Geoffrey Arnold ("Jeff") Beck (nacido el 24 de junio de 1944 en Wallington, Gran Londres, Reino Unido) es un guitarrista de rock/blues que ha tocado en varias bandas influyentes en las décadas de los 60s y los 70s como los The Yardbirds. Además, durante 25 años ha mantenido una esporádica carrera en solitario. A pesar de no haber alcanzado nunca la proyección comercial de sus contemporáneos, Beck ha tenido un gran reconocimiento, especialmente en la comunidad de guitarristas. Nunca nadie le ha encasillado en un género, Beck ha experimentado con blues rock, heavy metal y jazz fusion y actualmente ha absorbido influencias del techno, creando una innovadora mezcla de música heavy rock y música electrónica.
Jeff Beck comenzó su carrera musical con un breve paso por la Escuela de Arte de Wimbledon, Londres. Se ganó la reputación apoyando a Lord Sutch , quien le ayudó a buscar trabajo como guitarrista líder de los Yardbirds, tras la salida de Eric Clapton. Beck permaneció en los Yardbirds durante casi 2 años dejándoles a finales de 1966 con la disculpa de abandonar la música. Volvió meses más tarde con Love is Blue, un single en el cual tocó mal a drede porque odiaba la canción. Más adelante, en 1967 formó The Jeff Beck Group con el vocalista Rod Stewart, el bajista Ron Wood y el baterista Aynsley Dunbar, sustituido rápidamente por Mickey Waller y el teclista Nicky Hopkins agregado a principios de 1968. Con sus potentes arreglos de temas de blues y sus intercalamientos de guitarra y voz, Jeff Beck estableció las bases del heavy metal. Ninguno de los disco de la banda como Truth(1968) o Beck-Ola(1969) (grabado con el nuevo baterista Tony Newman) fueron particularmente exitosos. La banda solía pelearse a menudo, especialmente en sus frecuentes tours en los EE.UU. En 1970 Stewart y Wood la dejaron para unirse a Faces, y Beck disolvió el grupo.
Beck intentó formar un potente trío con los miembros de Vanilla Fudge: Carmine Appice(batería) y Tim Bogert(bajo) pero sus planes se vinieron abajo cuando Beck sufrió un grave accidente de tráfico en 1970. Para cuando se recuperó en 1971, Bogart y Appice estaban tocando en Cactus, así que el guitarrista formó una nueva versión del Jeff Beck Group con la participación del teclista Max Middleton, baterista Cozy Powell, bajista Clive Chaman y el vocalista Bobby Tench, la banda grabó Rough and Ready(1971) y Jeff Beck Group(1972). Ninguno de ambos discos atrajo mucho la atención.
Cactus se disolvió a finales de 1972 y Beck , Bogert y Appice formaron un potente trío al año siguiente. El único álbum de estudio del grupo –una grabación en directo publicada en Japón pero nunca en EE.UU. of U.K.- fue ampliamente menospreciado debido a sus pesados arreglos y débiles voces y el grupo se disolvió al año siguiente.
Durante 18 meses Beck permaneció callado, re-emergiendo en 1975 con Blow by Blow. Producido por George Martin, Blow by Blow fue un álbum instrumental de jazz-fussion que recibió buenas críticas. Beck colaboró con Jan Hammer, ex teclista de Mahavishnu Orchestra para hacer Wired(1976) y apoyó el disco co-liderando una gira con la banda de Hammer. El tour se documentó en la grabación en directo de Jeff Beck with the Jan Hammer Group Live. Tras el tour con Hammer, Beck se retiró a su estancia a las afueras de Londres y permaneció callado durante 3 años. Retornó en 1980 con There and Back que contó con la colaboración de Hammer de nuevo. Nuevamente el tour de There and Back y Beck se retiró volviendo cinco años más tarde con el logrado Flash, producido por Nile Rodgers. Un disco de pop/rock grabado con una amplia variedad de vocalistas. Flash dio el único hit en single de su historia, el cantado por Stewart People Get Ready y también catapultó Escape, que ganó el Grammy por el Mejor Rock Instrumental.
Durante 1987 tocó la guitarra solista en el segundo álbum en solitario de Mick Jagger, Primitive Cool. Hubo una larga pausa entre Flash y el Guitar Shop de 1989, con Terry Bozzio and Tony Hymas. Aunque el disco sólo se vendió moderadamente bien, recibió buenas críticas y ganó el Grammy de nuevo de Rock Instrumental. Beck apoyó el álbum con una gira co-liderando con el guitarrista Stevie Ray Vaughan. De nuevo, Beck se retiró tras finalizar la gira.
En 1992 Beck tocó la guitarra solista en el disco de retorno de Roger Waters, Amused to Death. Un año más tarde publicó Crazy Legs con Big Town Playboys; un tributo a Gene Vincent y su guitarrista solista Cliff Gallup. Beck permaneció callado tras la publicación de dichos discos antes de resurgir en 1999 con Who Else!. You Had it Coming fue la continuación 2 años más tarde. Con la pista Dirty MInd de este disco, Beck ganó su tercer Grammy en la categoría de Mejor Rock Instrumental.
La publicación en 2003 de Jeff mostró que el nuevo estilo eléctrico usado en los dos álbumes anteriores continuaba dominando. Este estilo ha sido laureado por los críticos. Beck funde magistralmente su influencia electrónica con su pasado de blues/jazz; un estilo fuertemente influido por el sonido "marrón" de posteriores guitarristas como Van Halen of Joe Satriani. El tema Plan B. de este mismo le dio en otoño su cuarto Grammy. En los últimos años Beck ha tocado regularmente, incluida la presentación para B.B.King en el verano del 2003, respaldado por Terry Bozzio y Tony Hymas. Los tours más recientes de Jeff Beck en el 2005 y el 2006 han incluido a Jason Rebello a los teclados, Vinnie Colaiuta a la batería y Pino Palladino al bajo (sustituido recientemente por Randy Hope-Taylor por el anterior compromiso de Palladino con The Who).

Jerome John "Jerry" Garcia (1 de agosto 1942 - 9 de agosto 1995) fue un músico estadounidense, líder de Grateful Dead, grupo de rock influido por la psicodelia, fundado en San Francisco en 1965 y que durante décadas ha representado para muchos de sus fans un ejemplo auténtico de banda alternativa, en activo al margen de los intereses que priman en la industria musical. Grateful Dead fue un grupo alineado con un estilo de vida que huía del sometimiento a convencionalismos sociales o doctrinas éticas y políticas susceptibles de limitar la libertad del individuo.
Nacido en la misma ciudad de San Francisco, Jerry era nieto de Manuel "Papuella” Garcia, un español emigrado a los Estados Unidos que trabajó en ese país como electricista, e hijo de Jose o Joe Garcia, musico de jazz que decidió bautizarlo con el nombre de pila de Jerome Kern, compositor de Broadway.
Jerry Garcia se convirtió en su país en una figura emblemática de la contracultura liberal de los años sesenta.
Jerry Garcia murió días después de cumpir 53 años, de un ataque al corazón en el transcurso de una estancia en el centro de rehabilitación para toxicómanos, "Serenity Knolls", en el condado de Marin, California.
En el film Medio Flipaos(Half Baked) interviene de forma estelar salvando a los protagonistas en el desenlace.

La vida de Kurt Cobain sufrió un giro inesperado a los siete años, cuando sus padres se divorciaron en 1975, un evento que (tal como lo diría posteriormente), tendría un impacto profundo en su vida. Su madre notó que su personalidad cambió dramáticamente. En una entrevista de 1993, Cobain dijo: "Recuerdo sentirme apenado por esa razón. Estaba apenado por mis padres. Ya no podía enfrentarme con algunos de mis amigos en el colegio, porque desesperadamente quería tener de vuelta a la familia clásica, típica, ya sabes. Quería estar seguro de eso, por eso estuve resentido con mis padres algunos años".[3] Después de un año con su madre desde el divorcio, Cobain se mudó a Montesano (Washington) para vivir con su padre y fue transferido a la escuela primaria Beacon, pero después de algunos años su rebelión juvenil se convirtió en un trastorno para él, su familia y amigos.
De niño, Cobain idealizó al doble en acciones de riesgo Evel Knievel y estando en tercer curso, Cobain se lanzó desde un lado del techo de la casa de la familia hacia una cama de almohadas y cobijas que estaban en el suelo. Cobain le contó al periodista Michael Azerrad que, en otra ocasión, ató algunos petardos a un trozo de metal, se lo puso en el pecho, y les prendió fuego.
En el colegio, Cobain tomó poco interés en los deportes o en trabajos académicos, enfocándose en las clases de arte. Cobain pasaba el tiempo dibujando, estando especialmente obsesionado con los fetos y la anatomía humana.
Cobain era amigo de un estudiante homosexual en el colegio y por ello fue acosado por compañeros homofóbos. Ésta amistad, junto a su corta estatura, hizo pensar a algunos que era gay. En una entrevista realizada en febrero de 1993 por la revista de temática gay The Advocate, Cobain alegó que solía hacer grafitti con la frase "God is Gay" ("Dios es gay") en camiones alrededor de Aberdeen. En el artículo, el periodista Kevin Allman afirmó que Cobain fue arrestado en 1985 por pintar "HOMO SEX RULES" en un banco.[4] Sin embargo, los registros de la policía de Aberdeen demuestran que la frase por la cual fue arrestado era en realidad "Ain't got no how watch a ma call it."[5]
En la entrevista con The Advocate, Cobain admitió que él creyó ser gay cuando estaba en secundaria, diciendo: "Definitivamente soy gay en espíritu, y probablemente pude haber sido bisexual. Pero estoy casado, así que no hay forma de arrepentirme ahora. Sin embargo si no hubiera conocido a Courtney, probablemente hubiera llevado un estilo de vida bisexual". Cuando Nirvana apareció en Saturday Night Live en enero de 1992, Cobain y el bajista de Nirvana, Krist Novoselic, en broma, se besaron durante la despedida de los actores mientras pasaban los créditos. (Novoselic y Dave Grohl repitieron luego el gesto). El segmento fue cortado en posteriores retransmisiones del show (nunca volvió a transmitirse), y los créditos del cierre fueron reemplazados por los del ensayo (sin Cobain).
En su adolescencia, llevaba una vida familiar caótica y creció en pueblos del estado de Washington. Cobain encontró en la escena punk del Noroeste de los Estados Unidos una vía de escape, frecuentando conciertos en Seattle. Cobain forjó amistad con los músicos de Montesano The Melvins, cuya música influenció el sonido de Nirvana. Cobain tenía una pequeña "K" rodeada por un escudo tatuada en uno de sus brazos, la insignia de la discográfica de Olympia, K Records, además de ser la primera letra de su nombre (además, el logo fue usado por Cobain en algunas de sus guitarras).
Durante su juventud, Cobain pasó mucho tiempo leyendo en la biblioteca local, explorando trabajos literarios de escritores como S.E. Hinton y William S. Burroughs, cuyas técnicas de escritura usó algunas veces para escribir algunas canciones de Nirvana. Finalmente, Cobain tuvo la oportunidad de grabar con Burroughs una pieza hablada que contenía improvisación de guitarra: a "Priest" they called him. Las partes habladas eran fragmentos de una de las historias cortas de The Exterminator. Entre otros trabajos literarios que impactaron la forma de pensar de Cobain están: el Manifiesto SCUM de Valerie Solanas, Los vagabundos del dharma por Jack Kerouac, y El perfume de Patrick Süskind, así como trabajos de Samuel Beckett, Charles Bukowski, Jon Savage y Camille Paglia.
Durante sus años de estudiante, Cobain se mudó de nuevo con su madre a Aberdeen, y luego se matriculó en la Weatherwax High School. Dos semanas antes de la graduación, Cobain dejó los estudios después de darse cuenta que no tenía suficiente nota para poder graduarse. Su madre le dio un ultimátum: tenía que conseguir un trabajo o abandonar su casa. Después de una semana, Cobain encontró su ropa y otras pertenencias empacadas en cajas. Forzado a salir de casa de su madre, Cobain estuvo viviendo en varias casas de amigos y de vez en cuando iba a escondidas a casa de su madre. Cobain luego diría que cuando no encontraba algún lugar donde quedarse, se quedaba en un puente debajo del río Wishkah (en la calle Young), una experiencia que inspiró la canción de Nevermind "Something in the Way". (Sin embargo, en la edición de Junio de 2005 de Guitar World, Novoselic dijo que Cobain nunca vivió ahí: "Él se moría de hambre ahí, pero tú nunca podrías vivir en ese lugar, con las olas que iban y venían. Ése fue un revisionismo propio de su historia.") Ocasionalmente Cobain dormía en la sala de espera en el hospital comunitario de Grays Harbor. Durante este tiempo, Cobain estuvo trabajando en varios empleos en la comunidad de Aberdeen y ahorró suficiente dinero para alquilar un apartamento en junio de 1985. Sin embargo, volvió a quedarse sin hogar de nuevo cuando fue atrapado escribiendo "Ain't got no how watchamacallit" en un muro de un banco local y fue arrestado por vandalismo. Cobain terminó mudándose a la casa de Lamont Schillinger. El 18 de mayo de 1986, fue arrestado por el allanamiento de una propiedad privada, mientras estaba paseando por la terraza de un edificio abandonado. El 1 de septiembre, Cobain se mudó a su primera casa en la cual vivió solo, y pagó la renta con un trabajo temporal como limpiador en una escuela. En 1987 se fue junto a Novoselic a Olympia y formaron Nirvana.
Mientras estaba en Olympia, Cobain fue novio por un tiempo de Tracy Marander, que sería la inspiración de "About a Girl". Después de su ruptura en 1990, tuvo una corta relación sentimental con la baterista de Bikini Kill, Tobi Vail, de la cual había sido amigo desde algún tiempo atrás. Pese a los deseos de Cobain, la relación nunca fue más allá del sexo casual y la relación terminó.

Kirk Hammett desde muy joven mostró un gran interés en la gran colección de discos de rock de su hermano Rick, incluyendo material de Led Zeppelin, Black Sabbath, Rolling Stones, UFO y Jimi Hendrix[1] (Hammett a veces interpreta partes de algunas canciones de Hendrix durante sus solos).
Comenzó a tocar a los 15 años y su primera guitarra fue una Montgomery Ward y un amplificador (que parecía más una caja de zapatos). Después de tener su primera Stratocaster en el año 1978, Hammett intentó personalizar su sonido con partes de varias guitarras. Llegó incluso a trabajar en un Burger King para poder comprar su primer amplificador Marshall.[1]
Los intereses musicales de Hammett, lo condujeron al género conocido como thrash metal. En 1982 formó el grupo Exodus, con el vocalista Paul Baloff, el guitarrista Gary Holt, y el baterista Tom Hunting. Exodus fue crucial en el movimiento del thrash durante la década de los 80 en California.[1]
En 1983, cuando Metallica iba a grabar su primer disco Kill 'em All invito a Hammett a formar parte del grupo, ya que con el guitarrista de la banda, Dave Mustaine, tenían muchos problemas. Después de grabar el álbum Hammett, empezó a tomar clases de guitarra con el ahora famoso Joe Satriani.[1]
En 2002 se le dio un puesto en el "Salón de la Fama" de la revista Guitar World. Ha grabado y ha hecho actuaciones en directo con Metallica desde hace más de 20 años y es un modelo para muchos guitarristas modernos.
Ya que él es guitarra principal de Metallica, Hammett ha escrito y contribuido con riffs para el grupo desde 1983. Uno de estos riffs, el de la canción Enter Sandman, fue escrito en la habitación de un hotel a las 3:00 de la madrugada. Este tema se volvió uno de los más populares de la banda. Era la primera canción y single del Black Album que fue clasificado en el número 252 en la lista de los 500 mejores discos de todos los tiempos, hecha por la revista Rolling Stone. El álbum es considerado como el segundo mejor de Metallica después de su primer gran éxito Master of Puppets ubicado en el lugar 167 de dicha lista.
Kirk ha sido criticado a menudo por su uso excesivo del pedal wah-wah en sus solos (particularmente en sus álbumes más recientes), pero él insiste diciendo que "el uso de este efecto es sólo una extensión de mi personalidad".
Hammett está casado, y vive con su esposa Lani en San Francisco. El 29 de Septiembre de 2006 Lani Hammett dio a luz a su primer hijo, Angel Ray Keala Hammett.
El ha sido influencia para muchos guitarristas de rock pesado de la actualidad. Como es el caso del guitarrista del grupo alemán Rammstein, Richard Z. Kruspe. A tal grado, que richard, por un tiempo, llevó una guitarra ESP modelo KH-2 como tributo a él. Ha colaborado con el más reciente álbum del guitarrista Carlos Santana.

Keith richards es el indiscutible guitarrista de los Rolling Stones. Nacié el 18-12-1943 en Dartford, Inglaterra. Compañero de escuela primaria de Mick Jagger, años más tardes se encuentran en la estación de tren, Jagger estudiaba en la School of Ecomics, mientras que Richards, después de haber sido expulsado de varias escuelas, estudiaba en la escuela de arte de Disoup, y ahi se comenzó a gestar la banda.
Detrás del consumado Stone, del hombre que alimentó durante años las páginas de los periódicos sensacionalistas con historias de excesos y decadencia, se esconde un músico consciente, dedicado y personalísimo, capaz de moverse fluidamente dentro de un amplio espectro de géneros musicales y cuyo sonido, estilo y empuje rítmico han sido siempre la clave de la inconfundible música de los Rolling Stones. Su característico chaka-chaka es el combustible vital que propulsa muchos de sus clásicos memorables y ha servido de inspiración a innumerables guitarristas en el mundo entero, estableciéndose como un hito ineludible en el vocabulario guitarristico del Rock and Roll. Como dijo el periodista Peter Godbard: "los Stones son famosos gracias a Jagger y son una banda gracias a Richards."
Es ese sonido de banda que caracteriza a los Stones el que los diferencia de cualquier otro grupo, un sonido centrado en la maestria de Richards, que dispara constantemente riffs y pequeños adornos melodicos sin apartarse nunca del pulso rítmico que sostiene la canción, con magistral abandono y sin esfuerzo aparente, consiguiendo algo esencial a los maestros de cualquier forma artística: hacer que parezca simple lo que en realidad es el fruto de una compleja elaboración. Richards ayudo a derribar para siempre las barreras que separan la primera guitarra de la guitarra rítmica. "en otras bandas los musicos siguen al baterista, los stones siguen al guitarrista, que es Keith", explica Ron Wood.
"Keith es un guitarrista con mucha auto-confianza, no tenes modo de no seguirlo" decia Bill Wyman. Eso crea una capacidad de los músicos de tocar alrededor del "beat", en el cual el bajo hay veces se anticipa a la guitarra rítmica, y el baterista cae 1/100 de segundos después, proporcionando ese caracterísco inter-juego rítmico (escuchar la intro de "Start me up") y la aparente "Desprolijidad" del sonido Stone. "es algo que viene naturalmente. De alguna forma el rock and roll es una musica altamente estructurada tocada de una manera muy desestructurada. Son esas cosas como cambiar el "beat" -si esta hecho con conviccion, si nada es forzado, si simplemente fluye-, las que le agregan una atracción extra". (Richards)
Toda la música negra a ejercido una influencia capital sobre los Stones y particularmente Richards, pero indiscutiblemente es Chuck Berry -el primer gran maestro de la guitarra rockera-, quien ha dejado una marca indeleble en la aproximación de Keith a la viola. Sus pequeñas frases en dos cuerdas, su inconfundible "shuffle" (ritmo que era una adaptación a la guitarra del boogie-woogie empleado por los pianistas negros) y la capacidad de fundir la rítmica con la "lead guitar", señalarían una dirección que Richards retomaría y llevaría una paso mas allá.
"Lo que me interesaba de Chuck Berry, era el modo en que podía salir de la parte rítmica con tal facilidad, mandándose un hermoso y simple riff, y caer nuevamente en el feeling del tema" (Richards).
Dentro de las "pequeñas variaciones" que tornan "mas interesante" el rock and roll, está el continuo uso que hace Keith de los "open tunings" (afinaciones abiertas), causantes de que tantos guitarristas del mundo hayan encallecido sus dedos intentando duplicar el sonido Richards sin conseguirlo. Una que ha utilizado frecuentemente es el "open d" (Reabierto), lo que significa que haciendo sonar la guitarra con las cuerdas al aire nos da un acorde, de re mayor (Re, La, Re, Fa sostenido, La, Re, de la 6º a la 1º cuerda). Esta afinación fue muy empleada por Keith en "Beggar´s Banquet" (long play banquete de pordioseros), en temas como "Strett Fighting Man" (peleador callejero), "Jumping Jack Flash" (el Saltarin Jack flash). La otra afinación que emplea habitualmente es el "open g" (Sol abierto) (Re Sol Re Sol Si Re de la 6º a la 1º cuerda), un modo muy empleado por los bluseros negros para el trabajo con slides. Sin embargo, Keith le añadió un innovación: saco la 6º cuerda para poder tener la raíz del acorde (en este caso sol), en la cuerda mas grave, o sea la 5º.
Richards llego al punto de hacerse construir especialmente varias guitarras de 5 cuerdas para tocar en esta afinación: Sol Re Sol Si Re. Algunos ejemplos clásicos de temas que usa "open g" son: "Honky Tonk Woman", "Start me up" y "Little t & a". "Es un sonido gigante, es una de las cosas interesantes que podes obtener con "openg tunings". Simplemente tenes que mover uno o a lo sumo dos dedos, para cambiar de acorde, y tenes el resto de las cuerdas resonando por detrás, lo que da el efecto de dos acordes superpuestos. Esta cerca de un sonido modal, como el de las gaitas. Puede hacer que un ordinario cambio de acordes suene totalmente diferente. Además te da una nueva libertad, es algo que tenes que inventar por vos mismo, porque no hay nadie que te diga como tener que hacerlos" (Keith Richards)

Ry Cooder (Los Ángeles, California, 15 de marzo de 1947) es un guitarrista especialmente conocido por su trabajo con la guitarra slide.
Empezó a llamar la atención en los años 1960 con Captain Beefheart and the Magic Band, después de haber trabajado con Taj Mahal en The Rising Sons y de haber tocado con The Seeds.
Cooder ha trabajado como músico de estudio y también ha realizado la banda sonora de muchas películas, de las que tal vez la más conocida sea Paris, Texas (Wim Wenders, 1984). En los últimos años, Cooder ha tenido un papel importante en la popularidad creciente de la música cubana gracias a su colaboración como productor en el disco Buena Vista Social Club (1997), que fue un éxito mundial. Wim Wenders dirigió en 1999 un documental sobre los músicos involucrados en el proyecto, obteniendo una nominación para los premios Oscar en 2000.
El trabajo en solitario de Cooder ha sido una mezcla ecléctica de folk, tex-mex, soul, gospel, rock y casi cualquier otro estilo. La lista de los músicos importantes con los que ha colaborado incluye a The Rolling Stones, Little Feat, The Chieftains, John Lee Hooker, Gabby Pahinui y Ali Farka Toure. También formó el supergrupo Little Village con Nick Lowe, John Hiatt y Jim Keltner.
Su disco de 1978 Bop Till You Drop fue el primer álbum de música popular grabado digitalmente.
La revista Rolling Stone ha nombrado a Ry Cooder con el puesto nº8 en su Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos. Inmediatamente tras él aparecían en la lista Jimmy Page (de Led Zeppelin) y Keith Richards (de The Rolling Stones). En los años 1960, Cooder enseñó a Keith Richards como tocar en la afinación abierta de sol, afinación que Richards ha usado desde entonces, incluyendola en muchas de los canciones más grandes de los Stones.

Steven "Stevie" Ray Vaughan (3 de octubre de 1954 - 27 de agosto de 1990) fue un guitarrista y cantante que fusionó los géneros del blues y el rock en los años 80. Desarrolló un sonido y estilo, basado en artistas como Albert King, Jimi Hendrix u Otis Rush, furioso, crudo y explosivo; que más adelante, fue imitado por innumerables guitarristas quienes lo citan como principal influencia.
A la edad de 7 tuvo su primera experiencia con una guitarra cuando le regalan una guitarra de juguete. En 1963 compró su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack. Lo escuchó tantas veces que su padre lo termino rompiendo.
Stevie continúa tocando de manera semi-amateur hasta 1969, donde entra a la escena del blues en Austin, Texas. En el verano de 1970 forma su primera banda a largo plazo, los Blackbirds, con Stevie y Kim Davis en las guitarras, Christian dePlicque en la voz, Roddy Colonna & John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo. A finales de 1971 deja la secundaria y se muda a Austin con su banda, estableciendo su base en un club llamado "Hills Country Club". El único hecho merecedor de ser destacado en los próximos años es que en 1974 Stevie obtiene su destruida Stratocaster, la "Number One" que no dejaría por el resto de su carrera. Hasta 1977 participó en bandas como "The Nightcrawlers", "Paul Ray & The Cobras" (con la que ganó el premio a la banda del año en marzo de 1977) y "Triple Threat Revue".
Hacia septiembre de 1977 Stevie forma su banda definitiva, Double-Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble), Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería). Se movieron dentro del estado de Texas hasta el 19 de agosto de 1979, cuando tocaron en el San Francisco Blues Festival.

Charles Edward Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en el 2520 de Goode Avenue (actualmente Annie Malone Drive) en St. Louis. Su madre, Martha, era profesora y su padre, Henry, contratista y diácono baptista. Es el tercero de seis hermanos. Estudió en la Simmons Grade School y la Sumner High School, esta última la primera escuela de secundaria para afronorteamericanos del oeste de Misisipi, en la que también estudiaría Tina Turner.
Berry había estado tocando blues desde sus adolescencia y a principios de 1953, comienza a ganarse un sobresueldo tocando en la "Sir John's Trio" una banda que actuaba en un popular club de Saint Louis. Poco más tarde esta banda cambiaría su nombre al de "Chuck Berry Combo". En la ciudad sólo había otra banda que pudiera competir con la de Berry, la de Ike Turner, otro afamado guitarrista.
En 1955 comienza su carrera hacia el estrellato. Aparece en cuatro películas. En mayo, viaja a Chicago donde conoce a Muddy Waters quién le sugiere que entre en contacto con la Chess Records. Firmado el contrato, lanzó en septiembre de ese mismo año "Maybelene". A finales de junio de 1956, su canción "Roll Over Beethoven" alcanzaría el puesto 29. En otoño de 1957, Berry, los Everly Brothers, Buddy Holly y otras pujantes estrellas del incipiente rock and roll se juntaron para tocar en gira por los Estados Unidos.
En diciembre de 1959, Berry tenía problemas legales después de que contratara a una apache menor de edad, que conoció en México, para trabajar en el club Bandstand de su propiedad en Saint Louis. Arrestaron a la muchacha acusada de prostitución y a Berry lo acusaron de tráfico de menores para propósitos sexuales. Fue condenado a pagar una multa de 5.000 dólares y a cinco años en prisión. Salió en 1963
Ya en los años 70 Berry viajó durante muchos años con la única compañía de su guitarra Gibson, seguro de que fuera donde fuera podría encontrar una banda que conociera su música a la cual podría contratar.
Después de viajar por los circuitos de viejas glorias de los años 1970, Berry volvía a estar en apuros con la ley en 1979. Poco después de actuar en la Casa Blanca para Carter, le culparon de evasión de impuestos. Fue condenado a cuatro meses de cárcel y a 1.000 horas de servicio a la comunidad mediante conciertos benéficos.
Al final de los 70, Berry continuaba regularmente con su carrera, tocando tanto en los Estados Unidos como al otro lado del océano. Un miércoles de cada mes, actuaba en el "Blueberry Hill", un bar restaurante en Delmar Loop, un barrio de Saint Louis.
Al final de los años 1980, Berry abrió un restaurante en Wentzville, Missouri, al que llamó The Southern Air. También posee un terreno en Wentzville llamado Berry Park, donde durante muchos veranos, Berry dio conciertos de rock. Lo cerró eventualmente al público debido al comportamiento tumultuoso de muchos asistentes.
El documental 'Hail! Hail! Rock 'n Roll' trata sobre él y un concierto que hizo en 1987 junto a Keith Richards, Eric Clapton, y Julian Lennon, entre otros.
Berry volvería a ser tema de atención al principio de los años 90 por su pretendido voyeurismo en los cuartos de baño femeninos de su hogar y restaurante.
Su carácter no es fácil. Frente a sus sentimientos suele levantar un muro de hostilidad. En una ocasión echa del escenario al ínclito Keith Richards cuando éste sube por sorpresa a tocar con su ídolo; en otra ocasión ambos llegaron a las manos en un camerino. Sin embargo no se puede negar que su figura sea una de las más influyentes en la música rock

Robert Johnson nacido como Robert Leroy Johnson (8 de Mayo de 1911 – 16 de Agosto de 1938) fue un cantante, compositor y guitarrista de blues estadounidense, conocido como "El Rey del Delta blues". Sus grabaciones de 1936 a 1937 muestran una notable combinación de canto, habilidades de guitarra, y talento en la composición que influenciaron a generaciones de músicos, a pesar de solo haber dejado un registro de 29 canciones. Su enigmática vida, pobremente documentada, y muerte a la edad de 27 años han dado lugar a la creación de muchas leyendas sobre su persona. Es considerado como el "El Abuelo del Rock-and-Roll", su locución, la originalidad de sus canciones y su estilo de tocar la guitarra ha influido a una gran gama de músicos incluyendo a John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, The Yardbirds, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Paul Butterfield, The White Stripes, The Black Keys, The Band, Neil Young, Warren Zevon, Jeff Beck, y Eric Clapton, quien lo llama "El más importante músico de Blues que haya vivido".[1] Ocupó el 5º puesto en la lista de "Los 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone.[2] Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986 en la categoría de "Early Influence" (Influencias tempranas).[3]

Eric Patrick Clapton Shaw (Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de 1945) es un guitarrista de rock y blues. Apodado "Slowhand" (Mano lenta), Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes en la era del rock. Su estilo musical sufrió múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado en el blues. Este músico es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera, practicando el blues rock con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds, y una mezcla de rock, blues y jazz con Cream, además de haber ganado una reconocida carrera como solista.
También ha tocado con Derek and the Dominos y Blind Faith y colaboró con The Beatles en la grabación del álbum blanco como solista en la canción "While My Guitar Gently Weeps". Su guitarra eléctrica favorita y más utilizada es Fender Stratocaster llamada Blackie que el mismo construyo de diferentes partes de stratocasters, y también tiene preferencia por Fender en otros tipos de guitarras.
En sus últimos trabajos rinde tributo a Robert Johnson, bluesman al que siempre ha considerado como la mayor influencia musical en su carrera.

Riley B. King mejor conocido como B. B. King, nacido el 16 de septiembre de 1925 en Ittabena, Misisipi, es un famoso guitarrista de blues y compositor.
B. B. King es considerado como uno de los mayores virtuosos del blues que ha tenido la historia de la música. Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida, esta es ya una tradición que inició en los 1950s.

Duane Allman 20 de noviembre 1946, Tennessee, - † 29 de octubre 1971, guitarrista de sesión estadounidense de rock. Miembro fundador de The Allman Brothers Band.
En su juventud el y su hermano Gregg fundan el grupo "Allman Joys", en 1965 publican su primer single Spoonful, luego cambian de nombre a "The Hour Glass" lanzando 2 discos que no tienen fama para luego separarse en 1968 regresando a la Florida Duane grabó posteriormente con Wilson Pickett un cover de "Hey Jude" y fue contratado como músico de sesión por el sello Atlantic, lo que le permitió trabajar con artistas como Aretha Franklin, Boz Scaggs, King Curtis.

100 mejores guitarristas con biografia

Esta es la nueva lista de la revista Rolling Stones sobre los 100 mejores guitarristas:

1) Jimi Hendrix
2) Duane Allman of the Allman Brothers Band
3) B.B. King
4) Eric Clapton
5) Robert Johnson
6) Chuck Berry
7) Stevie Ray Vaughan
8) Ry Cooder
9) Jimmy Page of Led Zeppelin
10) Keith Richards of the Rolling Stones
11) Kirk Hammett of Metallica
12) Kurt Cobain of Nirvana
13) Jerry Garcia of the Grateful Dead
14) Jeff Beck
15) Carlos Santana
16) Johnny Ramone of the Ramones
17) Jack White of the White Stripes
18) John Frusciante of the Red Hot Chili Peppers
19) Richard Thompson
20) James Burton
21) George Harrison
22) Mike Bloomfield
23) Warren Haynes
24) The Edge of U2
25) Freddy King
26) Tom Morello of Rage Against the Machine and Audioslave
27) Mark Knopfler of Dire Straits
28) Stephen Stills
29) Ron Asheton of the Stooges
30) Buddy Guy
31) Dick Dale
32) John Cipollina of Quicksilver Messenger Service
33) Lee Ranaldo of Sonic Youth
34) Thurston Moore of Sonic Youth
35) John Fahey
36) Steve Cropper of Booker T. and the MG's
37) Bo Diddley
38) Peter Green of Fleetwood Mac
39) Brian May of Queen
40) John Fogerty of Creedence Clearwater Revival
41) Clarence White of the Byrds
42) Robert Fripp of King Crimson
43) Eddie Hazel of Funkadelic
44) Scotty Moore
45) Frank Zappa
46) Les Paul
47) T-Bone Walker
48) Joe Perry of Aerosmith
49) John McLaughlin
50) Pete Townshend
51) Paul Kossoff of Free
52) Lou Reed
53) Mickey Baker
54) Jorma Kaukonen of Jefferson Airplane
55) Ritchie Blackmore of Deep Purple
56) Tom Verlaine of Television
57) Roy Buchanan
58) Dickey Betts
59) Jonny Greenwood of Radiohead
60) Ed O'Brien of Radiohead
61) Ike Turner
62) Zoot Horn Rollo of the Magic Band
63) Danny Gatton
64) Mick Ronson
65) Hubert Sumlin
66) Vernon Reid of Living Colour
67) Link Wray
68) Jerry Miller of Moby Grape
69) Steve Howe of Yes
70) Eddie Van Halen
71) Lightnin' Hopkins
72) Joni Mitchell
73) Trey Anastasio of Phish
74) Johnny Winter
75) Adam Jones of Tool
76) Ali Farka Toure
77) Henry Vestine of Canned Heat
78) Robbie Robertson of the Band
79) Cliff Gallup of the Blue Caps (1997)
80) Robert Quine of the Voidoids
81) Derek Trucks
82) David Gilmour of Pink Floyd
83) Neil Young
84) Eddie Cochran
85) Randy Rhoads
86) Tony Iommi of Black Sabbath
87) Joan Jett
88) Dave Davies of the Kinks
89) D. Boon of the Minutemen
90) Glen Buxton of Alice Cooper
91) Robby Krieger of the Doors
92) Fred "Sonic" Smith of the MC5
93) Wayne Kramer of the MC5
94) Bert Jansch
95) Kevin Shields of My Bloody Valentine
96) Angus Young of AC/DC
97) Robert Randolph
98) Leigh Stephens of Blue Cheer
99) Greg Ginn of Black Flag
100) Kim Thayil of Soundgarden

No tienen a Slash en ningun lado.Neail Young de 83 me hace llorar y por temor a ser eliminado de este foro no digo mi opinion sobre Townsend de 50 y Van Halen de 70

John Anthony Frusciante (5 de marzo de 1970, Nueva York, NY, Estados Unidos) es un guitarrista, cantante, compositor y productor estadounidense, que forma parte de la banda de funk rock Red Hot Chili Peppers. Frusciante ha desarrollado una activa carrera musical en solitario, ya que ha editado nueve álbumes y ha colaborado con artistas como Josh Klinghoffer y Joe Lally bajo el nombre de Ataxia. Al contrario que con su carrera en Red Hot Chili Peppers, sus trabajos en solitario tienden hacia el rock experimental, la música ambient, la new wave y la música electrónica.
Frusciante se unió a Red Hot Chili Peppers en 1988, después de la muerte de sobredosis de Hillel Slovak. Su primera aparición fue en el álbum de 1989 Mother's Milk, para después grabar el clásico Blood Sugar Sex Magik, que se convirtió en un auténtico éxito. La repentina fama y las constantes giras hicieron que Frusciante abandonase la formación en 1992, y se recluyó en su casa para volverse adicto a la heroína y grabar una serie de discos en solitario. Ya en 1998, el guitarrista completó con éxito un proceso de rehabilitación que le permitió regresar a los Red Hot Chili Peppers el mismo año y grabar con ellos el disco Californication. Desde entonces, ha permanecido como miembro estable de la formación y uno de sus principales compositores. Fue elegido por la revista Rolling Stone en el puesto número 18 de la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.

Biografía:
Frusciante nació en Queens, el 5 de marzo de 1970. Su padre, John Frusciante Sr., era pianista y juez, y su madre, Gail Frusciante, era una vocalista que dejó su carrera musical para convertirse en ama de casa. La familia Frusciante se trasladó a Tucson, Arizona, y posteriormente a Florida, donde su padre ejerce actualmente la profesión de juez. Cuando sus padres se separaron, Frusciante y su madre se mudaron a Santa Monica, California. Un año después, se trasladaron nuevamente, esta vez a Mar Vista, en el extrarradio de Los Ángeles, con el padrastro de John. Según éste, el nuevo novio de su madre le «apoyaba», y le «hacía sentir bien». Ya en su adolescencia, Frusciante entró en contacto con la juventud angelina inmersa en el punk rock. A los nueve años, comenzó a escuchar a The Germs, y a los diez ya sabía tocar en su guitarra casi todas las canciones del álbum (GI), y comenzó a recibir clases de guitarra. A los once años descubrió a guitarristas como Jeff Beck, Jimmy Page o Jimi Hendrix, y poco después escuchó por primera vez a Frank Zappa. Durante su adolescencia llegaba a tocar sus temas hasta quince horas al día. A los dieciséis años, Frusciante dejó el instituto para dedicarse a la música, y se mudó al centro de Los Ángeles para mejorar sus técnicas musicales.
Cuando Frusciante tenía dieciséis años, vio por primera vez a los Red Hot Chili Peppers en concierto, y se convirtió en seguidor de su carrera, de tal manera que se aprendió las partes de bajo y guitarra de los tres primeros discos de la banda. Al frecuentar los conciertos de la banda, Frusciante se hizo amigo del guitarrista Hillel Slovak, con quien habló después del último concierto que daría el guitarrista israelí: «Hillel me preguntó, -¿Te seguirían gustando los Chilis si se convirtiesen tan populares como para tocar en el LA Forum?- Yo dije, -No. Lo arruinaría todo. Eso es lo bueno de la banda, que la audiencia no se siente diferente con respecto a ella en absoluto.- Existía realmente esta vibración en sus conciertos, nada de la frustración que recorre la audiencia cuando todo el mundo está saltando y el resto no pueden levantarse del sitio. Ni siquiera veía los conciertos. Me sentía parte de la banda, y creo que el resto del público también.»
Frusciante se hizo amigo del antiguo batería de Dead Kennedys, D.H. Peligro, en 1988. Improvisaron varias veces juntos, y Peligro invitó a su amigo Flea (bajista de los Red Hot Chili Peppers) a improvisar con ellos. Frusciante y Flea contactaron de tal manera que Flea dijo después que fue la primera vez que había tocado el riff de bajo de la canción «Nobody Weird Like Me» (presente en el disco Mother's Milk, por aquel entonces aún sin componer). Alrededor de ese tiempo, Frusciante iba también a realizar algunas audiciones para ingresar en la banda de Frank Zappa, pero abandonó la idea cuando se enteró de que los integrantes de la banda de Zappa no podían consumir drogas de ningún tipo. En una entrevista, Frusciante dijo: «Me di cuenta de que quería ser una estrella del rock, tomar drogas y estar con chicas, y que no sería capaz de hacer eso en la banda de Zappa».
En 1988, Hillel Slovak murió de sobredosis de heroína, y el batería de Red Hot Chili Peppers, Jack Irons, dejó la banda al no ser capaz de asimilar la muerte de su amigo. Los restantes integrantes de la formación, el bajista Flea y el vocalista Anthony Kiedis, decidieron continuar con su carrera y contrataron a D.H. Peligro como batería y a DeWayne "Blackbyrd" McKnight como guitarrista, ex miembro de Parliament Funkadelic. Sin embargo, McKnight no acababa de convencer al dúo Flea-Kiedis, y decidieron buscar un sustituto. A Flea le vino a la mente aquella improvisación con John Frusciante, y rápidamente decidieron someterle a una audición y, posteriormente, aceptarlo en el seno de la banda como un reemplazo perfecto de McKnight, ya que, según Kiedis y Flea, John tocaba y se movía como Hillel Slovak sobre el escenario. Frusciante, que estaba a punto de unirse a la banda de punk Thelonius Monster, aceptó sin dudar.
Poco después de la llegada de Frusciante al grupo, D.H. Peligro, quien comenzaba a abusar en gran medida de las drogas, fue despedido, y poco después la llegada de Chad Smith para cubrir su hueco hizo que los Red Hot Chili Peppers comenzasen a componer su siguiente disco, Mother's Milk, en 1989. Durante las sesiones de grabación, Frusciante quiso emular al fallecido Slovak en lugar de centrarse en su propio estilo, algo en lo que no estaba de acuerdo el productor del disco, Michael Beinhorn, quien quería que su guitarra sonase en un tono de heavy metal poco común. Esto ocasionó diversos enfrentamientos entre Frusciante y Beinhorn, aunque al final acabó venciendo el punto de vista del productor.
El siguiente álbum de la banda fue Blood Sugar Sex Magik, y el segundo con Frusciante en sus filas. El productor del disco, Rick Rubin, pensó que la grabación del trabajo tenía que llevarse a cabo en un lugar poco frecuente, por lo que la banda se trasladó a una vieja mansión de Hollywood. Durante las sesiones de grabación, Kiedis, Frusciante y Flea se aislaron en la mansión y comenzaron a fumar grandes cantidades de marihuana, especialmente Flea y Frusciante. Alrededor de esta época, Frusciante inició un proyecto con Flea y Stephen Perkins, batería de Jane's Addiction y Porno for Pyros, llamado The Three Amoebas. Aunque grabaron entre diez y quince horas de música, nada de esto fue publicado nunca.
Concierto de los Red Hot Chili Peppers en octubre de 1991: Anthony Kiedis (izquierda) y John Frusciante.Blood Sugar Sex Magik fue un auténtico éxito desde su publicación el 24 de septiembre de 1991. El disco alcanzó el tercer lugar de la lista del Billboard 200 y vendió más de siete millones de copias sólo en los Estados Unidos. El inesperado éxito del trabajo convirtió a los Red Hot Chili Peppers en superestrellas, y Frusciante comenzó a sentirse incómodo con su nuevo estatus. Poco después de la edición del álbum, comenzó a disgustarle la amplia popularidad de la banda. Kiedis escribió en su autobiografía, titulada Scar Tissue, que él y Frusciante solían mantener acaloradas discusiones después de los conciertos. En opinión de Kiedis: John diría, «somos demasiado populares. No necesito estar a este nivel de éxito. Sólo estaría orgulloso de estar tocando esta música en los clubes en los que tocabais vosotros hace dos años». Frusciante diría después que el aumento de popularidad de la banda fue «demasiado alto, demasiado lejos, demasiado pronto. Todo parecía estar pasando a la vez y yo no pude hacerle frente». También comenzó a creer que el destino lo estaba alejando de la banda. Cuando los Chili Peppers comenzaron su gira mundial, Frusciante se convenció de que no podría hacerlo durante la misma, por lo que tenía que hacerlo ahora. Frusciante admitió una vez que había sido un placer vivir en una existencia hedonista; sin embargo, «a los veinte años comencé a portarme bien y a mirar la música como una forma artística de expresión en vez de una forma de ligarse a un montón de chicas. Para equilibrarme, tenía que ser muy modesto, muy antiestrella de rock». En otra entrevista, el guitarrista expresó: «No era un buen momento, no congeniábamos como personas, no es divertido estar en una banda con la que no disfrutas. Yo no toco para ganarme la vida, yo hago música porque amo hacerla y paso de estar con gente que no ama hacer música conmigo». Frusciante se negó a salir a escena en una actuación en el Club Quattro de Tokio, el 7 de mayo de 1992, diciendo que había dejado la banda. Al final, sus compañeros consiguieron convencerle de que tocase en aquel concierto, pero al día siguiente partió para California. Cuando el mánager de la banda le preguntó cómo podía explicar a los fans su repentina marcha, Frusciante respondió: «Díganles que me volví loco».
Frusciante desarrolló una fuerte adicción a las drogas durante sus cuatro años como miembro de los Red Hot Chili Peppers. Aparte de sus altas dosis de marihuana, el guitarrista se volvió adicto a la heroína. Regresó a su casa en California y cayó en una profunda depresión, al sentir que no podría nunca más escribir o tocar música, y que su vida estaba acabada. Durante un largo periodo de tiempo, se centró en la pintura y en la producción de cuatro canciones grabadas durante las sesiones de Blood Sugar Sex Magik. Para poder afrontar su depresión, comenzó a consumir aún más heroína, y su vida se vio amenazada por su adicción. Según Frusciante, su decisión de tomar heroína para curar su depresión fue clara: «Estaba muy triste, y estaba muy contento cuando tomaba drogas; por lo tanto, tenía que tomar drogas todo el rato. Nunca me sentí culpable, siempre estuve muy orgulloso de ser un adicto». El propio guitarrista explicó que su inspiración musical provenía de sus charlas con espíritus en forma de voces, ondas o cuerpos astrales. En sus propias declaraciones dijo: «Oh, es de donde viene mi música, de cuando yo formaba parte del espacio exterior. Mi música es una representación de seres de otras dimensiones que aparecen en mi cuerpo, me hablan y me dan ideas».
Frusciante publicó su primer disco en solitario, Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt, el 8 de marzo de 1994. La mayoría de las canciones del álbum fueron grabadas cuando estaba ligado a la heroína en su apartamento de Hollywood. El disco fue grabado parcialmente durante las sesiones de Blood Sugar Sex Magik, y fue publicado a través de American Recordings.
Un artículo publicado en el periódico New Times de Los Ángeles describió a Frusciante como un despojo humano y un esqueleto cubierto de piel,quien, al límite de su adicción, estaba cerca de morir por una infección sanguínea. Sus brazos estaban marcados por inyectarse mal cocaína y heroína, dejando abscesos permanentes Permaneció los tres años siguientes encerrado en su casa de Hollywood, cuyas paredes estaban cubiertas de grafitis. Durante esta época, Johnny Depp y Gibby Haynes, amigos suyos, fueron a su casa y grabaron el documental Stuff, resaltando su escuálido estado. Además, su casa fue destruida por un incendio que quemó toda su colección de guitarras e hirió a Frusciante después de escapar. Su ex compañero Anthony Kiedis fue quien le prestó el dinero suficiente para que Frusciante se pudiese comprar otra guitarra.
En 1997, el segundo álbum de Frusciante, Smile from the Streets You Hold, salió a la luz. En esta grabación se muestra el delicado estado de salud del guitarrista, quien tose durante parte de la grabación. El disco sirvió para recaudar dinero para costearse su adicción, aunque fue retirado del mercado en 1999 a petición suya El guitarrista declaró en el año 2005 que tenía intención de volver a publicar el álbum en un futuro.
A finales de 1997, después de más de cinco años de adicción, John Frusciante dejó de usar heroina radicalmente, pero no fue capaz de doblegar su adicción a la cocaína y al alcohol. En enero de 1998, después de ser convencido por su amigo Bob Forrest, vocalista de Thelonius Monster, Frusciante ingresó en una clínica de rehabilitación en Pasadena, llamada Las Encinas. Después de su ingreso, se le diagnosticó una infección bucal potencialmente letal, que sólo podía ser curada reemplazando todos sus dientes por una dentadura postiza. Recibió también injertos de piel en sus brazos llenos de pus a causa de las inyecciones de heroína, y un mes después, Frusciante salió de Las Encinas para reingresar a la sociedad.
Después de recuperarse de su grave estado de salud, Frusciante comenzó una nueva vida marcada por la espiritualidad y el ascetismo. Después de practicar yoga y vipassana, descubrió el efecto de la autodisciplina en el cuerpo, y comenzó una vida más saludable y armoniosa. Además, para no distraerse de su actividad musical y seguir con su vida espiritual, decidió abstenerse de la vida sexual: «Estoy muy bien sin ella». Sin embargo, Frusciante se halla inmerso en una relación amorosa con la cantante Emily Kokal, de quien dice que le ha sacado de sus crisis. Todos estos cambios le llevaron a cambiar completamente su actitud hacia las drogas: «No necesito tomar drogas. Me siento mucho mejor ahora a causa del ímpetu que una persona puede tener cuando se dedica a algo que realmente ama. Ni siquiera considero tomarlas, es una estupidez. Entre mi dedicación en intentar ser un mejor músico y mi dieta sana y la práctica del yoga, me siento mucho mejor que hace unos pocos años tomando drogas. En este momento soy la persona más feliz del mundo. Esas cosas no me joden en absoluto, y estoy muy orgulloso de ellas, no sabes bien qué orgulloso estoy. Es una cosa tan bonita ser capaz de afrontar la vida, afrontarse a si mismo, sin esconderse detrás de las drogas; sin tener que tener ira hacia las personas que te aman. Hay personas que se asustan al perder algo, pero tú no pierdes nada con ninguna otra razón que si te abandonas a ti mismo».
A pesar de su experiencia como un adicto, Frusciante no ve su empleo de drogas como un periodo oscuro en su vida. Considera que fue un periodo de renacimiento, durante el cual se encontró a sí mismo y clarificó su mente. Además, en otra entrevista, el guitarrista dijo: «Tarde o temprano, los estupefacientes te hacen retroceder, te deprimen. No necesito las drogas porque he comprobado que lo que esas sustancias te dan, también lo puedes lograr sin ellas». Desde entonces Frusciante dejó de practicar yoga debido a sus problemas de espalda, pero se propuso continuar intentando meditar diariamente.
A comienzos de 1998, los Red Hot Chili Peppers despidieron a su guitarrista Dave Navarro y estuvieron a punto de disolverse. Flea le dijo a Anthony Kiedis que la única manera de seguir con la banda era que John Frusciante volviese a ella. Con el guitarrista libre de adicciones y malestares, Kiedis y Flea pensaron que era el momento idóneo para pedirle que volviese. Cuando Flea llegó a casa del guitarrista y le pidió que regresase a la banda, Frusciante dijo llorando que nada le haría más feliz en el mundo. Con la alineación de los Red Hot completa, la banda comenzó a trabajar en su siguiente trabajo, Californication, editado en 1999. Con Frusciante volvió una pieza clave en el sonido de la banda, así como una inyección de moral y un gran impacto en la forma de composición de sus obras. Frusciante ha dicho en varias entrevistas que su álbum favorito es Californication.
Durante la gira de Californication, el guitarrista continuó escribiendo canciones, la mayoría editadas en el álbum en solitario To Record Only Water for Ten Days de 2001. Este trabajo fue una marcada separación con respecto a sus antecesores, al centrarse en el vanguardismo y con abundantes monólogos interiores. Sin embargo, las letras, al igual que sus trabajos anteriores, son crípticas. El estilo se separa también del rock alternativo de Californication, con influencias de la música new wave y la música electrónica. En lugar de enfocar su trabajo en la guitarra, se centró en los sintetizadores, pieza clave en esta grabación.
En 2001, Frusciante comenzó a grabar su cuarto álbum con los Red Hot Chili Peppers, By the Way. Esa época está considerada por él mismo como una de las más felices de su vida. Disfrutaba la oportunidad que le daba el álbum de «escribir mejores canciones». Mientras estaba escribiendo By the Way, Frusciante compuso también la mayoría de las canciones presentes en su siguiente álbum, Shadows Collide with People, así como la banda sonora de la película The Brown Bunny. Frusciante quería emular en By the Way a Johnny Marr, Anthony Partridge y John McGeoch. El álbum marcó un cambio de mentalidad en Frusciante, hacia una concepción mejor formada de un grupo musical. By the Way fue lanzado el 9 de julio de 2002.
Frusciante escribió una serie de canciones durante y después de la gira By the Way. En febrero de 2004, empezó un proyecto con Joe Lally (de Fugazi) y Josh Klinghoffer llamado Ataxia. En dos semanas, el grupo grabó aproximadamente 90 minutos de música. Después de dos días de grabaciones en el estudio, la banda tocó dos conciertos en el Knitting Factory de Hollywood, y pasaron dos días más en el estudio antes de disolverse. Más tarde, aún en 2004, aparecieron cinco canciones de Frusciante en la banda sonora de la película The Brown Bunny.
Shadows Collide with People, el cuarto álbum en solitario de Frusciante, salió al mercado el 24 de febrero de 2004. En el álbum se pueden escuchar apariciones de amigos del guitarrista, como Josh Klinghoffer, Omar Rodríguez-López, Flea y Chad Smith. En junio de 2004, Frusciante anunció que editaría seis discos en un periodo de seis meses: The Will to Death, Automatic Writing (bajo el nombre de Ataxia), DC EP, Inside of Emptiness, A Sphere in the Heart of Silence y Curtains. Con la edición de Curtains, Frusciante realizó su primer vídeo musical de 2004, para la canción «The Past Recedes». Frusciante quería grabar estas canciones en formato casete de manera rápida y evitando los estudios modernos y las grabaciones ayudadas por ordenadores.
A comienzos de 2005, el guitarrista entró en el estudio para grabar su quinto álbum con los Red Hot Chili Peppers, Stadium Arcadium, en el que domina su guitarra en la mayoría de las canciones, realizando también los coros. En los arreglos del disco, Frusciante utilizó una amplia gama de sonidos, que van desde los escuchados en Blood Sugar Sex Magik hasta los de By the Way. Varios críticos, e incluso el propio Frusciante, notaron la influencia de Jimi Hendrix en la mayoría de los solos del disco. Además, expandió la cantidad de efectos de su guitarra y empleó otros instrumentos, como el sintetizador y el melotrón.
Frusciante comenzó a trabajar con su amigo Omar Rodríguez-López y su banda The Mars Volta, contribuyendo en los coros y tocando los instrumentos electrónicos en el disco De-Loused in the Comatorium. También contribuyó con los solos del disco Frances the Mute, y en su disco Amputechture tocando la guitarra en siete de las ocho canciones del trabajo. Por su parte, Omar Rodriguez ha trabajado en varios trabajos en solitario de Frusciante.
El 29 de mayo de 2007, Ataxia editó su segundo y último álbum de estudio, AW II.
El estilo musical de Frusciante ha evolucionado a lo largo de su carrera musical. Aunque ya a comienzos de la década de 1990 los críticos comenzaron a reconocer su trabajo, no fue hasta la publicación de Stadium Arcadium cuando la crítica y el público comenzaron a alabar su estilo en las seis cuerdas. Frusciante atribuye esto a un cambio de enfoque, declarando que en el álbum había elegido un acercamiento a los patrones rítmicos inspirados en la complejidad de los trabajos de Jimi Hendrix o Eddie Van Halen. En grabaciones precedentes, sin embargo, Frusciante se centraba más en la influencia de los grupos de punk underground y músicos de new wave. Generalmente, su sonido está definido como una conjunción de los mejores guitarristas de la historia del rock. Todas las guitarras con las que ha ido de gira y grabado fueron fabricadas antes de 1970. Su instrumento más utilizado es una guitarra Fender Stratocaster Sunburst de 1962 que ha utilizado en todos los álbumes de los Red Hot desde su vuelta en 1998, aunque utiliza una distinta según crea que encaje mejor con la estructura de la canción que tenga que grabar. El instrumento más preciado de Frusciante es una guitarra Gretsch White Falcon de 1955, que usó dos veces por concierto durante la gira By the Way. Desde entonces, ha eliminado la White Falcon de su repertorio, diciendo que «no hay lugar para ella».
Frusciante utiliza una variedad vocal en sus álbumes en solitario que van desde los chillidos de los discos Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt y Smile from the Streets You Hold hasta estilos más convencionales presentes en el resto de las grabaciones del guitarrista. Con los Red Hot Chili Peppers, utiliza una voz en falsetto en los coros de las canciones, que empleó por primera vez en Blood Sugar Sex Magik. Según sus declaraciones, disfruta con su papel de corista en la banda, y cree que los coros son una forma real de arte. A pesar de su labor con los Red Hot Chili Peppers, Frusciante cree que su trabajo en solitario debe permanecer separado de su trabajo con la banda. Dentro de él, Frusciante reconoce que su anterior uso de drogas aumentó su inspiración: «Sí, pero no es el único modo de conectar con este mundo, hay otras maneras, como la meditación, el yoga y la purificación del cuerpo. Cuidándote, haciendo ejercicio, puedes conseguir conexión con seres de otras dimensiones, hay que mantener la mente abierta y el cuerpo saludable. El placer que siento bebiendo hierbas, cava y valeriana, es mejor que el que he sentido nunca tomando drogas, que es como meter una química innecesaria en mi cuerpo».
Bernard Sumner, guitarrista de Joy Division y uno de los músicos que más influyó en John Frusciante, en un concierto en febrero de 2007.La técnica guitarrera de Frusciante está centrada en la emotividad y la melodía más que en el virtuosismo. Aunque algunos elementos de su virtuosismo pueden apreciarse en algunas de sus grabaciones, el propio Frusciante declaró que intenta que salgan lo mínimo a relucir. Piensa que la forma de tocar la guitarra no ha evolucionado mucho desde los años '60, especialmente desde la retirada de Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin, y considera que los mejores guitarristas de esa década han quedado imbatibles. Durante su época de adolescencia, muchos guitarristas del mainstream elegían centrarse en la velocidad. A causa de esto, cree que muchos guitarristas de punk y new wave han sido pasados por alto. Esta es la razón por la cual Frusciante prefiere centrarse en sus capacidades melódicas inspiradas en guitarristas como Matthew Ashman de Bow Wow Wow y Bernard Sumner de Joy Division. Frusciante cree que el estilo de estos músicos no ha sido desarrollado al máximo por haber sido dejados de lado, razón por la cual prefiere partir desde esa dirección. Sin embargo, se considera fan de guitarristas técnicos como Steve Vai o Randy Rhoads, pero intenta reprimir el deseo de imitarles: «La gente cree que por tocar más rápido y por crear nuevas técnicas puedes progresar adelante, pero entonces se dan cuenta de que emocionalmente no han progresado en absoluto. No transmiten nada a la gente que está escuchando y dicen que están donde Hendrix estaba hace tres décadas. Algo parecido le pasó a Vai en los '80». Creyendo que enfocarse sólo en tonos claros es negativo, Frusciante desarrolló su propio estilo que él mismo llamó como "sucio". Como resultado, cree que es bueno «maltratar» a la guitarra y probar varias formas de distorsión en los solos. Dice también que intenta romper tantos límites estilísticos como puede, con el fin de expandir sus horizontes musicales. Frusciante afirmó que muchas obras de los guitarristas contemporáneos sufren de una falta de originalidad, y que muchos de sus contemporáneos siguen las reglas sin arriesgarse.
A lo largo de los años, Frusciante ha variado su forma de componer álbumes. En sus primeras grabaciones, dejaba que las imperfecciones entraran en el disco. Sin embargo, en posteriores álbumes como Shadows Collide with People se posicionó en la postura contraria: «Sólo quería que todo fuese perfecto. No quería nada fuera de sitio, o fuera de tiempo, o cualquier cosa no intencionada». Frusciante ve la composición como un desarrollo progresivo: «Si una canción quiere venir hacia mí, siempre estoy dispuesto a recibirla, pero no trabajo en eso». Muchas canciones en solitario fueron escritas inicialmente con una guitarra acústica o una guitarra eléctrica sin amplificar. Frusciante cultiva una atmósfera propicia para componer al estar constantemente escuchando la música de otros y absorbiendo su influencia creativa. También prefiere grabar sus composiciones en casetes o cualquier otro equipamiento primitivo, siguiendo la línea de los artistas de lo-fi, ya que cree que el uso de material de grabación antiguo sirve para acelerar el proceso de grabación, y que las nuevas tecnologías aplicadas a la grabación dan sólo una ilusión de eficiencia. Frusciante intenta acortar lo máximo posible el proceso de grabación, porque cree que la música «viene viva cuando la creas rápido». También le satisface el reto de grabar algo en unas pocas tomas, afirmando que cuando los músicos son incapaces de sobrellevar la presión de tener que grabar algo rápidamente, a veces se frustran o se ahogan en el perfeccionismo.
Aunque Slovak y Hendrix fueron quizá las mayores influencias de John Frusciante antes de unirse a los Red Hot, otras formaciones que dejaron su impronta en Frusciante fueron Captain Beefheart, The Residents, The Velvet Underground, Neu! o Kraftwerk. A su vez, el propio Frusciante acredita como influencias para aprender a tocar la guitarra a Greg Ginn, Pat Smear o Joe Strummer, entre otros. En sus años de adolescente, comenzó a fijarse en Jimi Hendrix y Led Zeppelin, así como en otras bandas como Public Image Ltd., Siouxsie & the Banshees y The Smiths. A Frusciante también le agradan músicos como Leadbelly o Robert Johnson, quienes influyeron notablemente en la composición de Blood Sugar Sex Magik. En Californication y By the Way, Frusciante extrajo la técnica de crear texturas tonales a través de varios patrones del guitarrista de post punk Vini Reilly de The Durutti Column y bandas como Fugazi o The Cure. Sin embargo, durante la grabación de Stadium Arcadium Frusciante se apartó del new wave y se concentró en emular músicos más espectaculares como Jimi Hendrix o Eddie Van Halen. En sus dos primeros álbumes en solitario, Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt y Smile from the Streets You Hold, se aprecia claramente la influencia de las composiciones en solitario del ex miembro de Pink Floyd, Syd Barrett, quien también pasó por un proceso de adicción a las drogas y depresión después de dejar su antigua banda, y de quien se considera admirador. Con su reciente trabajo en solitario, Frusciante ha citado la música electrónica como mayor influencia, entre la que se encuentran Ekkehard Ehlers, Peter Rehberg y Christian Fennesz. Sus intereses están en constante cambio, ya que cree que, sin cambio, no tendría ningún interés en tocar: «Estoy siempre tomando inspiración de diferentes clases de música, y voy a cada nuevo proyecto con una idea preconcebida de qué géneros son los que voy a mezclar».

Jimmy Page (nacido bajo el nombre de James Patrick Page el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex, Inglaterra) es un afamado guitarrista conocido por haber sido uno de los líderes del grupo de rock Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles guitarristas de todos los tiempos. Page ha sido, a lo largo de su carrera musical, músico de sesión y guitarrista de The Yardbirds, Led Zeppelin y The Firm. Además, ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que destacan The Rolling Stones, The Who, The Kinks, Eric Clapton o Jeff Beck. A su vez, grabó varios álbumes con artistas de la talla de David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker. En 2005, fue galardonado como miembro de la Orden del Imperio Británico por su labor de caridad en ayuda de las personas más desfavorecidas de Brasil.
Jimmy Page es hijo de un empleado administrativo, James Page, y de una secretaria y enfermera, Patricia Elizabeth Gaffikin.

Nacido en Heston, una antigua villa devenida en suburbio del Gran Londres, ubicada en la zona occidental. Cuando Jimmy contaba con ocho años de edad, en 1952, su familia se mudó a Epsom, otro suburbio del Gran Londres, ubicado en el sur, donde recibió sus primeros contactos con la música.

A los 12 años, Page consiguió su primera guitarra, y aunque tomó algunas clases con este instrumento, es en su mayoría un músico autodidacta. Entre sus primeras influencias destacaban Scotty Moore y James Burton, ambos guitarristas de rockabilly y que habían tocado anteriormente con Elvis Presley, y Johnny Day, colaborador de The Everly Brothers. En 1956, contando Page con 14 años, apareció por primera vez en televisión en un programa de jóvenes talentos, Huw Wheldon Show, tocando el tema "Mama Don't Wanna Play No Skiffle No More". La afición de Page por la guitarra era tan grande que solía llevar su instrumento al colegio, siendo confiscado la mayoría de las veces. Aunque Page estaba interesado por las ciencias, llegando a recibir una oferta de trabajo como asistente de laboratorio, decidió dejar sus estudios para comenzar una carrera musical, y después de varios intentos, Page consiguió entrar a formar parte de una banda de rock, The Crusaders, que contaba con el vocalista Neil Christian. Su estancia en esta banda se extendió durante más de dos años, durante los cuales Page contrajo una mononucleosis que no le impidió seguir dando conciertos, aunque decidió dejar aparcada momentáneamente su carrera musical para sumergirse en su otra pasión, la pintura, por lo que se matriculó en el colegio de arte de Sutton, en Surrey.
Mientras era aún un estudiante, Page improvisaba a menudo en el Marquee Club de Londres con guitarristas como Jeff Beck (a quien conocía desde los once años), Eric Clapton, Cyril Davies o Alexis Korner. En una de estas sesiones, John Gibb, miembro del grupo The Silhouettes, le pidió su ayuda para grabar una serie de singles para el sello discográfico EMI, pero no fue hasta que recibió una oferta de Mike Leander cuando pudo trabajar enteramente en estudios de grabación. Su primera misión como músico de sesión fue grabar junto con Jet Harris y Tony Meehan el single "Diamonds", que alcanzó el número uno en las listas británicas en 1963.
Después de diversos y breves trabajos con algunos de los músicos del naciente panorama del rock en Gran Bretaña, Page alcanzó una moderada fama como músico de sesión. Durante esta etapa, Page fue conocido como "Little Jimmy" para no ser confundido con Big Jim Sullivan, apodado simplemente "Big Jim". Como guitarrista preferido del productor Shel Talmy, Page acabó trabajando con grupos como The Who o The Kinks gracias a los encargos que Talmy recibía.
Entre los grupos y artistas entre los que trabajo Page como músico de sesión se encuentran The Rolling Stones, Van Morrison, Marianne Faithfull, Dave Berry o Brenda Lee, además de The Who y The Kinks, con los que trabajó gracias al apoyo de Talmy. Se rumorea que Page participó en un alto porcentaje del total de grabaciones realizadas entre los años 1963 y 1965, cerca del 60% , aunque hay fuentes que indican que este porcentaje oscila entre el 50% y el 90%.
En 1965, Page entró como productor en el sello Immediate Records gracias al mánager de los Rolling Stones, Andrew Loog Oldham. Gracias a este nuevo cargo, Page tocó y produjo canciones de John Mayall, Nico, Chris Farlowe, Twice as Much y Eric Clapton, y entró en una breve relación sentimental con la compositora y cantante Jackie DeShannon. Además, trabajó como músico de sesión en el álbum Love Chronicles, de Al Stewart en 1969, y en el disco debut de Joe Cocker, With a Little Help from My Friends.
Aunque Page grabó temas con multitud de músicos, muchas de estas sólo pueden encontrarse por medio de bootlegs, editadas junto con varias canciones inéditas de Led Zeppelin.
En 1964, Page recibió una oferta para reemplazar a su amigo Eric Clapton en The Yardbirds, aunque la rechazó como muestra de lealtad hacia su amigo. Un año después, Clapton se fue por deseo propio de los Yardbirds, y Page recibió una nueva oferta como miembro de dicha banda, que Page declinó para continuar con su lucrativa carrera como músico de sesión y porque no estaba preparado para salir de gira con un grupo, por lo que recomendó como reemplazo de Clapton a su compañero y amigo Jeff Beck, con quien había trabajado anteriormente. El 16 de mayo de 1966, el baterista Keith Moon, el bajista John Paul Jones, el teclista Nicky Hopkins, Jeff Beck y Jimmy Page grabaron el tema "Beck's Bolero" en los estudios IBC de Londres. Esta experiencia le dio a Page la idea de formar un supergrupo con Jeff Beck, junto con la base rítmica de los Who: John Entwistle al bajo y Keith Moon a la batería, aunque la falta de un vocalista pleno y los problemas contractuales congelaron el proyecto.
Unas semanas después de este fallido proyecto, Page volvió a recibir otra oferta para formar parte de los Yardbirds que aceptó esta vez, por lo que entró en el grupo en calidad de bajista en sustitución de Paul Samwell-Smith, aunque acabó desempeñando el rol de guitarrista líder junto con Jeff Beck después de que Chris Dreja se trasladase a la posición de bajista. Sin embargo, el gran potencial musical del grupo se vio interrumpido por las constantes giras y la falta de éxito musical, así como por los conflictos internos. Fueron estos conflictos los que provocaron la marcha de Jeff Beck de la formación, dejando el grupo en un cuarteto.
El primer álbum con Page como guitarrista principal fue Little Games. Este disco recibió críticas mixtas, mientras que no alcanzó las cotas comerciales que se le atribuyeron en un principio, alcanzando el puesto número 80 en el Billboard. Aunque las grabaciones del grupo se orientaban claramente hacia un sonido muy comercial, sus actuaciones eran mucho más experimentales debido a la ascendencia blues de sus composiciones.
Después de la marcha en 1968 de Keith Relf y Jim McCarty, Page, que quería realizar los conciertos pendientes de la banda en Escandinavia, reclutó al vocalista Robert Plant, al baterista John Bonham y al bajista y teclista John Paul Jones para formar un nuevo grupo, que Page nombró como The New Yardbirds pero que sería poco después renombrado como Led Zeppelin. Este nombre fue tomado por Page a causa de un chiste que había contado Keith Moon en la sesión de grabación del tema "Beck's Bolero", en el que decía que la banda caería como un "zeppelin de plomo" (en inglés Lead Zeppelin). Posteriormente, el mánager de la banda, Peter Grant, acortaría el nombre hacia Led Zeppelin para evitar errores de pronunciación con "Leed Zeppelin".
La experiencia de Page como músico de sesión y como miembro de The Yardbirds se hizo notar desde el primer momento. En las labores de compositor, productor y guitarrista, Page ayudó a que Led Zeppelin se convirtiese en una de las más influyentes bandas de los años '70, y probablemente de la historia de la música rock, además de influir por sí sólo en numerosos guitarristas posteriores. El riff rápido y orientado hacia el heavy metal de "Communication Breakdown", una canción que aparece en el trabajo debut de Led Zeppelin, homónimo, está considerada por Johnny Ramone, guitarrista de la extinta y primeriza banda de punk The Ramones, como inspiradora del sonido acelerado y potente de la música de su banda. Por su parte, el solo de guitarra de "Heartbreaker", tocado con las dos manos en el mástil de la guitarra, influyó definitivamente en Eddie Van Halen para popularizar esta técnica guitarrera en los años '80. Además, el solo de guitarra de "Stairway to Heaven", compuesto y tocado por Page, está considerado por los lectores de varias revistas musicales como el mejor solo de la historia, mientras que el propio Page fue nombrado guitarrista del año cinco veces seguidas por la revista Creem durante la década de los '70. Por último, Page fue uno de los primeros guitarristas de la historia en utilizar una guitarra de doble mástil, de marca Gibson inspirada en el modelo SG de la marca.
Para la composición y grabación de la mayoría de las canciones de Led Zeppelin, Page usó una guitarra Gibson Les Paul con un amplificador Marshall. Page también empleó guitarras Fender Telecaster durante la grabación de Led Zeppelin I y para grabar el famoso solo de "Stairway to Heaven". En cuanto a sus amplificadores, sus marcas más utilizadas, a parte de Marshall, fueron Vox, Orange y Fender. Además de la guitarra eléctrica, Page también utilizó guitarras slide, guitarras con pedales de acero (un tipo de guitarra eléctrica con que se toca con un artilugio de acero en vez de con los dedos y se posiciona de manera horizontal), guitarras acústicas y pedales de efectos ( Chorus, Wah-wah, Flanger, etc).
Por su parte, Page es también famoso por ser uno de los primeros en utilizar un arco de violoncello para tocar la guitarra en las canciones "Dazed and Confused", "How Many More Times", y en la introducción de "In the Evening".[2] Esta técnica la aprendió durante su etapa como músico de sesión, aunque no fue el primer guitarrista en utilizar un arco de cello, ya que Eddie Phillips, del grupo The Creation realizó esta experiencia antes que Page. En una entrevista a la MTV, Page afirmó que extrajo esta técnica al ver a su compañero David McCallum, Sr. (padre del actor David McCallum), también músico de sesión, hacer lo mismo con su guitarra y un arco de cello.
En algunas canciones de la banda, Page solía utilizar un theremin, además del pedal Wah-wah para realizar algunos efectos con su guitarra.
Page está acreditado como uno de los artífices de hacer llegar al estudio nuevas técnicas de grabación, que desarrolló durante su etapa en Led Zeppelin. A comienzos de la década de los '60, los productores musicales británicos solían emplazar los micrófonos justo delante de la batería y de los amplificadores, lo que originaba un sonido ligeramente defectuoso apreciable en muchas grabaciones de aquella década. Page comentó en una entrevista a la revista Guitar World que los sonidos de la batería en aquella época sonaban como cajas de cartón. En cambio, Page apoyaba las técnicas de grabación de la década de los '50, especialmente las desarrolladas en el estudio Sun. En la misma entrevista a Guitar World, Page dijo que el proceso de grabación solía ser una ciencia, y que los ingenieros tenían un lema: distancia igual a profundidad. Llevando este lema al límite, a Page se le ocurrió la idea de colocar un micrófono adicional a una determinada distancia del amplificador y grabar después en equilibrio con los dos. Al adoptar esta técnica, Page se convirtió en uno de los primeros productores británicos en grabar el sonido de ambiente de una banda.
Para la grabación de varias canciones de Led Zeppelin, como "Whole Lotta Love" o "You Shook Me", Page empleó la técnica de la reverberación, que se cree fue empleada por primera vez por Page durante su paso por The Yardbirds, más concretamente en la grabación del tema "Ten Little Indians". Consiste en escuchar el eco antes del sonido original, en lugar de escucharla después, obtenido colocando la pista grabada del eco antes de la pista del sonido original durante el proceso de grabación y mezclado de la canción. Para este efecto también colocaba micrófonos al fondo de la sala de grabación para que el sonido llegara más débil, creando así nuevas atmósferas musicales. Además, en la grabación de "When the Leeve Breaks" colocó la batería de Bonham en el hueco de una escalera, y en "Since I've Been Loving You" se puede incluso escuchar el chirrido del pedal del bombo de la batería por lo cerca que estaba el micrófono de ella.
Led Zeppelin se separó en 1980 después de la muerte del baterista John Bonham por ahogamiento en su propio vómito después de una borrachera en la casa de Page. Aunque Jimmy intentó formar un grupo llamado XYZ contando con ex miembros de Yes,[4] [2] su regreso a los escenarios aconteció en 1983, cuando dio una serie de conciertos para combatir la esclerosis múltiple, en honor del bajista de Small Faces, Ronnie Lane, a quien le habían diagnosticado la enfermedad poco tiempo antes. Un vídeo del concierto en Londres de 1983 fue publicado en 1984 con dos canciones compuestas por Page que habían aparecido en la banda sonora de la película Death Wish II con Steven Winwood en la posición de cantante. Además, el vídeo muestra una improvisación en escena del tema "Layla" junto con Jeff Beck y Eric Clapton, conformando ellos tres el trío de guitarristas que formaron parte alguna vez de The Yardbirds. En el concierto en el Madison Square Garden de Nueva York, el vocalista fue Paul Rodgers, futuro vocalista de The Firm y antiguo miembro de Free y Bad Company. Durante esta serie de conciertos, el aspecto de Page era enfermizo y débil, ya que, según el libro Hammer of the Gods, Page había dejado su adicción a la heroína después de siete años.
Posteriormente, Page se juntó con Roy Harper para grabar un disco, llamado Whatever Happened to Jugula?, y participar en ocasionales conciertos, en los predominaba un estilo acústico y orientado hacia el folk acompañando a grupos como The MacGregors o Themselves. En 1984, Page grabó un disco con el ex vocalista de Led Zeppelin y antiguo compañero suyo, Robert Plant, bajo el nombre de The Honeydrippers. Además, se unió a Paul Rodgers para componer y grabar dos discos bajo la denominación de The Firm. El primer álbum, The Firm, alcanzó el puesto número 17 en la lista de pop del Billboard con exitosas canciones como "Radioactive" o "Closer", y superó el millón de ventas en los Estados Unidos. The Firm fue seguido de Mean Business, no tan exitoso como su antecesor, por lo que sus miembros decidieron abandonar el proyecto.
A The Firm le siguieron varios otros proyectos. Page volvió a trabajar como músico de sesión para The Rolling Stones, Graham Nash, Box of Frogs y Robert Plant. Además, editó su propio álbum en solitario, Outrider, y realizó una colaboración con el vocalista David Coverdale en el disco Coverdale-Page. También colaboró en la grabación de las bandas sonoras de las películas Death Wish II y Death Wish III, editadas en 1982 y 1985 respectivamente.
Los miembros supervivientes de Led Zeppelin se reunieron en 1985 para un concierto del Live Aid con Phil Collins y Tony Thompson alternándose en la batería. Sin embargo, los continuos problemas de Page con las drogas y la mala calidad de su guitarra Les Paul hicieron que la banda considerase la mala calidad de esta actuación, negándose a que apareciesen fragmentos de su concierto en el DVD editado para celebrar el 20 aniversario de Live Aid. Un año después, en 1986, Page se reunió temporalmente con sus ex compañeros de The Yardbirds para interpretar algunas canciones del disco Strange Land, de Box of Frogs.
Led Zeppelin se reformó el 14 de mayo de 1988 para tocar únicamente en el concierto de celebración del 40 aniversario de Atlantic Records, con Jason Bonham ocupando el puesto de su padre en la batería.
En 1994, Page y Plant se reunieron para grabar un concierto de la serie "Unplugged" de la cadena MTV. El especial, renombrado como Unledded, contó sin la participación de John Paul Jones y fue uno de los programas más exitosos de la cadena. En octubre del mismo año, la grabación salió al mercado bajo el nombre de No Quarter: Jimmy Page and Robert Plant Unledded, cuya reedición en 2004 contó con el nombre de No Quarter Unledded. Debido al éxito de la gira de presentación de No Quarter, Page y Plant grabaron un disco juntos en 1998, que se publicó con el título de Walking into Clarksdale.
El Salón de la Fama musical británico incluyó a Led Zeppelin en 1995, lo que se convirtió en la segunda inclusión de Jimmy Page dentro de este Salón, ya que tuvo el mismo honor en 1992, cuando The Yardbirds obtuvieron la misma calificación.
También en 1998, Page colaboró con el rapero americano Puff Daddy para grabar una versión de "Kashmir" para la banda sonora de Godzilla. La canción, titulada "Come with Me", fue interpretada por sus dos autores en el Saturday Night Live.
1999 vio la gira de Page con el grupo The Black Crowes, y 2001, la aparición del guitarrista junto con Fred Durst (vocalista de Limp Bizkit) y Wes Scantlin (guitarrista de Puddle of Mudd) para interpretar en directo la canción "Thank You" en la gala de los premios MTV europeos en Frankfurt.
En 2005, Page fue galardonado con la Orden del Imperio Británico en reconocimiento de su trabajo como embajador de caridad en Brasil, y nombrado hijo predilecto de la ciudad de Rio de Janeiro. Un año después fue introducido en el Salón de la Fama de Música del Reino Unido junto con el resto de los miembros de Led Zeppelin, siendo su segunda inclusión en este Salón después de que The Yardbirds consiguiesen su lugar en 1992. En la presentación por televisión del acto, aparecieron varios personajes del mundo de la música alabando el trabajo de Page seguidos de un corto discurso del protagonista. Después de ello, Wolfmother interpretó el tema "Communication Breakdown" en directo.
El 10 de diciembre de 2007 dio lugar en el estadio O2 Arena de Londres un concierto de Led Zeppelin, contando de nuevo en la batería con Jason Bonham, hijo de John Bonham. El concierto congregó a más de 20.000 personas en el estadio londinense.
Jimmy Page está casado con Charlotte Martin, ex novia de Eric Clapton. El matrimonio tiene una hija llamada Scarlett Page, respetada fotógrafa fruto de una relación anterior. Page posee otro hijo, llamado James.
En 1972, Page adquirió "The Tower House", una casa gótica comprada a Richard Harris y diseñada para sí mismo por William Burges. Burges poseía una labrada reputación dentro de la arquitectura gótica en el siglo XIX.
Desde mediados de la década de los '70 hasta 2004, Page vivió en The Mill House situada en Windsor, Inglaterra. En este hogar, antigua propiedad del actor Michael Caine, murió el baterista John Bonham.
También desde mediados de la década de los '70 hasta mediados de la de los '80, Page obtuvo Boleskine House, antigua residencia de Aleister Crowley en la que se rodaron algunas escenas del documental de Led Zeppelin, The Song Remains the Same.
A comienzos de la década de 1970, Page poseía una librería de ocultismo en Londres, llamada "The Equinox Booksellers and Publishers" ("Vendedores y editores del equinoccio"), que tuvo que cerrar debido al escaso tiempo del que disfrutaba Page a causa del estallido de popularidad de Led Zeppelin. La librería publicó el libro The Goetia, de Aleister Crowley, en su edición de 1904.
Runas o símbolos presentes en la portada de Led Zeppelin IV y que se corresponden con cada uno de los miembros de la banda. El correspondiente a Page es el primero comenzando por la izquierda, que presenta la palabra "Zoso".Sin embargo, lo que más relaciona a Page con el ocultismo es la inclusión en la portada del disco Led Zeppelin IV de cuatro símbolos que representaban a cada uno de los miembros de la banda. Durante los conciertos de presentación de este trabajo, Page solía salir a escena con símbolos del zodíaco bordados en sus ropas junto con uno de los símbolos del disco, nombrado popularmente como "ZoSo". Esto llamó la atención de muchos fans de la banda y alimentó su curiosidad. Aunque el símbolo en sí sigue siendo un misterio, se sabe que tiene su origen en Ars Magica Arteficii, un grimorio de 1557, cuyo autor es J. Cardan, en el que se identifica al símbolo de "ZoSo" como satánico. Previamente, algunas especulaciones apuntaban a que la procedencia del signo podría haber surgido de un libro llamado Zos Speaks, de Austin Osman Spare, distribuido por Page en su antigua librería. Otra teoría afirmaba que "ZoSo" podría derivar de un estilizado 666, o del Cábala. Sin embargo, se acepta mayoritariamente la teoría del grimorio como la verdadera, por lo que es probable que las otras dos sean incorrectas. También se ha expuesto que la creación del signo es simplemente un garabato de Page sin sentido específico. El guitarrista nunca ha declarado nada al respecto del significado del signo.
El logotipo de Swan Song, la compañía fundada por Led Zeppelin en 1974 para editar sus trabajos discográficos, consiste en una figura de Apolo, dios griego de la luz y la razón, aunque es a veces malinterpretada como si fuese una imagen de Ícaro, quien murió abrasado por volar demasiado cerca del Sol, o de Lucifer, un ángel caído que fue expulsado del Cielo y que se convirtió posteriormente en Satanás. La representación de Apolo está basada en un cuadro de William Rimmer, Evening: Fall of the Day, de 1869.
Por su parte, el diseño interior del disco Led Zeppelin IV está basado en una carta del Tarot, llamada "El ermitaño". Page se transforma en este personaje durante la película The Song Remains the Same.
Page fue, además, invitado a escribir la banda sonora del corto cinematográfico Lucifer Rising rodada por otro admirador de Aleister Crowley, el director Kenneth Anger. A su vez, Page permitió que se rodasen algunas escenas de la película en The Tower House, su residencia en Londres. Como resultado del proceso de composición de la banda sonora del corto, Page escribió únicamente 23 minutos de música, algo que a Anger le pareció insuficiente, diciendo que Page había tardado tres años en escribir sólo 23 minutos de música. El director cargó en declaraciones contra Page, diciendo que tenía "un lío con la Dama Blanca (en referencia a la cocaína)", que era "un ocultista pretencioso", y que estaba tan enganchado a las drogas que era incapaz de terminar el proyecto. Page respondió arguyendo que había terminado todas sus responsabilidades, y que incluso ayudó a Anger a terminar la película prestándole su propio material de grabación. Las composiciones de Page fueron reemplazadas en la película por la obra de Bobby Beausoleil, un familiar de Charles Manson y un asesino convicto que compuso la banda sonora desde su estancia en prisión. La grabación de la banda sonora no editada de la película compuesta por Jimmy Page fue editada en edición pirata por algunos fans de la banda en el sello Boleskin House Records el 19 de junio de 1987. Se rumorea que el inicio de la canción "In the Evening", que aparece en el disco In Through the Out Door de Led Zeppelin, fue extraído de esta banda sonora inédita, aunque la mayor parte de la banda sonora fue incluida para la composición de la correspondiente a Death Wish II.
El propio Jimmy Page ha admitido su adicción a las drogas durante la década de los '70. En una entrevista a la revista Guitar World en 2003, Page dijo: "No puedo hablar acerca de los demás [en referencia al resto de los miembros de la banda], pero para mí las drogas fueron una parte integral de todo, desde el comienzo hasta el final".
Durante el año 1973, la droga más utilizada en el seno de Led Zeppelin era la cocaína, teniendo a Page, John Bonham, Peter Grant (mánager del grupo) y Richard Cole (mánager de las giras del grupo) como principales consumidores. Después de la gira por Estados Unidos de ese año, Page le dijo a Nick Kent: "Oh, todo el mundo se ha pasado del límite un par de veces. Sé que yo lo hice y, para serte honesto, no me acuerdo muy bien de mucho de lo que pasó".
En 1976, Page comenzó a consumir heroína introducido por Richard Cole, quien reconoció que él y Page habían estado usando la droga durante la grabación de Presence ese año. Page admitió poco después que era un adicto a la droga y comenzó a fumar intensamente como método para abandonar su adicción.
Hacia el año 1977, la adicción de Page estaba comenzando a afectar a su capacidad para tocar la guitarra, como puede apreciarse en las ediciones pirata de sus conciertos durante ese año. Las drogas también afectaron a su aspecto físico (perdió bastante peso durante su etapa de adicción) y psicológico, ya que comenzó a aislarse paulatinamente de Robert Plant y del resto de miembros de Led Zeppelin. Durante las sesiones de grabación de In Through the Out Door en 1978, el peso de las composiciones recayó en la figura de John Paul Jones, ya que la adicción de Page a la heroína provocó numerosas ausencias del estudio de grabación durante largos periodos de tiempo.
El guitarrista dijo haber superado su adicción a comienzos de la década de los '80. En una entrevista en el año 1988 a la revista Musician, Page se ofendió cuando el entrevistador notó que su adicción a la heroína había estado asociada a su nombre, e insistió: "No soy un adicto, muchas gracias".

La historia de ésta guitarra comenzó en 1963, cuando Brian May, con tan sólo 16 años, se dio cuenta que con su guitarra acústica no podía interpretar las canciones que escuchaba en la radio y trataba de emular. Así que decidió cambiar su guitarra acústica por una eléctrica, pero en esa época el joven Brian no disponía del dinero para comprarse las caras Gibson y Stratocaster que había en el mercado. Así que con la ayuda de su padre, Harold May (Ingeniero electrónico), decidió embarcarse en un difícil proyecto: fabricarse su propia guitarra, trabajo que comenzó en agosto del ´63 en un dormitorio de su casa convertido en taller. Para la elección del material, Brian tuvo que buscar minuciosamente. Por ejemplo, para el mástil utilizaron la madera de una chimenea que un amigo de la familia iba a tirar. La madera era pura caoba, pero estaba vieja y algo apolillada, pero Brian logró darle forma a mano. Así lo explica el mismo: "El mástil formaba parte de una chimenea que iba a ser destruida. La caoba era de buena calidad, pero era tan vieja que estaba algo apolillada. Rellené los agujeros con madera de cerilla y los cubrí con una capa de Rustin's Plastic Coating (hay un montón en el cuello, aunque ahora se están desprendiendo un poco)". "La caja de la guitarra la hicimos de un robusto trozo de roble. En un momento determinado, el escoplo estropeó parte de la madera de la caja, y me sentí tan frustrado que tiré todo por la ventana y empecé de nuevo". Las herramientas utilizadas a lo largo del proyecto, también eran hechas a mano, y las que no estaban, eran herramientas sencillas. "En el lugar en el que están unido el cuerpo y el mástil, sólo utilicé un cortaplumas y una lija, porque no teníamos ninguna herramienta más compleja". Para los marcadores del diapasón, Brian rebuscó en el costurero de su madre Ruth, y encontró unos botones de madre perla. Esos botones se convertirían en los marcadores de la "Red Special", botones que aún duran en la guitarra. Las cuerdas las tuvo que comprar, ya que no encontraba ningún sustituto adecuado para ellas. El siguiente paso era construir los fonocaptores (las tomas de sonido). Brian construyó uno con dos cables atados a unos magnetos, pero el resultado no fue el esperado, así que decidió comprar unos fonocaptores Burns Tri-Sonic a tres guineas cada uno, aunque a Brian tampoco le gustó el resultado y decidió hacer unos pequeños retoques. "Los volví a enrollar y los rellené con Araldite, menos el del "puente" que probablemente lo haga algún día". El brazo del tremolo lo hizo con un trozo de acero bastante especial, que él mismo modeló después. Para equilibrarlo utilizó dos resortes de válvulas de motocicleta: "El brazo de trémolos es una de esas cosas para aguantar los cestos de las bicicletas, y el nudo del final está hecho con una aguja de hacer ganchillos. Los resortes del trémolo son de una motocicleta (ahora no recuerdo de que tipo), pero un amigo mío tenía montones de resortes de válvulas de motocicletas, y usamos eso".
Y por fin, tras un año y medio de trabajo, y con un costo de 8 libras esterlinas, la Red Special emergió. No se parecía a ninguna otra guitarra y su sonido era y es bastante particular, diferente al resto de las guitarras "normales". Antes de tener la guitarra finalmente terminada, Brian la llevó a la escuela, pero se sentía molesto porque no tenía el aspecto de una guitarra comercial. Pero tras pulirla y barnizarla, la guitarra quedó impecable y ya parecía una de las profesionales. Al volver a llevarla a la escuela, sus compañeros quedaron tan impresionados que uno de ellos ofreció cambiársela por su guitarra comprada, obviamente Brian se negó.
Brian continuó buscando el sonido que él perseguía. Tras muchos experimentos, descubrió que tocando con una moneda de seis peniques como púa conseguía un sonido puro y limpio. Y usando esa moneda es como Brian ha tocado en todos los discos y todos los recitales de Queen.