Jonathan Richard Guy Greenwood, más conocido como Jonny Greenwood (nacido el 5 de noviembre de 1971) es uno de los integrantes de Radiohead. Además es hermano del también miembro de Radiohead Colin Greenwood, el bajista del grupo. Su apodo, "Jonny", se escribe sin h, ya que viene del nombre Jonathan, no de John. Los seguidores de Radiohead han hecho bromas con esa situación, sugiriendo que el líder del grupo, Thom Yorke, adoptara la h que Jonny dejó.
Jonny a menudo es considerado como el segundo artista más importante de Radiohead. Es uno de los más talentosos multi-instrumentistas, capaz de tocar la primera guitarra con sorprendente maestría, así como también el órgano, sintetizador, piano, xilófono, armónica y otros instrumentos con los que nunca ha grabado. Es la guitarra con la que logra un increíble dominio gracias a su perfeccionista forma de tocarla. A pesar de que casi nunca incluye extravagantes solos de guitarra a las canciones del grupo, es, para muchos, uno de los mejores guitarristas de la historia. Las originales contribuciones de Jonny para Radiohead incluyen la canción de un rock más bien suave ("The Tourist") y el tema con influencias de The Beatles "A Wolf at the Door" - dos pistas que cierran los álbumes OK Computer y Hail to the Thief, respectivamente. Thom Yorke ha resaltado que la canción "Just" del disco The Bends era "una competencia entre Jonny y yo para conseguir tantos acordes como fuera posible dentro de la canción". El extremadamente agresivo estilo de Jonny para tocar la guitarra le causó en el pasado una repetitiva lesión en su brazo derecho. Aconsejado por su médico a usar un soporte en su brazo por un período de tiempo, dicho refuerzo se ha convertido en una especie de marca registrada. "Disfruto poniéndomelo antes de tocar... Es como pegar tus dedos antes de boxear." Jonny también es el campeón de quienes utilizan las ondas martenot, un viejo sintetizador que cataloga como uno de sus instrumentos favoritos. Compuso el tema "Smear" con un par de ondas martenot. Las ondas pueden ser escuchadas en muchas canciones de Radiohead, sobre todo en "The National Anthem", del LP "Kid A". Jonny también utiliza sintetizadores de moduladores y aparatos como el Korg Kaoss Pad, usado en las canciones más recientes.
Jonny ha continuado con su progresión como integrante de Radiohead y en el año 2003 lanzó su primer álbum en solitario, Bodysong, la banda sonora de la película del mismo nombre, del cineasta Simon Pummell. Su hermano Colin también participó en el álbum tocando bajo en uno de los tracks. Jonny fue contratado por la BBC como compositor en mayo de 2004. Además, aparece en la película "Harry Potter y el Cáliz de Fuego" junto al también integrante Radiohead Phil Selway y el líder de Pulp, Jarvis Cocker, como miembros de un grupo ficticio llamado "The Weird Sisters". Thom y Jonny también colaboran en un nuevo proyecto, organizado por la London Synfonietta, en el Festival de Ether en marzo de 2005.
En octubre de 2007, Radiohead lanzó su séptimo álbum de estudio, "In Rainbows", exclusivamente por internet.
El primero de enero de 2008, "In Rainbows" fue publicado en formato físico, el cual llegó a liderar los rankings de ventas en el Reino Unido y EE. UU.
A principios del mismo mes, Greenwood recibió el premio al Mejor Compositor en el rango de música de películas -por parte de los Critics' Choice Awards- por su participación en la banda sonora del filme "There Will Be Blood", composición que lo llevó a ser preelecto para los Premios Oscar 2008 en la misma categoría. Finalmente, fue descalificado debido a que su obra no cumplía con el expreso requisito de ser una composición absolutamente inédita. Esto porque algunos de los tracks de dicho álbum contenían pasajes de su anterior trabajo, "Bodysong".

Forrest Richard "Dickey" Betts (nacido 12 de diciembre de 1943) es un americano guitarrista, cantante y compositor, más conocido por su labor como miembro fundador del sur del blues / rock El grupo de Allman Brothers Band.
Nacido en West Palm Beach, Florida, Betts principios de la experiencia fue líder de una banda llamada La Segunda Venida, antes de que él y otros músicos de la zona de Florida se reunió, atascado, y formaron la Allman Brothers Band en 1969. Betts fue la banda el segundo guitarrista de plomo, por detrás de Duane Allman, y contribuyeron significativamente a su doble marca de sonido de guitarra de plomo. También escribió canciones incluyendo "En memoria de Elizabeth Reed" y "Blue Sky" que se convirtió en concierto de radio y grapas.
Tras la muerte de Duane Allman a finales de 1971, Betts se convirtió en la única banda del guitarrista, y también tomó en un canto y una mayor papel de liderazgo. Él siguió para escribir tales sur de Rock clásicos como "Jessica", y los Allmans' comercial más grande éxito, "Ramblin 'Man".
Betts primer disco en solitario, Highway Call, fue puesto en libertad en 1974, y contó con la tarde violín jugador Vassar Clements. Después de la separación Allmans cayó en 1976, Betts puesto en libertad más discos, comenzando con Dickey Betts & Great Southern en 1977, que incluyó el éxito "Buganvilla", que co-escribió con el actor Don Johnson. En 1978 lanzó un álbum titulado "Atlanta's Burning Down".
El Allman Brothers reformada en 1979 para el álbum "Iluminado pícaros" con un nuevo guitarrista (Dan Toler) y un nuevo bajista (David Goldflies). Varios álbumes aplicaría en los años 80 con varios cambios de personal. La reunión trajo de vuelta Betts, junto con el fundador Allman Brothers miembros Gregg Allman, Butch Trucks, y Jai "Jaimoe" Johanny Johanson. La banda fue aumentada en los finales de los 80 por Warren Haynes (transparencia y el plomo guitarra), Woody Allen (bajo) y Johnny Neel (en teclados, aunque Neel izquierda después de varias giras). Esta alineación de la banda iba a poner en libertad a tres aclamados álbumes de estudio, con Betts, Allman Haynes y que actúa como la principal canción escritores, así como de varios álbumes en vivo a lo largo del decenio de 1990.
Betts tuvo que ser sustituido en numerosas en todo el tourdates mediados de los 90 "motivos personales". Entre los artistas que aparecen en lugar de Betts fueron Jimmy Herring (en 1993 y nuevamente en 2000), Zakk Wylde, Pearson y Jack David Grissom. John Popper of Blues Traveler se sentó también en la Allman Brothers a Betts de ausencia.
Mientras que el ABB siguió desempeñando aclamados shows en vivo durante el decenio de 1990, no poner en libertad a un álbum de material nuevo después de 1994 la Vuelta donde todo comienza. Haynes y Woody formado Gob MULE con el baterista Matt ABTS (antes de Dickey Betts proyectos solistas) como un proyecto paralelo en 1994 y dejaría a los Allman Brothers para Gob MULE a tiempo completo tras la ABB anual del Beacon Ejecutar en marzo de 1997. Haynes y Woody no asociarse con la Allman Brothers Band en el escenario de nuevo Betts hasta después de la salida en 2000, a pesar de que compartirían el escenario con Gregg Allman en varias ocasiones con MULE Gob.
El resto de miembros originales, Allman, Trucks y Jaimoe, suspendido Betts (según se informa por fax) antes de la puesta en marcha de la banda Campaña de Verano del Tour de 2000. Betts fue sustituido temporalmente para que viaje por Jimmy Herring, antes del Aquarium Unidad de Rescate, entre otras bandas. Warren Haynes también apareció con los Allmans muestra a tres después de Betts' suspensión por primera vez en más de tres años.
Betts rápidamente presentó una demanda contra los otros tres Allmans original y la separación se convirtió en un permanente divorcio (Haynes le sustituirán de forma definitiva a raíz de un stand con la banda en el Beacon Theatre en marzo de 2001). Betts rápidamente formaron la banda de Dickey Betts en el año 2000 y que gira de verano. Ahora giras con el nombre de Dickey Betts y el Gran Sur, que recientemente ha añadido el hijo de Dickey, Duane Betts, a llevar la guitarra.
En 2005 Betts vivir en libertad el DVD "En vivo desde el Rock and Roll Hall of Fame".
En los primeros días de la Allman Brothers, Dickey desempeñado una Gibson SG 1961, que dio a Duane Allman en 1971 para su uso como todos los de la guitarra slide. Dickey entonces comenzó a utilizar un 1957 Gibson Les Paul Goldtop. Dickey se convertiría en famosa por la utilización de un Goldtop, nombrándolo "Goldie". Recientemente ha pintado de color rojo. Dickey también se ha visto jugar de vez en cuando Fender Stratocasters, y ha sido un a-y-fuera jugador y endorser de guitarras PRS.

Roy Buchanan (23 de septiembre de 1939 - 14 de agosto de 1988), fue un guitarrista estadounidense de blues. Se caracteriza por su uso del glissando, de rápidos staccatos y de pellizcos armónicos. Buchanan fue pionero en el uso del sonido Telecaster.
La carrera musical de Roy Buchanan empezó en Pixley, California. Su padre fue un aparcero. Buchanan contó cómo su primer recuerdo musical está vinculado a reuniones de mezcla racial promovidas por su familia. "Gospel," decía, "así fue cómo entré en la música negra". Creció, efectivamente, entre influencias muy dispares mientras aprendía a tocar su instrumento. Inicialmente, demostró talento para la guitarra de acero antes de cambiarse al instrumento estándar a comienzos de los cincuenta.
En 1957 Buchanan hizo su grabación de debut, tocando el solo de "My Babe" Dale Hawkins para Chess Records.
Tres años más tarde, Buchanan se dirigió a Canadá, donde tocó la guitarra en el grupo de Ronnie Hawkins (más tarde conocido como The Band). Uno de los guitarristas del grupo, Robbie Robertson, estudió guitarra aprendiendo de Buchanan y terminó por ser el guitarrista principal cuando Buchanan abandonó el grupo.
Los comienzos de los 60 sitúan a Buchanan tocando de acompañante en muchas bandas de rock y con músicos como Freddy Cannon y Merle Kilgore.
Los problemas de muchos años con alcohol y sustancias sufridos por Buchanan empeoraron con el tiempo, culminando cuando le arrestaron por conducir en estado de ebriedad; algunas horas después, Buchanan fue encontrado en su celda ahorcado con su propia camisa. La causa de muerte fue registrada oficialmente como suicidio, lo cual ha sido discutido por algunos amigos de Buchanan y familia (cita requerida).
La carrera musical de Roy le llevó de gigs subterráneos del club en los años 60 y 7 a la televisión nacional, a las ventas de registro del oro y a los viajes mundiales en los años 80 con Lonnie Mack, The Allman Brothers Band y Willie el Nilo.

Tom Verlaine (nacido como Thomas Miller el 13 de diciembre de 1949 en Morristown, Nueva Jersey, Estados Unidos) es un guitarrista, cantante y compositor conocido por haber liderado el grupo de proto-punk Television, además de tener una carrera solista.
Verlaine (nombre que adopta de un poeta simbolista francés) fue criado en Wilmington, Delaware, y comenzó temprano su instrucción musical, primero como pianista y luego como guitarrista, influenciado por la canción "19th Nervous Breakdown" de los Rolling Stones.[1] En 1968 dedide irse a la parte este de Nueva York junto a su compañero, el bajista Richard Meyers (quien luego se cambiaría el nombre a Richard Hell). Allí formaron un grupo junto al baterista Billy Ficca, al cual le dieron el nombre de The Neon Boys, grupo que durará poco; con la incorporación de un segundo guitarrista, Richard Lloyd, en el año 1973, el grupo volvió a surgir bajo el nombre de Television. Tras grabar un demo con Brian Eno Hell dejó el grupo y fue reemplazado por Fred Smith. En 1973 Verlaine participó en el primer single de su novia Patti Smith, "Hey Joe"/"Piss Factory", con quien también editó un libro de poesía titulado The Night.Posteriormente tocaría en los dos primeros álbumes de Smith.
El primer single de Television, "Little Johnny Jewel", los conviertió en un grupo afamado dentro del ámbito underground de Nueva York. El grupo editó su primer LP, Marquee Moon, en el año 1977, el cual fue muy bien recibido por la crítica y es considerado un clásico de culto, aunque no tuvo éxito comercial en Estados Unidos. Adventure le siguió en 1978 con un destino similar, y tras ese álbum el grupo se separó.
Esta no sería la desaparición del guitarrista. En 1979 lanza su carrera en solitario con el sencillo "Kingdom Come" (David Bowie hizo una versión de esta canción en su álbum Scary Monsters, ya que tiene un gran aprecio por su música),y edita su primer LP autotitulado. Su gran éxito personal llegará de la mano de su poco conocido Dreamtime, de 1981. Debido a las buenas críticas que recibe de la prensa inglesa por sus dos siguientes discos (Cover y Words From The Front) decide establecer a Londres como su residencia principal.
Verlaine se tomó unos tres años de reposo antes de volver a presentar un trabajo (el último databa de 1984), el cual fue titulado Flash Light, mientras que su siguiente álbum, de 1990, fue titulado The Wonder. Television se volvió a juntar en 1992 para grabar un álbum autotitulado, pero se volvieron a separar en 1993, aunque el grupo se volvería a juntar para realizar presentaciones en vivo ocasionales. En 1992 también publicó su primer LP instrumental, Warm And Cool, y en 1994 compuso la banda sonora de la película Love and a .45. Pasarían 12 años hasta su siguiente edición de material original. A mediados de los años 90 Verlaine volvería a trabajar con Patti Smith, e iba a ser el productor de Jeff Buckley en su álbum Sketches for My Sweetheart the Drunk, pero Buckley falleció antes de poder completar el álbum. En el año 2006 editó dos lanzamientos solistas: Songs And Other Things y su continuación al instrumental Warm And Cool, que se llama Around.

Richard Hugh Blackmore (Weston-super-Mare, Inglaterra, 14 de abril de 1945) es un guitarrista de rock que ha tocado para bandas como Deep Purple, Rainbow y Blackmore's Night. Es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia.
Músico influido por la manera de tocar la guitarra eléctrica de Jimi Hendrix, cuya técnica supo combinar con tonos clásicos en sus solos de guitarra (Bach, Mozart, etc.) debido a la formación de guitarrista clásico que tenía.
Desde el punto de vista técnico, destaca por su manipulación de la escala pentatónica, escala y frases de blues, e modalidades clásicas. Así como de evolucionar la improvisación al máximo en sus conciertos en directo, convirtiéndose en un referente, particularmente en los años de su agrupación Rainbow en un prócer del estilo neoclásico de los años 80.
Blackmore, criticado por su carácter temperamental y apodado "Man in Black" por su raro comportamiento tanto dentro como fuera del escenario, tuvo una gran influencia entre muchos de los guitarristas que vinieron después de él, y no sólo en su popularmente reconocida influencia clásica en el rock. Su fraseo fue siempre ejemplar, y el lenguaje de sus improvisaciones singularmente puro. Siempre ha sido un admirador de la Fender Stratocaster, guitarra que le ha acompañado a lo largo de casi toda su trayectoria musical, aunque solamente usaba, al tocar, dos de las tres pastillas del instrumento (en las posiciones mástil y puente, concretamente), lo que confiere a sus solos un tono muy particular y reconocible. El resto de su equipo "clásico" lo conforman una grabadora que ponía entre el instrumento y su amplificador, un preamplificador a válvulas y por supuesto un enorme Marshall modificado para que tuviera una salida de alrededor de 200 W. En algunas ocasiones utilizó un pedal de Flanger, especialmente reconocible en el famoso tema Mistreated (del álbum Burn, con David Coverdale) y en algunas canciones de Rainbow.
A finales de 1974, Ritchie Blackmore no se encuentra del todo satisfecho en el seno de Deep Purple. La onda funky-soul que impregnaba el estilo de la banda, motivado por la incorporación de Glenn Hughes y David Coverdale, no era del agrado de Ritchie. Por otro lado, la negación del resto de la banda de interpretar el tema de Quatermass “The black sheep of the family” desencadenó el enfado definitivo de Ritchie.
Ritchie había estado en contacto con Ronnie James Dio, cantante de ELF, grupo que había teloneado a Deep Purple en su gira inglesa de ese mismo año, y con él decide formar su propia banda. Para ello incorpora a toda la banda de Dio, a excepción del guitarrista y se meten en el estudio de grabación. Con esa formación grabará el que será primer disco de Rainbow: Ritchie Blackmore’s Rainbow.
Es conocido por tocar con desmesurada intuición, lo que no debe llevar a menospreciar su bagaje teórico y su indiscutible técnica. Mayores, menores, disminuidos; cualquier modo tonal parece serle cómodo. En sus actuaciones en directo se le llegó a acusar de tocar muy sucio, pues era frecuente que empezara a golpear la guitarra a media actuación, rompiera el puente a golpes de palanca o sencillamente se dedicara a dejar sonar algunos grupos de notas mientras variaba su sonido a golpes con el instrumento. En el álbum en directo Made in Japan, que grabó con Deep Purple en los '70, se da una buena prueba de ello.
Es también considerado uno de los padres del Heavy Metal especialmente después de formar equipo con el vocalista Ronnie James Dio, con quien fundó Rainbow.

Jorma Kaukonen nacido a un finlandés de América padre y una madre judía americana, empleado por los EE.UU. del servicio exterior, Kaukonen fue miembro fundador de la popular psicodélico con sede en San Francisco la banda Jefferson Airplane, que anotó dos de radio Top 10 hits en 1967 con "Somebody to Love "Y" White Rabbit ".
Kaukonen aprendido a tocar la guitarra como un adolescente en Washington, DC Sin embargo, antes de pasar a la zona de DC, Jorma y la familia vivía en las Filipinas y otros locales como siguió su padre la carrera de cesión a cesión, antes de regresar al lugar de su nacimiento. Como un adolescente en Washington que él y Jefferson Airplane futuro bajista Jack Casady (que en el momento que desempeñan seis cuerdas de guitarra) formaron una banda llamada los triunfos. Kaukonen partió de Washington para cursar estudios en Antioch College, donde amigo Ian Buchanan le enseñó la guitarra fingerstyle. Buchanan Kaukonen también introdujo a la música del Reverendo Gary Davis, cuyas canciones se han mantenido una parte importante de Kaukonen del repertorio a lo largo de su carrera.
En 1962 se trasladó a Kaukonen la Bay Area de San Francisco y matriculados en la Universidad de Santa Clara. Durante este tiempo ha enseñado lecciones de guitarra en una pequeña tienda de música en San José. Como auto-describe blues purista, Kaukonen nunca tuvo ninguna ambición de jugar en una banda de rock. Jugó como un solo acto en cafés y se puede escuchar a un joven que acompaña a Janis Joplin en guitarra acústica en una histórica grabación de 1964 (conocida como "la máquina de escribir Cintas" debido a las molestas, Kaukonen sonido de la primera esposa Margareta escribiendo en el fondo). Invitados a asistir a un ensayo Jefferson Airplane miembro fundador de Paul Kantner, Kaukonen encontró a su imaginación excitada por el arsenal de efectos disponibles para guitarra eléctrica y más tarde dijo: "Yo estaba en aspirado por la tecnología."
Jorma Kaukonen es un miembro del Rock'n'Roll Hall of Fame.
Kaukonen guitarra eléctrica del trabajo fue distintivo y muy emulada por otros guitarristas del Área de la Bahía. Cabe destacar el trabajo con Jefferson Airplane incluye "Greasy Heart", "Si usted se siente", "Hey Frederick" (que culmina en un largo plomo dúo de guitarras con él mismo), "Los buques de madera" y su composición original, "siento tan bien". Rolling Stone llamado Kaukonen la 54 ª más grande guitarrista de rock de todos los tiempos y el 16 de mayor guitarrista acústico.
Aunque nunca un prolífico cantante y compositor durante su mandato la Aeronave, Kaukonen contribuido algunos distintivo material. "Viaje embrionarias" lució su guitarra acústica fingerstyle virtuosismo. En la siguiente álbum Jefferson Airplane, después de bañarse a Baxter, su juego desarrollado un difícil filo de sonido inspirado en Mike Bloomfield de la Paul Butterfield Blues Band, Cream y otros grupos que visitó San Francisco. Estos cambios estilísticos son prominentes en el ácido rocker "el último muro del Castillo", así como el instrumental "de repuesto Chaynge", co-escrita con el bajista Jack Casady y el baterista Spencer Dryden. Reloj de 9:12 a minutos, este estilo de improvisación fue explorar más en la libre-forma ampliada atascos "Thing" y "Bear Melt", tanto instrumentales grabado en vivo en 1968. Kaukonen insiste, no obstante, en la línea de las notas Live at Fillmore East el álbum que estos atascos no son caóticas "libre de todas" pero en realidad "compleja ensayado acuerdos". Dos notables canciones que fueron más tarde a convertirse en Hot Tuna firma melodías También se registraron durante el período 1968-1969. Estos fueron los tradicionales "Rock Me Baby" y la balada gospel "Buen Pastor". Otras composiciones originales con el avión apareció en 1971 el álbum "Bark", el instrumental "Wild Turkey" y "Feel so good", así como la acústica autobiográfico "Tercera Semana en el Chelsea" detallando sus sentimientos acerca de la desintegración de la banda .
Hot Tuna en Merlefest, 2006-De izquierda a derecha, Jack Casady, Jorma Kaukonen, y Barry MitterhofIn 1969-70, Kaukonen y Jack Casady formado Hot Tuna, una empresa spin-off del grupo que les permitió jugar siempre y cuando quisiera. Una de las primeras encarnación de Hot Tuna incluido Aeronave vocalista Marty Balin y destacó Joey Covington a la batería y voz. Esta agrupación llegó a su fin después de un infructuoso registro de excursión a Jamaica, a las reuniones de las cuales nunca han sido puestos en libertad. Pared hasta Kaukonen y Casady, Hot Tuna vive como en un vehículo para Kaukonen a mostrar su estilo Piamonte fingerpicking blues acústico habilidades. La auto-titulado primer álbum fue todo acústico y grabado en directo. Con la disolución de Jefferson Airplane en 1972, Hot Tuna fue eléctrico, con la Aeronave músico Papa John Creach unirse para los próximos dos álbumes. Hot Tuna FM anotó un hit con "Ja Da (Mantenga El Truckin ')" de su tercera parte (y el primer estudio) álbum, Burgers. En este momento, la canción de Kaukonen-escritura comenzó a dominar, como se demuestra por el siguiente álbum, The Rat fosforescentes, que sólo presentó una cobertura canción. A partir de su quinto álbum, America's Choice (1974), la adición de baterista Bob Steeler alentó un aumento en volumen y un cambio de banda de personalidad - un rampaging, Cream-como el rock, con frecuencia cuasi-mística letras cortesía de Kaukonen. Durante este período, el poder trío era conocido por su muy larga vida a conjuntos instrumentales y atascos.
En 1974, Kaukonen registró el primer y más exitoso de varios discos como solista, Quah, junto con Tom Hobson. Producido por Jack Casady, y con (algo sorprendente) overdubs cadena en algunas pistas, este álbum contenía algunas de Kaukonen más deft fingerpicking trabajo, especialmente en "Hamar Promenade", "Preludio Azul", "Génesis" y "Flying Clouds". La curiosa imagen que adorna la portada Quah es hoy en día en pantalla a Donkey y Cafetería Espresso, una cafetería en Atenas, Ohio.
Kaukonen gira vigorosamente a lo largo del 1970 en los Estados Unidos y Europa, pero con Hot Tuna de la ruptura en 1978, la primera etapa de la banda terminó la carrera. Casady izquierda para formar la nueva ola de banda "SVT", mientras que Kaukonen lanzó su segundo álbum en solitario, Jorma, una combinación de guitarra eléctrica y acústica fingerstyle en 1979. Mientras tanto, había formado la banda "partes vitales".
Partes vitales que figuran Denny DeGorio bajista, que había desempeñado en San Francisco un grupo llamado los "offs" con ex-Hot Tuna baterista Bob Steeler. Kaukonen, experimentando con una nueva imagen, no sólo cortar el pelo teñido, pero que luego púrpura brillante de color naranja, y una amplia tatuajes que adornan su cuerpo, espalda y brazos. El álbum barbacoa King fue puesto en libertad en 1980. Kaukonen de la tradicional base de fans no caliente a este nuevo, la percepción de que "punk" imagen, y las ventas del álbum fueron tan decepcionantes que Jorma pronto se bajó de RCA registros.
Él continuó jugando como solista en todo el decenio de 1980 en lugares tales como la castaña Cabaret en Filadelfia, The Capitol Theater en Passaic, Nueva Jersey y en Port Chester, Nueva York. Al igual que en su día Hot Tuna, que desempeñó muy largo conjuntos, por lo general comienza con una hora de duración acústica establecidos seguido de un largo intermedio y luego de dos horas de electricidad conjunto, a veces acompañado por contrabajo y batería. Hot Tuna reformarse a sí mismos a fines del 1980. En 1988 Hot Tuna rendimiento en el Fillmore Auditorium, Kaukonen sorprendidos compañeros de la Aeronave alumno Paul Kantner, que estaba sentado, con una aparición sorpresa de su amante separados Grace Slick; el éxito de esta actuación contribuido a allanar el camino para una reunión Jefferson Airplane gira y grabar en 1989.
En 1984, apareció en Kaukonen Robert Hunter's Amagamalin Street. Este fue el tercer álbum publicado por Relix Records, un sello, fundado por Les Kippel, que especializados en las bandas de la Bay Area de San Francisco. Relix también liberados Splashdown, con una rara rendimiento de Hot Tuna en WQIV, una desaparecida estación de radio en Nueva York. Kippel fue instrumental en reunir a Kaukonen y Casady en 1985 por un Hot Tuna teatro gira. Relix Records se Hot Tuna de la compañía hasta el año 2000, y también puestos en libertad Classic Acoustic Hot Tuna, Classic Electric Hot Tuna, Live at Sweetwater, y Live at Sweetwater Dos.
Dos importantes proyectos fuera de Kaukonen se desempeñó en el álbum de David Crosby Si yo sólo podía Recuerde mi nombre (1971) y Warren Zevon "Transverse City" (1989). En 1993, colaboró con el ex-Grateful Dead tecladista Tom Constanten en el registro de numerosos acuerdos de "Viaje embrionarias". Las pistas resultantes fueron puestos en libertad como un álbum de 1994, sobre la etiqueta Relix. En 1999, desempeñó varios conciertos con Phil Lesh y amigos. En 2000, apareció con mermelada de pánico generalizado banda durante su gira de verano.
Con su esposa Vanessa, Kaukonen actualmente es propietaria y opera la Paz Fur Ranch, 119 acres de música y guitarra campamento en las colinas del sudeste de Ohio, al norte de Pomeroy; completa con un estudio de 32 pistas. En la actualidad está bajo contrato como solista a Red House Records y todavía registros y viajes con Jack Casady y otros amigos, como Barry Mitterhof como Hot Tuna. Su álbum de 2002 Blue País Corazón, también liberados como 5,1 sola capa SACD, fue ampliamente aclamada por la crítica como uno de los ejemplos definitiva de América "Depression Era" la música y las características Kaukonen respaldada por una todas las estrellas Nashville banda de bluegrass. El álbum fue nominado para un Grammy. Su último álbum, Mi Estrellas en la Corona, fue puesto en libertad en marzo de 2007.
En su sitio web, Kaukonen escribe que él es un amante de la guitarra Gibson; su favorito guitarras acústicas que el 1936 Avanzada Jumbo y la J-190. Kaukonen del Día de Acción de Gracias Eva mostrar a Keswick Theater en Glenside, Pennsylvania se ha convertido en una tradición.

Mickey Baker, también conocido como Mickey "Guitar" Baker (nacido en McHouston Baker, 15 de octubre de 1925, Louisville, Kentucky es un guitarrista americano.
Fue la mitad de los pop dúo Mickey & Sylvia, que tenía un solo hit con "El amor es extraño" en 1957. La canción fue escrita por Bo Diddley, (sino que acredita a su esposa en el momento, Ethel Smith), y Jody Williams, que había desarrollado el distintivo riff de guitarra de plomo. Williams había registrado el anterior riff en una canción llamada "Billy's Blues" de Billy Stewart. Finalmente la canción, mucho más que un simple riff, terminó siendo acreditado a Smith, Baker y el diplomático. Es que figuran en el Rolling Stone de la lista de las 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos. Baker es también digno de mención como una sesión de guitarra guitarrista y educador. Baker el período de sesiones de trabajo abarca el jazz, calypso, mambo, y el ritmo y blues. Él es ampliamente celebrada a ser una fuerza decisiva en el puente de ritmo y blues y rock and roll, junto a Bo Diddley y Chuck Berry.
En 1961, él tomó la parte que habla de sexo masculino (por lo general supone que Ike Turner) a Ike & Tina Turner la pronta respuesta positiva, "Es Gonna Work Out Fine". Poco después se trasladó a Francia, haciendo unos discos en solitario y trabajar con mucho pop francés de rock y artistas intérpretes o ejecutantes, entre ellos Ronnie Bird. Baker ha registrado sólo esporádicamente desde mediados del decenio de 1960.
Baker apareció en la versión 1975 del Festival de Roskilde.
En 1999, Baker fue inducida en la Ritmo y Blues Foundation.
Su auto-matrícula método de series de libros, el "curso completo en Jazz Guitar" es uno de los pilares para introducir a los estudiantes de guitarra con el mundo del jazz. Con Les Paul, Baker es importante como un exponente temprano de cuerpo sólido, las guitarras eléctricas por el jazz y la música popular.

Lou Reed (nacido como Lewis Allen Reed el 2 de marzo de 1942 en Freeport, Long Island, Nueva York) es un cantante y escritor de rock, considerado el padre del rock alternativo, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego en solitario. Enormemente influyente en el arte pop desde la década de los 60, sus principales discos son Rock'n Roll Animal, Transformer y, para un primer acercamiento, el soberbio concierto que ofreció en el Meltdown Festival: Perfect Night Live in London. Vive en Nueva York.
En su época de The Velvet Underground escribió canciones que han pasado a la historia de la música pop: Heroin, Rock and Roll y Sweet Jane.
Reed era un fan del rock and roll y el rhythm and blues que tocaba en varias bandas durante su época de estudiante y había grabado un disco sencillo de estilo doo wop como miembro de The Shades. Asistió a la Universidad de Syracuse, donde conoció al poeta Delmore Schwartz, quien le animó a convertirse en escritor. Reed también se aficionó al free jazz y a la música experimental. Más tarde afirmó que sus objetivos eran "traer la sensibilidad de la novela a la música rock" o escribir "la Gran Novela Americana" en un disco.
Se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde trabajó como escritor de canciones para Pickwick Records y cofundó The Velvet Underground como guitarrista/vocalista/letrista, junto con John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker. Aunque la banda se deshizo en 1970 y nunca tuvo éxito comercial, su reputación como uno de los grupos más influyentes en la cultura underground se ha mantenido intacta.
Después de dejar la The Velvet Underground en agosto de 1970, Reed tomó un trabajo en la empresa de contabilidad de su padre como mecanógrafo, con un sueldo de 40 libras a la semana. Sin embargo, un año después, firmó un contrato discográfico con RCA y grabó su primer álbum solista en Inglaterra, con la colaboración con músicos de Yes como el tecladista Rick Wakeman y el guitarrista Steve Howe. El álbum, simplemente titulado: Lou Reed, contenía versiones alternativas de canciones con la The Velvet Underground muchas de las cuales fueron descartadas y archivadas (las cuales se pueden encontrar en el box set Peel Slowly & See). Pese a su calidad musical este primer trabajo solista pasó desapercibido por los críticos y tuvo muy pocas ventas.
Luego del fracaso con su primer álbum, a finales de 1972, Lou Reed trató de re-orientar su carrera musical lanzando Transformer, un álbum de glam rock producido por David Bowie. A continuación publicó Berlin, que cuenta una trágica historia de amor entre dos drogadictos en Berlín. Este disco incluye Caroline Says (violencia), The Kids (prostitución y adicción a las drogas), The Bed (suicidio) y Sad song ("Canción triste").
Reed se adelantó a su tiempo en la elección de estos temas. La música popular no se pondría a su altura hasta la aparición de los punks, entre mediados y finales de los años 70 del siglo XX; pero incluso entonces sus canciones eran únicas: ya fuese entre guitarras distorsionadas o suavemente melódicas, Reed cantaba sobre las cosas desasosegantes, o incluso sórdidas, que otros letristas no trataban. "Walk on the Wild Side" es un saludo irónico y gráfico a los inadaptados, chaperos y travestis en la Factoría de Andy Warhol. "Perfect Day" es una elegía a la adicción de Reed a la heroína, más tarde incluida en la banda sonora de la película Trainspotting. En el material que escogía, Reed seguía, y actualizaba, a autores tales como Allen Ginsberg y Jean Genet. La personalidad de Reed fue también avanzada, prefiriendo el cuero negro y la imaginería sadomasoquista incluso en la época hippie.
En 1975, produjo el doble álbum de estudio Metal Machine Music, lleno de pura distorsión y sonidos de sintetizadores electrónicos. Su discográfica lo estaba presionando para que grabara otro álbum comercial al estilo de Transformer, y Lou decidió cortar con ellos grabando intencionadamente uno de los discos más insoportables de la historia. El periodista de rock Lester Bangs lo declaró genial. Aunque admitiendo que las notas internas de los instrumentos usados es ficticia y paródica, Reed mantiene que MMM era y es un álbum serio. Sus discos de finales de los 70 son frecuentemente recordados con reservas por los críticos de rock, debido al menos en parte a las adicciones de Reed en aquellos años.
Al principio de los años 80, Reed dejó las drogas y comenzó, tanto en su trabajo como en su vida privada, a intentar asuntos más serios, notablemente en su aclamado disco de regreso The Blue Mask. Se casó con Sylvia Morales (más tarde, se divorciaron). En su exitoso álbum New York lanzó una enfadada salva contra los problemas políticos de su ciudad, denunciando el crimen, los caros alquileres, a Jesse Jackson e incluso al Papa Juan Pablo II y Kurt Waldheim. Cuando Andy Warhol, que fue anfitrión y productor de The Velvet Underground, murió tras una operación rutinaria, Reed cerró una brecha de 25 años para colaborar con su compañero de la Velvet John Cale en Songs for Drella, una biografía de Warhol en música pop minimalista. Emocionante y dolorosamente confesional, a menudo ingeniosa, la voz de Reed produce ampollas cuando canta sobre presuntos errores médicos y sobre el intento de asesinato de Warhol llevado a cabo por Valerie Solanas en 1968.
Reed continuó en esos tonos oscuros con Magic and Loss, un disco sobre la mortalidad. En 1997 más de 30 artistas hicieron una versión de "Perfect Day" para un especial de la BBC en favor de los niños. En 2001 fue víctima de un bulo que afirmaba que había muerto de sobredosis de heroína. En 2003, publicó un doble álbum, The Raven, basado en la obra de Edgar Allan Poe. En 2004, se publicó una remezcla de su canción "Satellite of Love" que alcanzó el número 10 en las listas inglesas.

Francis Paul Kossoff (14 de septiembre de 1950 en Hampstead, el noroeste de Londres, Inglaterra-19 de marzo de 1976) fue un guitarrista de rock mejor conocido como un miembro de la banda libre.
Kossoff-hijo del actor británico señaló David Kossoff-comenzó a tocar a mediados del decenio de 1960 y su primera actuación profesional fue con Gato Negro Huesos junto al baterista Simon Kirke. La banda hizo muchos espectáculos para apoyar a Fleetwood Mac y tanto Peter Green (Fleetwood Mac's guitarrista) y Kossoff mermelada y se pasan horas discutiendo blues de juego y los jugadores. Gato Negro Huesos también juega con las giras de blues piano Champion Jack Dupree. Ambos Kossoff y Kirke iría a desempeñar en el álbum Dupree cuando se sienta la sensación ....
En abril de 1968 la pareja trabajó en equipo con Paul Rodgers (cantante) y Andy Fraser (bajo) para formar Libre. Ellos hicieron el "tránsito" del circuito durante dos años y grabó dos álbumes: toneladas de Sobs (1968) y Libre (1969). Ambos álbumes lució la banda de blues y soul influido en el sonido, un estilo que estaba en contraste con algunos de sus progresiva de peso y sus homólogos en el momento.
El éxito llegó en 1970 cuando su tercer álbum, Fuego y Agua (1970), dio lugar a la enorme éxito "Todos los Derechos ahora". La banda tocó la isla de Wight Festival de audiencia a las dos y aclamación de los críticos. Sellout viajes en el Reino Unido, Europa, Japón y seguido, pero después de la liberación del próximo álbum, Highway (1970), banda presiones han provocado una escisión. El álbum en directo "Free Live, grabado en 1970, fue lanzado en 1971 como un registro de despedida. Si bien Fraser Rodgers y perseguido sin éxito en solitario proyectos, Kossoff Kirke y colaboró con Texas teclista John "Rabbit" Bundrick y japonés bajista Tetsu Yamauchi para liberar el 1971 álbum Kossoff, Kirke, Tetsu y Conejo.
Libre reformado y puesto en libertad el álbum por fin libres (1972). Tras su liberación Fraser decidió que había tenido suficiente y dejar de formar los tiburones. Libre redactado Tetsu Conejo y para el 1973 Libre álbum Heartbreaker (1973) tras lo cual el grupo se disolvió.
Rodgers y Kirke pasó a formar el éxito de Bad Company, mientras Kossoff publicó un álbum en solitario, Back Street Crawler (1973). A continuación, acompañado John Martyn en 1975 una gira antes de ensamblar un grupo llamado Back Street Crawler.
Back Street Crawler publicado dos álbumes: la orquesta sigue tocando en 1975 y la Segunda Calle en 1976. Las grabaciones de uno de sus conciertos en Reino Unido en 1975 también fueron liberados bajo el título Live at Croydon Fairfield Halls 15/6/75. Cuando Libre apoya la fe ciega en los Estados Unidos (1969), Eric Clapton ha impresionado lo suficiente como para pedir Kossoff para demostrar su vibrato técnica a él.
Kossoff la guitarra era también mucho de la demanda de período de sesiones de trabajo y contribuyó solos en varios discos entre ellos: Jim Capaldi's Oh Cómo Danced (1972), Martha's Veléz amigos y Ángeles (1969); Blondel's Mulgrave Street (1974); Tío Dog's Old Hat (1972), Michael Gately's Gately's Cafe (1971) y Mike Vernon 1971 del álbum llevarlo de vuelta a casa.
Él también desempeñó en cuatro demostraciones de Ken Hensley (puestos en libertad en 1994 el álbum titulado De vez en cuando) y tres pistas que aparecen en el CD-sólo cuestión de John Martyn's Live at Leeds álbum de 1975.
Un solo de guitarra inéditas también surgió en 2006 el título en el buen camino para el álbum Una Todos por David Elliot que grabó con Paul Kossoff en los años 70.
Jim Capaldi en 1975 del álbum en solitario a corto Cut Draw Blood, dos canciones fueron escritas acerca de fama Kossoff; Gaviota Boy y con un problema. Kossoff desempeñado llevar la guitarra en el segundo.
Kossoff del descontento con el final de su libre de drogas y adicciones contribuido a una drástica disminución en el guitarrista de la salud. En un vuelo procedente de Los Angeles a Nueva York el 19 de marzo de 1976, Paul Kossoff murió a causa de las drogas relacionadas con problemas de corazón. Fue 25. Fue incinerado y enterrados en el Golders Green crematorio.
A 16-pista de carrera retrospectiva, Koss, se publicó en 1977.
Los fines del decenio de 1990 se produjo un renovado interés en Kossoff, y otra carrera retrospectivo fue puesto en libertad, 1997 de la pista 14-Blue Soul (en realidad una reedición de un doble vinilo en libertad a partir de mediados del decenio de 1980 del mismo nombre), así como los cinco discos Libre box set Canciones de ayer, y un Tratado de Libre biografía titulada Heavy Load: The Story of Free

Peter Dennis Blandford Townshend (nacido el 19 de mayo de 1945 en Chiswick, Londres) es un influyente guitarrista y compositor británico de rock conocido principalmente por su trabajo con The Who.
Nacido en el seno de una familia musical (su padre Cliff era saxofonista profesional y su madre Betty cantante), Townshend demostró fascinación por la música siendo bastante joven. Fue expuesto tempranamente al rock and roll estadounidense (su madre sostiene que el veía repetidamente la película de 1956 "Rock Around the Clock") y obtuvo su primera guitarra gracias a su abuela a los 12 años, la que describió como una "Cheap Spanish thing" ("baratija española").
En 1961 Townshend ingresó en el Ealing Art College y un año más tarde, junto a su amigo de la Acton County Grammar School John Entwistle, fundó su primera banda, The Confederates, un dúo de Dixieland en el que estaban Townshend en el banjo y Entwistle en el corno francés. Pronto se unieron a The Detours, una banda de skiffle liderada por Roger Daltrey (quien en ese entonces trabajaba de soldador de hojas de metal), que, bajo el liderazgo de Townshend, se convertiría en The Who. Pronto fueron contratados por un publicista de Mod (movimiento juvenil) llamado Peter Meaden, quien les convenció de cambiar su nombre a The High Numbers (nombre que se refería a términos del movimiento). Luego de lanzar un single (Zoot Suit), comenzaron a trabajar con dos nuevos managers, Chris Stamp y Kit Lambert, lo que marcó el comienzo de The Who.
Las principales influencias de Townshend fueron Link Wray, John Lee Hooker, y Hank Marvin de The Shadows.
The High Numbers se volvió a llamar The Who. Los primeros sencillos que escribió Townshend para el grupo, incluyendo a "I Can't Explain," "Substitute," y "My Generation", unieron un sentido lírico irónico y psicológicamente astuto con música cruda e intensa, combinación que definiría a la banda. Durante los primeros días de la banda, Townshend se volvió popular por su excentricidad sobre el escenario, a veces interrumpiendo conciertos con largas introducciones de las canciones, girando su brazo derecho contra las cuerdas (conformando sus famosos "remolinos"), y a veces destruyendo sus guitarras en el escenario, golpeándolas contra los amplificadores y altavoces. Aunque la primera vez que destrozó su instrumento fue considerada un accidente, la destrucción de los instrumentos se volvió parte regular de las presentaciones de The Who. Townshend iba a relacionar estas acciones con las teorías de arte autodestructiva del pintor austríaco Gustav Metzger, a las que había sido expuesto en la escuela de arte.
The Who siguió progresando a pesar de la muerte de dos de sus miembros originales. Son considerados por muchos críticos como una de las mejores bandas en directo de fines de los años 1960 y principios de los años 1970, gracias a sus acciones en el escenario, el alto volumen y la energía de sus presentaciones.
Townshend siguió siendo el principal compositor del grupo, ya que escribió más de 100 canciones que aparecieron en los 10 álbumes de estudio de la banda. Entre sus logros más importantes se encuentra la creación de Tommy, para la que se creó el término "ópera rock", ser uno de los pioneros en el uso de feedback, y la introducción del sintetizador como instrumento de rock. Townshend siguió creando álbumes con historias que los unificaban a lo largo de su carrera, por lo que es considerado el músico más frecuentemente relacionado con el concepto de ópera rock. Townshend también demostró talento con su guitarra y fue influyente con ella, aunque el mismo afirmó en entrevistas que no entiende por qué es considerado un gran guitarrista.
Townshend ha sido un seguidor del gurú religioso Meher Baba, cuyas enseñanzas fue una importante fuente de inspiración para muchas de sus obras, incluyendo a Tommy y el proyecto no completado por The Who Lifehouse. La canción "Baba O'Riley," escrita para Lifehouse que eventualmente apareció en el álbum Who's Next, fue llamada así por Meher Baba y el compositor minimaista Terry Riley. Aunque las enseñanzas de Baba requieren abstinencia del alcohol y las drogas, Townshend ha tenido diversos problemas con el abuso de esas sustancias.
Además de su trabajo con The Who, Townshend ha estado esporádicamente activo como solista. Entre 1969 y 1971 Townshend, junto a otros seguidores de Meher Baba, grabó un trío de álbumes desconocidos dedicados a las enseñanzas del yogi's - I Am, Happy Birthday, y With Love. Como respuesta a los bootlegs de los mismos, compiló sus highlights (y "Evolution", una colaboración con Ronnie Lane), y lanzó su primer trabajo solista de importancia, Who Came First, en 1972, el cual tuvo éxito moderado y contenía demos de canciones de The Who y demostraba su habilidad con la guitarra acústica. En 1977 colaboró con Ronnie Lane (bajista de The Faces que también era devoto de Meher Baba) en un álbum llamado Rough Mix. El primer álbum verdaderamente solista de Townshend fue Empty Glass, que fue lanzado en 1980 y contenía el single top 10 "Let My Love Open the Door". A este álbum le siguió, en 1982, All the Best Cowboys Have Chinese Eyes, que incluía la popular canción "Slit Skirts". Durante el resto de los años 1980 y principios de los 90 vovlió a experimentar con el concepto de ópera rock, lanzando diversos álbumes basados en cierta historia, incluyendo White City: A Novel (1985), The Iron Man: A Musical (1989), y Psychoderelict (1993).
Townshend también tuvo la oportunidad de tocar con su héroe Hank Marvin para las sesiones Rockestra de Paul McCartney, y además de otros respetados músicos de rock como David Gilmour, John Bonham y Ronnie Lane.
Townshend ha grabado varios álbumes en directo, incluyendo uno en el que aparece un supergrupo que el conformó, llamado Deep End, que sólo tocó tres conciertos y una sesión para el programa de televisión "The Tube", para recaudar dinero para una caridad que ayudaba a los drogadictos. En 1984 Townshend publicó una antología de cuentos titulada "Horse's Neck". También confirmó que está escribiendo una autobiografía. En 1993 escribió y dirigió, junto a Des MacAnuff, una adaptación para Broadway del álbum Tommy, al igual que un musical menos exitoso basado en su álbum solista The Iron Man, basado en el libreo de Ted Hughes (MacAnuff y Townshend iban a co-producir más tarde la película animada The Iron Giant, basada en la misma historia de Hughes).
Desde mediados de los años 1980 hasta la actualidad, Townshend ha participado en una serie de giras de reunión y despedida con los miembros sobrevivientes de The Who.
Townshend sufre de sordera parcial y tinnitus como resultado de su exposición extensiva a música a alto volumen a través de auriculares y en conciertos, incluyendo uno notable en la década de 1970 en el que el volumen llegó a los 120 decibelios a 40 metros del escenario. Parte de su condición es a veces atribuida a una infame presentación de The Who de 1967 en el programa Smothers Brothers Comedy Hour, en la que Keith Moon colocó una gran cantidad de explosivos dentro de su batería y los detonó cuando Townshend estaba parado frente a ella. En 1989, Townshend aportó los fondos iniciales que permitieron la creación de la organización sin fines de lucro H.E.A.R. (Hearing Education and Awareness for Rockers).
Townshend conoció a Karen Astley, hija del compositor Ted Astley, en la escuela de arte y se casó con ella en 1968. La pareja se separó en 1994 pero aún no se ha divorciado. Tienen tres hijos, Emma (nacida en 1969), quien también es cantautora, Aminta (nacida en 1971), y Joseph (nacido en 1989). Por muchos años Townshend evitó emitir comentarios sobre los rumores acerca de su supuesta bisexualidad. Finalmente, en una entrevista de 2002 [1] con la revista Rolling Stone, explicó que, aunque experimentó brevemente con relaciones homosexuales en los años 1960, es heterosexual. Townshend actualmente vive con la música Rachel Fuller, a quien conoce desde hace varios años. Actualmente vive en Richmond, Inglaterra.
En el año 2003 Townshend recibió una "police caution" (alternativa a la prosecución de la policía británica) - dándole antecedentes penales - tras realizar un pago para acceder a un sitio de pornografía infantil en 1999. En su sitio oficial afirmó que estaba realizando una investigación para "A Different Bomb", un libro que nunca se terminó basado en un ensayo que publicó en su sitio. Townshend ha dicho que su autobiografía va a incluir la historia de como el mismo fue abusado sexualmente cuando era chico, un tema que apareció en Tommy. En febrero de 2006 se anunció una gira mundial de The Who para promover el primer álbum del grupo desde 1982.
A pesar de ser más conocido por su música, Pete Townshend ha estido involucrado extensivamente en el mundo literario por más de 3 décadas, escribiendo artículos para diarios y revistas, revisiones de libros, ensayos y disertaciones, libros y guiones.
Uno de sus primeros escritos salió en agosto de 1970 con las primeras nueve ediciones de "The Pete Townshend Page", una columna mensual que escribió para el diario de música británico Melody Maker. En la columna Townshend mostraba sus puntos de vista sobre diversos asuntos, como los medios, el estado de los lugares de conciertos de Estados Unidos y sistemas de dirección pública, mientras que mostraba el estado mental de Townshend durante la evolución de su proyecto Lifehouse.
Townshend también escribió tres ensayos largos para la revista Rolling Stone: el primero apareció en noviembre de 1970 y se llamó "In Love With Meher Baba", ya que hablaba sobre sus ideas espirituales. "Meaty, Beaty, Big and Bouncy," que hablaba detalladamente del compilado de The Who del mismo nombre, salió en diciembre de 1971, y en noviembre de 1977 salió un artículo llamado "The Punk Meets the Godmother,"
También en 1977, Townshend fundó Eel Pie Publishing, que se especializaba en títulos para niños, libros de música y publicaciones relacionadas con Meher Baba. Una librería llamada Magic Bus (como la canción popular de The Who del mismo nombre) fue abierta en Londres. The Story of Tommy, un libro escrito por Townshend y su compañero de la escuela de arte Richard Barnes sobre la creación de la ópera rock de Townshend de 1969 y su película de 1975 (dirigida por Ken Russell), fue publicada por Eel Pie en ese año.
En julio de 1983, Townshend obtuvo un trabajo como editor de adquisiciones para la editorial de Londres Faber and Faber. Sus proyectos más notables incluyeron editar la autobiografía del líder de The Animals Eric Burdon, "Crosstown Traffic" de Charles Shaar Murray (que fue premiado), y More Dark Than Shark de Brian Eno y Russell Mills, y trabajar con el Príncipe Carlos en un volumen de sus collection completa de discursos. Pete comisionó Like Punk Never Happened de Dave Rimmer, y fue editor de Steven Berkoff.
Dos años después de comenzar a trabajar en Faber and Faber, Townshend decidió publicar su propio libro. Horse’s Neck, publicado en mayo de 1985, fue una colección de pequeños relatos que escribió entre 1979 y 1984, sobre temas como la niñez, el estrellato y la espiritualidad. Gracias a su trabajo, Townshend se hizo amigo del ganador del premio Nobel y autor de Lord of the Flies, Sir William Golding, y del poeta premiado Ted Hughes (su amistad con Hughes lo llevó a interpretar musicalmente su historia The Iron Man, seis años más tarde).
Townshend escribió diversos guiones a lo largo de su carrera, incluyendo varios borradores de su proyecto Lifehouse, el último de los cuales (co-escrito con el dramaturgo de radio Jeff Young), fue publicado en 1999. En 1978, Townshend escribió el guión de "Fish Shop", una obra comisionada pero no completada por London Weekend Television, y a mediados de 1984 escribió el de White City, que llevó a un film corto.
En 1989, Townshend comenzó a trabajar en una novela titulada Ray High & The Glass Household, cuyo borrador fue más tarde enviado a su editor. Mientras la novela original sigue sin ser publicada, elementos de la historia fueron usados en el álbum solista de Townshend de 1993, Psychoderelict.
En 1993, Townshend escribió otro libro, "The Who’s Tommy", una crónica del desarrollo de la galardonada versión de Broadway de su ópera rock.
La creación de su sitio oficial, www.petetownshend.com, y su sitio comercial, www.eelpie.com, ambos en 2000, le dieron otro lugar para sus obras literarias. Algunos de sus ensayos fueron publicados online, incluyendo "Meher Baba – The Silent Master: My Own Silence" en 2001, y al año siguiente, "A Different Bomb," una crítica de la industria ponográfica infantil..
Su contribución literaria más reciente es The Boy Who Heard Music, una novela semi-autobiográfica llamada "The Boy Who Heard Music" publicada en forma de serie en su blog desde septiembre de 2005. La última parte fue publicada el 25 de febrero y se anunció que sería seguida por algún tipo de continuación musical.
Townshend firmó un acuerdo con Little, Brown publishing en 1997 para escribir su autobiografía, que supuestamente se llamaría "Pete Townshend: Who He?" y aún está incompleta. Larry David Smith habló sobre sus conceptos y caprichos creativos en su libro "The Minstrel's Dilemma" (Praeger 1999).
En los primeros días de The Who, Townshend tocaba guitarras eléctricas semi-huecas de 6 y 12 cuerdas Rickenbacker semi-hollow electric guitars primarily (particularmente el modelo Rose-Morris). Sin embargo, a medida que la destrucción de instrumentos se volvía algo común en las presentaciones del grupo, comenzó a usar guitarras más resistentes y baratas, como las Fender Stratocaster, Fender Telecaster, y varios modelos Danelectro. A fines de los años 1960 comenzó a usar los modelos "Special" de Gibson SG, como en los festivales de Woodstock y la Isla de Wight. La compañía cambió el diseño de ese modelo en 1972, por lo que Townshend comenzó a utilizar Gibson Les Paul Deluxes, a pesar de que por un tiempo fue buscando SGs antiguas por diferentes tiendas.
Durante los años 1980, Townshend usó principalmente Rickenbackers y modelos similares a los de Telecaster diseñados para el por Schecter y varios otros luthiers. Desde entonces ha usado la Fender Eric Clapton Signature Stratocaster.
Townshend también uso otras guitarras, incluyedo varios otros modelos de Gretsch, Gibson, y Fender. También usó guitarras acústicas de Guild, Takamine y Gibson J-200.
Hay varios modelos de guitarras de Pete Townshend de Gibson, como la Pete Townshend SG, Pete Townshend J-200, y tres Pete Townshend Les Paul Deluxes diferentes. La SG era claramente marcada como un modelo de edición limitada de Pete Townshend e incluía una caja especial y un certificado de autenticidad firmado por Pete. También ha habido una guitarra de Pete Townshend de edición limitada de Rickenbacker.
Desde principios de 1966 Townshend se convirtió en el portavoz de la banda, cuando fue entrevistado sin el resto de la banda para la serie de la BBC A Whole Scene Going admitiendo que la banda consumía drogas. A lo largo de esa década Townshend aparecía regularmente en las páginas de las revistas de música británicas, pero fue la larga entrevista con Rolling Stone de 1968 la que selló su reputación como uno de los intelectuales y teorizadores del rock.
Townshend dio muchas entrevistas a la prensa underground, estableciendo su reputación de comentarista honesto sobre la escena del rock. A eso se le sumaron los artículos que el mismo escribió (su columna mensual de en Melody Maker, y sus tres contribuciones a la revista Rolling Stone).
Al cumplir 30 años, Townshend contó al periodista Roy Carr que sentía que The Who estaba fallando y vertió comentarios ácidos sobre su compañero Roger Daltrey y otros importantes miembros de la escena rock británica. Tras la aparición de estos comentarios en la revista NME, Townshend tuvo problemas con sus compañeros de banda y dejó de dar entrevistas durante dos años. En 1982 Townshend usó a los medios para hablar sobre su adicción a la cocaína y la heroína. Muchos periodistas, con la revolución punk, comenzaron a rechazar a los viejos artistas de rock. Townshend atacó a dos de ellos, Julie Birchill y Tony Parsons, en la canción "Jools And Jim" de su álbum Empty Glass, después de que hicieran comentarios despectivos sobre el ya fallecido Keith Moon. Otros periodistas criticaron a Townshend por traicionar su idealismo de sus primeras entrevistas cuando The Who participó en una gira patrocinada por Miller Brewing en 1982.
En 1990 salió un libro de entrevistas por Timothy White llamado Rock Lives, en el que aparece una entrevista en que Townshend habla sobre el significado de su canción "Rough Boys", que daba la impresión de que era gay o bisexual, y los tabloides ingleses expandieron ese rumor por todo el mundo. Townshend no habló sobre esto por respeto a sus amigos gays, hasta una entrevista de 1994 con la revista Playboy.
Townshend no mostró predilección por las creencias religiosas en los primeros años de The Who y muy pocos podrían haber sospechado que el violento "machacador" de guitarras fuera un monaguillo. Sin embargo, hacia enero de 1968 Townshend empezó a explorar ideas espirituales. En enero de 1968, The Who grabaron su canción "Faith in Something Bigger" (Odds and Sods LP) (la traducción del título al castellano sería "Fe en algo mayor"). Más tarde durante el mismo mes durante un tour en Australia y Nueva Zelanda, Ronnie Lane, miembro de The Small Faces, le presentó a Townshend los escritos del Indio "perfecto maestro" Meher Baba.
Townshend había leido todos los escritos que pudo encontrar de Meher Baba, y para Abril de 1968, se anunció como seguidor de la disciplina de Baba. Fue en ese entonces que Townshend, quien estaba buscando por años una base para una opera de rock, creó una historia inspirada por las enseñanzas de Baba y otros espiritualiztas indios que al final se convertiría en Tommy.

John McLaughlin (nacido el 4 de enero de 1942), también Mahavishnu John McLaughlin, es un guitarrista de jazz extremadamente habilidoso nacido en Yorkshire, Inglaterra. Ganó fama con el grupo de Miles Davis a finales de la década de 1960, junto a otros interpretes como Chick Corea y Tony Williams, y posteriormente con Mahavishnu Orchestra.
Se trasladó a los Estados Unidos en 1969 para unirse al grupo de Tony Williams, Lifetime. Posteriormente tocó con Miles Davis en sus discos In A Silent Way, Bitches Brew, y A Tribute to Jack Johnson.
A principios de los 80 se unió al guitarrista flamenco Paco de Lucía y Al Di Meola formando el Guitar Trio. El Trio se reunió nuevamente en 1996 para una segunda sesión de grabación y una gira mundial.

Anthony Joseph Perry (Joe Perry), es un guitarrista de Hard Rock, popular por pertenecer a la banda Aerosmith.
Perry nació el 10 de septiembre de 1950 en Lawrence, Massachusetts. Es hijo de padres inmigrantes italoportugueses. Al llegar a Estados Unidos de América su abuelo cambió el apellido de Pereira a Perry. Perry y su hermana menor Ann-Marie crecieron en el pequeño pueblo de Hopedale en Massachusetts, donde su padre era contador y su madre era maestra de gimnasia en un colegio. Después, ella se retiró a Arizona cuando su esposo murió en 1975.
Comenzó tocando en bares junto a Tom Hamilton. Para pagar los gastos trabajaba en una heladería, llamada The Anchorage, donde conoció a Steven Tyler unos años después.
Al ingresar en Aerosmith, se hizo adicto a las drogas junto con Steven Tyler. Los demás compartían la adicción pero en menor medida. Más tarde y tras un proceso de desintoxicación pudo dejarlas.
Siendo el guitarrista principal de Aerosmith se separó del grupo por problemas con las drogas, a lo que se unió una pelea entre su esposa y la esposa del bajista de la banda, Tom Hamilton. Desde el año 1979 hasta el año 1984, y junto a su compañero Brad Whitford, formó un grupo bajo el nombre de "The Joe Perry Proyect" que tuvo escasa popularidad y éxito. A mitad de los ochenta se reencontró con sus ex compañeros de Aerosmith.
Entre sus últimos trabajos en solitario Joe publicó un álbum titulado "Joe Perry". Gracias a este trabajo fue nominado a un Grammy.
Es considerado por buena parte de la crítica como uno de los mejores guitarristas de Heavy Metal del mundo. Ha tocado con celebridades como Guns N' Roses, Poison, AC/DC,Kiss, Bob Marley, Ringo Starr, Mick Jagger, Run DMC, entre otros.

T-Bone Walker nació en Linden, Texas y es descendiente Cherokee. De joven su familia se mudó a una región del sur de Dallas conocida como Oak Cliff y conoció a Blind Lemon Jefferson del quien fue lazarillo y aprendió técnicas para tocar la guitarra.
Su debut discográfico fue con el sencillo Wichita Falls Blues/Trinity River Blues para el sello Columbia en el año 1929, bajo el nombre de Oak Cliff T-Bone.
Aún no tenía su sonido tan particular hasta 1942, cuando Walker grabó Mean Old World para el sello Capitol. Sus solos de guitarra en estas grabaciones fueron el primer esbozo de lo que posteriormente, sentarán el sonido de la guitarra eléctrica en el blues.
Mucho material de Walker, grabado entre 1946 y 1948 para el sello Black & White, incluían el hoy clásico Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just As Bad) y T-Bone Shuffle. Esos temas se convertirían en clásicos y fueron interpretados por músicos de todos los géneros; artistas de blues como B.B. King y Albert Collins o rockeros como Gary Moore.
En esta etapa grabó con sesionistas de primera clase, como Teddy Buckner (trompeta), Lloyd Glenn (piano), Billy Hadnott (bajo), and Jack McVea (saxo tenor).
Después de su trabajo para Black & White, grabó entre el año 1950 y 1954 para el sello Imperial. En los próximos cinco años, Walker únicamente grabó el disco T-Bone Blues, grabado en tres sesiones en los años 1955, 1956, y 1959, y finalmente lanzado por el sello Atlantic en el año 1960.

Les Paul (nacido Lester William Polsfuss el 9 de junio, 1915) es un guitarrista de jazz americano e inventor. Él es un pionero en el desarrollo del cuerpo sólido de guitarra eléctrica que "hizo el sonido del rock and roll posible." Sus numerosas innovaciones incluyen la grabación overdubbing, retraso efectos tales como "sonido en sonido" y cinta retraso, eliminación efectos y grabación multipista. En 2003, fue nombrado la 46 ª mejor guitarrista de todos los tiempos de Rolling Stone.
Él nació en Waukesha, Wisconsin a George y Evelyn Polfuss. Su nombre de nacimiento fue simplificado por su madre a Polfuss antes de que él tomó su nombre artístico de Les Paul. También utiliza el apodo de Red Hot Red.
Paul primero se interesó en la música a la edad de ocho años, cuando él comenzó a tocar la armónica. Después de un intento de aprender a tocar el banjo, comenzó a tocar la guitarra. Pero antes de que él tocaba la guitarra tocaba el piano. De 13, Pablo estaba realizando semi-profesional como un país de música guitarrista. A la edad de 17, Pablo juega con la RUBE Tronson Cowboys. Poco después, abandonan la escuela secundaria a unirse a Wolverton's Band Radio en St Louis, Missouri en KMOX. Pero su fama casi llegó a su fin cuando fue herido en un casi fatal accidente automovilístico. Tras el accidente, los médicos le dijo a Pablo que tendrían que fijar el brazo de tal manera que él no sería capaz de doblar de nuevo. Él les había puesto su brazo en un ángulo de noventa grados por lo que aún podría tocar la guitarra.
En la década de 1930, Paul trabajó en Chicago en la radio, donde se realizó la música de jazz. Paul's dos primeros registros fueron puestos en libertad en 1936. Uno de ellos fue acreditado a Ruibarbo Roja, Paul's hillbilly alter ego, y el otro era como un acompañante de artista de blues Georgia White.
Pablo estaba satisfecho con la guitarra eléctrica que se vendieron a mediados de los años 1930 y empezaron a experimentar con unos diseños de su propia cuenta. Famoso, creó "El diario", que no es más que una longitud de 4 común "por 4" valla posterior con puente, la guitarra el cuello, y la recolección adjuntan al presente informe. En aras de la apariencia, que concede el cuerpo de un hueco EPIPHONE cuerpo de guitarra, aserrar longitudinalmente con el registro en el centro. Este resolver sus dos problemas principales: información, como la acústica organismo ya no resonó con la amplificación de sonido, y sostener, como la energía de las cuerdas no se disipa en la generación de sonido a través de la guitarra cuerpo.
En 1938, Paul se mudó a Nueva York y aterrizó un destacado lugar con Fred Waring's residentes de Pennsylvania de radio. Paul se mudó a Hollywood en 1943, donde se formó un nuevo trío. Como última hora para sustituir a Oscar Moore, Paul jugado con Nat King Cole y otros artistas en la inauguración de Jazz en la Filarmónica de concierto en Los Angeles el 2 de julio de 1944. También ese año, Paul's trío apareció en Bing Crosby's radio show. Crosby llegó a patrocinar Paul's experimentos de grabación. Los dos juntos también registraron varias veces, incluyendo un número de 1945 un hit, "Ha sido un largo, largo tiempo." Además de respaldo Crosby y artistas como The Andrews Sisters, Paul's trío también registró algunos de sus álbumes propios en la etiqueta de Decca a fines del 1940.
En 1941, Paul diseñado y construido uno de los primeros sólido cuerpo guitarras eléctricas (aunque Leo Fender también creado de manera independiente su propio cuerpo sólido-guitarra eléctrica en la misma época, y Adolph Rickenbacher había comercializado un sólido cuerpo de guitarra en los años 30). Este prototipo de guitarra que se conoce como "el registro" porque el núcleo sólido de pino es un bloque cuya anchura y profundidad son un poco más que el ancho de la Fretboard. [3] Gibson Guitar Corporation diseñó una guitarra Paul incorporar las sugerencias en los primeros años cincuenta, y lo presentó a él para probarlo. Él estaba impresionado lo suficiente como para firmar un contrato para lo que se convirtió en la "Les Paul" modelo (inicialmente sólo en un "top oro" versión), y de acuerdo nunca para ser visto jugar en público, o ser fotografiados con, cualquier cosa que no sea una guitarra Gibson . Que persistió hasta 1961, cuando Gibson cambiado el diseño de Paul, sin el conocimiento. Dijo que primero vio la "nueva" Gibson Les Paul en una tienda de música en la ventana, y le disgustaba. Aunque su contrato le exige a plantear con la guitarra, dijo que no era "su" instrumento, y pidió a Gibson a eliminar su nombre de la cabezal. Gibson cambió su nombre por el de la guitarra "SG", y también se convirtió en uno de la compañía éxitos de ventas. Se ha dicho que Les había terminado su contrato con el respaldo Gibson porque estaba pasando por un divorcio, y no quería a su esposa para obtener todas las de su aprobación dinero. Más tarde, Paul reanudó su relación con Gibson, y hace suyo el instrumento aún hoy (aunque su personal Gibson Les Pauls son mucho modificados por él mismo - Pablo siempre usa su propia herida en sus pickups guitarras). Hasta el día de hoy, la Gibson Les Paul guitarra se utiliza en todo el mundo, tanto por novatos y profesionales por guitarristas. También fue diseñado el EPIPHONE Les Paul, con el mismo aspecto exterior, y mucho más barato.
En 1947, Capitol Records dio a conocer una grabación que había comenzado como un experimento en el garaje de Pablo, titulado "Lover (cuando hayamos Cerca de mí)", que presentó Paul jugar ocho diferentes partes en guitarra eléctrica, algunos de ellos registrado a media velocidad , Por lo tanto, "doble de rápido" cuando se reproduce a velocidad normal para el maestro. ( "Brasil", de manera similar registrada, fue el B-side). Esta fue la primera vez que el rastreo multi-ha sido utilizado en una grabación. Estas grabaciones fueron hechas no con cinta magnética, pero con los discos de cera. Paul podría grabar una pista en un disco, entonces sí mismo registro jugando otra parte con la primera. Él construyó el multi-pista de grabación superpuestos con pistas, en lugar de paralelo queridos como lo hizo más tarde. No hay ningún registro de cómo unos "toma" se necesitan antes de que él estaba satisfecho con una capa y se trasladó al siguiente.
Paul incluso construyó su propia cera-cortador de montaje, basado en piezas de automóviles. Estaba a favor de la volante de un Cadillac para su peso y planitud. Incluso en estos primeros días, él utilizó la cera de configuración de disco para grabar partes a diferentes velocidades y con retraso, por lo que su sonido con la firma y se hace eco de birdsong-como riffs de guitarra. Cuando más tarde comenzó a utilizar la cinta magnética, el cambio más importante era que él podría tener su equipo de grabación de gira con él, incluso haciendo episodios de sus 15 minutos de radio en su habitación de hotel.
En enero de 1948, Pablo fue herido en un casi fatal accidente automovilístico en Oklahoma, que destrozado su brazo derecho y el codo. Los médicos le dijo a Pablo que no había manera de reconstruir su codo de manera que le permitió recuperar el movimiento, y que su brazo se mantendría en cualquiera que sea la posición que le colocaron en forma permanente. Paul entonces instrucciones a los cirujanos para establecer su brazo en un ángulo que le permitiría recoger la cuna y la guitarra. Le tomó un año y medio para recuperarse.
A principios del decenio de 1950, Paul hizo una serie de revolucionarios grabaciones con su esposa, Mary Ford, que cantaba. Estos registros fueron para su único uso intensivo de overdubbing, lo que hizo por la grabación en disco y rebote de un disco al otro. La pareja de hits incluyen "¿A qué altura la Luna", "Bye Bye Blues", "El Mundo está a la espera de la Salida del sol" y "Vaya con Dios". Estas canciones que figuran María armonizar con ella misma, dando la voz de una muy buena novela.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Jack Mullin interpuso el alemán Magnetophon (grabadora) de nuevo a los EE.UU. en piezas, montarlo y presentado por primera vez a Bing Crosby, que lo utilizó para su programa de radio a finales de 1940. La empresa Ampex, con el respaldo Crosby, se creó el Ampex Modelo 200, la primera producida comercialmente-reel-to-reel grabadora de audio. Bing Crosby dio Les Paul lo es sólo el segundo modelo 200 que se vayan a producir de inmediato y Les vio su potencial, tanto para efectos especiales, como eco y flanger, así como su idoneidad para grabación multipista, para lo cual se considera el padre. El uso de esta máquina, Paul desarrolló su cinta multipista sistema mediante la adición de un nuevo jefe de grabación y circuitos extra, lo que permite múltiples pistas que se registren por separado y asincrónicamente en la misma cinta. Paul's invención fue rápidamente desarrollada por Ampex en producidos comercialmente en dos niveles y tres grabadoras de pista, y estas máquinas eran la columna vertebral del estudio de grabación profesional, la radio y la televisión la industria en la década de 1950 y comienzos de 1960.
En 1954, Paul continuado desarrollando esta tecnología por encargo Ampex a construir los primeros ocho pista grabadora, a su costa. La máquina tardó tres años para obtener funciona correctamente, y Pablo dice que por el momento en que fue funcional su música estaba fuera de favor y por lo que nunca tuvo un éxito récord de usarlo. Su diseño, más tarde conocido como "Sel-Sync," (Sincronización selectiva) en el que un especialmente modificados cabeza de grabación podría registrar una nueva pista o reproducir una previamente registrada, fue el núcleo de la tecnología multi-pista para la grabación próximos treinta años.
Al igual que Crosby, Paul Ford y también se utiliza el ahora omnipresente técnica de grabación conocida como miking estrecha, donde el micrófono es de menos de seis pulgadas desde la boca del cantante. Se obtiene así una más íntima, menos reverberante sonido que se escucha cuando un cantante es un pie o más desde el micrófono. Se hace hincapié en baja frecuencia suena en la voz debido a que el micrófono del efecto de proximidad y pueden dar un más relajado se siente, porque el artista no está trabajando tan duro. El resultado es un estilo de canto que diferían considerablemente de un teatro-amplificado al estilo de cante, como podría ser escuchado en comedias musicales de los años 1930 y'40.
Paul ha acogido a 15 minutos programa de radio, La Les Paul Show, en NBC en 1950, con su trío (a sí mismo, Ford, y el ritmo jugador Eddie Stapleton) y su electrónica, registrada desde su casa y con suave humor entre Ford y Paul puente selecciones musicales, algunos de los cuales ya habían sido un éxito en los registros, algunos de los cuales prevé la pareja grabaciones, y muchos de los cuales presentó deslumbrante volver a la interpretación de este tipo de jazz y pop selecciones como "En el estado de ánimo", "Little Rock Getaway", "Brasil" y "Tiger Rag". Varias de estas grabaciones muestra sobrevivir entre los antiguos en tiempo de radio coleccionistas hoy en día.
Durante su radio, Pablo presenta el legendario "Les Paulverizer" dispositivo, lo que multiplica nada alimentado en ello, como un sonido de guitarra o una voz. Esto incluso se convirtió en el tema de la comedia, con Ford multiplicando ella y su aspiradora con ella para poder terminar las tareas domésticas con mayor rapidez. Más tarde, Paul hizo el mito real para su montaje, utilizando los equipos que oculta lo largo de los años se ha vuelto más pequeño y más visible. Actualmente se utiliza una pequeña caja junto con su guitarra; no se sabe cuánto del producto se mantiene fuera de fase. Él normalmente establece una pista tras otra en el escenario, en la sincronización y, a continuación, juega más la repetición de las formas que ha registrado. Con el sonido digital más nueva tecnología, ese efecto está disponible comercialmente. Hasta el día de hoy, nadie sabe exactamente cómo las obras Les Paulverizer.
A finales del decenio de 1960, Pablo fue en semifinales de la jubilación, aunque lo hizo volver al estudio de vez en cuando. Él y Mary Ford (nacido Iris Colleen Summers) había divorciado en diciembre de 1964, cuando ella ya no podía tolerar el estilo de vida itinerante de su actuar requiere de ellos. Paul's más reconocible grabaciones a partir de entonces a través de mediados del decenio de 1970 fueron un álbum de Londres Records, Les Paul Ahora (1967), en el que actualiza algunas de sus anteriores éxitos, y, con el respaldo de algunos de Nashville's celebra músicos de estudio, una combinación de jazz país y la improvisación con la guitarra virtuosa compañeros de Chet Atkins, Chester y Lester (1977), para el sello RCA Victor.
En 1978, Les Paul y Mary Ford fueron encauzados hacia el Grammy Hall of Fame. Recibió un Premio Grammy Síndicos de los logros de su vida en 1983. En 1988, Paul fue inducida en el Salón de la Fama del Rock de Jeff Beck, que dice, "He copiado más lame de Les Paul que me gustaría admitir." Les Paul fue inducida en el Salón Nacional de Inventores de la Fama en mayo de 2005 para su desarrollo del cuerpo sólido-guitarra eléctrica. En 2006, Paul fue inducida en los Organismos Nacionales de Radiodifusión Salón de la Fama. Fue nombrado miembro honorario de la Audio Engineering Society.
A fines del decenio de 1980, Paul ha devuelto a activo semanal en vivo en la ciudad de Nueva York. En 2006, a la edad de 90, Les Paul ganado dos Grammy en la 48 ª Anual de Premios Grammy por su álbum Les Paul & Friends: American Made Jugado Mundo. Asimismo, realiza todos los lunes por la noche, acompañado al piano por John Colianni, en el Iridium Jazz Club, en Broadway en la ciudad de Nueva York, a pesar de la artritis que ha stilled todos menos dos de los dedos en su mano izquierda .
A biográficos, largometraje documental, titulado Chasing Sonido: Les Paul a 90, hizo su estreno mundial el 9 de mayo de 2007 en el Teatro Downer en Milwaukee, Wisconsin. Paul apareció en el evento y se refirió brevemente a la entusiasta multitud. La película está siendo distribuida por Koch Entertainment y fue transmitido por PBS el 11 de julio de 2007, como parte de su serie American Masters.
En junio de 2008, una exposición que muestra su legado y con los temas de su colección personal en abierto Discovery Mundo en Milwaukee. Paul desempeñado un concierto en Milwaukee para que coincidiera con la inauguración de la exposición.

Frank Vincent Zappa, conocido como Frank Zappa (Baltimore, 21 de diciembre de 1940 -Los Ángeles, 4 de diciembre de 1993) fue un compositor de música sinfónica y de cámara, músico de rock, cantante, guitarrista, y artista satírico estadounidense.
De ascendencia greco-árabe y francesa, fue el mayor de cuatro hijos. A causa del asma que Frank sufría, su familia se mudó en enero de 1951 a Monterey, California, unos 150 kilómetros al sur de San Francisco. Antes de volver a California (San Diego) a principios de los años 50, vivieron un tiempo en Pomona y en El Cajón. En 1955 la familia se reestableció en Lancaster, pequeña ciudad en el valle Antelope, en el desierto Mojave, unos kilómetros al norte de Los Ángeles. A los 15 años, Frank había pasado por seis escuelas diferentes, lo que quizá contribuyó al sentido de alienación que lo embargaría en su edad adulta.
Su padre, que había nacido en Sicilia, era químico y trabajaba cerca de la base Edwards de la Fuerza Aérea estadounidense, lugar dedicado en aquella época a la investigación en el campo de las armas químicas. Dada esa proximidad, tenía en su casa máscaras de gas, en caso de que hubiera algún accidente y es seguro que esto afectó enormemente al joven Frank: en su obra se encuentran varias referencias a gérmenes, guerra bacteriológica y otros aspectos de la industria militar secreta.
La situación de Lancaster permitió a Frank acceder a la estimulante influencia de los sonidos (musicales y publicitarios) de las radios de Los Ángeles y zonas aledañas, y sus padres le compraron un tocadiscos, discos, un televisor e instrumentos musicales. La televisión fue asimismo otra gran influencia: en casi todas sus obras hay referencias a ella, a sus programas, sus anuncios publicitarios y sus jingles.
Su obra cubrió una larga variedad de estilos musicales (principalmente, avant-garde, rock psicodélico, jazz fusión, y clásico contemporáneo) y se destacó en su mezcla de academia, ópera rock, absurdo, humor escatológico y satírico.
Creó y lideró una gran banda musical The Mothers Of Invention, posteriormente llamados sólo "Mothers", por la que pasaron los mejores exponentes del rock y el jazz de su generación, un exquisito grupo de músicos entre los que destacan Jean Luc Ponty, George Duke, Warren Cuccurullo y otros.
Frank Zappa murió el 4 de diciembre de 1993, a la edad de 52 años, de cáncer de próstata. Fue inhumado en una tumba sin identificación en el Westwood Village Memorial Park Cemetery, en Westwood, California.
Frank Zappa , con el ensemble modernPese a que su obra sinfónica fue alabada por la crítica, nunca obtuvo un reconocimiento de crítica masivo. En cambio su música Pop, a pesar de no ser masiva, le permitió llegar a ser un millonario, por su lucha por controlar las ediciones de sus obras, convirtiéndose en empresa de publicación. No buscó ser admitido por el mundo del rock, ni del jazz, a lo largo de su carrera (lo cual puede comprobarse en sus declaraciones acerca del Mainstream, la corriente principal de la industria musical).
En 1983 anticipaba la descarga de música mediante medios electrónicos, proponiendo un hipotético sistema para reemplazar los discos, "A proposal for a system to replace ordinary record merchandising".
Desde el comienzo su obra fue siempre vista desde la composición clásica, teniendo como referente a Igor Stravinsky y al músico que consideraba su maestro Edgar Varese.
De este modo, paralelamente a su actividad Pop, continuaba componiendo obras para percusión, orquesta y cámara, a las que usualmente hacía interpretar a sus bandas de rock o jazz, dentro del repertorio en vivo.
Por medio de orquestas contratadas (LSO) estrenó piezas para gran orquesta, y el Ensemble Interconterporain interpretó una obra suya, dirigida por Pierre Boulez en 1984.
Antes de morir, pudo asistir al estreno mundial de varias obras para conjunto de cámara y ensemble en 1992, por medio de la interpretación del Ensemble Modern.

Winfield Scott "Scotty" Moore III (nacido el 27 de diciembre de 1931 cerca de Gadsden, Tennessee) es un legendario guitarrista de América y miembro del Rock and Roll Hall of Fame. Él es mejor conocido por su respaldo de Elvis Presley en la primera parte de su carrera, entre 1954 y el comienzo de Elvis' Hollywood años.
Scotty Moore aprendido a tocar la guitarra de su familia y amigos a ocho años de edad. Aunque menores, cuando se alistó, Moore sirvió en la Marina de los Estados Unidos entre 1948 y 1952.
Moore's principios de fondo fue en el jazz y la música country. Un ventilador de guitarrista Chet Atkins, Moore dirigió un grupo llamado los "StarLite Wranglers" antes de Sam Phillips en Sun Records lo puso junto con el entonces adolescente Elvis Presley. Phillips cree que Moore a la cabeza la guitarra y el bajista Bill doble Negro era todo lo que se necesita para aumentar Presley la guitarra rítmica y voz de plomo en sus grabaciones. En 1954 Moore y Negro acompañado de Elvis en lo que iba a ser el primer Presley legendario éxito, el Sun Studios período de sesiones de la corte "eso es todo derecho (Mama)", una grabación considerada como un acontecimiento seminal en el rock and roll historia. Elvis, Negro y Scotty Moore formó entonces el "Blue Moon Boys". Se les unió posteriormente el baterista D.J. Fontana. A partir de julio de 1954, el "Blue Moon Boys" y se registrará una gira por toda la América del Sur y Presley como la popularidad de rosa, que recorrió los Estados Unidos e hizo varias apariciones en televisión Presley y muestra las imágenes en movimiento.
Moore desempeñado en muchos de Presley más famosas grabaciones incluyendo "Good Rockin 'Tonight", "Baby Let's Play House", "Heartbreak Hotel", "Mystery Train", "Hound Dog", "Too Much" y "Jailhouse Rock", con el respaldo del grupo Los Jordanaires.
Scotty Moore se le acredita como el pionero del rock 'n' roll conducir guitarrista. Los más populares guitarristas citar Moore como el artista que llevó la iniciativa guitarrista a un papel dominante en un rock 'n' roll band. A pesar de que algunos llevan guitarristas / vocalistas han ganado popularidad, tales como Chuck Berry y la leyenda del blues BB King, Presley rara vez se jugó su propio plomo en el desempeño, por lo general proporciona ritmo y dejando la iniciativa a los derechos Moore. Moore fue una notable presencia en las actuaciones Presley, en sentido estricto como guitarrista. Como resultado, se convirtió en una inspiración para muchos guitarristas populares posteriores, uno de los más vocales de estos objetivos es Keith Richards de los Rolling Stones. Moore, al ser bastante introvertido en el escenario, realizada esta casi exclusivamente a través de su interpretación o ejecución y la interpretación de la música.
En el decenio de 1960, Moore publicó un álbum en solitario llamado La guitarra que cambió el Mundo. Actuó en el especial de televisión NBC conocida como la del 68 le llegará Especial.
Si bien con Presley, Moore inicialmente desempeñado un Gibson ES-295 , antes de cambiar a una Gibson L5 y, posteriormente, una Gibson Super 400.
Por su contribución pionera, Moore ha sido reconocido por el Rockabilly Hall of Fame. En 2000, fue también inducida en el Salón de la Fama del Rock.

Earl Edward "Eddie" Hazel (10 de abril, 1950 - 23 de diciembre de 1992) fue un pionero e influyente guitarrista a principios de la música funk en los Estados Unidos, más famoso por llevar su guitarra trabajar con George Clinton y Funkadelic.
Nacido en Brooklyn, Nueva York, en 1950, Hazel creció en Plainfield, Nueva Jersey, porque su madre, Grace Cook, quería a su hijo a crecer en un entorno sin las presiones de las drogas y la delincuencia que se sentía invadido la ciudad de Nueva York. Hazel ocupados a sí mismo desde una temprana edad jugando una guitarra, que le dio como regalo de Navidad de su hermano mayor. Hazel también cantó en la iglesia. A los 12 años, Hazel se reunió Billy "Bass" Nelson, y la pareja se convirtió rápidamente en amigos cercanos, cantando y tocando la guitarra, antes de añadir Harvey McGee, un baterista, a la mezcla.
En 1967, a los Parlamentos, un Plainfield basado en doo wop banda encabezada por George Clinton, tuvo un éxito disco con "I Want a declarar". Clinton contrató a un banda de respaldo para una gira, la contratación Billy "Bass" Nelson. Hazel fue en Newark, Nueva Jersey que trabajan con George Blackwell y no se pudo llegar. Nelson Después de regresar de la gira, trató de reclutar Hazel. Su madre en primera vetó la idea desde Hazel fue sólo diecisiete, pero Clinton y Nelson trabajado juntos para cambiar su mente.
A finales de 1967, a los Parlamentos fue de gira con Nelson y Hazel. En Filadelfia, Pennsylvania, Hazel se reunió y entabló amistad Tiki Fulwood, que rápidamente sustituido Los parlamentos' baterista. Nelson, Hazel y Fulwood se convirtió en la espina dorsal de Funkadelic, que fue originalmente la copia de seguridad de banda para los parlamentos, sólo para más tarde convertirse en un grupo independiente de turismo dificultades jurídicas cuando obligó al grupo a (temporalmente) abandonar el nombre de "parlamentos"
El doo wop de los parlamentos rápidamente comenzó a desarrollar en el alma de las inflexiones de roca dura de Funkadelic, influenciado tanto por Jimi Hendrix como Frankie Lymon. El cambio a Funkadelic se completa con la adición de Tawl Ross y Bernie Worrell (guitarra rítmica y teclados, respectivamente). Funkadelic (1970), Free Your Mind ... Y Tu Culo seguirá (1970) y Maggot Brain (1971) fueron los primeros tres álbumes, dado a conocer en apenas dos años.
Maggot Brain es tal vez la definitiva declaración musical de Funkadelic, y el título de la canción, "Maggot Brain", contiene una de diez minutos solo de guitarra que se Hazel del momento y una pieza de música que él ha mantenido una leyenda - en 2008, Rolling Stone esta cita como número 60 en su lista de 100 mayores "guitarra canciones" de todos los tiempos. Quizás apocryphally, Hazel dijo Clinton durante la sesión de grabación para "jugar como su momma sólo muerto" y el resultado fue la épica sonidos Hazel de la guitarra. El término, "Maggot Brain", se refiere tanto a Hazel increíble consumo de diversas drogas, así como un modo de pensamiento que le permite a uno por encima de las "bullshit" del mundo, que está habitada de gusanos que no han alcanzado aún el estado de Maggot Brain (véase la mitología P Funk).
Hazel no es el único miembro de Funkadelic a tener problemas de la droga. Ross dejó el grupo a causa de un mal viaje de LSD o de una sobredosis de anfetaminas. Fulwood también se utiliza la droga con Hazel, líder Clinton a suspender sus sueldos para que no gastar el dinero en su totalidad las drogas. Como resultado de ello, América Come Su joven (1972) presentó sólo marginal de entrada de Hazel. En lugar de ello, Hazel comenzó a trabajar con las tentaciones, que aparecen en 1990 (1973) y A Song for You (1975).
En 1974, Hazel fue acusado de agredir a una azafata de líneas aéreas, junto con un cargo posesión de drogas. Mientras estaba en la cárcel, añadió Clinton Michael Hampton a Funkadelic. Hampton fue Hazel sustitución del plomo como guitarrista, contratados sobre el terreno después de que audiciona con una nota por nota versión de "Maggot Brain". Hampton fue diecisiete años, la misma edad Hazel había sido cuando se unió a los Parlamentos.
Hazel domina la guitarra permanente a las puertas de conseguir en (1974), que había sido registrada antes de su detención. Hazel co-escribió todos los de ese álbum las canciones, y en seis de esas canciones el cantar de crédito fue en el nombre de Grace Cook, la madre de Hazel. (Se trataba de una táctica de Hazel contractuales para evitar dificultades con los derechos de publicación. El "G. Cook" de crédito al parecer unas cuantas veces más tarde en Funkadelic álbumes.) Hazel Cuando regresó a Funkadelic, su guitarra de juego rara vez se presentó. Durante los años siguientes, Hazel con la presencia de Funkadelic se convirtió en imprevisible. Una canción que figuran a la cabeza Hazel guitarra es "COMIN 'Ronda de la Montaña" en Hardcore Jollies (1976). Fue completamente ausente de una nación bajo un Groove (1978), Funkadelic más comercialmente exitoso álbum. En la P-Funk All Stars "Live At The Beverly Theater (registrada en 1983, publicado en 1990), Hazel es upstaged durante" Maggot Brain "- su firma canción - de guitarristas Hampton y Dewayne" Blackbyrd "McKnight.
En 1977, Hazel registró un "solo" álbum, Game, Dames y Guitar Thangs, con el apoyo de otros miembros del Parlamento-Funkadelic, incluyendo voces de las novias de Funkenstein.
El 23 de diciembre de 1992, Hazel murió a causa de hemorragias internas y fallo hepático, tras una larga lucha con problemas de estómago. "Maggot Brain" se jugó en su funeral.
Tres colecciones de grabaciones inéditas han sido puestos en libertad póstumo: 1994 La canción de cuatro PE de atascos del corazón (que Rhino Records añadida posteriormente como material extra a su rerelease de juego, Dames y Guitar Thangs), 2000 Resto del P en 2006 y de Eddie Hazel A Inicio.
Otras grabaciones de Hazel han aparecido en álbumes de otros músicos. Varios álbumes producido por Bill Laswell, incluidos Axiom Funk: Funkcronomicon (1995), han destacado la guitarra de Hazel. Bootsy Collins también ha incorporado las grabaciones de Hazel a algunos de sus últimos comunicados, por ejemplo, "Good Night Eddie" en "Blasters del Universo."
Hazel ha participado en una serie de listas de los más grandes guitarristas de todos los tiempos. Él fue de 43 en la lista de la revista Rolling Stone's 100 Greatest Guitarristas de todos los tiempos y se clasificó a 88 en una lista similar de UnCut Magazine.
Eddie Hazel veces recibió el crédito por contribuciones como Grace Cook, su nombre de la madre. Ween La banda grabó un homenaje que se le llamó "una lágrima para Eddie" en su álbum de chocolate y queso, imitando su estilo único solos. Hay una imagen de Hazel en la parte posterior de Primal Scream del álbum dar Pero no se dé por vencido.