida empezó a espiral descendente. Él hizo lo que parecía ser su último álbum en 1990, y el silencio descendió.

A pesar de que ganó sus cinco años de batalla con Epstein-Barr, Fahey pasó la mayor parte de comienzos del decenio de 1990 que viven en la pobreza, sobre todo en moteles baratos. Gigs había agotado, debido a sus problemas de salud. Rindió su alquiler prendado de su guitarra y la reventa de raro que los registros se encuentran en tiendas de ahorro.

A raíz de una entrada en 1994 Fahey en la revista Spin spin-off Alternativa Record Guide publicación, Fahey se enteró de que él tenía ahora toda una nueva audiencia, que incluía alternativa EE.UU. bandas Sonic Youth y Cul de Sac, British comediante y escritor Stewart Lee y el avant - garde músico Jim O'Rourke. Byron Coley publicado un gran artículo llamado "las persecuciones y resurrecciones de Blind Joe Death" (también en la revista Spin) y, al mismo tiempo un período de dos cd retrospectiva llamada "El retorno de lo reprimido" todo combinado para poner en marcha la carrera de Fahey. De repente nuevas versiones comenzaron a aparecer en rápida sucesión, en paralelo con la reedición de todos los principios de Takoma emisiones de Fantasy Records.

Jim O'Rourke iba a producir un álbum Fahey, Womblife del 1997, mientras que en el mismo año Fahey registró un álbum con Cul de Sac, La Epifanía de Glenn Jones (Glenn Jones es el principal guitarrista de Cul de Sac). Esta tarde la floración mostró Fahey había cambiado. Se acabó el dreaminess melódica y popular basado en meditaciones de los años 60 y 70, que característicamente Fahey denunció a sí mismo como "el sentimentalismo cósmico". Ahora su música es dura, rallado, y la confrontación.

Al mismo tiempo que fue profundizar en más de música experimental eléctrico, Fahey la pasión por la música tradicional de raíces no disminuir. Después de entrar en un poco de dinero con motivo de la muerte de su padre en 1995, Fahey utiliza el formulario de la herencia a otra etiqueta, Revenant Records, para centrarse en la nueva publicación oscuro grabaciones de los primeros blues, old-de la música, y cualquier otra cosa Fahey tomó una fantasía. En 1997, la etiqueta publicó su primera cosecha de las emisiones, incluidos los álbumes de artistas como el guitarrista británico Derek Bailey, American pianista Cecil Taylor, guitarrista Jim O'Rourke, el bluegrass pioneros Stanley Brothers, viejos tiempo banjo leyenda Dock Boggs, Rick Bishop de Sun City Girls, y deslice el guitarrista Jenks "Tex" Carman. Revenant la avenida más famosa de liberación se convertiría en Screamin 'y Hollerin' los Blues: Los Mundos de Charley Patton, un disco de siete retrospectiva de Charley Patton y sus contemporáneos, que ganó tres premios Grammy en 2003.

El 23 de mayo de 1998, Fahey (guitarra) realizó una notable pieza improvisada experimental en la WNUR-FM Airplay muestran en Evanston, Illinois, en colaboración con Jim O'Rourke (electrónica, mezclando en vivo). Más tarde esa noche, le dio una guitarra solista rendimiento a un Chicago catedral. En el verano de 1999, Fahey WNUR volvió a leer el manuscrito de para lo que se convertiría en "Cómo Bluegrass Music Destruido My Life" - el título de trabajo en ese momento era "nalgadas". Una entrevista con Fahey de la WNUR Joe Cannon siguió a la lectura. Fahey parece haber encontrado una nueva vitalidad a través de su excelente escritura, así como su ahora más experimental y composiciones improvisadas.

Fahey realizó en Europa en otoño de 1999, incluyendo un show en el Queen Elizabeth Hall, Londres en septiembre. Su vida parece a los observadores que se espiral fuera de control. Old aficionados a menudo se retiraron de estos conciertos, pero no Fahey atención.

En 2000, el sello discográfico de América Arrastra Ciudad publicó un volumen de Fahey's esotérico historias cortas, ¿Bluegrass Music Destruido My Life, editado por Damián Rogers con una introducción de O'Rourke.

En febrero de 2001, a tan sólo unos días antes de lo que habría sido su 62o cumpleaños, John Fahey Salem murió en el Hospital después de someterse a una operación de bypass séxtuples.

En 2006, cinco años después de su muerte, no menos de cuatro John Fahey homenaje álbumes fueron puestos en libertad como un testamento a su reputación como un "gigante del siglo 20 la música americana" (Byron Coley). Actualmente, seis álbumes de homenaje, se han registrado.

El John Fahey Homenaje del álbum, La venganza de Blind Joe Death, fue lanzado en 2006 por el sello Fantasy Records y ha Fahey melodías y composiciones originales realizadas por Dale Miller, George Winston, Michael Gulezian, Alex de Grassi, Charlie Schmidt, conservas de pescado (Fito de la Parra y Larry Taylor de Conservas de calor y Barry "The Fish" Melton (País de Joe y el pescado)), David Doucet, Country Joe McDonald, Peter Lang, Terry Robb, Sean Smith, Henry Kaiser y John Schott, Nick Schillace , Stefan Grossman, Rick Ruskin, Phil Kellogg, Andrew Stranglen, Nels Cline & Elliott Sharp, Pat O'Connell, y Blind Joe Death. El álbum fue producido por Jon Lunes

2008-07-05T11:00:00.000-07:00

Thurston Moore con el desempeño de Sonic Youth en el Festival de Roskilde 2005.
Información general
Nacimiento nombre de Joseph Thurston Moore
También conocido como espejo
Nacido el 25 de julio de 1958 (1958-07-25) (49 años)
Coral Gables, Florida, EE.UU.
Género (s) de rock alternativo, ruido rock, n º de onda, la música experimental Ruido música
Ocupación (s) Cantante, guitarrista, cantautor, Consultor, Registro de productores
Instrumento (s) Voz, Guitarra, destornillador, palo de tambor, piano, Amplificador
Años activo 1980 - Presente
Etiqueta (s) de Geffen
SST
Extático Paz!
Padre Yod
Lo Recordings
Asociado actos Sonic Youth
Ciccone Youth
Los cocheros
Espejo / Dash
Y lo que es peor
Significado de los sueños / Aktion unidad
Bark Haze
Dim Stars
Joseph Thurston Moore (nacido el 25 de julio de 1958 en Coral Gables, Florida) es un músico estadounidense más conocido como cantante, compositor y guitarrista de Sonic Youth. Ha participado como solista en numerosas colaboraciones y de grupo fuera de Sonic Youth, así como ejecutando un pequeño sello discográfico.

Los primeros años
Moore nació en Coral Gables, Florida, pero se planteó en [1] Bethel, Connecticut. Aunque se matriculó en Western Connecticut State University, él optó por trasladarse a la ciudad de Nueva York en lugar de unirse a la creciente ola de música post-punk/no escenas [2].

Una vez allí, Moore fue brevemente en la banda de hardcore punk lo que es peor, con futuro La Gran Asunción editor (y futuro Springhouse baterista) Jack Rabid. Después de salir de la banda, Moore y Lee Ranaldo aprendido guitarra experimental en técnicas de Glenn Branca "orquestas de guitarra." [2] Él también pasó mucho tiempo en la Universidad de Massachusetts y en el Amherst / Northampton zona.

Sonic Youth
Artículo principal: Sonic Youth
Ranaldo y Moore pronto formó Sonic Youth, que actúa como la banda de guitarristas, con Moore a conducir voces. La banda firmó a Neutral Records, luego de Homestead Records, y luego a SST Records.

Vivo en los Países Bajos (con Sonic Youth), 1991In 1984, Moore se casó Sonic Youth bajista / vocalista Kim Gordon, la pareja tiene una hija, Coco Hayley Gordon Moore. En la actualidad residen en Northampton, Massachusetts.

Él y Ranaldo hacen un amplio uso de afinaciones de guitarra inusuales, a menudo en gran medida la modificación de sus instrumentos para ofrecer timbres inusuales y aviones teledirigidos, que son conocidos por llevar más de cincuenta guitarras a cada concierto en vivo, utilizando algunas guitarras para una canción solamente. [2] En el año 2004 , La revista Rolling Stone clasificó Moore y Ranaldo la 33 ª y 34 ª Greatest Guitarristas de todos los tiempos.

Además de su trabajo con Sonic Youth, Moore también ha puesto en libertad álbumes como solista.

Él y Gordon liberados algunas canciones como espejo / Dash, una referencia a sus respectivos apodos. ( "Espejo" de ser un juego de palabras en alliterative "Moore" y "Dash" de ser un juego de palabras sobre Flash Gordon.)

Moore ha colaborado con decenas de músicos, entre ellos Lydia Lunch, DJ Spooky, William Hooker, Christian Marclay, Mike Watt, Loren Mazzacane Connors, Tom Surgal, William Winant, Nels Cline, Cock ESP, Daniel Castro, Chris Corsano y mi gato es un Alien. La mayor parte de su solista / dúo colaboraciones han sido fundamentales, y son por lo general improvisadas y / o ruido de base.

A comienzos del decenio de 1990, Moore formó la banda lateral Dim Stars, con la leyenda punk Richard Hell de los Voidoids. Moore realiza en solitario en el lado etapa de la gira Lollapalooza 1993.

Además, Moore también ha contribuido el trabajo de guitarra y coros en "Crush Con Eyeliner", que apareció en la Monster REM LP.

Desde 2004, Moore ha grabado y actuado con el all-star ruido colectiva de vivir y Shave en Luisiana, la línea de que también cuenta con Andrew WK. Lo grabó con la banda Sonic Youth en el ex estudio en Manhattan, y más tarde realizó con ellos en el George W. Bush "anti-inaugural" El ruido contra el fascismo concierto en Washington, DC, cuyo nombre en referencia a Sonic Youth en 1992 la canción "La juventud contra el fascismo ". Moore curada la "Pesadilla antes de Navidad" de fin de semana de la Mañana Todas las Partes del festival de música, en diciembre de 2006.

Moore dirigió el videoclip de la canción de Pavimentación "Aquí", y de Slanted Encantada.

El pie es una colaboración entre Don Fleming, Jim Dunbar y Thurston Moore.

El 21 de junio de 2007, Moore reveló a la revista Spin de que lanzará un álbum como solista titulado árboles fuera de La Academia. El álbum fue grabado en J Mascis' estudio en Amherst, Massachusetts. El álbum se compone principalmente de material acústico y las características Sonic Youth baterista Steve Shelley y violinista Samara Lubelski. El álbum también cuenta con colaboraciones entre Mascis y Charalambides »Christina Carter, que realiza un dúo con Moore en la pista," honesto James. " El álbum fue puesto en libertad el 18 de septiembre de 2007, a Moore etiqueta del extático Paz.

En 1994, Moore trabajó en equipo con Greg Dulli de The Afghan Whigs, Don Fleming, de Gumball, Mike Mills de REM, y Dave Grohl de Nirvana / Foo Fighters, para formar el backbeat Band, que registró el álbum de banda sonora para la película backbeat.

En 1998, Moore juega en la banda sonora de la película Velvet Goldmine como miembro de Wylde Ratttz, junto con The Stooges' Ron Asheton, Sonic Youth su bandmate Steve Shelley, Minutemen Mike Watt's, la Gumball Don Fleming, Mark Arm de Mudhoney y Jim Dunbar.

Moore también compuesto música original para las películas:

Heavy (1995)
Manic (2001)

Moore y otros S.Y. miembros publicado el irreverente música zine Sonic Life. Moore dirige el sello discográfico extático Paz!. A partir de 1993, esta etiqueta en libertad conjuntamente con los registros de rock crítico Byron Coley la etiqueta, el Padre Yod, como extático Yod Records.

Moore examinó nueva música a Arthur Magazine. Él administra el sitio web de protesta Records, llamado así por su protesta contra la piratería musical leyes. Moore fue el editor / supervisor del libro 2005 Mix Tape: The Art of Cassette Cultura

2008-07-05T10:56:00.000-07:00

Lee Ranaldo (3 de febrero de 1956 Long Island, de nacionalidad italiana) es una ragazo provincial creció con discos de Rolling Stones, Kinks, Cream, Led Zeppelin, Talking Heads y Television, en el amor con la guitarra, en particular accordature "abierto" Crosby Stills & Nash, Neil Young, Joni Mitchell y Grateful Dead.

Formato su primer grupo, Fluks (Flucts más tarde), se trasladó a Brooklyn (1980) en un extraño giro del conocimiento pasa a formar parte del grupo de Glenn Branca, con quien experimenta una extraña vida de gira. Mientras tanto, un año más tarde un beneficio llamado Thurston organiza la White Columns (un'angusta galería de arte) "Noise Festival" y entre los artistas invitados se encuentra el nombre de Branca (en el que grupo militar Ranaldo). Para la ocasión Thurston ribattezza su formación Sonic Youth, un cruce entre Big Juventud y Sonic's Rendezvous Band (el grupo formado por Fred "Sonic" Smith). Inmediatamente después de la fiesta, sin embargo, Sonic Youth es sciolsero.
Lee en ese momento se dedicaba sólo en parte con Branca y en ese momento él también perdió con el grupo que esibiva: Plus Instruments.
Kim, que sabía tanto guitarristas Lee sugirió a jugar con Thurston y sólo una semana después de los tres músicos estaban en blanco las columnas para probar nuevas canciones: entre el primer The Burning Spear. Poco después el baterista se añadió Edson.

2008-06-22T08:42:00.000-07:00

Berkeley, California nativo John Cipollina (24 de agosto de 1943 - 29 de mayo de 1989), músico, es mejor conocido por su trabajo con el de San Francisco banda de rock Quicksilver Messenger Service.
Tenía un sonido de guitarra único, mezcla de estado sólido y amplificadores de válvulas tan temprano como 1968. Jugó con el dedo de la mano coge y se ha utilizado un whammy bar extensamente, que explicó a Jerry Garcia es para compensar la debilidad de su izquierda (trémolo). Aún más inusual, que concede cuatro wurlitzer cuernos en la parte superior de su distintivo amplificador pila. Su estilo era muy melódica y expresiva.
estado sólido - Valve - 1968 - Finger recoge - Whammy bar - Jerry Garcia - Wurlitzer
Cipollina murió a la edad de 46 años de enfisema después de toda una vida de enfermedad.

2008-06-22T08:01:00.000-07:00

Dick Dale no era apodado "el rey de Surf Guitar" para nada: él prácticamente inventó el estilo solo, y no importa que copian o ampliadas a su plan, se mantuvo la fieriest, técnicamente más dotados músico del género jamás producidas. Dale pionero de la utilización de Oriente Medio y Europa oriental melodías (adquirida orgánicamente a través de su patrimonio familiar) fue uno de los primeros en cualquier género de la música popular de América, y es anterior a la enseñanza de esos "exóticos" en las escalas de guitarra-trituradora academias de dos décadas. La velocidad vertiginosa de su sola nota staccato picking técnica fue rival hasta que entró en el repertorio de metal virtuosos como Eddie Van Halen, y su salvaje espectáculo hizo una enorme impresión en los jóvenes Jimi Hendrix. Trabajando en estrecha colaboración con la compañía Fender, Dale continuamente empujado los límites de la tecnología de amplificación eléctrica y contribuir al desarrollo de nuevos equipos que fue capaz de producir el grueso, claramente definidos los tonos que escucha en su cabeza, a los anteriormente inimaginables-de los volúmenes que exige. También fue pionera en el uso de portátiles efectos de reverberación, la creación de una firma sónica textura de surf instrumentales. Y, si todo esto fuera poco, Dale conseguido redefinir su instrumento mientras esencialmente jugando boca abajo y hacia atrás - pasó a las partes para poder jugar zurdo, pero sin re-stringing (como Hendrix hizo más tarde) .

Dick Dale nació Richard Monsour en Boston en 1937, su padre era libanés, su madre polaca. Como un niño, fue expuesto a la música popular de ambas culturas, que tuvieron un impacto en su sentido de la melodía y las formas instrumentos de cuerda podría ser recogidos. Él también escuchó los lotes de big band swing, y encontró su primer héroe musical en el baterista Gene Krupa, que más tarde la herida hasta que influyen en un enfoque de percusión a la guitarra tan intenso que regularmente Dale rompió el más pesado de vía cadenas de terreno disponible y su coge nada hasta varios a veces la misma canción. Él enseñó a sí mismo para jugar canciones país en el ukelele, y pronto se graduó a la guitarra, donde también fue autodidacta. Su padre le animó y se ofreció orientación profesional, y en 1954, la familia se mudó a California del Sur. Por sugerencia de un país DJ, Monsour adoptó el nombre artístico Dick Dale, y comenzó a realizar en muestra de talento local, donde su incipiente interés en rockabilly le hizo un acto popular. Grabó un demo de la canción, "Ooh Whee-Marie," para los locales Del-Fi etiqueta, que más tarde fue puesto en libertad como una sola a su padre el nuevo Del-tonos pie de imprenta y distribuidos localmente. Durante los últimos años 50, Dale también se convirtió en un ávido surfista, y pronto se dedicó a encontrar formas para imitar los sonidos y la creciente sensación de este deporte y el océano en su guitarra. Él rápidamente desarrollado un elevado carácter distintivo sonido instrumental, y se encontró un entusiasta, ready-made de audiencia en su navegante amigos. Dale comenzó a tocar conciertos regulares en el Rendezvous Ballroom, una vez desaparecida concierto lugar cerca de Newport Beach, con su respaldo la banda Del-Tonos; como palabra propagación y conciertos en otras salas locales siguieron, Dale se convirtió en un éxito entre la atracción, aprovechando 1000s de los aficionados a cada función. En septiembre de 1961, Del-tonos Dale liberados del single "Let's Go Trippin '", que es generalmente reconocido como la primera registrada de surf instrumental.

"Let's Go Trippin '" fue un gran éxito local, e incluso trazado a nivel nacional. Dale dio a conocer un poco más local singles, incluyendo "Jungle Fever", "Miserlou", y "Surf Beat", y en 1962 publicó su (y la música surf) primer álbum, el pionero Surfer's Choice, en Del-tonos. Surfer's Choice vendidos como hotcakes en todo el sur de California, Dale que ganó un contrato con Capitol Records y la distribución nacional de Surfer's Choice. Dale apareció en la revista Life en 1963, lo que llevó a apariciones en El Ed Sullivan Show y el Frankie / Annette película Beach Party; él también liberado el seguimiento de LP Rey del Surf Guitar, y se dirigió a la expedición de otros tres álbumes en Capitolio a través de 1965. Durante ese tiempo, desarrolló una estrecha relación de trabajo con Leo Fender, que mantienen la ingeniería más grandes y mejores sistemas de sonido en respuesta a Dale el apetito para más alto y más maniacally enérgicas actuaciones en directo.

Surf música se convirtió en una moda nacional, con grupos como los Beach Boys y Jan & Dean ofrece una variante de vocales para completar la ola de grupos instrumentales, todas las cuales fueron en deuda de alguna manera a Dale. Pero en 1964, la British Invasion robó mucho de surf del trueno, y Dale fue eliminado por Capitol en 1965. Él sigue siendo un éxito entre la ley local, pero en 1966, fue diagnosticado con cáncer del recto, lo que le obligó a retirarse temporalmente de la música. Venció la enfermedad, sin embargo, y muy pronto comenzó a perseguir otros intereses: la propiedad y el cuidado de una variedad de animales en peligro de extinción, el estudio de las artes marciales, el diseño de sus padres la casa, y aprender a piloto de aviones. En 1979, un pinchazo sufrido la herida, mientras que el surf fuera de Newport Beach dado lugar a una contaminación relacionados con la infección que casi le costó la pierna; Dale pronto activista ambiental añadido a su curriculum vitae. Además de todo eso, Dale realizan de vez en cuando alrededor de todo el sur de California el 70 y 80.

En 1986, Dale trató de montar una vuelta. La primera vez que registró un beneficio único para la UC-Irvine Medical Center de la unidad de grabación (que él había ayudado a recuperarse de lesiones potencialmente graves), y al año siguiente apareció en la playa-movie sendup Volver a la playa. La banda sonora ofreció un dúo entre Dale y Stevie Ray Vaughan en los Chantays' surf básicos "Pipeline", el cual fue nominado para un Grammy al Mejor Instrumental Rock. En 1991, Dale hizo un invitado al contado en un álbum de la sede en San Francisco Psychefunkapus, y el éxito de concierto del Área de la Bahía se le firmados con Hightone Records. El álbum tribales Trueno fue puesto en libertad en 1993, pero Dale la vuelta no llegó en su apogeo hasta que, en 1994, "Miserlou" fue elegido como el tema de apertura a Quentin Tarantino 's exitosa película Pulp Fiction. "Miserlou" se convirtió en sinónimo de Pulp Fiction de la ultra-cadera sentido del estilo, y pronto se licencia en innumerables comerciales (al igual que varios otros Dale pistas). Como resultado de ello, Tribal Thunder 1994 y su seguimiento Territorio Desconocido atraído mucha atención, ganando los comentarios positivos y sorprendentemente fuerte de ventas. En 1996, apoyó el álbum Beggars Banquet Llamada de bebidas espirituosas de unirse a la normalmente punk-ska y orientada hacia el Warped Tour. Agregando a su mujer y los jóvenes que juegan al tambor hijo a su banda, Dale reorientado a viajar en los próximos años. Por último, volvió con un nuevo CD en 2001, Desorientación espacial, publicado en el pequeño Sin-Drome etiqueta.

2008-06-22T07:59:00.000-07:00

George "Buddy" Guy (30 de julio, 1936) es un guitarrista y cantante de blues estadounidense. Es conocido por ser un innovador de la guitarra, dentro del Blues de Chicago y es una de las mayores influencias para muchos guitarristas, como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, por nombrar a algunos. Ganó cinco veces un Premio Grammy.
Guy aprendió guitarra utilizando un diddley bow que el mismo construyó. A medida que iba aprendiendo a tocar, un familiar le regaló una guitarra acústica, que ahora forma parte de la exposición de la Rock and Roll Hall of Fame.
A principios de la década de 1950, empezó tocando en bandas de la zona de Baton Rouge, Louisiana. En 1957 se mudó a Chicago a probar suerte. Muddy Waters lo vió tocar y lo tuvo como colaborador part-time. En 1958, en una competencia de jóvenes promesas organizada por los guitarristas del West-Side, Magic Sam y Otis Rush, Guy fue ganador del certámen, haciendose acreedor a un contrato de grabación.
Buddy tiene la increíble capacidad de ir de un espectro a otro. Puede tocar con el silencio más silencioso que jamás hayas oido ¡y también puede tocar de la forma más ruidosa que jamás hayas oido!. Yo acostumbro tocar fuerte, la mayoría de las veces, pero los tonos de Buddy son sencillamente increíbles... ¡el puede ponerle tanta emoción usando tan poco volumen!

2008-06-22T07:55:00.001-07:00

Como un socio fundador de los Títeres legendarios, el guitarrista Ron Asheton siempre cambió la cara de rock and roll, sus figuras rítmicas crudas, primordiales que presagian la subida de punk antes de una década. Nacido el 17 de julio de 1948 en Washington, C.C., él primero emergió en el adolescente atan las Vergüenzas Sucias antes de la conexión del Iggy Títeres Conducidos por pequeños explosión en 1967; Ana Arbor, MI-based el grupo hizo su estreno vivo sobre el Halloween de aquel año, ganando la notoriedad inmediata para su presencia terriblemente intensa viva y abrasador, el sonido.
Aunque celebrado en ciertos círculos subterráneos, la cinta - también la comprensión del hermano de tambor de Asheton Scott y bajista Dave Alexander - de otra manera casi mundialmente fueron insultados, pero de todos modos ellos fueron firmados por Elektra para registrar su estreno de 1969 autotitulado LP; el álbum vendido mal, como hizo sus sucesores (la Casa de Diversión de los años 1970 y el Poder Crudo del 1973), pero el impacto a largo plazo de los Títeres eran incalculables - en efecto, su agresivos, el acercamiento " no toma a ningunos prisioneros " puso el trabajo preliminar para la aparición de punk.
Después de que los Títeres se desintegraron tras el fracaso comercial del Poder Crudo, los hermanos Asheton formaron la Nueva Orden(Pedido) efímera, publicando(emitiendo) LP autotitulado sobre RCA en 1978; Ron después emergió en el equipo de culto de Detroit célebre Destruyen Todos los Monstruos, que eran brevemente los queridos de la música británica siguen la fuerza de individuales(solteros) de era de punk como "Aburrido" " y Encuentra la Camilla. "
En 1981, él unió la ex-radio Birdman miembros Deniz Tek y Robar Más jóven en su supergrupo subterráneo la Nueva Raza(Carrera), la grabación LP vivo el Primero y el Último; tranquilo para la mejor parte de la década que siguió, Asheton devuelto al deber(impuesto) activo musical durante mediados de los años 1990, grabación Delgada(Fina), Delgada y Ninguno con el Conjunto vacío también combinando con el muchacho Destruye Todo el alumbre de Monstruos Niágara para liberar el Último Gran Paseo bajo el nombre el Carnaval Oscuro. Él también combinó del Brazo de Señal de Mudhoney, Miguel Watt y la Juventud Acústica Thurston Moore y Steve Shelley en el proyecto único el Wilde Rattz, la grabación un puñado de pistas para el Terciopelo de drama de película de rock era glam del 1998 la Mina de oro.

2008-06-21T15:45:00.000-07:00

Stephen stills nació el 3 de enero de 1945 en Dallas, Texas. Hijo de un militar que llevó a su familia a vivir en algunos países latinoamericanos, donde conoció y se aficionó por los ritmos latinos, que desarrollaría en Buffalo Springfield y en solitario, colaboró con el acordeonista Flaco Jiménez de los Texas Tornados en una versión de "Change partners". Conoció a Furay en los "Au Go Go Singers", con los que en 1964 graban "They call us Au Go Go Singers". Abandona el grupo y viaja a Los Angeles para presentarse al casting de los Monkees y no es seleccionado, pero sí lo es su amigo Peter Tork, por lo que Stills colaborará en ocasiones con ellos. Después de la separación de Buffalo Springfield, graba un disco con Al Kooper y Mike Bloomfield (Supersession), antes de formar Crosby, Stills y Nash. Aunque sigue su carrera en solitario con discos como "Stephen Stills"(1970), "Stephen Stills"(1971), "Stills"(1975), "Illegal Stills"(1976), etc. Forma el grupo Manassas, con Chris Hillman (de los Byrds), Al Perkins, Joe Lala, y otros músicos. Graban dos L.P.s, "Manassas" (1972) y "Down the road" (1973). Durante los años 80 y 90, su carrera se va diluyendo, al margen de las reuniones con Crosby, Nash y Young, que se repiten periódicamente.

2008-06-21T15:39:00.000-07:00

Mark Knopfler nació en Glasgow, se mudó con su familia a Newcastle a mediados de los 50. Aprendió a tocar la guitarra cuando era un adolescente. En 1966, con tan sólo 16 años, debutó en televisión cantando la canción "Chilly Winds" con Sue Hercombe. Incluso llegó a grabar una maqueta llamada "Summer's Coming Our Way" (que no se conserva). Tras completar su educación de literatura inglesa, se trasladó a Leeds a comienzo de los 70. Trabajaba para los periódicos Yorkshire Evening Post y el Loughton College. En esta época es cuando conoció a Steve Phillips con el que entabló amistad y grabó varias canciones de country que no verían la luz hasta 1996 cuando Steve Phillips publicara el álbum Just Pickin' con una serie de canciones grabadas entre finales de los 60 y mediados de los 70 con distintos músicos. Steve y Mark volverían a encontrarse en sus carreras musicales con la formación del grupo Notting Hillbillies.
Mark se trasladó a Londres con su hermano, David Knopfler. Mark pasó a formar parte de un grupo llamado Brewer's Droop que había publicado ya un álbum Opening Time. En 1973, grabaron su segundo álbum, Booze Brothers, producido por Dave Edmunds de Rockpile. Sin embargo, por diversos problemas, el álbum no fue publicado hasta 1989. Durante la grabación, Mark conoció al batería del grupo, Pick Whiters.
Una vez disuelto el grupo "Brewer's Droop", Mark volvió a la rutina viviendo con su hermano. En 1977, durante una fiesta, Mark conoció a John Illsley, que tocaba el bajo. Fue entonces cuando decidieron formar un grupo: Mark, su hermano David, John y el antiguo batería de "Brewer's Broop", Pick Withers. En un comienzo, el nombre de la banda fue "Cafe Racers". Interpretaban su repertorio (principalmente compuesto por Mark, aunque con canciones de David y versiones de otros músicos) en los pubs de Londres, como otras muchas bandas británicas del momento (lo que acabó conociéndose como Pub rock). Finalmente, fue Pick el que propuso cambiar el nombre a Dire Straits (que en inglés viene a significar "malos momentos") debido a la penosa situación económica que vivían en aquellos días.
En 1978, consiguen publicar su primer álbum, titulado simplemente Dire Straits. Generó el éxito Sultans of Swing. Tras ese álbum, continuaron publicando discos a medida que el personal de la banda iba cambiando. David y Mark se enfrentaron por el protagonismo que tenía este último dento de la banda. Durante los 80, la banda evolucionó musicalmente hacia una mayor complejidad mientas que se convertía en un conjunto de músicos más variado y más grande. En 1985, tan sólo John y Mark continuaban en la banda. Fue entonces cuando publicaron Brothers In Arms, un éxito sin precedentes que les lanzó definitivamente. Artistas de la talla de Sting y Eric Clapton colaboraron con la banda en ésta época.
Tras una etapa de silencio a finales de los 80, Dire Straits volvió comienzos de los 90 con el que sería su último álbum, con una clara influencia country. No consiguió las mismas ventas que "Brothers in Arms" y tuvo críticas polarizadas. Finalmente, en 1995 la banda se disolvió.
Knopfler se había ganado una cierta reputación como músico de estudio. En 1979 Bob Dylan le llamó para las sesiones de Slow Train Coming, que incluye la conocida "Man Gave Names To All The Animals". Dylan había escuchado el single de "Sultans of Swing" y le había contactado el 29 de marzo tras un concierto en Los Ángeles. Para la grabación en Alabama, Knopfler recomendó a Pick Withers, baterista de Dire Straits.
En 1983, mientras tocaba con Dire Straits, Knopfler compuso la primera de una larga serie de bandas sonoras, "Local Hero", en la que colaboraron la mayoría de sus compañeros. A Guy Fletcher, teclista que se incorporó a la formación poco después, lo conocieron en 1984, durante la grabación de una de estas bandas sonoras. Fletcher seguiría colaborando con Knopfler en su carrera en solitario y en otras bandas sonoras como la de Last Exit To Brooklyn (1989): su trabajo más ambicioso como compositor. El estilo de Knopfler en sus bandas sonoras se acerca en general al sonido llamado celta ("Local Hero", "Cal", "A Shot At Glory") aunque también se pueden encontrar ejemplos de otros estilos como el country ("La Cortina de Humo"). En 1993, se publicó Screenplaying; una recopilación de los mejores temas de algunas de sus bandas sonoras.
En la etapa de silencio de Dire Straits a finales de los 80, Mark se encontraba saturado del esfuerzo que había supuesto la gira mundial del álbum "Brothers in Arms". Además, el estilo musical de la banda, le impedía publicar canciones más personales de estilos más minoritarios como el country o el blues. Por ello, en esos años en los que Dire Straits no publicaba nada, Mark aprovechó para publicar un disco con el guitarrista de country Chet Atkins en 1990 (más adelante, en el año 2006, volvería a publicar un álbum de country en colaboración con otro músico, la cantante Emmylou Harris). En 1988 vuelve a colaborar con Bob Dylan en Down in the Groove, en el que coincide con otros grandes, como Clapton. Con Steve Phillips, Brendan Crocker y Guy Fletcher agrupó la banda Notting Hillbillies, que publicó un sólo álbum de estudio, aunque se han reúnido con frecuencia para hacer giras a lo largo de los 1990.
A mediados de los 90, Mark se sentía cada vez menos libre como músico dentro de Dire Straits. Este sentimiento junto con el hecho de que el último álbum de la banda había tenido un recibimiento tibio, hicieron que Mark decidiera lanzar una carrera en solitario plena tras la disolución de Dire Straits. En 1996, Golden heart vio la luz. En él, encontramos una serie de canciones que continúan el estilo de los últimos álbums de Dire Straits; pero al mismo tiempo encontramos otras canciones impensables en un álbum de pop-rock al uso como Dire Straits solía publicar. En este álbum comenzó a tocar con una serie de colaboradores que serían denominados por el propio Knopfler como "The 96ers" (que viene a significar algo así como "los del 96") y con los que seguiría colaborando en adelante. Digno de mención es la colaboración de los intérpretes de música celta del grupo The Chieftains.
Alejándose progresivamente del estilo que había seguido en los 80, Knopfler publicó Sailing to Philadelphia en el año 2000; con un estilo principalmente de blues. En él colaboraban músicos como Van Morrison, James Taylor o el dúo de Squeeze. Más tarde, llegó The Ragpicker's Dream en 2002 con un estilo folk.
En 2003, Mark Knopfler sufrió un accidente de moto en Londres que le obligó a cancelar su gira mundial. A finales de 2004, publicó el álbum Shangri-La, grabado en el estudio Shangri-La en Malibu; donde grabaron grupos como The Band.
En 2006, Mark Knopfler junto a Emmylou Harris publican el álbum "All the Roadrunning",en el que se recogía colaboraciones entre los dos músicos entre los años 2000 y 2006. El lanzamiento vino acompañado por conciertos en Europa y America durante el año 2006; que dieron lugar al álbum en directo y DVD "Real Live Roadrunning".
El 10 de septiembre de 2007, salió el que hasta la fecha es el último álbum de Mark Knopfler,"Kill to get crimson", en el cual se cuentan las colaboraciones del ex-Dire Straits, Chris White en el saxo tenor, Guy Fletcher en los teclados y Danny Cummings en la percusión. Para este nuevo álbum, Knopfler rompió con la que venía siendo formación habitual de su banda desde mediados de los 80 (dos guitarristas, dos teclados, un bajo y una batería) para pasar a una banda mucho más pequeña (una guitarra, un teclado, un bajo y una batería). Con ello, buscaba alcanzar el estilo musical de las canciones de los años 60.
Mark Knopfler tiene dos hijos gemelos (Benji y Joseph, de su segundo matrimonio), y dos hijas, Isabella y Katya Ruby Rose (del actual); tiene un título en literatura inglesa de la universidad de Leeds, la universidad de Newcastle le ha concedido un título honorífico en música

2008-06-21T15:36:00.000-07:00

Tom Morello creció en Libertyville, IL. El nombre de su madre es Mary Morello, quien es la fundadora de "Parents for Rock & Rap" , es una organización contra la censura. Su padre fue un militar que estuvo en la batalla de Mau-Mau que liberaba a Kenya de órdenes británicas. Su educación política, dice él: "empezó el primer minuto que tuve piel café y entré a un jardín de infancia interracial".
Fue a una guardería en Libertyville donde una niña blanca le decía constantemente "negrata" y otras frases racistas, y aunque él no sabía que quería decir, cuando se lo contó a su madre, ella le enseñó información sobre Malcolm X, y habló con él. Al día siguiente, la niña le dijo las mismas cosas de nuevo, y el le contestó: "¡Cállate blanquita!" y le pegó un puñetazo en la cara.[1]
Vivió en Libertyville casi toda su vida y estaba en el club de teatro del colegio y se interesaba en las políticas marxistas. También resulta ser un fanático de la ciencia-ficción, debido a numerosas referencias que han salido durante los años, como el título del disco de "Lock Up", que fue basado en la novela de Ray Bradbury "Something wicked this way comes"; siendo más joven estuvo en un grupo llamado "Electric Sheep", este nombre fue tomado del título de la novela de Phillip K. Dick "¿Sueñan los androides con ovejas electricas?", que luego fue llevada al cine como "Blade Runner". Finalmente, "Radio Free L.A." fue una adaptación del título de otra novela del señor Dick "Radio Free Albermuth". Dick fue un escritor que usualmente expresaba desilusión y establecía el orden del Universo.
Su primera experiencia con la guitarra, la tuvo cuando oyó una canción de KISS que quería tocar. Le pagó 5 dólares a una persona para que le enseñara, pero desafortunadamente, lo primero que le enseñó fue como afinar la guitarra. Tom volvió la siguiente semana, pagó otros 5 dólares, y le enseñaron la nota "Do". Eso fue todo para él, no volvió a tocar guitarra en varios años. Después oyó una canción de los "Sex Pistols", y también pensó que podría demostrar sus sentimientos e ideas políticas por medio de la guitarra, así que aprendió a tocar. Formó una banda llamada "Electric Sheep" con su compañero de colegio Adam Jones de Tool. Estudió en la Universidad de Harvard, donde se graduó en Historia. Aquí es cuando comenzó a practicar obsesionadamente, casi 8 horas diarias con la guitarra. Después todos sus amigos de Harvard terminaron siendo doctores, abogados, etc, Tom se fue para Los Ángeles, porque supuestamente ahí era donde tenía que ir uno para formar una banda de rock.
Llegó sin nada, excepto con un estuchito de aluminio de Harvard para guardar números de teléfonos. Empezó su carrera rockera, tocó en muchas bandas pero ninguna tuvo éxito. Empezó a dar clases de guitarra para poder vivir, hasta que consiguió trabajo como el secretario del senador de California. Fue despedido cuando una mujer llamó quejándose de que unos negros se estaban mudando en su vecindario, y él le dijo a la mujer que tal vez el problema no eran ellos, sino el hecho de que ella era una racista. Luego formó un grupo llamado "Lock Up", donde él hacía los coros.
Conoció a Zack de la Rocha, y formó Rage Against The Machine, en donde destacó por sus iracundas letras y filosofía anti-sistema.
Tras 9 años con el grupo, (1991-2000) Zack deja el grupo. El resto de la banda, con el ex vocalista de Soundgarden, Chris Cornell, forma el grupo Audioslave. Después de tocar en una banda sin fines políticos como Audioslave, en 2003 volvió al activismo político tocando música folk con el seudónimo de The Nightwatchman él al principio no tenía planes de grabar disco, pero después grabó la canción "No One Left" para "Songs and Artists that Inspired Fahrenheit 9/11". En febrero del 2007, anunció el lanzamiento de un álbum como solista, One Man Revolution, el cual fue lanzado el 24 abril en los Estados Unidos y el 7 de mayo para todo el mundo. Actualmente se espera una nueva reunión del grupo Rage Against The Machine o el lanzamiento de un nuevo disco por parte de los mismos, tras la inmediata disolución de Audioslave que se dio tras publicar su último disco, además de las actuaciones que tuvo la formación original de Rage Against The Machine con Zack de la Rocha como cantante recientemente.

2008-06-21T15:22:00.000-07:00

El guitarrista Freddie King montó a caballo a la fama a principios de los años 60 con una crecida de los instrumentales pegadizos que se hicieron el forraje de quiosco de música inmediato para bluesmen de muchacho(colega) y conjuntos rock blancos igualmente. El empleo de un más poco exigente (mancha y picos de dedo) el acercamiento al B.B. El estilo de cuerda sola de rey de juego, Rey disfrutó del éxito sobre una variedad de etiquetas diferentes de registro. Además, él era uno de primer bluesmen para emplear un grupo racialmente integrado teatral detrás de él. Bajo la inflluencia de Eddie Taylor, Jimmy Rogers, y Robert junior. Lockwood, el Rey continuó a influir el gusta de Eric Clapton, Mick Taylor, Stevie Ray Vaughan, y Lonnie Mack, entre muchos otros.
Freddie King (quien al principio fue facturado como "Freddy" temprano en su carrera) fue nacido y levantó en Gilmer, TX, donde él aprendió como jugar la guitarra como un niño; su madre y tío lo enseñaron el instrumento. Al principio, el Rey jugó el blues rural acústico, en la vena de Lightin ' Hopkins. En el tiempo él era un adolescente, él había crecido para gustar los sonidos ásperos, electrificados de blues de Chicago. En 1950, cuando él tenía 16 años, su familia movida a Chicago, donde él comenzó a frecuentar clubs de blues locales, escuchando a músicos como Aguas Fangosas, Jimmy Rogers, Robert junior. Lockwood, Pequeño Walter, y Eddie Taylor. Pronto, el guitarrista jóven formó su propia cinta, Cada Muchachos de Blues de Hora, y se realizaba.Al mediados - los años 50, el Rey comenzaron a aprovecharse de sesiones para Parrott y Registros De ajedrez, así como jugar con los Gatos de Blues de Earlee Payton y la Pequeña Cinta de Tonelero Sonny. Freddie King no cortó su propio registro hasta 1957, cuando él registró " el Muchacho de País " para la pequeña etiqueta independiente la Abeja el-. El solo fracasado ganar mucha atención.
Tres años más tarde, el Rey firmó con Registros Federales, una filial de Registros de Rey, y registró su primero solo para la etiqueta, " Usted tiene que Amarla con un Sentimiento, " en agosto de 1960. El solo aparecido el mes siguiente y se hizo un golpe menor, raspando el inferior de la pequeña explosión traza a principios de 1961. " Usted tiene que Amarla con el Sentimiento " fue seguido " del Puesto Lejos, " la canción que se haría la melodía de firma de Freddie King y la grabación más influyente. " El puesto Lejos " fue adaptado por el Rey y la Magia Sam de un Perro de Sabueso el instrumental de Taylor y nombrado una de las barras más populares en Chicago. El solo fue liberado como el Lado de b " de Amo a la Mujer " (sus individuales(solteros) figuraron un vocal Aparte y un Lado de b instrumental) en la caída 1961 y esto se hizo un golpe principal, alcanzando número cinco sobre el RB traza y número 29 sobre la pequeña explosión traza. A lo largo de los años 60, " el Puesto Lejos " era uno del blues de canciones necesario y cintas de barra de seguridad de roca a través de América y Inglaterra tuvo que jugar durante sus falúas.El primer álbum del rey, Freddy King Canta, apareció en 1961, y fue seguido más tarde ese año por Van a Ocultarse Lejos y el Baile Lejos con Freddy King: Estrictamente Instrumental. A lo largo de 1961, él resultó una serie de instrumentales - incluyendo "San-Ho-Zay", " el Tropezón, " " y soy Derribó " - que se hizo clásicos de blues; cada uno de la Magia Sam y Stevie Ray Vaughan a Dave Edmunds y Peter Green cubrió el material del Rey. " El blues de Silbido Solitario, " " San-Ho-Zay, " " y soy Derribó " todos se hicieron Diez primeros RB golpes ese año.
Freddie King siguió registrando para Registros de Rey hasta 1968, con un segundo álbum instrumental (Freddy King Le da una Bonanza de Instrumentales) apareciendo en 1965, aunque ninguno de sus individuales(solteros) se hiciera golpes. Sin embargo, su influencia fue oída en todas partes del blues y guitarristas de roca a lo largo de los años 60 - Eric Clapton hecho " el Puesto Lejos " su número de escaparate en 1965. El rey firmó con Atlántico/Cotillón a finales de 1968, liberación Freddie King Es los Maestros de Blues el año siguiente y Mi Compadecencia al Blues en 1970; ambas colecciones fueron producidas por el Rey Curtis. Después de su liberación, Freddie King y Atlántico/Cotillón separaron caminos.El rey aterrizó un nuevo contrato de registro con el Refugio de León Russell Registra a principios de 1970. El rey registró tres álbumes para el Refugio a principios de los años 70, todo lo cual se vendió bien. Además de ventas respetables, sus conciertos eran también bastante populares entre tanto con el público de roca como con el blues. En 1974, él firmó un contrato con Registros de RSO - que era también la etiqueta de registro de Eric Clapton - y él liberó al Ladrón, que fue producido y registrado con Clapton. Después de la liberación de Ladrón, Rey viajó América, Europa, y Australia. En 1975, él liberó su segundo RSO el álbum, Más grande Que la Vida.
A lo largo de 1976, Freddie King viajó América, aun cuando su salud comenzara a disminuir. El 29 de diciembre de 1976, el Rey murió de paro cardíaco. Aunque su ida fuera prematura - él tenía sólo 42 años - la influencia de Freddie King todavía podría ser oída en el blues y décadas de guitarristas de roca después de su muerte

2008-06-21T15:20:00.000-07:00

David Evans nació en Barking, Inglaterra, hijo de Garvin y Gwenda Evans, ambos de origen galés. Cuando tenía sólo un año, su familia se mudó a Dublín, Irlanda, donde tiempo después estudiaría en el St. Andrew's National School.[1]
Siendo conocido por no relacionarse mucho con sus compañeros de secundaria, tomó clases de piano y guitarra. A menudo tocaba con su hermano Dick Evans, antes de responder a un anuncio colocado por Larry Mullen Jr. buscando músicos para formar una banda de rock, que en un primer momento se nombró Feedback y luego The Hype. Su hermano Dick dejó el grupo para irse con los Virgin Prunes.[1]

2008-06-21T15:04:00.000-07:00

Warren Haynes nació el 6 de abril de 1960 en Asheville, Carolina del Norte, EEUU. Es un guitarrista americano de rock y blues, vocalista y compositor y, por mucho tiempo, miembro de The Allman Brothers Band. Haynes también fundó y gestionó Evil Teen Records.
Además Haynes ha sido el cantante principal, guitarrista y compositor de la banda Gov't Mule, que fundó con su compañero en la Allman Allen Woody, con el batería de la que fue Dickey Betts Band, Matt Abts del mismo grupo. Además de tocar con la Allman Brothers y con Gov't Mule, Haynes ha grabado y realizado numerosas giras con antiguos miembros de Grateful Dead, ello sin abandonar una carrera en solitario. En 2004, fue incluido en el número 23 de la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos, publicada por la revista Rolling Stone, junto con sus compañeros en la Allman Brothers Band Duane Allman, Dickey Betts, y Derek Trucks

2008-06-21T15:00:00.000-07:00

Highway 61, en español Autopista 61, también llamada "Blues Highway", se extiende desde Nueva Orleans, Louisiana, hasta Memphis, Tennessee, así como desde Iowa hasta la frontera con Canadá, pasando por Duluth, Minnesota, lugar de nacimiento de Bob Dylan. Es frecuente su referencia en canciones de blues, notablemente en "61 Highway", de Mississippi Fred McDowell. Por su parte, Robert Johnson se ha referido al cruce entre la Autopista 61 y la 49 como el lugar en el que vendió su alma al diablo. Elvis Presley creció en un barrio construido en las cercanías del lugar, mientras Martin Luther King, Jr. sería asesinado en un motel tras abandonar la Autopista 61.
"Muchas personas importantes en la cultura americana cruzaron esa autopista y ese río", comentaría Robert Shelton a la BBC. "Y en su juventud Dylan cruzó esa carretera. La autopista 61 es, creo, un símbolo de libertad, un símbolo de movimiento, de independencia y una oportunidad para largarse de una vida que no quería en Minnesota."
Mientras "Like a Rolling Stone" fue completado a mediados de junio de 1965, el resto del álbum sería grabado con un productor diferente, Bob Johnston, durante cuatro días de sesiones de grabación que tuvieron lugar tras la aparición de Dylan en el Newport Folk Festival de 1965. Las sesiones producirían, asimismo, el siguiente single de Dylan, "Positively 4th Street", no incluido en el álbum.
Antes de que Dylan grabara las canciones e incluso antes de componerlas, realizó una histórica aparición en el Newport Folk Festival, tocando dos sets. El primero de ellos fue un set acústico interpretado en la tienda de un compositor el sábado por la tarde.[2]
En el segundo set, Dylan se acompañó de una banda de blues eléctrica, con una mezcla de aplausos y abucheos por parte del público. Dylan abandonaría el escenario tras interpretar tres canciones. Los abucheos procedían en su totalidad de seguidores de la música tradicional folk que criticaron a Dylan en el mismo momento en que se colgó la guitarra eléctrica. Otras fuentes señalan que las quejas se produjeron básicamente por el pobre sonido y por el corto set.[2] Aún así, Dylan volvería a aparecer en el escenario para cantar dos canciones mejor recibidas que las anteriores, "It's All Over Now, Baby Blue" y "Mr. Tambourine Man".
Tras la crítica suscitada por el set eléctrico, el nuevo estilo de Dylan provocaría fuertes debates en torno a la música folk.[3] Según Andy Gill, "los viejos folkies estaban demasiado ocupados cantando "The Times They Are a-Chaging'" como para enterarse de que los tiempos en realidad habían cambiado."[1]
Entre 1964 y 1965, Dylan escribiría Tarantula, una novela que no sería publicada hasta 1971. Al menos, un extracto del libro serviría como fuente para componer una canción. Tal y como Dylan reconoció en 1966: "Me encontré a mí mismo escribiendo esta canción, esta historia, esta larga pieza de vómito de unas veinte páginas, y después tomé "Like A Rolling Stone"... Después de escribirla, no estaba interesado en escribir una novela."
El manuscrito original de veinte páginas ha sido descrito por su biógrafo Clinto Heylin como "una masa deforme de palabras cuya dirección es incierta." Después de ser reescrita en diez páginas, "no se llamaba de ninguna manera", recalcó Dylan, "sólo una cosa rítmica en papel, dirigido en alguna dirección que era honesta."
Cuando Dylan recuperó las fuerzas para grabar un nuevo álbum, él y Tom Wilson juntaron a cierto número de músicos para conformar una banda. Para la guitarra principal, Dylan reclutaría a un viejo conocido, Mike Bloomfield. En 1965, era guitarrista principal en la banda de blues de Paul Butterfield, valorada por los críticos dentro del género del blues. Dylan contactaría con Bloomfield y le invitaría a Woodstock, Nueva York. "Por entonces no tenía una funda para guardar la guitarra", reconocería Bloomfield, "sólo mi Fender Telecaster. Y Bob me llamó y me citó en la casa donde vivía... me dio esas canciones, "Like A Rolling Stone", y todos esos temas de Highway 61 Revisited, y me dijo: "No quiero que toques ese plomo estilo B.B. King, nada de estereotipos del blues, quiero que toques cualquier otra cosa." De modo que tonteamos y finalmente toqué lo que quería."
Días después, el 15 de junio de 1965, Dylan organizaría una sesión de grabación en el estudio A de Columbia en Nueva York. De forma adicional, Dylan y Wilson reclutaron al pianista Frank Owens, al bajista Russ Savakus y al batería Bobby Gregg. También presente estuvo Al Kooper, un joven músico invitado por Wilson para observar.
Dylan y su banda grabaron tres canciones: una nueva composición titulada "Phantom Engineer" (posteriormente regrabada y publicada con el nombre de "It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry"), "Sitting on a Barbed Wire Fence" y "Like a Rolling Stone". Se desempeñaron varios intentos de grabar "Phantom Engineer" y "Sitting on a Barbed Wire Fence" antes de que Dylan centrara su atención en "Like a Rolling Stone".
Tras falsos comienzos, Dylan decidió usar un piano y un órgano en "Like a Rolling Stone". Kooper se ofrecería voluntario para tocar el órgano, y si bien Wilson dejó claro que Kooper no tenía experiencia en tocar el instrumento, al final le permitió participar en la grabación. Kooper se mostró tan incierto que tocó por debajo del ritmo para escuchar primero los cambios en éste. Tras grabar una toma completa, "se trasladaron a la cabina para oirlo de nuevo", diría Kooper. Durante la escucha, y tras ser de su agrado el resultado, Dylan preguntaría a Wilson si podían subir el sonido del órgano en la mezcla.
Todo lo grabado el 15 de junio fue finalmente rechazado, aunque preparó el escenario para las siguientes sesiones. Dylan y su banda volverían al estudio A el siguiente día. De forma virtual, la sesión al completo estuvo dedicada a "Like a Rolling Stone", con Kooper tocando de nuevo el órgano. La cuarta toma fue finalmente seleccionada como toma maestra, si bien Dylan y la banda volverían a grabar once tomas nuevas antes de escuchar los resultados de la grabación en la cabina del estudio.
Si bien "Like a Rolling Stone" podía ser seleccionada como single, Dylan decidió al final incluirla en su próximo trabajo. Debido a la escasez de nuevo material, Dylan pasaría un mes en su nueva casa de Byrdcliffe, cerca de Nueva York, escribiendo nuevas canciones.
Cuatro días después del Newport Folk Festival, el 29 de julio de 1965, Dylan volvería al estudio A para reanudar el trabajo de su siguiente álbum. Apoyado por la misma banda que participó en las anteriores sesiones (el pianista Paul Griffin sería recluido para el resto de las grabaciones), Dylan encontraría un problema al desligarse el productor Tom Wilson del trabajo en el álbum. De forma inmediata, fue reemplazado por el productor de Columbia Bob Johnston. Al llegar a las grabaciones de Highway 61 Revisited, Johnston traería un nuevo ingeniero, Mike Figlio, quien previamente había trabajado en el tema "I Left My Heart in San Francisco", de Tony Bennett.
La primera sesión fue dedicada a tres canciones. Tras experimentar con distintos acordes y tempos, se produjeron tomas maestras de "Tombstone Blues", "It Takes a Lot To Laugh, It Takes a Lot To Cry" y "Positively 4th Street". "Tombstone Blues" e "It Takes a Lot To Laugh, It Takes a Lot To Cry" serían incluidas en el álbum, mientras "Positively 4th Street" fue editado de forma exclusiva como single.
Al día siguiente, Dylan y su banda volverían al estudio A para grabar otras tres canciones. Se produjo una toma maestra de "From a Buick 6", finalmente incluida en el álbum, aunque la mayor parte de la sesión de grabación fue dedicada a "Can You Please Crawl Out Your Window?". Dylan se mostró insatisfecho con los resultados, y descartaría la canción para otro día; sería regrabada de forma eventual meses más tarde. Una toma alternativa procedente de las sesiones de Highway 61 Revisited sería publicada en single, llevando el título de "Positively 4th Street".[4] De forma adicional, una toma alternativa de "From a Buick 6", con una introducción de harmónica, fue publicada accidentalmente en algunas ediciones en estéreo del álbum.
Durante los dos siguientes días, Dylan pasaría cierto tiempo escribiendo las seis canciones restantes que conformarían el álbum, en cuya grabación el bajista Russ Savakus sería reemplazado por Harvey Brooks. El 2 de agosto de 1965, se llevó a cabo una nueva sesión de grabación en el estudio A, con Sam Lay en la batería. "Highway 61"Revisited", "Just Like Tom Thumb's Blues", "Queen Jane Approximately" y "Ballad of a Thin Man" fueron grabadas de forma satisfactoria, siendo seleccionadas tomas maestras para el álbum.
El 4 de agosto de 1965 se desarrolló la última sesión de grabación, nuevamente en el estudio A. Gran parte de la sesión fue dedicada a "Desolation Row", finalmente grabada con dos guitarras. Según Kooper y Johnston, el guitarrista Charlie McCoy se desplazó hasta Nueva York para acompañar a Dylan en el tema. Se grabaron siete tomas, con la seis y la siete fusionadas en una única toma maestra finalmente incluida en el álbum. Una toma de "Tombstone Blues" fue también grabada, pero no reemplazaría a la toma maestra grabada en la sesión anterior.
Positively 4th Street" fue grabada durante las sesiones de Highway 61 Revisited, pero finalmente no fue incluida en el álbum. La canción sería seleccionada como el single sucesor de "Like a Rolling Stone", entrando en los diez primeros puestos de las listas a ambos lados del Atlántico.
"Can You Please Crawl Out Your Window?" fue finalmente grabada en noviembre con una banda diferente, the Hawks (posteriormente renombrados como The Band). Una de las tomas grabadas durante las sesiones de Highway 61 Revisited sería accidentalmente editada, aunque al poco tiempo sería eliminada.
"Sitting on a Barbed-Wire Fence", tema grabado en las sesiones del álbum Bringing It All Back Home, fue de nuevo intentada para Highway 61 Revisited, aunque finalmente omitida. La toma maestra grabada durante las últimas sesiones vería la luz en The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991.
Otra canción descartada del álbum fue "Lunatic Princess Revisited (Why Should You Have to Be so Frantic?)".
Las siguientes canciones, omitidas de Highway 61 Revisited, fueron grabadas durante dichas sesiones y publicadas en The Bootleg Series Vol. 7: No Direction Home: The Soundtrack:

"It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry" – 3:33
Toma alternativa grabada el 15 de junio de 1965
"Tombstone Blues" – 3:34
Toma alternativa grabada el 29 de junio de 1965
"Just Like Tom Thumb's Blues" – 5:42
Toma alternativa grabada el 2 de agosto de 1965
"Desolation Row" – 11:44
Toma alternativa grabada el 29 de junio de 1965
"Highway 61 Revisited" – 3:38
Toma alternativa grabada el 2 de agosto de 1965

Años después de su publicación, Dave Marsh escribió que Highway 61 Revisited era "uno de los mejores álbumes de Dylan, y uno de los mayores logros en la historia del rock'n'roll". Encuestas desarrolladas en años recientes demuestran que el álbum sigue fijo en lo alto del panteón del rock. En 1995, Highway 61 Revisited fue nombrado el quinto mejor álbum de todos los tiempos en una encuesta producida por la revista Mojo. En 1998, los lectores de la revista Q emplazaron a Highway 61 Revisited en el puesto #57 de los mejores álbumes. En 2001, la cadena de televisión VH1 emplazó el álbum en el número 22. En 2003, la revista musical Rolling Stone colocaría a Highway 61 Revisited en el puesto #4, mientras los temas "Like A Rolling Stone", "Desolation Row" y "Highway 61 Revisited" se alzarían hasta los puestos #1, #185 y #364 respectivamente en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
Reconocido como una influencia masiva en los contemporáneos de Dylan, su publicación coincidió con los éxitos comerciales de singles como "Like a Rolling Stone" y "Positively 4th Street", brindándole una nueva audiencia.

2008-06-21T14:54:00.000-07:00

George Harold Harrison French nació el 25 de febrero de 1943 en el 12 de Arnold Grove, Liverpool, Inglaterra, en el seno de una familia católica y de ascendencia irlandesa por parte de su madre, Louise.[1] Fue el único Beatle cuya infancia no fue empañada por la muerte o el divorcio de sus padres. Su padre, Harold Harrison, había sido marino hasta que abandonó su puesto y desempeñó el de conductor de autobus. Acudió a la escuela infantil Dovedale Road, cerca de Penny Lane, al mismo tiempo que John Lennon.[1] A los once años, tras pasar una prueba, le fue concedida una plaza en el Liverpool Institute for Boys, edificio hoy en día convertido en el Liverpool Institute for Performing Arts, en el cual conoció a Paul McCartney. A los doce años, poco antes de dar inicio el curso, fue ingresado en el hospital debido a una nefritis. Durante su convalecencia compró su primera guitarra, una Egmond, a un compañero de Dovedale, Raymond Hughes, por 3 libras con 10 chelines.
Poco después, al tiempo que conseguía su primera "guitarra decente", una Hofner President, forma su primer grupo tras el auge del skiffle: The Rebels, junto a su hermano Peter y Arthur Kelly[2] Entre los artistas que influyen en su forma de tocar destacan Elvis Presley, Little Richard, Buddy Holly, Fats Domino, Bill Halley, Eddie Cochran, Lonnie Donegan y Chet Atkins. Más tarde, Harrison es presentado por Paul McCartney a John Lennon e ingresa en The Quarry Men, que posteriormente, tras cambiar varias veces de nombre, acabará denominándose The Beatles.
Tras abandonar la escuela en 1959, alternó durante poco tiempo su afición a la música con un trabajo de aprendiz de electricista. El entrenamiento ayudó a hacer de Harrison el miembro más eficaz del grupo a la hora de experimentar nuevos sonidos y de arreglar equipaciones. A mediados de los 60, fue el primero en equipar su casa de Esher con un estudio personal donde podría componer y trabajar con mayor eficacia.
1960-1970: En los primeros días de The Quarrymen, McCartney animó a Harrison a que se uniera. Al comienzo, y debido a su temprana edad, era visto con desconfianza por los otros miembros del grupo.[3] En un principio, Harrison no podía considerarse como un guitarrista virtuoso, si bien el hecho de que supiera suficientes acordes para tocar varios temas hizo que John Lennon le aceptara en el grupo. Pese a ello, a finales de los 60, el entrenamiento hizo de Harrison un guitarrista más fluido y creativo, realizando las labores de guitarrista principal y rítmico. Más adelante, entrados los 70, el sonido que conseguía con la guitarra slide se convertiría en su sello personal.
Harrison fue el primero de los Beatles en llegar a los Estados Unidos con el fin de visitar a su hermana, Louise, en Benton, Illinois, en septiembre de 1963, cinco meses antes de la aparición del grupo en The Ed Sullivan Show.[4] Durante la visita, George visitó una tienda de discos y compró varios singles sin que el dueño le conociera debido al escaso conocimiento que tenían los estadounidenses acerca de la música pop británica. A su regreso a Inglaterra, comentó a sus compañeros de grupo que sería difícil cosechar el éxito en América.
Durante la Beatlemanía, Harrison fue caracterizado como el "Beatle tranquilo" o el "Beatle Silencioso", debido a su carácter introspectivo y su tendencia a un segundo plano en las conferencias de prensa. A pesar de la imagen de "Beatle tranquilo", la mayoría de compañeros y amigos, como Eric Idle, miembro de Monty Python, aseguran que en las distancias cortas era muy hablador y dicharachero, contraponiéndose a la imagen que solía tener de él la prensa.[5]
Durante el primer viaje de The Beatles a los Estados Unidos en febrero de 1964, Harrison recibió un nuevo modelo de guitarra, el "360/12", de la compañía Rickenbacker, eléctrica y con doce cuerdas, que comenzaría a tocar en futuros álbumes del grupo. Roger McGuinn, interesado en el sonido, adoptó como modelo propio el 360/12, dando lugar al sonido característico de las canciones de The Byrds.
Harrison escribió su primera canción, "Don't Bother Me", durante un día de convalecencia en cama, en 1963, con el fin de probar, como declararía posteriormente, "si era capaz de componer un tema". La canción aparece publicada en el álbum With the Beatles de 1963 y en su versión americana de 1964 Meet the Beatles!. Si bien para el siguiente álbum del grupo, Beatles For Sale, también había compuesto un tema, éste fue descartado, olvidando la composición hasta que contribuyera al álbum Help! con los temas "I Need You" y "You Like Me Too Much".
Harrison fue el cantante de todas las canciones compuestas por él en su etapa con The Beatles. Asimismo, también cantó temas de otros artistas, incluyendo "Chains" y "Do You Want to Know a Secret" en Please Please Me, "Roll Over Beethoven" y "Devil In Her Heart" en With the Beatles, "I'm Happy Just to Dance With You" en A Hard Day's Night, y "Everybody's Trying To Be My Baby" en Beatles For Sale.
Un punto adicional sobre George Harrison es que las canciones que el compuso y canto como nos dice el autor de este articulo, es que todas o la myoria de sus canciones, fueron un exito a nivel mundial, en su epoca de beatle y en solitario tambien. Algo que los otros beatles no llegaron a pensar.
Un importante punto de inflexión en su carrera musical tuvo lugar durante la gira americana de 1965, en la que David Crosby de The Byrds introdujo a Harrison en la cultura india a través de la música de Ravi Shankar. Muy pronto, quedó fascinado con el especial sonido de su música, permitiendo la lenta introducción de la misma en la cultura occidental. Tras comprar un sitar poco después de dar por finalizada la gira de 1965, fue el primer músico de la cultura pop en introducir el instrumento en un álbum de estudio, especialmente en la canción "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", del álbum Rubber Soul.
El productor croata Veljko Despot y George Harrison en 1967.Otro importante momento de su vida tuvo lugar durante el rodaje de la película Help! en las islas Bahamas, al entregarle un hindú un libro sobre la reencarnación. También por aquel tiempo mantuvo una decisiva correspondencia con Joan Mascaró tras leer la versión de los Upanishads de aquel excepcional traductor mallorquín.[6] Su interés por la cultura hindú se expandería formalmente al abrazar el hinduísmo. En una peregrinación con su mujer Pattie a la India entre la última gira de The Beatles en 1966 y el inicio de las grabaciones de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Harrison estudió lecciones de sitar, conoció a varios gurús y visitó sitios sagrados, acercándose así a la cultura oriental. Poco después, de vuelta a Inglaterra, conoció a Maharishi Mahesh Yogi, a quien presentó al resto del grupo para iniciar unos ejercicios de meditación transcendental que tendría lugar a comienzos de 1968 en Rishikesh.
En el verano de 1969, produjo el single "Hare Krishna Mantra", interpretado por devotos del templo londinense de Radha-Krishna. El mismo año, él y John Lennon conocieron a A.C. Bhaktivedanta Swami Prabhupada, fundador de la Sociedad Internacional para la Conciencia de Krishna (ISKCON) [1]. Poco después, Harrison abrazaría la tradición Hare Krishna, en particular el canto del mantra usado como meditación privada y llamado japa-yoga, técnicamente similar al rosario en la tradición católica.
A medida que transcurría el tiempo, las composiciones de Harrison fueron haciéndose más notables, pasando de un segundo plano a competir con las composiciones de Lennon y McCartney en materia de calidad. Entre 1965 y 1970, los temas compuestos por George Harrison fueron: "If I Needed Someone", "I Want to Tell You", "Think For Yourself", "Taxman" (que abría el álbum Revolver), "Within You Without You", "Blue Jay Way", "Only a Northern Song", "Old Brown Shoe", "I Need You", "While My Guitar Gently Weeps" (con Eric Clapton en la guitarra), "Piggies", "Savoy Truffle", "Something", "The Inner Light", "Here Comes the Sun", "I Me Mine" y "For You Blue".[7]
Los roces entre Harrison, Lennon y McCartney comenzaron a hacerse patentes a partir de la muerte de Brian Epstein, mánager del grupo, y en especial desde las sesiones de grabación de The Beatles, llegando a intentar dejar el grupo por aquel momento. Entre 1967 y 1969, McCartney expresó en más de una ocasión su insatisfación con la forma de tocar de Harrison. Las tensiones entre ambos quedan patentes durante los ensayos del proyecto Get Back en Twickenham Studios, que acabará por editarse como documental bajo el título Let It Be, donde Harrison acaba por decir con sorna: "Bien, no me importa. Tocaré lo que quieras que toque o no tocaré nada si no quieres que toque nada. Todo lo que sea por complacerte, lo haré." Descontento con las pobres condiciones en las que se desarrollaban las sesiones y aletargado por las horas de trabajo, Harrison acabará por abandonar el grupo el 10 de enero, si bien retornará a su trabajo el 22 del mismo mes tras dos reuniones de negocios.[8]
Las relaciones internas del grupo se desarrollaron más cordiales durante las sesiones de grabación de Abbey Road, en las que se incluyen las composiciones de Harrison "Something" y "Here Comes The Sun". "Something" ha sido reconocido como uno de los mejores trabajos de The Beatles tanto por Elvis Presley como por Frank Sinatra, si bien, a modo de anécdota, Sinatra comentó acerca de la canción que era su "composición de Lennon/McCartney favorita". La creciente productividad de Harrison al final de la vida de The Beatles le permitiría recopilar suficiente material para desarrollar una carrera musical en solitario bastante exitosa y larga, que daría comienzo a partir de la última sesión junto al resto del grupo el 4 de enero de 1970, con casi 27 años.[9]
1970-1980: Tras la disolución de The Beatles en 1970, y tras años opacado por las sombras de Lennon y McCartney, publicó gran parte del material que había acumulado durante los últimos años en su proyecto más loado por la crítica, All Things Must Pass, el primer álbum triple de la historia musical.
All Things Must Pass supuso una entrada triunfal para la carrera musical en solitario de Harrison, acallando así las voces discrepantes que auguraban una mala carrera para él. Junto al álbum John Lennon/Plastic Ono Band de John Lennon y Ram de Paul McCartney, All Things Must Pass es considerado uno de los álbumes más trabajados por un Beatle en su carrera en solitario.
El álbum, que alcanzó el puesto #1 en las listas de éxitos británicas y estadounidenses, incluía los singles de éxito "My Sweet Lord" e "Isn't It A Pity", así como "What Is Life", que entró entre los diez primeros puestos. Años después, Harrison sería demandado debido a una violación de derechos de autor en "My Sweet Lord", donde supuestamente imita el single de The Chiffons "He's So Fine". Si bien Harrison negó la acusación, acabó perdiendo el juicio en 1976. Durante el mismo, la corte había aceptado la posibilidad de que Harrison hubiera "copiado subconscientemente" el éxito de The Chiffons como base a su propia canción, lo que utilizó para mofarse del tribunal en su tema "This Song", publicada en el álbum Thirty Three & 1/3. Las disputas por los derechos de autor continuaron en la década de los 90, con el antiguo mánager de The Beatles Allen Klein denunciando a Harrison tras comprar Bright Tunes, la compañía que poseía los derechos de autor de "He's So Fine". Finalmente, Harrison acabaría poseyendo los derechos de ambos temas.[10]
Harrison fue, asimismo, el primer músico en organizar un concierto benéfico. Su Concert for Bangla Desh el 1 de agosto de 1971 reunió a cerca de 40.000 personas en torno a dos espectáculos organizados en el Madison Square Garden de Nueva York con el fin de recaudar fondos para paliar el hambre y la miseria de los refugiados en la antigua Pakistán del Este, hoy en día Bangladesh. Ravi Shankar abrió el concierto, que incluía a artistas de la envergadura de Eric Clapton, Bob Dylan, Jim Keltner, Billy Preston, Leon Russell, Ringo Starr y Klaus Voormann. Desafortunadamente, problemas con los impuestos y gastos cuestionables ensombrecieron la leyenda del mismo. En octubre de 2005, Apple Corps. reeditó el concierto en CD y DVD, siendo el dinero recaudado por las ventas destinado a UNICEF.
De forma adicional a su propio trabajo, Harrison escribió dos temas para Ringo Starr, "It Don't Come Easy" y "Photograph" y apareció en el álbum Imagine de John Lennon, así como en los temas "You're Breakin' My Heart" de Harry Nilsson, "Day After Day" de Badfinger, "That's The Way God Planned It" de Billy Preston y "Basketball Jones" de Cheech & Chong.
El siguiente álbum de Harrison, Living in the Material World, sería publicado en 1973. Su primer single, "Give Me Love (Give Me Peace on Earth)" le brindaría su segundo #1 en Estados Unidos, mientras "Sue Me Sue You Blues" serviría de mofa al proceso judicial que estaba desarrollando McCartney para disolver de forma oficial The Beatles. Con un sonido más intimista y una lírica más espiritual y filosófica, el álbum se mantuvo en el primer puesto de las listas de éxitos estadounidenses durante cinco semanas. En septiembre de 2006, una reedición del álbum con "Deep Blue" y "Miss O'Dell" como temas extra, así como con DVD, alcanzaría el puesto #38 del Billboard Pop Catalog Chart.
En 1974, vio la luz Dark Horse, al tiempo que daba inicio a una gira por los Estados Unidos. La gira fue duramente criticada por la duración del acto principal, a cargo de Ravi Shankar, y por la voz ronca de Harrison debida a una laringitis. Aún así, el álbum alcanzó el puesto #5 en las listas de éxios estadounidenses, si bien las críticas desfavorables y el poco interés suscitado provocarían que Dark Horse no entrara en las listas de éxitos británicas. El single "Dark Horse" alcanzaría el puesto #15 en las listas de Billboard.
Durante el periodo de preparación para la gira estadounidense, abrió oficinas en La Brea Avenue de Los Ángeles para su futuro sello discográfico, Dark Horse Records. Dentro de las oficinas conocería a su segunda mujer, Olivia Trinidad Arias, asignada para trabajar en el sello junto a Terry Doran de Apple y Jack Oliver. Su relación sentimental daría frutos a partir de la gira, hasta que en 1978 contrajeran matrimonio.
Su último álbum de estudio bajo el sello Apple, Extra Texture (Read All About It), fue publicado en 1975, del cual se extrajeron dos singles: "You", que alcanzó el Top 20 de las listas de Billboard, y "This Guitar (Can't Keep From Crying)", que supuso el último single editado por Apple y el primer sencillo de un Beatle que no entró en las listas estadounidenses.
Tras la salida de John Lennon, George Harrison y Ringo Starr del sello EMI (Paul McCartney permanecería en él hasta que en 2007 fichara por Hear Music), la compañía discográfica tuvo libertad para editar el trabajo del grupo y de sus componentes en solitario en un mismo álbum, utilizando a Harrison como experimento en The Best of George Harrison, en la que se combinaban sus éxitos compuestos en The Beatles y en solitario. Al mismo tiempo, Harrison se vio envuelto en problemas con la industria discográfica. Durante la grabación de su primer álbum en Dark Horse Records, Thirty Three & 1/3, Harrison se vio aquejado de hepatitis, retrasando su publicación e incumpliendo una cláusula del contrato firmado previamente con la distribuidora A&M. Tras ser denunciado, Warner Bros. Records se hizo cargo de la distribución de su sello, permitiéndole suficiente tiempo para recuperarse de la enfermedad y grabar el álbum.
Thirty Three & 1/3 supuso un considerable éxito tras sus dos álbumes anteriores, alcanzando el puesto #11 en las listas de éxitos estadounidenses. El primer single, "This Song", supone una sátira del proceso judicial por el "plagio inconsciente" de "He's So Fine" de The Chiffons, mientras "Crackerbox Palace" sería posteriormente publicado como segundo single.
Tras su segundo matrimonio con Olivia Trinidad Arias y el nacimiento de su primer y único hijo Dhani Harrison, Harrison emprendería la grabación de su álbum epónimo, George Harrison, publicado en 1979 con los singles "Blow Away", "Love Comes To Everyone" y "Faster". Tanto el álbum como el primer single alcanzaron el Top 20 en las listas de éxitos de Billboard.
1980-1990: En 1980, Harrison se convierte en el primer Beatle en escribir una autobiografía, titulada I Me Mine. El publicista de The Beatles Derek Taylor le ayudó en la ardua tarea de escribir el libro, publicado inicialmente por Genesis Publications. Si bien la biografía de Harrison cuenta algunas anécdotas de su etapa con los Beatles, se centra en su mayoría en los hobbies del artista, desde la jardinería hasta la Fórmula Uno.

Tras el sesinato de John Lennon el 8 de diciembre de 1980, Harrison sufrió una grave conmoción, debido en parte a su escaso contacto con Lennon y al enfado de éste por no verse mencionado en su autobiografía. La muerte de Lennon forzó a Harrison a rodearse de medidas de seguridad en su mansión de Friar Park, en Henley-on-Thames. Poco después, modificó la letra de "All Those Years Ago", canción que había compuesto en un principio para Ringo y que posteriormente sirvió de tributo a Lennon en su álbum Somewhere in England. Con Ringo Starr en la batería y con Paul y Linda McCartney en los coros, tanto el álbum como el single, publicados en 1981, recibieron buenas reseñas por parte de la crítica musical, alcanzando el puesto #2 en las listas de éxitos estadounidenses.
Tras la publicación en 1982 de Gone Troppo, George Harrison se vio apartado del mundo de la música un total de cinco años para dar prioridad a otras aficiones. Durante este tiempo, aparecería públicamente en el especial Carl Perkins and Friends, con Ringo Starr y Eric Clapton entre los invitados, y grabaría una canción para la banda sonora de "Porky's Revenge" y el tema "I Don't Want To Do It" de Bob Dylan. En 1987, regresaría con Cloud Nine, uno de sus álbumes más loados por la crítica, producido por Jeff Lynne, alcanzando su tercer número #1 en Estados Unidos con el single "Got My Mind Set On You". "When We Was Fab", un tema retrospectivo de su etapa con The Beatles, supuso también un notable éxito. El álbum alcanzó el puesto #8 en las listas de éxitos estadounidenses y el #10 en las británicas, dando a Harrison su mejor resultado desde Living in the Material World.
Durante la grabación del tema "Handle With Care" reuniría en el garaje de Bob Dylan a Tom Petty, Jeff Lynne y Roy Orbison. Lo que en un primer momento sería la cara B del single "This Is Love" acabaría convirtiéndose en la primera canción grabada por The Traveling Wilburys, al considerar la compañía discográfica que el tema era demasiado bueno para relegarlo a un segundo plano. El primer álbum del grupo, grabado en apenas dos semanas antes de que diera comienzo la gira de Bob Dylan, fue publicado en octubre de 1988 con el nombre de Traveling Wilburys Vol. 1 y con los nombres de los músicos ocultos tras seudónimos.
Uno de las empresas desarrolladas por Harrison durante la época fue la productora cinematográfica Handmade Films, poco después de que EMI Films rechazara el proyecto La vida de Brian, de los Monty Python. Handmade Films financió el proyecto, dando inicio a un listado de películas producidas por la compañía de Harrison entre las que figuran Mona Lisa, Time Bandits, Shanghai Surprise y Withnail and I. En algunas de ellas, Harrison llegó incluso a realizar cameos, como en el caso de "Shanghai Surprise" como cantante de un club nocturno, y caracterizado como Mr. Papadopolous en La vida de Brian. Uno de los cameos más memorables fue como reportero en la parodia de The Beatles The Rutles, creada por Eric Idle. Pese a todo, Handmade Films entraría en quiebra debido a la mala administración y a las demandas que aquejaron las finanzas de Harrison.
A comienzos de 1989, Harrison, Lynne y Starr participaron en la grabación del tema "I Won't Back Down", de Tom Petty, donde George toca la guitarra eléctrica. Ese mismo año tiene lugar la publicación del segundo recopilatorio de la carrera musical de Harrison, Best of Dark Horse 1976-1989, con los éxitos de su etapa bajo el sello Dark Horse Records. el álbum incluye dos temas grabados para la ocasión, "Poor Little Girl" y "Cockamamie Business", así como el tema de la banda sonora Lethal Weapon 2 "Cheer Down".
1990-2001: El primer año de la nueva década vería la luz el segundo álbum de Traveling Wilburys, Traveling Wilburys Vol. 3, a pesar del óbito de Roy Orbison en 1988. Como sustituto, el grupo había pensado en Del Shannon, pero en febrero de 1990 el músico se suicidaría, truncando los planes de los demás componentes.
En 1991, Harrison emprendió por Japón y junto a Eric Clapton su primera gira desde 1974, si bien aún tenía en mente el agrio recuerdo de aquel momento. Tras una docena de conciertos, en 1992 vería la luz el álbum Live in Japan, acreditado a George Harrison, Eric Clapton & Band. En octubre del mismo año, Harrison participaría en el concierto tributo a Bob Dylan en el Madison Square Garden de Nueva York interpretando tres canciones: If Not For You", "Absolutely Sweet Marie" y "My Back Pages".
Entre 1994 y 1996, emprendió junto a Paul McCartney y Ringo Starr el proyecto Anthology, incluyendo la grabación de dos nuevas canciones de The Beatles a partir de demos caseros de mediados de los 70 donde John Lennon tocaba el piano y cantaba. Asimismo, el proyecto incluía un recorrido visual por la carrera musical del grupo, con entrevistas a los tres miembros supervivientes. En 1996, grabaría y produciría junto a Carl Perkins el tema "Distance Makes No Difference With Love" para su álbum Go-Cat-Go.
La última aparición de Harrison en televisión tendría lugar en 1997 para la promoción de Chants of india, una colaboración junto a su amigo y músico hindú Ravi Shankar. En el programa, Harrison interpretó, después de que un miembro del público le pidiera una "canción de The Beatles" y el respondiera "'creo que no conozco ninguna", "All Things Must Pass" y la futura "Any Road", canción que aparecería en 2002 en su álbum póstumo Brainwashed.
En enero de 1998, Harrison asistiría al funeral de su ídolo de juventud, Carl Perkins, en Jackson, Tennessee, donde interpretó una versión de la canción "Your True Love" durante la ceremonia.
A mediados de los 90, y debido en parte a su condición de fumador, Harrison libró una batalla contra el cáncer, siendo eliminado en sucesivas operaciones primero de la boca y posteriormente del pulmón.
El 30 de diciembre de 1999, Harrison vivió una secuela del asesinato de John Lennon al sobrevivir a un ataque de navaja en su propia casa, propiciado por un intruso. Harrison y su mujer, Olivia, se enfrentaron al intruso y lo redujeron para posteriormente ser trasladado a dependencias policiales por la autoridad. Michael Abram, de 35 años, declaró que estaba poseido por el espíritu de Harrison y que era una misión concedida por Dios el matarle. Más tarde fue trasladado a un sanatorio mental. Tras el suceso, Harrison quedó relativamente traumatizado y limitó aún más sus apariciones públicas.
En 2001, Harrison apareció como invitado en el álbum Zoom de Electric Light Orchestra, tocó la guitarra slide en las canciones "Love Letters" para Bill Wyman & Rhythm Kings, remasterizó y restauró canciones de Traveling Wilburys y compuso una nueva canción, "Horse To The Water". La canción, que sería su última publicación en vida, fue grabada el 2 de octubre, dos meses antes de su muerte, y apareció en el álbum Small World, Big Band de Jools Holland.
El cáncer que sufría Harrison reapareció en 2001, siendo diagnosticado como metástasis. A pesar de los tratamientos agresivos, pronto descubrió que era terminal, decidiendo de inmediato pasar sus últimos días en familia y trabajar en algunos proyectos para posteriormente ser terminados por su viuda e hijo.
Harrison falleció en una mansión de Hollywood, Los Ángeles, en un principio propiedad de Paul McCartney,[11] el día 29 de noviembre de 2001 a la temprana edad de 58 años. Su muerte fue justificada por el cáncer de pulmón que padecía y que había hecho metástasis con el cerebro. Posteriormente fue cremado, y si bien algunos medios afirmaron que sus cenizas habían sido depositadas en el río Ganges, no ha habido ninguna declaración familiar que lo certifique.[12]
Tras la muerte de Harrison, su familia emitió el siguiente comunicado: "Abandonó este mundo como vivió: consciente de Dios, sin miedo a la muerte y en paz, rodeado de familiares y amigos. En ocasiones Harrison decía: "Todo lo demás puede esperar, pero la búsqueda de Dios no; amaos los unos a los otros."".[11]
Harrison y Aaliyah hicieron historia en las listas de éxitos británicas al convertirse, hasta la fecha, en dos números uno consecutivos tras el fallecimiento del artista, con el tema "More than a Woman" de Aaliyah alcanzando el primer puesto el 13 de enero de 2002 y la reedición de "My Sweet Lord" alzándose hasta lo más alto de las listas el 20 de enero de 2002.
El álbum póstumo de George Harrison, Brainwashed, fue completado por su hijo Dhani Harrison y Jeff Lynne y publicado el 18 de noviembre de 2002, recibiendo positivas críticas y alcanzando el puesto #18 en las listas de álbumes de Billboard. El promo "Stuck Inside a Cloud", fue radiado con frecuencia en las emisoras americanas, mientras el primer single, "Any Road", publicado en mayo de 2003, alcanzó el puesto #37 en las listas de éxitos británicas

2008-06-21T14:41:00.000-07:00

Nacido en Minden, LA, el 21 de agosto de 1939, el guitarrista influyente James Burton consiguió su principio en los años 1950 como un músico de reserva sobre el programa de radio Luisiana Hayride, donde él encontró a Dale Hawkins. El golpe de 1957 de Hawkins, " la Q Suzie, " era la primera en una cuerda de éxitos en destacar a Burton jóven.Una limitación de seis años (1958-1964) la grabación y viajando en la cinta de Ricky Nelson siguió, posteriormente consiguiéndolo un par de añicos de camafeo sobre Ozzie y Harriet. A causa de sus habilidades de guitarra brillantes y únicas - él perfeccionó un estilo él dobló " el pollo pickin ' " - a Burton empleos rápidamente hacendados como un músico de lado para un molde diverso incluyendo: Búfalo Springfield, el Monkees, la cinta de Elvis Presley (de 1969 hasta la muerte de Presley en 1977), Curas de Gramo, Joni Mitchell, Judy Collins, John Denver, Esquiva Owens, y Merle Haggard (con el éste dos él era un catalizador importante en el ajustar del sonido de Bakersfield) Él más tarde prestó sus talentos a varios Elvis Costello grabaciones así como aquellos por Gillian Welch, Jimmie Dale Gilmore, y otros incontables. Con esta lista(programa), esto no es ninguna sorpresa que Burton sólo ha cortado dos registros de su propio sobre un de 40 años.

2008-06-21T14:37:00.000-07:00

Richard Thompson es un solista y compositor que no puede ser encasillado en ninguna categoría en materia de estilo. Originario de Aberdeen, Escocia, Richard Thompson debutó en el Purcell Room, del Royal Festival Hall en Londres. Se ha presentado en el programa radial en vivo para la B.B.C. Jazz y la Classical Radio, para la RAI (Radio y Televisón Italiana) y ha dado conciertos en La Piccola Scala in Milan, entre otros. Sus presentaciones con orquesta fueron con la del Festival Harlem , la Orquesta de Cámara de Glasgow y la Orquesta de Cámara de Aberdeen.
En 1999 Richard Thompson recibió el Premio "Individual Artist Award" en materia de composición dado por The Brooklyn Arts Council. La obra ganadora fué, Legend Of The Moors, que es una descripción musical de la presencia de los moros en España durante la Edad Media y fue estrenada por The Brooklyn Conservatory en 1999. En el año 2000 estrenó una composición para orquesta llamada Voices con la Orquestra Sinfónica Long Island Sound bajo la batuta de Dorothy Savitch. Voices es una obra de gran magnitud, que desarrolla un tema principal , escrito en el estilo de los Sprituals afroamericanos.
En 1997 reemplazó a Geri Allen en la producción para Off-Broadway del musical "In Walks Bud", ejecutando en el estilo de Thelonious Monk y Bud Powell. Los antecedentes de Richard Thompson en materia de composición y grabación incluyen temas de la música de Graeme Revell para el film de Wayne Wang "Chinese Box", además de componer y grabar temas para el film producido por la Columbia Tristar, "Love Walked In" y en colaboración compuso la partitura para el film independiente "Dogs The Rise and Fall Of An All Girl Bookie Joint" de Eve Annenberg. También grabó la música para el film independiente "Girlfight".
La Orquesta de Cámara de Manhattan bajo la dirección de Richard Auldon Clark y la soprano Christine Moore, presentaron el estreno mundial en el año 2000, del ciclo de canciones de Richard Thompson The Shadow of Dawn en el Merkin Hall, de la ciudad de New York. La inspiración de esta obra fueron los poemas del poeta afroamericano Paul Laurence Dunbar. Este ciclo se encuentra publicado por la M.M.B.Music de la ciudad de St.Louis.
El San Diego TV Canal 24 ha presentado en numerosas ocasiones su recital de jazz como solista, originalmente presentado en el edificio principal de la Biblioteca Pública en el otoño del año 2000. También ha colaborado con el tenor clásico Darryl Taylor, en la Universidad del Estado de San Diego , en un recital de canciones basado en la poesía de Langston Hughes. Darryl Taylor ha presentado este homenaje a Langston Hughes en una docena de universidades en los Estados Undios, incluyendo la Universidad del Estado de Ohio y la Universidad de Wisconsin . El programa tiene dos partes compuestas por Richard Thompson;- The Negro speaks of rivers y I, too, sing America .
Richard Thompson también se ha presentado en varias ocasiones con la clarinetista y miembro del cuerpo docente de la Universidad del Estado de San Diego (SDSU), Dra. Marian Liebowitz. Durante el verano del año 2003, ellos se presentaron en conciertos en Guatemala , con el recital "When Classical Meets Jazz" (Cuando la música clásica encuentra al Jazz) bajo el auspicio de la Embajada de los Estados Unidos.
Richard Thompson es en la actualidad Profesor Adjunto de Música en la Universidad del Estado de San Diego donde enseña a tocar jazz e historia. Se presenta con frecuencia como solista en conciertos de música clásica y jazz y con muchos conjuntos de cámara, incluyendo su propio cuarteto de jazz, llamado Mirage.

2008-06-21T14:35:00.000-07:00

Jack White, nacido en el suroeste de Detroit, el 9 de julio de 1975, séptimo hijo de una familia católica numerosa, es el compositor, cantante, guitarrista y teclista del grupo The White Stripes conformado por él y Meg White, baterista. Aunque los dos integrantes siempre aseguran ser hermanos, en 2003 se descubrió que son ex-esposos, puesto que contrajeron matrimonio en septiembre de 1996 y se separaron pocos años después. Cuando joven, Jack tras finalizar la escuela, estudió el oficio de tapicero; a consecuencia abrió su propia tapicería Third Man Upholstery, que posteriormente se convirtió en su propia casa de discos Third Man Records, que además de producir sus discos, también produce álbumes de otras bandas.
John Gillis (su verdadero nombre) es considerado uno de los líderes de la tercera generación del rock y del renacimiento del Garage Rock, junto con otros grupos como The Strokes, The Hives o Yeah Yeah Yeahs. El 27 de agosto de 2003 la revista Rolling Stones colocó en su edición de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos a Jack White en el puesto número 17. Tanto Jack como Meg son amantes del rojo, del blanco y del negro por eso sus discos, su vestuario y sus símbolos publicitarios son de tales colores.
Con los White Stripes ha sacado 6 discos: The White Stripes, De Stijl, White Blood Cells, que lo catapultó a la fama, Elephant (considerado uno de los mejores discos de los últimos años e incluido en la lista de los 500 mejores discos de la historia según la revista Rolling Stone), Get Behind Me Satan que ha sido aclamado por las críticas de todo el mundo y, el más reciente, Icky Thump, lanzado en junio del 2007.
También actuó en la película Cold Mountain en la que también compuso la banda sonora original completa. Jack también es productor. Un ejemplo es el último disco de la cantante country Loretta Lynn: Van Lear Rose (2005) en la que White colabora con una canción, "Portland Oregon". EL último proyecto de Jack son The Raconteurs, en el que también participan Brendan Benson, Jack Lawrence y Patrick Keller. Este nuevo grupo s estrenó con 7" limitado en el que aparecían dos canciones: "Steady As She Goes" y "Store Bought Bones". En 2006 publicaron su primer LP, Broken Boy Soldier
El 1ro de Junio de 2005 Jack y la modelo Karen Elson se casaron durante el tour por Sudamérica de la banda. La ceremonia tuvo lugar sobre una canoa en el río Amazonas, donde el manager de la banda, Ian Montone, fue el padrino y Meg la dama de honor. El sitio web de la banda declaro que fue el "primer casamiento para cada uno de los recién casados", disertando la documentación que mostraba que Jack y Meg estuvieron casados. La pareja tuvo su primer hija, Scarlett Teresa, el Martes 2 de Mayo del 2006

2008-06-21T14:33:00.000-07:00

Johnny fue delincuente en su adolescencia y admirador del rock de los '50s. Se caracterizó por utilizar el mismo modelo de guitarra, Mosrite, a lo largo de toda su trayectoria Ramone. Antes de participar en los Ramones tuvo una Banda con Tommy Ramone, a la que llamaron Tangerine Puppets.
El guitarrista mantuvo una relación distante y conflictiva con el vocalista de la banda, Joey Ramone, ya que diferían ideológicamente. La relación empeoró cuando Johnny se casó con la ex novia de Joey. Este enfrentamiento terminó con su amistad, pero no con la banda, ya que ambos siguieron integrándola hasta 1996. La canción "The KKK Took My Baby Away" dícese referir al tema en cuestión, con KKK haciendo alusión a Johnny explotando su posición política conservadora.
Siendo un ferviente nacionalista toda su vida, desde la separación de la banda se dedicó a causas conservadoras, como apoyar la candidatura del presidente estadounidense George W. Bush. Al recibir en 2002 el homenaje de inclusión al Salón de la Fama del Rock and Roll dijo:
"Dios bendiga a Norteamerica y al presidente Bush"
Johnny falleció en septiembre a causa de un cancer de prostata.
En el 2004Fue incluido en el ranking de Rolling Stone de los 100 mejores guitarristas de la historia en el puesto 16º por detrás de Carlos Santana.
Principalmente se caracterizó por su particular forma de tocar, siempre agachado y rara vez tocando solos que largos y difíciles. Hacía subidas y bajadas con la guitarra y tenía una habilidad para moverse y tocar muy rápido al mismo tiempos.A demas fue uno de los mejores guitarristas del mundo

2008-06-21T14:24:00.000-07:00

Su padre fue violinista en una banda de mariachi. De joven, Carlos Santana aprendió a tocar el violín, pero lo cambió por la guitarra cuando tenía ocho años. En 1955 su familia se mudó a Tijuana. Allí Santana empezó a tocar el bajo eléctrico con el guitarrista de rock mexicano Javier Batiz del cual tendria muchisima influencia musical en clubes y bares en la zona turística. En principio se quedó en Tijuana cuando su familia se mudó de nuevo, esta vez a San Francisco, California, pero pronto la siguió, cuando tenía 18 años fue el telonero de Jimi Hendrix donde por error agarro una guitarra y Hendrix le dijo que toce algo y al tocar un gran solo dejo a todos sorprendidos. En 1966, ayudó a fundar la Santana Blues Band, acortándolo luego a Santana. El grupo empezó a tocar en The Fillmore West, donde muchas de las bandas legendarias de San Francisco tocaban. Su primera grabación fue The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper (Las Aventuras en Vivo de Mike Bloomfield y Al Kooper) con Al Kooper y Mike Bloomfield, no se debe olvidar a Santana tocando y elevando su fama en el Festival de Woodstock, el Sábado 16 de agosto de 1969 tocó.

Waiting
You Just Don't Care
Savior
Jingo
Persuasion
Soul Sacrifice
Fried Neckbones

Tras firmar un contrato con Columbia Records, Santana sacó al mercado un álbum llamado Santana. El grupo estaba formado por el propio Carlos Santana (guitarra), Gregg Rolie, el cual llegaría a ser un miembro fundador de Journey, (piano y voz), Mariano Luís Díaz (Guitarra), David Brown (bajo), Michael Shrieve (batería), Diego Olivarez (maracas), Juan Perez Bruna (corneta), Jose "Chepito" Areas (percusión) y Michael Carabello (percusión). Haciendo una gira para promover el álbum, la banda Santana tocó en Woodstock, donde la presentación de la escena fue legendaria y aumentó mucho su popularidad. Santana fue un gran éxito, así como Abraxas (1970) y Santana III (1971). La banda original se disolvió finalmente.
Carlos Santana se quedó con el nombre de la banda y continuó su gira por los Estados Unidos con una serie de músicos distintos, lanzando varios álbumes. Durante este período Carlos adoptó el nombre "Devadip", conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy. Sacó al mercado muchos álbumes en los 1970 y 1980, incluyendo colaboraciones con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds. En 1991, Santana colaboró en el álbum de Ottmar Liebert Solo Para Ti, en las canciones "Reaching out 2 U" y una grabación nueva de su propia canción "Samba Pa Ti". Fue instalado en el Rock and Roll Hall of Fame en 1998.
En 1992 canceló su contrato con Columbia y después grabó con Polygram y Arista Records.
Santana surgió de nuevo en 1999 con el lanzamiento de Supernatural, que incluyó colaboraciones con Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill, el grupo Mexicano Maná y Sebastián Trepode, el exitoso cantante argentino que grabó por recomendación de Maná. La intervención de Maná en el disco acompañando a la guitarra< se debió a su buena relación con Fher Olvera. Supernatural fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy.
En 2002, Santana sacó al mercado Shaman, revisitando el formato de artistas invitados, incluyendo P.O.D., Seal y Michelle Branch.
En 2005, Santana lanzó su álbum más reciente All That I Am ("Todo Lo Que Soy"). Incluye artistas invitados como Big Boi (de Outkast), Mary J. Blige, Black Eyed Peas, Los Lonely Boys, Sean Paul, Kirk Hammett (de Metallica), Steven Tyler (de Aerosmith) y Robert Randolph.
En 2007 colabora en la cancion Into the night de Chad Kroeger, vocalista de Nickelback, la cual es considerada una de las mejores canciones de dicho año
1971. Carlos Santana, post Woodstock, más pelucón y camisa abierta, camina a través de la pista de aterrizaje del aeropuerto internacional Jorge Chávez de Lima. Sus fanáticos locales cuentan las horas que faltan para que el guitarrista de Black Magic Woman se presente en el estadio de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Dos días después, el músico regresa por donde llegó sin haber podido tocar. Por decisión del general Juan Velasco Alvarado el evento fue cancelado y Santana obligado a abandonar el país tras haber sido sindicado de "hippie imperialista".
En 1973, Santana se une sentimentalmente a Deborah King, y es padre de tres hijos.
La familia mudó a la ciudad creciente de Tijuana en 1955. Carlos, a los ocho años se levantó la guitarra, estudió y emuló los sonidos de B.B. King, T-Bone Walker y John Lee Hooker. Entre poco estaba tocando con conjuntos locales como Los T.J.'s, donde se añadió su propio toque y sentido original a las canciones populares de rock 'n roll de la década del cincuenta. Al continuar a tocar con diferentes conjuntos a lo largo del recorrido "Tijuana Strip," se comenzó a perfeccionar su estilo y sonido. En 1960, la familia de Carlos se mudaron a San Francisco mientras él se quedó en Tijuana para mejorar su pericia musical en los clubes locales. Cuando se mudó al norte después de un año, se encontró matriculado en la escuela, aprendiendo inglés, y queriendo tocar música. En el mismo tiempo, Carlos fue sumergido en el ambiente pintoresco de San Francisco, con sus diversas influencias culturales y estilos musicales. Parecía como que el destino llevó a Carlos al lugar propicio en el momento justo para los conjuntos surgiendo de las calles. Durante los siguientes años, Carlos continuó a evolucionar en su propio estilo musical original-un estilo que llegará de ser el modelo para un nuevo categoría musical. En 1966, esta misma música estalló en las calles de San Francisco con el espectáculo estreno del conjunto de Santana Blues. Durante los siguientes dos años, el conjunto estaban envueltos por una honda de popularidad que les llevó desde las plataformas de Fillmore West en San Francisco a su estreno histórico en el Festival de Woodstock en 1969. Con este espectáculo exaltador, Carlos Santana ya llegó; y con él llegó ambos-un nuevo, poderoso sonido de rock con tono latino y una dedicación intransigente a su música. El mundo adoptó a Carlos con pasión. Estaban fascinados con su música-siempre cambiante, siempre exaltador, siempre creciente-aún siempre consistente y claramente; Carlos. Cada nuevo estreno-incluyendo ocho álbums de oro y siete de platino-llegó de ser un reflejo del crecimiento y evolución personal de Carlos. Los aficionados también fueron encantados con sus mensajes-incitaciones gentiles hacía paz, compasión, alegría y comprensión-que consistentemente nos ha entregado de manera sincera y personal en sus espectáculos en más de 50 países. Y, estaban encantados con el estilo en que toca su guitarra que hasta hoy en día queda entre los más distintivos de todo el mundo. Desde el doble platino álbum de estreno del conjunto de Santana, "SANTANA", y el siguiente de cuádruple platino de "ABRAXAS", hasta el amplio retrospectivo juego encajado, "DANCE OF THE RAINBOW SERPENT", estrenado en 1995... desde las obras solistas exitosas de Carlos, influenciadas por el jazz, al emocionante y sumamente personal "BLUES FOR SALVADOR", a su estreno especial en el álbum de John Lee Hooker, "CHILL OUT"... desde el álbum producido por G&G, "BROTHERS", (que incluyó canciones por Carlos, su hermano Jorge y su sobrino, Carlos Hernández), hasta el estreno en 1996 de "MYSTIC MAN", por el compositor italiano, Paolo Rustichelli... desde el vídeo retrospectivo en 1988, "¡VIVA SANTANA!", hasta el vídeo del concierto en América del Sur en 1993, "SACRED FIRE", al estreno en 1997 del CD-ROM, "THE HISTORY OF SANTANA: THE RIVER OF COLOR AND SOUND" y "SANTANA: LIVE AT THE FILLMORE", un CD doble que muestra sesiones grabadas en los espectáculos del conjunto en 1968 en el club legendario San Francisco... queda claro que Carlos siempre demuestra una pasión intransigente para su expresión musical.
Esta pasión le ha permitido aventurarse en nuevos territorios tanto geográficos como musicales, incluyendo escorificar la película principal La Bamba, lanzarse en un recorrido en 1988 con el saxofonista de jazz Wayne Shorter y participar en el "Rock'n Roll Summit" de 1987, el primer concierto patrocinado en conjunto por los E.U. y la Unión Soviética en toda la historia. Además de ser un presente para beneficio de varias causas notables, tales como "Blues for Salvador", "California Earthquake Relief", huérfanos de Tijuana, los derechos de Gente Indígena, y educación para la juventud latina en sociedad con Hispanic Media & Education Group (HEMG, por sus siglas en inglés).
A Carlos se le ha votado el mejor guitarrista de pop-rock en un escrutinio de la revista Playboy y, en 1977, el conjunto Santana fue el primer en ganar honores de CBS Records Crystal Globe Award por haber vendido 5 millones o más álbumes internacionalmente. Recibió un Grammy para el mejor espectáculo instrumental de Rock en 1988 además de ser el sujeto de un concierto de tributo especial patrocinado por N.A.R.A.S. (por sus siglas en inglés) durante la celebración de los Honores de Grammy en 1996 en coyuntura con su inducción dentro el Hollywood Rock Walk. Recibió diez honores de Bammy I incluyendo seis de El Mejor Guitarrista y tres honores de Músico del Año) y, en 1997, fue entre el grupo inaugural, junto con los finados Bill Graham y Jerry García, elegido al Bammy Hall of Fame. En 1996, Carlos recibió Honor de Billboard Century, el honor más alto de la revista Billboard Magazine, para logro creativo, y fue nombrado Leyenda de la Música Latina del Año por el Chicano Music Awards en 1997. Además de sus honores musicales, Carlos también recibió numerosas alabanzas cívicas y humanitarias, incluyendo el Honor de Arthur M. Sohcot en 1997 para Servicio Público y Excelencia en su Espectáculo, en 1997, el honor de Golden Eagle Legend in Music de "Nosotros", un "Honor de Logro Especial" en 1999 la ceremonia de Honores del American Latino Media Arts (ALMA, por sus siglas en inglés). Y, el 17 de agosto de 1998, Carlos recibió su "estrella" en el Hollywood Walk of Fame, (el camino de la fama de Hollywood). Hoy en día, las ventas de Santana superan los 50 millones de discos.
Sobre sus gustos se sabe que sus guitarras favoritas son las Paul Reed Smith. Entre otras que ha usado se encuentra una Gibson SG con la que tocó en el famoso Festival de Woodstock.

2008-06-21T14:23:00.001-07:00

Geoffrey Arnold ("Jeff") Beck (nacido el 24 de junio de 1944 en Wallington, Gran Londres, Reino Unido) es un guitarrista de rock/blues que ha tocado en varias bandas influyentes en las décadas de los 60s y los 70s como los The Yardbirds. Además, durante 25 años ha mantenido una esporádica carrera en solitario. A pesar de no haber alcanzado nunca la proyección comercial de sus contemporáneos, Beck ha tenido un gran reconocimiento, especialmente en la comunidad de guitarristas. Nunca nadie le ha encasillado en un género, Beck ha experimentado con blues rock, heavy metal y jazz fusion y actualmente ha absorbido influencias del techno, creando una innovadora mezcla de música heavy rock y música electrónica.
Jeff Beck comenzó su carrera musical con un breve paso por la Escuela de Arte de Wimbledon, Londres. Se ganó la reputación apoyando a Lord Sutch , quien le ayudó a buscar trabajo como guitarrista líder de los Yardbirds, tras la salida de Eric Clapton. Beck permaneció en los Yardbirds durante casi 2 años dejándoles a finales de 1966 con la disculpa de abandonar la música. Volvió meses más tarde con Love is Blue, un single en el cual tocó mal a drede porque odiaba la canción. Más adelante, en 1967 formó The Jeff Beck Group con el vocalista Rod Stewart, el bajista Ron Wood y el baterista Aynsley Dunbar, sustituido rápidamente por Mickey Waller y el teclista Nicky Hopkins agregado a principios de 1968. Con sus potentes arreglos de temas de blues y sus intercalamientos de guitarra y voz, Jeff Beck estableció las bases del heavy metal. Ninguno de los disco de la banda como Truth(1968) o Beck-Ola(1969) (grabado con el nuevo baterista Tony Newman) fueron particularmente exitosos. La banda solía pelearse a menudo, especialmente en sus frecuentes tours en los EE.UU. En 1970 Stewart y Wood la dejaron para unirse a Faces, y Beck disolvió el grupo.
Beck intentó formar un potente trío con los miembros de Vanilla Fudge: Carmine Appice(batería) y Tim Bogert(bajo) pero sus planes se vinieron abajo cuando Beck sufrió un grave accidente de tráfico en 1970. Para cuando se recuperó en 1971, Bogart y Appice estaban tocando en Cactus, así que el guitarrista formó una nueva versión del Jeff Beck Group con la participación del teclista Max Middleton, baterista Cozy Powell, bajista Clive Chaman y el vocalista Bobby Tench, la banda grabó Rough and Ready(1971) y Jeff Beck Group(1972). Ninguno de ambos discos atrajo mucho la atención.
Cactus se disolvió a finales de 1972 y Beck , Bogert y Appice formaron un potente trío al año siguiente. El único álbum de estudio del grupo –una grabación en directo publicada en Japón pero nunca en EE.UU. of U.K.- fue ampliamente menospreciado debido a sus pesados arreglos y débiles voces y el grupo se disolvió al año siguiente.
Durante 18 meses Beck permaneció callado, re-emergiendo en 1975 con Blow by Blow. Producido por George Martin, Blow by Blow fue un álbum instrumental de jazz-fussion que recibió buenas críticas. Beck colaboró con Jan Hammer, ex teclista de Mahavishnu Orchestra para hacer Wired(1976) y apoyó el disco co-liderando una gira con la banda de Hammer. El tour se documentó en la grabación en directo de Jeff Beck with the Jan Hammer Group Live. Tras el tour con Hammer, Beck se retiró a su estancia a las afueras de Londres y permaneció callado durante 3 años. Retornó en 1980 con There and Back que contó con la colaboración de Hammer de nuevo. Nuevamente el tour de There and Back y Beck se retiró volviendo cinco años más tarde con el logrado Flash, producido por Nile Rodgers. Un disco de pop/rock grabado con una amplia variedad de vocalistas. Flash dio el único hit en single de su historia, el cantado por Stewart People Get Ready y también catapultó Escape, que ganó el Grammy por el Mejor Rock Instrumental.
Durante 1987 tocó la guitarra solista en el segundo álbum en solitario de Mick Jagger, Primitive Cool. Hubo una larga pausa entre Flash y el Guitar Shop de 1989, con Terry Bozzio and Tony Hymas. Aunque el disco sólo se vendió moderadamente bien, recibió buenas críticas y ganó el Grammy de nuevo de Rock Instrumental. Beck apoyó el álbum con una gira co-liderando con el guitarrista Stevie Ray Vaughan. De nuevo, Beck se retiró tras finalizar la gira.
En 1992 Beck tocó la guitarra solista en el disco de retorno de Roger Waters, Amused to Death. Un año más tarde publicó Crazy Legs con Big Town Playboys; un tributo a Gene Vincent y su guitarrista solista Cliff Gallup. Beck permaneció callado tras la publicación de dichos discos antes de resurgir en 1999 con Who Else!. You Had it Coming fue la continuación 2 años más tarde. Con la pista Dirty MInd de este disco, Beck ganó su tercer Grammy en la categoría de Mejor Rock Instrumental.
La publicación en 2003 de Jeff mostró que el nuevo estilo eléctrico usado en los dos álbumes anteriores continuaba dominando. Este estilo ha sido laureado por los críticos. Beck funde magistralmente su influencia electrónica con su pasado de blues/jazz; un estilo fuertemente influido por el sonido "marrón" de posteriores guitarristas como Van Halen of Joe Satriani. El tema Plan B. de este mismo le dio en otoño su cuarto Grammy. En los últimos años Beck ha tocado regularmente, incluida la presentación para B.B.King en el verano del 2003, respaldado por Terry Bozzio y Tony Hymas. Los tours más recientes de Jeff Beck en el 2005 y el 2006 han incluido a Jason Rebello a los teclados, Vinnie Colaiuta a la batería y Pino Palladino al bajo (sustituido recientemente por Randy Hope-Taylor por el anterior compromiso de Palladino con The Who).

2008-06-21T14:19:00.001-07:00

Jerome John "Jerry" Garcia (1 de agosto 1942 - 9 de agosto 1995) fue un músico estadounidense, líder de Grateful Dead, grupo de rock influido por la psicodelia, fundado en San Francisco en 1965 y que durante décadas ha representado para muchos de sus fans un ejemplo auténtico de banda alternativa, en activo al margen de los intereses que priman en la industria musical. Grateful Dead fue un grupo alineado con un estilo de vida que huía del sometimiento a convencionalismos sociales o doctrinas éticas y políticas susceptibles de limitar la libertad del individuo.
Nacido en la misma ciudad de San Francisco, Jerry era nieto de Manuel "Papuella” Garcia, un español emigrado a los Estados Unidos que trabajó en ese país como electricista, e hijo de Jose o Joe Garcia, musico de jazz que decidió bautizarlo con el nombre de pila de Jerome Kern, compositor de Broadway.
Jerry Garcia se convirtió en su país en una figura emblemática de la contracultura liberal de los años sesenta.
Jerry Garcia murió días después de cumpir 53 años, de un ataque al corazón en el transcurso de una estancia en el centro de rehabilitación para toxicómanos, "Serenity Knolls", en el condado de Marin, California.
En el film Medio Flipaos(Half Baked) interviene de forma estelar salvando a los protagonistas en el desenlace.

2008-06-21T14:12:00.000-07:00

La vida de Kurt Cobain sufrió un giro inesperado a los siete años, cuando sus padres se divorciaron en 1975, un evento que (tal como lo diría posteriormente), tendría un impacto profundo en su vida. Su madre notó que su personalidad cambió dramáticamente. En una entrevista de 1993, Cobain dijo: "Recuerdo sentirme apenado por esa razón. Estaba apenado por mis padres. Ya no podía enfrentarme con algunos de mis amigos en el colegio, porque desesperadamente quería tener de vuelta a la familia clásica, típica, ya sabes. Quería estar seguro de eso, por eso estuve resentido con mis padres algunos años".[3] Después de un año con su madre desde el divorcio, Cobain se mudó a Montesano (Washington) para vivir con su padre y fue transferido a la escuela primaria Beacon, pero después de algunos años su rebelión juvenil se convirtió en un trastorno para él, su familia y amigos.
De niño, Cobain idealizó al doble en acciones de riesgo Evel Knievel y estando en tercer curso, Cobain se lanzó desde un lado del techo de la casa de la familia hacia una cama de almohadas y cobijas que estaban en el suelo. Cobain le contó al periodista Michael Azerrad que, en otra ocasión, ató algunos petardos a un trozo de metal, se lo puso en el pecho, y les prendió fuego.
En el colegio, Cobain tomó poco interés en los deportes o en trabajos académicos, enfocándose en las clases de arte. Cobain pasaba el tiempo dibujando, estando especialmente obsesionado con los fetos y la anatomía humana.
Cobain era amigo de un estudiante homosexual en el colegio y por ello fue acosado por compañeros homofóbos. Ésta amistad, junto a su corta estatura, hizo pensar a algunos que era gay. En una entrevista realizada en febrero de 1993 por la revista de temática gay The Advocate, Cobain alegó que solía hacer grafitti con la frase "God is Gay" ("Dios es gay") en camiones alrededor de Aberdeen. En el artículo, el periodista Kevin Allman afirmó que Cobain fue arrestado en 1985 por pintar "HOMO SEX RULES" en un banco.[4] Sin embargo, los registros de la policía de Aberdeen demuestran que la frase por la cual fue arrestado era en realidad "Ain't got no how watch a ma call it."[5]
En la entrevista con The Advocate, Cobain admitió que él creyó ser gay cuando estaba en secundaria, diciendo: "Definitivamente soy gay en espíritu, y probablemente pude haber sido bisexual. Pero estoy casado, así que no hay forma de arrepentirme ahora. Sin embargo si no hubiera conocido a Courtney, probablemente hubiera llevado un estilo de vida bisexual". Cuando Nirvana apareció en Saturday Night Live en enero de 1992, Cobain y el bajista de Nirvana, Krist Novoselic, en broma, se besaron durante la despedida de los actores mientras pasaban los créditos. (Novoselic y Dave Grohl repitieron luego el gesto). El segmento fue cortado en posteriores retransmisiones del show (nunca volvió a transmitirse), y los créditos del cierre fueron reemplazados por los del ensayo (sin Cobain).
En su adolescencia, llevaba una vida familiar caótica y creció en pueblos del estado de Washington. Cobain encontró en la escena punk del Noroeste de los Estados Unidos una vía de escape, frecuentando conciertos en Seattle. Cobain forjó amistad con los músicos de Montesano The Melvins, cuya música influenció el sonido de Nirvana. Cobain tenía una pequeña "K" rodeada por un escudo tatuada en uno de sus brazos, la insignia de la discográfica de Olympia, K Records, además de ser la primera letra de su nombre (además, el logo fue usado por Cobain en algunas de sus guitarras).
Durante su juventud, Cobain pasó mucho tiempo leyendo en la biblioteca local, explorando trabajos literarios de escritores como S.E. Hinton y William S. Burroughs, cuyas técnicas de escritura usó algunas veces para escribir algunas canciones de Nirvana. Finalmente, Cobain tuvo la oportunidad de grabar con Burroughs una pieza hablada que contenía improvisación de guitarra: a "Priest" they called him. Las partes habladas eran fragmentos de una de las historias cortas de The Exterminator. Entre otros trabajos literarios que impactaron la forma de pensar de Cobain están: el Manifiesto SCUM de Valerie Solanas, Los vagabundos del dharma por Jack Kerouac, y El perfume de Patrick Süskind, así como trabajos de Samuel Beckett, Charles Bukowski, Jon Savage y Camille Paglia.
Durante sus años de estudiante, Cobain se mudó de nuevo con su madre a Aberdeen, y luego se matriculó en la Weatherwax High School. Dos semanas antes de la graduación, Cobain dejó los estudios después de darse cuenta que no tenía suficiente nota para poder graduarse. Su madre le dio un ultimátum: tenía que conseguir un trabajo o abandonar su casa. Después de una semana, Cobain encontró su ropa y otras pertenencias empacadas en cajas. Forzado a salir de casa de su madre, Cobain estuvo viviendo en varias casas de amigos y de vez en cuando iba a escondidas a casa de su madre. Cobain luego diría que cuando no encontraba algún lugar donde quedarse, se quedaba en un puente debajo del río Wishkah (en la calle Young), una experiencia que inspiró la canción de Nevermind "Something in the Way". (Sin embargo, en la edición de Junio de 2005 de Guitar World, Novoselic dijo que Cobain nunca vivió ahí: "Él se moría de hambre ahí, pero tú nunca podrías vivir en ese lugar, con las olas que iban y venían. Ése fue un revisionismo propio de su historia.") Ocasionalmente Cobain dormía en la sala de espera en el hospital comunitario de Grays Harbor. Durante este tiempo, Cobain estuvo trabajando en varios empleos en la comunidad de Aberdeen y ahorró suficiente dinero para alquilar un apartamento en junio de 1985. Sin embargo, volvió a quedarse sin hogar de nuevo cuando fue atrapado escribiendo "Ain't got no how watchamacallit" en un muro de un banco local y fue arrestado por vandalismo. Cobain terminó mudándose a la casa de Lamont Schillinger. El 18 de mayo de 1986, fue arrestado por el allanamiento de una propiedad privada, mientras estaba paseando por la terraza de un edificio abandonado. El 1 de septiembre, Cobain se mudó a su primera casa en la cual vivió solo, y pagó la renta con un trabajo temporal como limpiador en una escuela. En 1987 se fue junto a Novoselic a Olympia y formaron Nirvana.
Mientras estaba en Olympia, Cobain fue novio por un tiempo de Tracy Marander, que sería la inspiración de "About a Girl". Después de su ruptura en 1990, tuvo una corta relación sentimental con la baterista de Bikini Kill, Tobi Vail, de la cual había sido amigo desde algún tiempo atrás. Pese a los deseos de Cobain, la relación nunca fue más allá del sexo casual y la relación terminó.

2008-06-21T14:07:00.000-07:00

Kirk Hammett desde muy joven mostró un gran interés en la gran colección de discos de rock de su hermano Rick, incluyendo material de Led Zeppelin, Black Sabbath, Rolling Stones, UFO y Jimi Hendrix[1] (Hammett a veces interpreta partes de algunas canciones de Hendrix durante sus solos).
Comenzó a tocar a los 15 años y su primera guitarra fue una Montgomery Ward y un amplificador (que parecía más una caja de zapatos). Después de tener su primera Stratocaster en el año 1978, Hammett intentó personalizar su sonido con partes de varias guitarras. Llegó incluso a trabajar en un Burger King para poder comprar su primer amplificador Marshall.[1]
Los intereses musicales de Hammett, lo condujeron al género conocido como thrash metal. En 1982 formó el grupo Exodus, con el vocalista Paul Baloff, el guitarrista Gary Holt, y el baterista Tom Hunting. Exodus fue crucial en el movimiento del thrash durante la década de los 80 en California.[1]
En 1983, cuando Metallica iba a grabar su primer disco Kill 'em All invito a Hammett a formar parte del grupo, ya que con el guitarrista de la banda, Dave Mustaine, tenían muchos problemas. Después de grabar el álbum Hammett, empezó a tomar clases de guitarra con el ahora famoso Joe Satriani.[1]
En 2002 se le dio un puesto en el "Salón de la Fama" de la revista Guitar World. Ha grabado y ha hecho actuaciones en directo con Metallica desde hace más de 20 años y es un modelo para muchos guitarristas modernos.
Ya que él es guitarra principal de Metallica, Hammett ha escrito y contribuido con riffs para el grupo desde 1983. Uno de estos riffs, el de la canción Enter Sandman, fue escrito en la habitación de un hotel a las 3:00 de la madrugada. Este tema se volvió uno de los más populares de la banda. Era la primera canción y single del Black Album que fue clasificado en el número 252 en la lista de los 500 mejores discos de todos los tiempos, hecha por la revista Rolling Stone. El álbum es considerado como el segundo mejor de Metallica después de su primer gran éxito Master of Puppets ubicado en el lugar 167 de dicha lista.
Kirk ha sido criticado a menudo por su uso excesivo del pedal wah-wah en sus solos (particularmente en sus álbumes más recientes), pero él insiste diciendo que "el uso de este efecto es sólo una extensión de mi personalidad".
Hammett está casado, y vive con su esposa Lani en San Francisco. El 29 de Septiembre de 2006 Lani Hammett dio a luz a su primer hijo, Angel Ray Keala Hammett.
El ha sido influencia para muchos guitarristas de rock pesado de la actualidad. Como es el caso del guitarrista del grupo alemán Rammstein, Richard Z. Kruspe. A tal grado, que richard, por un tiempo, llevó una guitarra ESP modelo KH-2 como tributo a él. Ha colaborado con el más reciente álbum del guitarrista Carlos Santana.

2008-06-21T14:04:00.000-07:00

Keith richards es el indiscutible guitarrista de los Rolling Stones. Nacié el 18-12-1943 en Dartford, Inglaterra. Compañero de escuela primaria de Mick Jagger, años más tardes se encuentran en la estación de tren, Jagger estudiaba en la School of Ecomics, mientras que Richards, después de haber sido expulsado de varias escuelas, estudiaba en la escuela de arte de Disoup, y ahi se comenzó a gestar la banda.
Detrás del consumado Stone, del hombre que alimentó durante años las páginas de los periódicos sensacionalistas con historias de excesos y decadencia, se esconde un músico consciente, dedicado y personalísimo, capaz de moverse fluidamente dentro de un amplio espectro de géneros musicales y cuyo sonido, estilo y empuje rítmico han sido siempre la clave de la inconfundible música de los Rolling Stones. Su característico chaka-chaka es el combustible vital que propulsa muchos de sus clásicos memorables y ha servido de inspiración a innumerables guitarristas en el mundo entero, estableciéndose como un hito ineludible en el vocabulario guitarristico del Rock and Roll. Como dijo el periodista Peter Godbard: "los Stones son famosos gracias a Jagger y son una banda gracias a Richards."
Es ese sonido de banda que caracteriza a los Stones el que los diferencia de cualquier otro grupo, un sonido centrado en la maestria de Richards, que dispara constantemente riffs y pequeños adornos melodicos sin apartarse nunca del pulso rítmico que sostiene la canción, con magistral abandono y sin esfuerzo aparente, consiguiendo algo esencial a los maestros de cualquier forma artística: hacer que parezca simple lo que en realidad es el fruto de una compleja elaboración. Richards ayudo a derribar para siempre las barreras que separan la primera guitarra de la guitarra rítmica. "en otras bandas los musicos siguen al baterista, los stones siguen al guitarrista, que es Keith", explica Ron Wood.
"Keith es un guitarrista con mucha auto-confianza, no tenes modo de no seguirlo" decia Bill Wyman. Eso crea una capacidad de los músicos de tocar alrededor del "beat", en el cual el bajo hay veces se anticipa a la guitarra rítmica, y el baterista cae 1/100 de segundos después, proporcionando ese caracterísco inter-juego rítmico (escuchar la intro de "Start me up") y la aparente "Desprolijidad" del sonido Stone. "es algo que viene naturalmente. De alguna forma el rock and roll es una musica altamente estructurada tocada de una manera muy desestructurada. Son esas cosas como cambiar el "beat" -si esta hecho con conviccion, si nada es forzado, si simplemente fluye-, las que le agregan una atracción extra". (Richards)
Toda la música negra a ejercido una influencia capital sobre los Stones y particularmente Richards, pero indiscutiblemente es Chuck Berry -el primer gran maestro de la guitarra rockera-, quien ha dejado una marca indeleble en la aproximación de Keith a la viola. Sus pequeñas frases en dos cuerdas, su inconfundible "shuffle" (ritmo que era una adaptación a la guitarra del boogie-woogie empleado por los pianistas negros) y la capacidad de fundir la rítmica con la "lead guitar", señalarían una dirección que Richards retomaría y llevaría una paso mas allá.
"Lo que me interesaba de Chuck Berry, era el modo en que podía salir de la parte rítmica con tal facilidad, mandándose un hermoso y simple riff, y caer nuevamente en el feeling del tema" (Richards).
Dentro de las "pequeñas variaciones" que tornan "mas interesante" el rock and roll, está el continuo uso que hace Keith de los "open tunings" (afinaciones abiertas), causantes de que tantos guitarristas del mundo hayan encallecido sus dedos intentando duplicar el sonido Richards sin conseguirlo. Una que ha utilizado frecuentemente es el "open d" (Reabierto), lo que significa que haciendo sonar la guitarra con las cuerdas al aire nos da un acorde, de re mayor (Re, La, Re, Fa sostenido, La, Re, de la 6º a la 1º cuerda). Esta afinación fue muy empleada por Keith en "Beggar´s Banquet" (long play banquete de pordioseros), en temas como "Strett Fighting Man" (peleador callejero), "Jumping Jack Flash" (el Saltarin Jack flash). La otra afinación que emplea habitualmente es el "open g" (Sol abierto) (Re Sol Re Sol Si Re de la 6º a la 1º cuerda), un modo muy empleado por los bluseros negros para el trabajo con slides. Sin embargo, Keith le añadió un innovación: saco la 6º cuerda para poder tener la raíz del acorde (en este caso sol), en la cuerda mas grave, o sea la 5º.
Richards llego al punto de hacerse construir especialmente varias guitarras de 5 cuerdas para tocar en esta afinación: Sol Re Sol Si Re. Algunos ejemplos clásicos de temas que usa "open g" son: "Honky Tonk Woman", "Start me up" y "Little t & a". "Es un sonido gigante, es una de las cosas interesantes que podes obtener con "openg tunings". Simplemente tenes que mover uno o a lo sumo dos dedos, para cambiar de acorde, y tenes el resto de las cuerdas resonando por detrás, lo que da el efecto de dos acordes superpuestos. Esta cerca de un sonido modal, como el de las gaitas. Puede hacer que un ordinario cambio de acordes suene totalmente diferente. Además te da una nueva libertad, es algo que tenes que inventar por vos mismo, porque no hay nadie que te diga como tener que hacerlos" (Keith Richards)

2008-06-21T13:48:00.001-07:00

Ry Cooder (Los Ángeles, California, 15 de marzo de 1947) es un guitarrista especialmente conocido por su trabajo con la guitarra slide.
Empezó a llamar la atención en los años 1960 con Captain Beefheart and the Magic Band, después de haber trabajado con Taj Mahal en The Rising Sons y de haber tocado con The Seeds.
Cooder ha trabajado como músico de estudio y también ha realizado la banda sonora de muchas películas, de las que tal vez la más conocida sea Paris, Texas (Wim Wenders, 1984). En los últimos años, Cooder ha tenido un papel importante en la popularidad creciente de la música cubana gracias a su colaboración como productor en el disco Buena Vista Social Club (1997), que fue un éxito mundial. Wim Wenders dirigió en 1999 un documental sobre los músicos involucrados en el proyecto, obteniendo una nominación para los premios Oscar en 2000.
El trabajo en solitario de Cooder ha sido una mezcla ecléctica de folk, tex-mex, soul, gospel, rock y casi cualquier otro estilo. La lista de los músicos importantes con los que ha colaborado incluye a The Rolling Stones, Little Feat, The Chieftains, John Lee Hooker, Gabby Pahinui y Ali Farka Toure. También formó el supergrupo Little Village con Nick Lowe, John Hiatt y Jim Keltner.
Su disco de 1978 Bop Till You Drop fue el primer álbum de música popular grabado digitalmente.
La revista Rolling Stone ha nombrado a Ry Cooder con el puesto nº8 en su Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos. Inmediatamente tras él aparecían en la lista Jimmy Page (de Led Zeppelin) y Keith Richards (de The Rolling Stones). En los años 1960, Cooder enseñó a Keith Richards como tocar en la afinación abierta de sol, afinación que Richards ha usado desde entonces, incluyendola en muchas de los canciones más grandes de los Stones.

2008-06-21T13:44:00.000-07:00

Steven "Stevie" Ray Vaughan (3 de octubre de 1954 - 27 de agosto de 1990) fue un guitarrista y cantante que fusionó los géneros del blues y el rock en los años 80. Desarrolló un sonido y estilo, basado en artistas como Albert King, Jimi Hendrix u Otis Rush, furioso, crudo y explosivo; que más adelante, fue imitado por innumerables guitarristas quienes lo citan como principal influencia.
A la edad de 7 tuvo su primera experiencia con una guitarra cuando le regalan una guitarra de juguete. En 1963 compró su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack. Lo escuchó tantas veces que su padre lo termino rompiendo.
Stevie continúa tocando de manera semi-amateur hasta 1969, donde entra a la escena del blues en Austin, Texas. En el verano de 1970 forma su primera banda a largo plazo, los Blackbirds, con Stevie y Kim Davis en las guitarras, Christian dePlicque en la voz, Roddy Colonna & John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo. A finales de 1971 deja la secundaria y se muda a Austin con su banda, estableciendo su base en un club llamado "Hills Country Club". El único hecho merecedor de ser destacado en los próximos años es que en 1974 Stevie obtiene su destruida Stratocaster, la "Number One" que no dejaría por el resto de su carrera. Hasta 1977 participó en bandas como "The Nightcrawlers", "Paul Ray & The Cobras" (con la que ganó el premio a la banda del año en marzo de 1977) y "Triple Threat Revue".
Hacia septiembre de 1977 Stevie forma su banda definitiva, Double-Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble), Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería). Se movieron dentro del estado de Texas hasta el 19 de agosto de 1979, cuando tocaron en el San Francisco Blues Festival.

2008-06-21T13:38:00.000-07:00

Charles Edward Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en el 2520 de Goode Avenue (actualmente Annie Malone Drive) en St. Louis. Su madre, Martha, era profesora y su padre, Henry, contratista y diácono baptista. Es el tercero de seis hermanos. Estudió en la Simmons Grade School y la Sumner High School, esta última la primera escuela de secundaria para afronorteamericanos del oeste de Misisipi, en la que también estudiaría Tina Turner.
Berry había estado tocando blues desde sus adolescencia y a principios de 1953, comienza a ganarse un sobresueldo tocando en la "Sir John's Trio" una banda que actuaba en un popular club de Saint Louis. Poco más tarde esta banda cambiaría su nombre al de "Chuck Berry Combo". En la ciudad sólo había otra banda que pudiera competir con la de Berry, la de Ike Turner, otro afamado guitarrista.
En 1955 comienza su carrera hacia el estrellato. Aparece en cuatro películas. En mayo, viaja a Chicago donde conoce a Muddy Waters quién le sugiere que entre en contacto con la Chess Records. Firmado el contrato, lanzó en septiembre de ese mismo año "Maybelene". A finales de junio de 1956, su canción "Roll Over Beethoven" alcanzaría el puesto 29. En otoño de 1957, Berry, los Everly Brothers, Buddy Holly y otras pujantes estrellas del incipiente rock and roll se juntaron para tocar en gira por los Estados Unidos.
En diciembre de 1959, Berry tenía problemas legales después de que contratara a una apache menor de edad, que conoció en México, para trabajar en el club Bandstand de su propiedad en Saint Louis. Arrestaron a la muchacha acusada de prostitución y a Berry lo acusaron de tráfico de menores para propósitos sexuales. Fue condenado a pagar una multa de 5.000 dólares y a cinco años en prisión. Salió en 1963
Ya en los años 70 Berry viajó durante muchos años con la única compañía de su guitarra Gibson, seguro de que fuera donde fuera podría encontrar una banda que conociera su música a la cual podría contratar.
Después de viajar por los circuitos de viejas glorias de los años 1970, Berry volvía a estar en apuros con la ley en 1979. Poco después de actuar en la Casa Blanca para Carter, le culparon de evasión de impuestos. Fue condenado a cuatro meses de cárcel y a 1.000 horas de servicio a la comunidad mediante conciertos benéficos.
Al final de los 70, Berry continuaba regularmente con su carrera, tocando tanto en los Estados Unidos como al otro lado del océano. Un miércoles de cada mes, actuaba en el "Blueberry Hill", un bar restaurante en Delmar Loop, un barrio de Saint Louis.
Al final de los años 1980, Berry abrió un restaurante en Wentzville, Missouri, al que llamó The Southern Air. También posee un terreno en Wentzville llamado Berry Park, donde durante muchos veranos, Berry dio conciertos de rock. Lo cerró eventualmente al público debido al comportamiento tumultuoso de muchos asistentes.
El documental 'Hail! Hail! Rock 'n Roll' trata sobre él y un concierto que hizo en 1987 junto a Keith Richards, Eric Clapton, y Julian Lennon, entre otros.
Berry volvería a ser tema de atención al principio de los años 90 por su pretendido voyeurismo en los cuartos de baño femeninos de su hogar y restaurante.
Su carácter no es fácil. Frente a sus sentimientos suele levantar un muro de hostilidad. En una ocasión echa del escenario al ínclito Keith Richards cuando éste sube por sorpresa a tocar con su ídolo; en otra ocasión ambos llegaron a las manos en un camerino. Sin embargo no se puede negar que su figura sea una de las más influyentes en la música rock

2008-06-21T13:34:00.000-07:00

Robert Johnson nacido como Robert Leroy Johnson (8 de Mayo de 1911 – 16 de Agosto de 1938) fue un cantante, compositor y guitarrista de blues estadounidense, conocido como "El Rey del Delta blues". Sus grabaciones de 1936 a 1937 muestran una notable combinación de canto, habilidades de guitarra, y talento en la composición que influenciaron a generaciones de músicos, a pesar de solo haber dejado un registro de 29 canciones. Su enigmática vida, pobremente documentada, y muerte a la edad de 27 años han dado lugar a la creación de muchas leyendas sobre su persona. Es considerado como el "El Abuelo del Rock-and-Roll", su locución, la originalidad de sus canciones y su estilo de tocar la guitarra ha influido a una gran gama de músicos incluyendo a John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, The Yardbirds, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Paul Butterfield, The White Stripes, The Black Keys, The Band, Neil Young, Warren Zevon, Jeff Beck, y Eric Clapton, quien lo llama "El más importante músico de Blues que haya vivido".[1] Ocupó el 5º puesto en la lista de "Los 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone.[2] Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986 en la categoría de "Early Influence" (Influencias tempranas).[3]

2008-06-21T13:33:00.000-07:00

Eric Patrick Clapton Shaw (Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de 1945) es un guitarrista de rock y blues. Apodado "Slowhand" (Mano lenta), Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes en la era del rock. Su estilo musical sufrió múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado en el blues. Este músico es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera, practicando el blues rock con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds, y una mezcla de rock, blues y jazz con Cream, además de haber ganado una reconocida carrera como solista.
También ha tocado con Derek and the Dominos y Blind Faith y colaboró con The Beatles en la grabación del álbum blanco como solista en la canción "While My Guitar Gently Weeps". Su guitarra eléctrica favorita y más utilizada es Fender Stratocaster llamada Blackie que el mismo construyo de diferentes partes de stratocasters, y también tiene preferencia por Fender en otros tipos de guitarras.
En sus últimos trabajos rinde tributo a Robert Johnson, bluesman al que siempre ha considerado como la mayor influencia musical en su carrera.

2008-06-21T13:22:00.001-07:00

Riley B. King mejor conocido como B. B. King, nacido el 16 de septiembre de 1925 en Ittabena, Misisipi, es un famoso guitarrista de blues y compositor.
B. B. King es considerado como uno de los mayores virtuosos del blues que ha tenido la historia de la música. Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida, esta es ya una tradición que inició en los 1950s.

2008-06-21T13:18:00.000-07:00

Duane Allman 20 de noviembre 1946, Tennessee, - † 29 de octubre 1971, guitarrista de sesión estadounidense de rock. Miembro fundador de The Allman Brothers Band.
En su juventud el y su hermano Gregg fundan el grupo "Allman Joys", en 1965 publican su primer single Spoonful, luego cambian de nombre a "The Hour Glass" lanzando 2 discos que no tienen fama para luego separarse en 1968 regresando a la Florida Duane grabó posteriormente con Wilson Pickett un cover de "Hey Jude" y fue contratado como músico de sesión por el sello Atlantic, lo que le permitió trabajar con artistas como Aretha Franklin, Boz Scaggs, King Curtis.

100 mejores guitarristas con biografia

2008-06-20T09:35:00.000-07:00

Esta es la nueva lista de la revista Rolling Stones sobre los 100 mejores guitarristas:

1) Jimi Hendrix
2) Duane Allman of the Allman Brothers Band
3) B.B. King
4) Eric Clapton
5) Robert Johnson
6) Chuck Berry
7) Stevie Ray Vaughan
8) Ry Cooder
9) Jimmy Page of Led Zeppelin
10) Keith Richards of the Rolling Stones
11) Kirk Hammett of Metallica
12) Kurt Cobain of Nirvana
13) Jerry Garcia of the Grateful Dead
14) Jeff Beck
15) Carlos Santana
16) Johnny Ramone of the Ramones
17) Jack White of the White Stripes
18) John Frusciante of the Red Hot Chili Peppers
19) Richard Thompson
20) James Burton
21) George Harrison
22) Mike Bloomfield
23) Warren Haynes
24) The Edge of U2
25) Freddy King
26) Tom Morello of Rage Against the Machine and Audioslave
27) Mark Knopfler of Dire Straits
28) Stephen Stills
29) Ron Asheton of the Stooges
30) Buddy Guy
31) Dick Dale
32) John Cipollina of Quicksilver Messenger Service
33) Lee Ranaldo of Sonic Youth
34) Thurston Moore of Sonic Youth
35) John Fahey
36) Steve Cropper of Booker T. and the MG's
37) Bo Diddley
38) Peter Green of Fleetwood Mac
39) Brian May of Queen
40) John Fogerty of Creedence Clearwater Revival
41) Clarence White of the Byrds
42) Robert Fripp of King Crimson
43) Eddie Hazel of Funkadelic
44) Scotty Moore
45) Frank Zappa
46) Les Paul
47) T-Bone Walker
48) Joe Perry of Aerosmith
49) John McLaughlin
50) Pete Townshend
51) Paul Kossoff of Free
52) Lou Reed
53) Mickey Baker
54) Jorma Kaukonen of Jefferson Airplane
55) Ritchie Blackmore of Deep Purple
56) Tom Verlaine of Television
57) Roy Buchanan
58) Dickey Betts
59) Jonny Greenwood of Radiohead
60) Ed O'Brien of Radiohead
61) Ike Turner
62) Zoot Horn Rollo of the Magic Band
63) Danny Gatton
64) Mick Ronson
65) Hubert Sumlin
66) Vernon Reid of Living Colour
67) Link Wray
68) Jerry Miller of Moby Grape
69) Steve Howe of Yes
70) Eddie Van Halen
71) Lightnin' Hopkins
72) Joni Mitchell
73) Trey Anastasio of Phish
74) Johnny Winter
75) Adam Jones of Tool
76) Ali Farka Toure
77) Henry Vestine of Canned Heat
78) Robbie Robertson of the Band
79) Cliff Gallup of the Blue Caps (1997)
80) Robert Quine of the Voidoids
81) Derek Trucks
82) David Gilmour of Pink Floyd
83) Neil Young
84) Eddie Cochran
85) Randy Rhoads
86) Tony Iommi of Black Sabbath
87) Joan Jett
88) Dave Davies of the Kinks
89) D. Boon of the Minutemen
90) Glen Buxton of Alice Cooper
91) Robby Krieger of the Doors
92) Fred "Sonic" Smith of the MC5
93) Wayne Kramer of the MC5
94) Bert Jansch
95) Kevin Shields of My Bloody Valentine
96) Angus Young of AC/DC
97) Robert Randolph
98) Leigh Stephens of Blue Cheer
99) Greg Ginn of Black Flag
100) Kim Thayil of Soundgarden

No tienen a Slash en ningun lado.Neail Young de 83 me hace llorar y por temor a ser eliminado de este foro no digo mi opinion sobre Townsend de 50 y Van Halen de 70