Clarence White (nacido en Clarence LeBlanc) (7 de junio de 1944 - 15 de julio de 1973) fue un guitarrista de Nashville West, The Byrds, Muleskinner, y los coroneles de Kentucky. Sus padres eran franceses-canadienses de New Brunswick, Canadá. El padre, Eric LeBlanc, Sor, desempeñó violín, guitarra, banjo y armónica, y sus hijos, Roland, Eric Jr, Joanne y Clarence asumió la música a una edad temprana.

Los coroneles de Kentucky
Clarence Joseph White nació el 7 de junio de 1944 en Lewiston, Maine [1] [2]. En 1954 la familia siguió a los familiares Burbank, California de Madawaska, Maine. Ese año, los hermanos Blanco (Roland, Clarence, y Eric Jr) formaron un grupo llamado las Tres pequeño país Boys. Pronto garantizado un lugar en un programa de radio local, y atrajo el interés de los países estrella, Joe Maphis. En 1958 la banda cortar su primer sencillo, y se ha convertido en lo suficientemente bien conocido a la tierra varias apariciones en las Andy Griffith Show. A finales de 1962, el País Boys se convirtió en el Kentucky coroneles.

A pesar de sus éxitos, los coroneles estaban teniendo dificultades para ganarse la vida tocando bluegrass. El folk boom ha sido escalonada de la invasión británica en 1964, pero el golpe de muerte, irónicamente, fue tratada a mediados-1965 con la publicación de "El señor Tambourine Man" de los Byrds y "Subterráneo su hogar Blues" de Bob Dylan. Si bien lo hicieron intento de experimentar con instrumentación eléctrica, sólo se pudo se reunió con la indiferencia de un público de rock y consternación de su país y folk fan base. En octubre del 65, los coroneles disuelto como una unidad de curso después de jugar su último espectáculo en la noche de Halloween.


El Byrds
Tras la disolución de los coroneles, White encontró empleo como una sesión guitarrista en Los Angeles, jugando en primeros discos de The Monkees, y se lleva a cabo en la noche con futuro Byrd Gene Parsons en el grupo de Nashville Oeste. Junto con la Internacional Submarine Band y los Flying Burrito Brothers, la banda fue uno de los primeros para jugar una perfecta mezcla de rock país y en la música pop moderna.

White asociación con el Byrds comenzó en serio en 1966, cuando aportó su característico juego a los antiguos miembros de Gene Clark álbum en solitario Gene Clark con la Gosdin Brothers; él y Gene Parsons se unió brevemente Clark gira la banda poco después. Lograr un conocimiento Byrds con el bajista Chris Hillman (mandolina que desempeñó en el bluegrass combo Hillmen antes de la elección de sumarse a la ola de rock) durante los períodos de sesiones Clark, White contribuyó twangy llevar la guitarra a dos de sus canciones del álbum más joven que el día de ayer: "El tiempo Entre "y" La niña sin nombre ". Tanto del país fueron las canciones con sabor un poco del estilo de salida para el grupo, que hasta ese momento había pocas veces desviado de folk o el rock psicodélico. Blanco fue invitado de nuevo a grabar un solo de guitarra de plomo para "El cambio es ahora" en la famosa Byrd Brothers. Con su utilización de eco y demora y énfasis en la textura en lugar de la melodía, la pieza ha sido favorable en comparación con el posterior trabajo de Brian Eno y Daniel Lanois.

White también contribuiría a la amada de Rodeo, del grupo Gram Parsons dirigida incursión en tradicional honky-Tonk que se ha convertido en un hito, icono de grabación. White innovadoras e inusuales cadena de flexión y el sentido de la oportunidad que desempeñan un papel clave en el álbum del notable instrumentación que suena tan fresco y excitante hoy como cuando fue grabado. White lame la guitarra en ese registro, con Lloyd's Green y Jaydee Manness del pedal de acero de juego, se han convertido en legendario, sobre todo solos en su "La Vida Cristiana", "Cien años de ahora", y "The Blue Rockies canadienses".

Tras la abrupta salida de Gram Parsons en 1968, con Hillman tras no mucho tiempo después, Blanco fue finalmente invitado a unirse al reconstituido Byrds en septiembre de 1968, que queda para el grupo finalmente se disolvió por Roger McGuinn en 1973. El blanco era de grupo (McGuinn, White, Gene Parsons y bajistas John York & Pasar Battin), mientras que nunca se celebró en la misma estima que el original banda y, a menudo, como ser despedidos poco más de McGuinn y su banda de apoyo, mantener un fiel en los primeros años 70 y grabar cinco discos a algo favorable acogida. Sin embargo, mientras que el grupo original la capacidad de jugar en vivo era a menudo en tela de juicio, este último día Byrds - impulsado por el entrelazamiento de plomo / ritmo de guitarras y McGuinn Blanca - fueron considerados como una de las potencias en vivo de la época (ver en vivo a la Fillmore - febrero de 1969). Nunca uno a abandonar sus raíces, Blanco fue bien conocido por su escenario downplaying virtuosismo, el mantenimiento de la popa "cara de póquer" compostura común entre los músicos de bluegrass.

A pesar de ser el camino para la mayor parte del año (pobres decisiones de negocios había dejado la banda wallowing en la deuda, lo que obligó McGuinn a seguir utilizando los Byrds y moniker interminables tramos de carretera de trabajo), White siguió desempeñando durante sus períodos de sesiones Byrds tenencia de la tierra, alternando con Ry Cooder como guitarrista en Randy Newman's 12 canciones y colaborando con los insurgentes cantautor Jackson Browne en sus álbumes. Periódicamente al frente del grupo, White Browne cantó la composición "Jamaica Diga que va" a Byrdmaniax y el bluegrass estándar "Más a lo largo", ofreciendo el título para el grupo final del álbum.


Post-Byrds y la muerte
En 1972, el ritmo del grupo ha disminuido considerablemente, mientras que montar dos recorridos con más percusionista Joe Lala a bordo, gran parte de la McGuinn atenciones se había desviado a una posible reunión de los originales Byrds, contingient a su disolución de la "otra "Byrds. Tras el cumplimiento de sus obligaciones final a principios de 1973, la Clarence White Byrds-era rompió.

Blanco se mantuvo ocupado todo a principios de 1973. Además de las sesiones más Browne, se unió con Peter Rowan, David Grisman, músico Richard Green y banjo jugador Bill Keith para formar el supergrupo Muleskinner bluegrass. El grupo estaba programado para realizar copias de seguridad de Bill Monroe en una emisión de televisión, pero terminó en el desempeño de su propio proyecto de ley cuando el autobús se rompió en el camino hacia el espectáculo. La banda tocó todos modos y la presentación en vivo las cintas una vez perdido el pensamiento han reaparecido y han sido liberados en los últimos años. Poco después del concierto, hicieron algunas grabaciones preliminares, todos los cuales fueron en el sentido contemporáneo de bluegrass o "newgrass".

Su última excursión por carretera fue un período de tres fecha de "país-rock" paquete turístico con los gustos de Gram Parsons, Emmylou Harris, astuto Pete Kleinow, y Chris Etheridge. A pesar de que presumiblemente había sido el conocimiento recíproco en el pasado, Parsons y Blanco elaboraría una rápida amistad después de lo que era de todas las cuentas muy agrio re-conocido.

White murió el 15 de julio de 1973 [3] después de haber sido golpeado por un conductor borracho. El accidente se produjo poco después del 2 de la mañana, mientras él y su hermano Roland se carga el equipo en su coche tras un estímulo de la reunión momento el concierto de coroneles [4]. Especialmente conmocionado por su muerte fue Gram Parsons, que llevaría un singalong de "Más a lo largo" en el funeral de servicio y concebir su última canción antes de su propia muerte, "En Mi Hora de la oscuridad", como un homenaje al parcial White.

Clarence White es sobrevivido por su hermano Roland White, una hija, Michelle White y sus cinco hijos. Sus nombres son Brad Adkins, Brandon Adkins, Haley Carver, Victoria Bledsoe, y Taurus Bledsoe.


Musical influencia
Clarence White ayudó a popularizar la guitarra acústica como instrumento principal en la música bluegrass. Con pocas excepciones, antes de que White, la guitarra es estrictamente un instrumento de ritmo. Tony Rice Blanco cita como su principal influencia musical. Rice posee y juega White altamente modificado 1935 Martin D-28. David Grier y Russ Barenberg son otros dos guitarristas acústicos que fueron fuertemente influenciadas por la guitarra de White trabajo.

En el lado eléctrico de la guitarra del espectro, Blanco fue igualmente influyente. Con compañeros de Byrd Gene Parsons, Blanco inventó el B-Bender dispositivo. Este dispositivo se plantea la b (segundo) de la cadena en su conjunto la guitarra paso a la utilización de poleas y palancas adjunta a la parte superior del mando de correa y la segunda cuerda en la guitarra. Se activa pulsando abajo en el cuello, y produce un "pedal de acero" tipo de sonido. Posteriormente, su Telecaster sonido se convirtió en su notable como bluegrass de juego. Marty Stuart, otro guitarrista influenciado por Blanca del juego, ahora es propietaria y juega regularmente White Fender Telecaster [5].

En 2003, White fue concedido # 41 en la revista Rolling Stone de la lista de "100 Greatest Guitarristas de todos los tiempos".

Sin dudas, el suyo es uno de los nombres más exitosos de la historia de la música. John Cameron Fogerty fue el lider indiscutido de Creedence Clearwater Revival. Tras su alejamiento de la banda en 1972, atravesó un infierno legal, producto de malos contratos firmados con el sello Fantasy. A través de la etiqueta editó Blue Ridge Rangers, un experimento country.

Años más tarde consiguió liberarse a medias de Fantasy y editó John Fogerty, álbum que contenía un gran clásico ("Almost Saturday Night"), pero que carecía de magia. Hoodoo, en cambio, no llegó a editarse de común acuerdo entre Fogerty y Warner, por lo que permaneció inédito. Después de eso, Fogerty se llamó a silencio por ¡diez años!

Su resurrección se produce en 1985, con el álbum Centerfield, con el que vuelve a los primeros planos. Más batallas legales enturbian el lanzamiento de Eye of the Zombie, lo que lo deja mudo otra década más.

Pero en 1993 Fogerty toma revancha con Blue Moon Swamp, un álbum que regenera el toque mágico de Creedence en un contexto contemporáneo.

Más dedicado a su vida familiar y a la creación silenciosa, Fogerty logra con Deja Vu (all over again) una buena entrada al nuevo milenio.

Peter Green (nacido como Peter Allen Greenbaum el 29 de octubre de 1946 en Bethnal Green, Londres), es un guitarrista inglés de blues rock y miembro fundador de la banda Fleetwood Mac.

B.B.King se refirió a Green como "el único hombre que me llegó a hacer sudar". Aunque el fraseo de Green no era tan rápido o repentino como el de sus colegas Bluesbrakers Eric Clapton y Mick Taylor, si estaba marcado por un distintivo vibrato y economía de estilo.


Green se inició como solista en la banda de Peter Barden Peter Barden's Looners in 1966. Tras una breve estancia de 3 meses tuvo la oportunidad de sustituir a Eric Clapton en la John Mayall & The Bluesbreakers para 3 conciertos. Tras la marcha definitiva de Clapton un poco más tarde, fue contratado a tiempo completo.

Dado que Clapton gozaba de muy buena reputación, Green tuvo una fuerte presión para llenar el vacío dejado por la marcha de Eric. Pero los escépticos fans enseguida se convencieron del exclusivo estilo melancólico de Green. En 1967 Green decidió formar su propia banda de blues, Fleetwood Mac -el nombre provenía de la sección rítmica de la banda: Mick Fleetwood y John McVie, y fue originalmente nombrada como Peter Green's Fleetwood Mac-.

En los finales de los 70's la reconocida banda coparía las listas con álbumes principalmente pop/rock pero inicialmente fue una banda ligada al blues/rock tocando clásicos del blues y nuevo material -junto con los Bluesbreakers de John Mayall. Green fue el líder del grupo durante el periodo inicial de éxito a finales de los 60 e inicios de los 70, cuando sus éxitos incluyeron Oh Well, Man of the World y Albatross. El escribió la canción Black Magic Woman que popularizaría Santana.

Tras la publicación de Albatross y su consiguiente fama, Green luchó espiritualmente contra el éxito alcanzado por la banda. Durante la gira por Europa y tras un concierto en Munich, Alemania, tuvo durante 3 días un empacho de LSD. En sus propias palabras: "tuvo un viaje y nunca regresó".

La personalidad de Green cambió radicalmente tras ello, empezó a vestir un tabardo, se dejó crecer la barba y un lució un crucifijo en su pecho. El uso del LSD pudo contribuir a su enfermedad mental: esquizofrenia. Abandonó Fleetwood Mac en 1970 declarando el dinero como maldito y dándose a la caridad. Grabó un extremadamente experimental y nada comercial álbum The End of the Game (El Final del Juego) y se perdió en la oscuridad partipando en una sucesión de trabajos menores.

Green tuvo un breve reunión con Fleetwood Mac cuando Jeremy Spencer dejó el grupo (voló a U.S.A. para ayudarles a completar la gira) y fue también el invitado en su álbum de 1973 "El Pingüino" en la pista Night Watch.

Urgido por sus amigos para continuar tocando, resurgió a finales de los 70 y principios de los 80 con una serie de álbumes que incluyen In the Skies, Little Dreamer y White Sky. Aunque de calidad irregular, éstos discos contenían guiños del inigualable estilo del blues de Green. Fuen también el invitado anónimo del Brown Eyes de Tusk, contibuyó en Rattlesnake Shake y Super Brains de el álbum en solitario de Mick Fleetwood The Visitor.

1990 vio el retorno de Green en la forma de Peter Green Splinter Group con la asistencia de colegas, incluyendo el mismísimo Cozy Powell. Esta formación publicó 9 discos entre 1997 y 2003.

Se canceló una gira y la grabación del nuevo disco de estudio en los inicios de 2004 cuando Green dejó la banda y se fue a Suecia. En breve se uniría a The British Blues All Stars, pero también se cancelaría su tour del 2005. Las razones pudieron ser una planeada reunión de los originales Fleetwood Mac anunciada por Mick Fleetwood el 14 de Marzo de 1980.

Bo Diddley (McComb, 30 de diciembre de 1928 - 2 de junio de 2008), fue un compositor, cantante y guitarrista estadounidense que tuvo una gran influencia en el rock and roll. Se le suele considerar como la figura predominante en la transición del blues al rock and roll, creador de ritmos básicos con un sonido duro y afilado de su guitarra. Por ello tenía el sobre nombre de "The Originator" (El Autor).

Nació en una granja algodonera entre McComb y Magnolia (Misisipi). Con el nombre de Otha Ellas Bates, más adelante, al vivir con su madre adoptiva, Gussie McDaniel, prima de su madre, pasaría a llamarse Ellas McDaniel. El nombre artístico de Bo Diddley, viene a significar en argot algo así como "nada de nada". Otra fuente dice que el nombre vendría de un apodo de su época de boxeador. El nombre también se liga al arco de diddley (diddley bow en inglés), un instrumento de cuerda usado en los campos del sur, principalmente por los músicos negros.

En 1933 pasó a vivir en Chicago donde a temprana edad comenzaría su afición por la música. Siendo muy joven, su hermana le regaló una guitarra, comenzando a recibir lecciones de este instrumento y de violín con el profesor O. W. Frederick. Según él mismo reconoció, su inspiración le vino viendo a John Lee Hooker.


Si en el rock and roll Elvis Presley es el rey y Chuck Berry su poeta, Bo Diddley fue su arquitecto. Su estilo personal ha influido y sigue influyendo de tal modo que según pasa el tiempo su figura se agranda en el panorama de la música rock. Por otro lado, su fama no fue premiada en el aspecto económico como cabría haber esperado. La crudeza de su estilo le cerró las puertas a ventas millonarias, puertas que sí se abrirían de par en par para muchos músicos y bandas en los que influyó.


Sus inicios comienzan en 1951 tocando en las calles, los mercados y en el 708, un famoso club de la época. Sus temas ponían de manifiesto sus influencias de Nat King Cole, Muddy Waters, Louis Jordan o John Lee Hooker.

Su oportunidad vendría de manos de la Chess Records de Chicago, una filial de la Checker Records. En 1955 grabaría su primer disco con dos temas: Bo Diddley y I'm a man. En estos temas ya destaca con su potente chorro de voz y el sonido psicodélico inconfundible de su guitarra.

El 20 de noviembre de 1955, Bo Diddley era el primer afroamericano en aparecer en el programa de televisión The Ed Sullivan Show. Años más tarde, recordando este hecho díría que la experiencia no hizo más que enfurecerlo. "Interpreté dos canciones y consiguió enojarme... Ed Sullivan dijo que era uno de esos prometedores jóvenes de color que siempre le engañaban. Dijo que no duraría más seis meses".

Con el tiempo fueron surgiendo nuevas canciones en las que una parte importante eran los músicos que le acompañaban: Su hermanastra, llamada "La Duquesa", a la segunda guitarra; Billy Boy Arnold a la armónica; Franz Kirkland o Clifton James en la batería; Otis Spann al piano; Jerome Green con las maracas y voz acompañante.


Debido a su estilo musical, es más conocido como "Bo Diddley beat". Su estilo beat ha sido utilizado por muchos otros importantes artistas en distintas canciones, como en "Willie and the Hand Jive" de Johnny Otis (más cercano al hambone que al estilo de Bo Diddley), la versión en vivo de "She's the One" de Bruce Springsteen, "Magic bus" de The Who, "Desire" de U2 y "Not Fade Away" de Buddy Holly así como temas menos conocidos como el "Callin' All Cows" de los Blues Rockers.

Bo Diddley utilizó una gran variedad de ritmos, sin embargo, con el back beat haría estallar el estilo de la balada, al introducir el sonido frecuente de las maracas de Jerome Green. También fue un guitarrista que introdujo multitud de nuevos efectos especiales e innovaciones en la forma de tocar. Como violinista puede oirse en el tema "The Clock Strikes Twelve".

El ritmo es tan importante en la música de Bo Diddley que la armonía está reducida a menudo a una simplicidad desnuda. Con frecuencia, sus canciones (como por ejemplo "Hey Bo Diddley" y "Who Do You Love?") no tienen ningún cambio de acorde; es decir, los músicos tocan el mismo acorde durante todo el tema, de modo que el entusiasmo es creado por el propio ritmo, más que por la armonía.


Aunque Bo Diddley fue un artista que abrió fronteras interculturales al trabajar con audiencias de público blanco, apareciendo por ejemplo en conciertos de Alan Freed, sus composiciones raramente trataron problemas relacionados con la adolescencia. La excepción más notable es probablemente su álbum "Surfin' With Bo Diddley", donde ofreció el tema "Surfer's Love Call" siguiendo el estilo musical imperante en los años 60 en California, y aunque Bo nunca pudo alcanzar una gran ola que lo llevase al éxito del estilo surf, sí consiguió influir en sus guitarristas.

Las letras de sus composiciones son a menudo ingeniosas y humorísticas adaptaciones de temas de la música tradicional. Su primer éxito, "Bo Diddley" estaba basado en la nana "Hush Little Baby". Del mismo modo, "Hey Bo Diddley" se basa en la canción popular "Old Macdonald".

Entre sus canciones podemos destacar además de las ya mencionadas Diddley Daddy, Pretty thing (1955); Who do you love, Before you acuse me (1956); Mona oh yea (1957); Say man (1958); Roadrunner (1959); Cadillac (1960); I can tell, you can't jugde a book by the cover (1961).

Además de las muchas canciones que compuso para sí mismo, escribió "Love Is Strange" para Mickey y Sylvia bajo seudónimo, una canción considerada como pionera de la música pop.

Cabe mencionar su amistad con Chuck Berry con el que colaboró en más de una ocasión además de haber compartido cartel en algún concierto. Le acompañó a la guitarra en las canciones Memphis y Sweet little rock and roller y grabaron juntos el álbum Two great guitars.


Su instrumento, con marca registrada, es la guitarra square-bodied que él mismo desarrolló y con la que tocó en miles de conciertos anuales; desde sudorosos clubs de Chicago a giras con viejas glorias del rock and roll, pasando por actuaciones como telonero para The Clash o de artista invitado por los míticos Rolling Stones. Su entusiasmo por este instrumento le hizo poseer una espectacular colección de guitarras.


La influencia de este francés negro, como a él mismo le gustaba definirse, en la música contemporánea de Europa y América ha sido más que notable. Tanto músicos como grupos han realizado con frecuencia versiones de sus propias canciones. Caben destacar The Animals, que grabaron "The Story of Bo Diddley", The Who y The Yardbirds que grabaron "I'm a Man" y The Woolies y George Thorogood que alcanzarían un éxito con "Who Do You Love", tema que también sería utilizado por la banda Quicksilver Messenger Service y que era uno de los favoritos en los conciertos de The Doors.

"Road Runner" de Bo Diddley también fue grabado con frecuencia, incluyendo a The Who en uno de sus conciertos y a Brownsville Station en uno de sus discos. El tema "Mannish Boy" de Muddy Waters era una adaptación del tema Diddley "I'm a Man". El grupo The Jesus and Mary Chain también realizó una grabación titulada "Bo Diddley is Jesus" ("Bo Diddley es Jesús") como tributo a su persona. Ronnie Hawkins interpretó "Hey Bo Diddley", "Bo Diddley" y "Who Do You Love" durante muchas de sus sesiones de grabación, incluidas las realizadas con su banda, The Hawks, más tarde conocida como The Band.


En los últimos años, Bo Diddley recibió numerosos reconocimientos a su papel como uno de los padres fundadores del rock and roll. En 1986 lo incluyeron en la Washington Area Music Association. Al año siguiente lo incluirían en el Rock and Roll Hall of Fame. Su contribución pionera al género ha sido reconocida también por el Rockabilly Hall of Fame. En 1996, la Rhythm and Blues Foundation le concedió el mérito de una vida consagrada al ritmo. En 1998, la Recording Academy le premia con un Lifetime Achievement Award en la ceremonia de los premios Grammy por su canción "Bo Diddley" grabada en 1955.

El comienzo del nuevo milenio introdujo a Bo Diddley en el Mississippi Musicians Hall of Fame y en los famosos de la North Florida Music Association. En 2002, recibió sendos premios de la National Association of Black Owned Broadcasters y de la Broadcast Music Incorporated en reconocimiento a sus múltiples contribuciones a la música contemporánea.

En 2003, en la Cámara de representantes de los Estados Unidos, Hon. John Conyers, Jr. de Michigan, rendía un tributo a Bo Diddley al describirlo como "uno de los verdaderos pioneros del rock and roll, que ha influenciado a generaciones".

En 2004, la grabación de 1956 que realizaron Mickey Baker y Sylvia Vanderpool de su canción "Love Is Strange" (El amor es extraño) fue incluida en el "Grammy Hall of Fame" como una de las grabaciones con significación histórica. La revista Rolling Stone lo nombró como uno de sus temas immortals en el artículo The 50 Greatest Artists of All Time (Los 50 artistas más grandes del todo el tiempo).

En 2005, Bo Diddley celebró su quincuagésimo aniversario en el mundo de la música con exitosas giras por Australia, Europa y de costa a costa por toda Norteamérica. En el vigésimo aniversario de la creación del Rock and Roll Hall of Fame interpretó su canción "Bo Diddley" con Eric Clapton y Robbie Robertson. En el Reino Unido, la revista Uncut incluyó su álbum de 1958 en la lista 100 Music, Movie & TV Moments That Have Changed The World (Las 100 canciones, películas y programas de televisión que han cambiado el mundo).


Diddley murió el 2 de junio de 2008 a los 79 años. El año 2007 sufrió una serie de ataques cerebrales y cardíacos que lo dejaron muy debilitado. Falleció en su casa de Archer (Florida).

Steve "El Coronel" Cropper (nacido 21 de octubre de 1941) es un americano guitarrista, compositor y productor .. El 9 de junio de 2005, Cropper fue inducida en el Songwriters Hall of Fame junto a Bill Withers, Robert B. Sherman, Richard M. Sherman, John Fogerty, David Porter y Isaac Hayes.


Biografía

Primeras etapas de la vida
Cropper nació Stephen Lee Cropper en una granja fuera de Dora, Missouri. En 1950, su familia se mudó a Memphis, Tennessee. A la edad de diez, él strummed una guitarra por primera vez, su cuñado de Gibson. Cropper recibió su primera guitarra a los 14 años, y comenzó a tocar con músicos locales. Su héroe en ese momento era Lowman Pauling de Memphis de The Five Royales.


El StAX años (1961-1970)
Cropper y el guitarrista Charlie Freeman formado (como una punta de la gorra a la banda de Pauling) El Real Espadas, que eventualmente se convirtió en el Mar-Keys. El Mar-Keys es una obra de teatro en la carpa fuera de StAX (en el momento llamado por satélite Records). La banda del jugador sin experiencia saxo Charles "Packy" Axton la madre de Estelle y tío Jim Stewart propiedad de Satélite, y, finalmente, La Mar-Keys comenzó a tocar en sesiones y tenía un solo hit de su propia 1961 con "Anoche". También en la banda productor / compositor Don Nix y futuras leyendas, el bajista Donald "Duck" Dunn y trompetista Wayne Jackson.


Steve Cropper en concierto (1990) Además de ser impresionado con el joven guitarrista del juego, el entonces presidente StAX Records Jim Stewart se produjo un punto de vista económico, el profesionalismo, la madurez y en Cropper más allá de sus años. Cuando American Records fundador Chips Moman StAX izquierda, el joven Cropper se le dio las llaves del estudio, que abrió todos los días, se convirtió en la empresa A & R man, y comparte funciones con la ingeniería Stewart. Un miembro fundador de Booker T. & the MG's, la casa de StAX banda, Cropper, junto con Booker T. Jones en órgano y piano, el bajista Dunn, y el batería Al Jackson, Jr, pasó a registrar varios resultados. Como guitarrista de una casa, tocó a cientos de registros, desde "(Sittin 'on) el muelle de la Bahía", cowritten con Otis Redding, Sam and Dave "Soul Man" (ganar el famoso grito de "Play, Steve ! ")

Cropper la fama no se limita a los Estados Unidos. Los Beatles a favor de la Cropper jugar y su producción en los registros Otis Redding. De hecho, John Lennon y Paul McCartney hizo planes provisionales para grabar en Memphis para trabajar con el guitarrista. Brian Epstein se cancela el período de sesiones, citando problemas de seguridad.

El MGS, como instrumental artistas, trabajaron porque "escribió sonidos". Rob Bowman, profesor de música y autor del libro Soulsville EE.UU.: la historia de StAX Records, cita a Booker T. Jones como diciendo, "Nos escrito parece demasiado, sobre todo Steve. Él es muy consciente de sonido, y él recibe una gran cantidad de sonidos de una Telecaster sin cambiar ninguna configuración - sólo con usar sus dedos, su selección, y su amperios ". Juntos, con Jones en un B-3 de órganos, podrían llegar a tantos sonidos que van sonaban como un grupo mucho mayor.

Además de su influyente trabajo con la MGS, Cropper co-escribió "El Knock Wood" con Eddie Floyd, "En el Midnight Hour" con Wilson Pickett, y "(Sittin 'On) El muelle de la Bahía" con Otis Redding. Su asociación con Redding fue particularmente fructífera; "(Sittin 'On) el muelle de la Bahía" solo se ha jugado más de seis millones de veces, por lo que es la sexta más jugado canción de todos los tiempos (ASCAP y el catálogo de la segunda).

En 1969, Cropper lanzó su primer disco en solitario, con algo de ayuda de mis amigos.


Después de StAX (1970-presente)

Steve Cropper bajo Hamar Festival de Música en 2007Cropper StAX izquierda en el otoño de 1970. La compañía ya había perdido Otis Redding en un accidente de aviación, las estrellas Sam & Dave (a través de StAX tratar de distribución de ruptura con Atlantic), y también un descontentos Booker T. Jones. Cuando Cropper izquierda, StAX perdido sus más exitosas de productores, junto con sus compañeros David Porter y Isaac Hayes.

Formó TMI (Trans-Maximus), con Jerry Williams y ex Mar-clave Ronnie Stoots. Allí prestó su guitarra y la producción de conocimientos a Jeff Beck, Tower of Power, John Prine, y José Feliciano (en sus 3 álbumes RCA; 1972 "Memphis Menú", 1973 "compartimentos estancos", 1974 "Para Mi Amor"). También durante este tiempo, tocaba Ringo Starr en 1973 del álbum Ringo y al año siguiente la Goodnight Viena, y John Lennon le pidió que desempeñar en su Rock 'n' Roll álbum. En 1975, Cropper había cerrado la tienda y se trasladó a Los Ángeles, donde Booker T. Jones también se vive. Hicieron un llamamiento a Jackson y Al Duck Dunn, aún en StAX, y decidió reformar la MGS. Sin embargo, Jackson, que Cropper llamado "el mayor baterista nunca a caminar sobre la Tierra", fue asesinado en su casa de Memphis.

A finales de los años setenta, Cropper y Dunn se convirtieron en miembros de (la banda el baterista) Levon Helm's RCO All-Stars, y luego pasó a conducir La Blues Brothers Band con Al Jackson's protegé baterista, Willie Hall. Esto llevó a varios álbumes y dos bandas sonoras de películas. Cropper vivían en Luisiana para los próximos trece años antes de trasladarse a Nashville.

Cropper permanece en el La Blues Brothers Band, reunificada en 1988. Él y Dunn tienen un círculo el mundo muchas veces con varios hombres delante, entre ellos Larry Thurston y StAX hombres Soul Sam Moore y Eddie Floyd. Otros notables e influyentes miembros de la banda Blues Brothers incluir el saxofonista Lou Marini (alias "Blue Lou"), el trompetista Alan Rubin (alias "Señor Fabulous") y trombonista Tom Malone (alias "Bones" Malone).

En febrero de 1998, dio a conocer este juego, Steve! donde se describe la inspiración detrás de su creación de algunas de Soul música más perdurables canciones. Fue puesto en libertad en este juego, Steve! Records. La frase es de Moore exclamó a Sam & Dave "Soul Man" y más tarde por John Belushi (alias "Joliet" Jake Blues) con El Blues Brothers. Cropper es también una parte de muchas organizaciones benéficas y presta su nombre a las prestaciones cada año.


Steve Cropper junto a Jimmy Barnes en Memphis el álbum gira en marzo, 2008Cropper es generalmente considerado como el más conocido e influyente guitarrista y alma, por su capacidad para adaptarse a diferentes estilos, en 1996, fue nombrado el más grande guitarrista de vida (segundo de todos los tiempos detrás de Jimi Hendrix) de Gran Bretaña de la revista Mojo. Cuando se le preguntó qué pensaba de Cropper, el guitarrista en el número cuatro, The Rolling Stones' Keith Richards, dijo: "Perfecto, el hombre".

Recientemente trabajó con Cropper Soul cantante australiano Guy Sebastian en su último disco El álbum Memphis. Cropper co-produjo el álbum, y ha trabajado junto con Donald "Duck" Dunn, Lester Snell y Steve Potts. El 2 de marzo de 2008 Steve Cropper Guy fueron invitados a la reunión Vega Domingo de acogida con Choirboys Mark Gable, mientras que Steve Guy respaldado en su Memphis Tour en Australia.

Steve ha sido confirmado para actuar en el Festival Ritmo 2008 junto a La Fauna

John Fahey (28 de febrero de 1939 - 22 de febrero de 2001) fue un norteamericano fingerstyle guitarrista y compositor que fue pionera en la cadena de acero de la guitarra como instrumento solista. Su estilo ha sido muy influyente y se ha descrito como primitivas de América, un término tomado de la pintura y refiriéndose principalmente a los autodidactas naturaleza de su arte. Fahey propio tomada del folk blues y las tradiciones en la música americana, pero, además, incorporarse clásica, brasileña, india y el resumen de música en su ecléctica obra. En 2003, se clasificó 35to en Rolling Stone de "Los 100 Greatest Guitarristas de todos los tiempos" .

Carrera:
John Aloysius Fahey nació en Takoma Park, Maryland en un musical del hogar - como sus padres desempeñan el piano. Los fines de semana, la familia suelen asistir las actuaciones de los altos país y grupos de bluegrass del día, pero fue Bill Monroe audiencia de la versión de Jimmie Rodgers "" Blue Yodel N º 7 "en la radio que encendió los jóvenes Fahey la pasión por la música.

En 1952, después de haber sido impresionado por el guitarrista Frank Hovington, a quien accidentalmente se reunió durante una viaje de pesca, compró su primera guitarra por $ 17 desde la Sears-Roebuck catálogo. Junto con su incipiente interés por la guitarra, Fahey fue atraído a la recogida de registro. Aunque su gusto corre principalmente en el bluegrass y el país vena, Fahey descubrió su amor por el blues a principios de audiencia Blind Willie Johnson's "Alabado sea Dios que estoy satisfecho" en un registro de recogida de viaje a Baltimore con su amigo y mentor, el musicólogo Richard K . Spottswood. Mucho más tarde, Fahey la experiencia en comparación a una conversión religiosa y sigue siendo un devoto discípulo blues hasta su muerte.

Como su guitarra y componiendo avanzado, Fahey desarrollado un estilo que mezcla los patrones de recolección descubrió en 78s viejos blues con la disonancia de compositores clásicos contemporáneos que amaba, como Charles Ives y Béla Bartók. En 1958, Fahey hizo sus primeras grabaciones. Estos eran para su amigo Joe Bussard de aficionados Fonotone etiqueta. Lo grabó bajo el seudónimo de Ciegos Thomas.

Al año siguiente, que no tengan idea de cómo acercarse a profesionales y empresas discográficas están convencidos de que sería desinteresado, Fahey decidido publicar su primer álbum propio, con algo de dinero ahorrado de su estación de trabajo y asistente de algunas tomadas de un sacerdote episcopal. Por lo tanto, Takoma Records nació, llamado en honor de su ciudad natal. Un centenar de ejemplares de este primer álbum se presiona. A un lado de la manga álbum era el nombre "John Fahey" y por otra parte, "Blind Joe Death"-este último era un apodo humorístico que le ha otorgado sus compañeros de blues fans. Él trató de vender estos discos a sí mismo. Algunos le regalaron, algunos sneaked que el ahorro en las tiendas y el blues secciones locales de tiendas de discos, y algunos que envió a la música popular estudiosos, algunos de los cuales se deje engañar en pensar que existe realmente es la vida antigua cantante de blues llamada Blind Joe Death. Le tomó tres años para Fahey para vender el resto.

Después de graduarse de la Universidad Americana con un título en filosofía y religión, Fahey se trasladó a California en 1963 para estudiar filosofía en la Universidad de California en Berkeley. Llegada en el campus, Fahey-nunca-el forastero comenzó a sentirse insatisfechos con el programa del plan de estudios (que más tarde sugirió que el estudio de la filosofía había sido un error y que lo que había querido entender es realmente la psicología) y fue igualmente unimpressed con Berkeley (hippie) escena musical. Fahey loathed la cortés Pete Seeger-inspirado revivalists él se encontró con clasificados. Al año siguiente, Fahey se trasladó al sur de Los Angeles a unirse al folclore programa de maestría en UCLA, por invitación del jefe del departamento DK Wilgus. Fahey's UCLA tesis de maestría en la música de Charley Patton, publicadas más tarde, es considerada entre las mejores instituciones académicas del folclore. Terminó con la ayuda musicológica de su amigo Alan Wilson, que poco después pasó a ser miembro de Conservas de calor.

Durante este período, Takoma Records fue renacido. Fahey y ED Denson, un área de Washington, DC amigo que también ha movido al oeste, decidido a localizar Blues leyenda Bukka White mediante el envío de un telegrama a Aberdeen, MS (White había cantado Aberdeen que fue su ciudad natal, y Mississippi John Hurt se ha redescubierto utilizando un método similar). White se convirtió en la primera no Fahey Takoma liberación. Fahey también, por último, publicó un segundo álbum a finales de 1963, llamado Death Chants, Averías y Valses Militar. Para su sorpresa la liberación Fahey vendido mejor que White y Fahey tuvo una carrera adelante. Pero todavía no Fahey empezar a jugar en público por un año más.

Sus emisiones durante mediados del decenio de 1960 empleados impares afinaciones de guitarra y repentinos cambios de estilo sólidamente arraigada en los viejos tiempo y blues stylings de la década de 1920. Pero él no era un simple copista, como composiciones tales como "Cuando el siluro es Cactus en flor" o "Esta noche pisoteando a los Pensilvania / Alabama Fronteras" demostrar. Fahey describe la última pieza de la siguiente manera: "La apertura de los acordes son el último movimiento de Vaughan Williams" Sexta Sinfonía. Huelga de allí a un Ignorar James motivo. Después de que se desplace a un canto gregoriano, Dies irae. Es la más temible uno en el himno Episcopal libros, es todo sobre el día del juicio. A continuación, se vuelve a la Vaughan Williams acordes, seguido de un blues correr de origen indeterminado, a continuación, volver a Pasar James y así sucesivamente. " Una característica distintiva de su clásico de las emisiones es la inclusión de largas notas, parodiando las que se encuentran en versiones de blues. Típicamente, estos actos se épica de la libre mythologization, mezcla biografía personal, Reverie, el folclore, así como multitud de oscuros blues y bluegrass referencias.

Más tarde, álbumes de los años sesenta, como Requia y The Yellow Princess encontrado Fahey hacer collages de sonido de elementos tales como Gamelan música, canto tibetano, animales y aves gritos y cantando puentes. En 1967, grabó con Fahey Red Crayola en el 1967 Berkeley Folk Festival, la música que resurgió en el 1998 la ciudad de Arrastre de nuevo, The Red Krayola: Live 1967.

Además de su propia producción creativa, Fahey ampliado la etiqueta de Takoma, descubriendo colegas guitarristas Leo Kottke, Robbie Basho y Peter Lang, así como las nuevas pianista George Winston. Kottke el debut de liberación en la etiqueta, 6 - y 12-String Guitar, en última instancia resultó ser el mayor éxito del cultivo, la venta de más de 500000 copias. Otros artistas con los álbumes en la etiqueta incluido Mike Bloomfield, Rick Ruskin, The Fabulous Thunderbirds, Maria Muldaur, Michael Gulezian y Conservas de calor. En 1979, vendió Fahey Takoma a Chrysalis Records. Jon lunes, que había sido el Gerente General de la etiqueta desde 1970 era el único empleado que ir con la nueva empresa. Chrysalis finalmente vendió los derechos a los álbumes, y Takoma fue en el limbo hasta que han comprado de Fantasy Records en 1995.


últimos años:
A mediados de los años 1970, Fahey disminuido la producción y comenzó a sufrir de un problema con el alcohol. Él perdió su casa en la disolución de su primer matrimonio, contraído, divorciado una vez más, y se mudó a Salem, Oregon en 1981 a vivir con su tercera esposa. En 1986, contrajo Fahey Epstein-Barr síndrome, una larga infección viral similar al síndrome de fatiga crónica, lo que agrava su diabetes y otros problemas de salud. Él siguió para llevar a cabo dentro y alrededor de la zona de Salem, ya que fue gestionado por Finke amigos David y su esposa Pam. El trío intentó Fahey para mantener a flote la carrera por radio y pequeñas apariciones en el lugar o ejecuciones. Él rompió con su tercera esposa y su vida empezó a espiral descendente. Él hizo lo que parecía ser su último álbum en 1990, y el silencio descendió.

A pesar de que ganó sus cinco años de batalla con Epstein-Barr, Fahey pasó la mayor parte de comienzos del decenio de 1990 que viven en la pobreza, sobre todo en moteles baratos. Gigs había agotado, debido a sus problemas de salud. Rindió su alquiler prendado de su guitarra y la reventa de raro que los registros se encuentran en tiendas de ahorro.

A raíz de una entrada en 1994 Fahey en la revista Spin spin-off Alternativa Record Guide publicación, Fahey se enteró de que él tenía ahora toda una nueva audiencia, que incluía alternativa EE.UU. bandas Sonic Youth y Cul de Sac, British comediante y escritor Stewart Lee y el avant - garde músico Jim O'Rourke. Byron Coley publicado un gran artículo llamado "las persecuciones y resurrecciones de Blind Joe Death" (también en la revista Spin) y, al mismo tiempo un período de dos cd retrospectiva llamada "El retorno de lo reprimido" todo combinado para poner en marcha la carrera de Fahey. De repente nuevas versiones comenzaron a aparecer en rápida sucesión, en paralelo con la reedición de todos los principios de Takoma emisiones de Fantasy Records.

Jim O'Rourke iba a producir un álbum Fahey, Womblife del 1997, mientras que en el mismo año Fahey registró un álbum con Cul de Sac, La Epifanía de Glenn Jones (Glenn Jones es el principal guitarrista de Cul de Sac). Esta tarde la floración mostró Fahey había cambiado. Se acabó el dreaminess melódica y popular basado en meditaciones de los años 60 y 70, que característicamente Fahey denunció a sí mismo como "el sentimentalismo cósmico". Ahora su música es dura, rallado, y la confrontación.

Al mismo tiempo que fue profundizar en más de música experimental eléctrico, Fahey la pasión por la música tradicional de raíces no disminuir. Después de entrar en un poco de dinero con motivo de la muerte de su padre en 1995, Fahey utiliza el formulario de la herencia a otra etiqueta, Revenant Records, para centrarse en la nueva publicación oscuro grabaciones de los primeros blues, old-de la música, y cualquier otra cosa Fahey tomó una fantasía. En 1997, la etiqueta publicó su primera cosecha de las emisiones, incluidos los álbumes de artistas como el guitarrista británico Derek Bailey, American pianista Cecil Taylor, guitarrista Jim O'Rourke, el bluegrass pioneros Stanley Brothers, viejos tiempo banjo leyenda Dock Boggs, Rick Bishop de Sun City Girls, y deslice el guitarrista Jenks "Tex" Carman. Revenant la avenida más famosa de liberación se convertiría en Screamin 'y Hollerin' los Blues: Los Mundos de Charley Patton, un disco de siete retrospectiva de Charley Patton y sus contemporáneos, que ganó tres premios Grammy en 2003.

El 23 de mayo de 1998, Fahey (guitarra) realizó una notable pieza improvisada experimental en la WNUR-FM Airplay muestran en Evanston, Illinois, en colaboración con Jim O'Rourke (electrónica, mezclando en vivo). Más tarde esa noche, le dio una guitarra solista rendimiento a un Chicago catedral. En el verano de 1999, Fahey WNUR volvió a leer el manuscrito de para lo que se convertiría en "Cómo Bluegrass Music Destruido My Life" - el título de trabajo en ese momento era "nalgadas". Una entrevista con Fahey de la WNUR Joe Cannon siguió a la lectura. Fahey parece haber encontrado una nueva vitalidad a través de su excelente escritura, así como su ahora más experimental y composiciones improvisadas.

Fahey realizó en Europa en otoño de 1999, incluyendo un show en el Queen Elizabeth Hall, Londres en septiembre. Su vida parece a los observadores que se espiral fuera de control. Old aficionados a menudo se retiraron de estos conciertos, pero no Fahey atención.

En 2000, el sello discográfico de América Arrastra Ciudad publicó un volumen de Fahey's esotérico historias cortas, ¿Bluegrass Music Destruido My Life, editado por Damián Rogers con una introducción de O'Rourke.

En febrero de 2001, a tan sólo unos días antes de lo que habría sido su 62o cumpleaños, John Fahey Salem murió en el Hospital después de someterse a una operación de bypass séxtuples.

En 2006, cinco años después de su muerte, no menos de cuatro John Fahey homenaje álbumes fueron puestos en libertad como un testamento a su reputación como un "gigante del siglo 20 la música americana" (Byron Coley). Actualmente, seis álbumes de homenaje, se han registrado.

El John Fahey Homenaje del álbum, La venganza de Blind Joe Death, fue lanzado en 2006 por el sello Fantasy Records y ha Fahey melodías y composiciones originales realizadas por Dale Miller, George Winston, Michael Gulezian, Alex de Grassi, Charlie Schmidt, conservas de pescado (Fito de la Parra y Larry Taylor de Conservas de calor y Barry "The Fish" Melton (País de Joe y el pescado)), David Doucet, Country Joe McDonald, Peter Lang, Terry Robb, Sean Smith, Henry Kaiser y John Schott, Nick Schillace , Stefan Grossman, Rick Ruskin, Phil Kellogg, Andrew Stranglen, Nels Cline & Elliott Sharp, Pat O'Connell, y Blind Joe Death. El álbum fue producido por Jon Lunes

Thurston Moore con el desempeño de Sonic Youth en el Festival de Roskilde 2005.
Información general
Nacimiento nombre de Joseph Thurston Moore
También conocido como espejo
Nacido el 25 de julio de 1958 (1958-07-25) (49 años)
Coral Gables, Florida, EE.UU.
Género (s) de rock alternativo, ruido rock, n º de onda, la música experimental Ruido música
Ocupación (s) Cantante, guitarrista, cantautor, Consultor, Registro de productores
Instrumento (s) Voz, Guitarra, destornillador, palo de tambor, piano, Amplificador
Años activo 1980 - Presente
Etiqueta (s) de Geffen
SST
Extático Paz!
Padre Yod
Lo Recordings
Asociado actos Sonic Youth
Ciccone Youth
Los cocheros
Espejo / Dash
Y lo que es peor
Significado de los sueños / Aktion unidad
Bark Haze
Dim Stars
Joseph Thurston Moore (nacido el 25 de julio de 1958 en Coral Gables, Florida) es un músico estadounidense más conocido como cantante, compositor y guitarrista de Sonic Youth. Ha participado como solista en numerosas colaboraciones y de grupo fuera de Sonic Youth, así como ejecutando un pequeño sello discográfico.

Los primeros años
Moore nació en Coral Gables, Florida, pero se planteó en [1] Bethel, Connecticut. Aunque se matriculó en Western Connecticut State University, él optó por trasladarse a la ciudad de Nueva York en lugar de unirse a la creciente ola de música post-punk/no escenas [2].

Una vez allí, Moore fue brevemente en la banda de hardcore punk lo que es peor, con futuro La Gran Asunción editor (y futuro Springhouse baterista) Jack Rabid. Después de salir de la banda, Moore y Lee Ranaldo aprendido guitarra experimental en técnicas de Glenn Branca "orquestas de guitarra." [2] Él también pasó mucho tiempo en la Universidad de Massachusetts y en el Amherst / Northampton zona.

Sonic Youth
Artículo principal: Sonic Youth
Ranaldo y Moore pronto formó Sonic Youth, que actúa como la banda de guitarristas, con Moore a conducir voces. La banda firmó a Neutral Records, luego de Homestead Records, y luego a SST Records.


Vivo en los Países Bajos (con Sonic Youth), 1991In 1984, Moore se casó Sonic Youth bajista / vocalista Kim Gordon, la pareja tiene una hija, Coco Hayley Gordon Moore. En la actualidad residen en Northampton, Massachusetts.

Él y Ranaldo hacen un amplio uso de afinaciones de guitarra inusuales, a menudo en gran medida la modificación de sus instrumentos para ofrecer timbres inusuales y aviones teledirigidos, que son conocidos por llevar más de cincuenta guitarras a cada concierto en vivo, utilizando algunas guitarras para una canción solamente. [2] En el año 2004 , La revista Rolling Stone clasificó Moore y Ranaldo la 33 ª y 34 ª Greatest Guitarristas de todos los tiempos.

Además de su trabajo con Sonic Youth, Moore también ha puesto en libertad álbumes como solista.

Él y Gordon liberados algunas canciones como espejo / Dash, una referencia a sus respectivos apodos. ( "Espejo" de ser un juego de palabras en alliterative "Moore" y "Dash" de ser un juego de palabras sobre Flash Gordon.)

Moore ha colaborado con decenas de músicos, entre ellos Lydia Lunch, DJ Spooky, William Hooker, Christian Marclay, Mike Watt, Loren Mazzacane Connors, Tom Surgal, William Winant, Nels Cline, Cock ESP, Daniel Castro, Chris Corsano y mi gato es un Alien. La mayor parte de su solista / dúo colaboraciones han sido fundamentales, y son por lo general improvisadas y / o ruido de base.

A comienzos del decenio de 1990, Moore formó la banda lateral Dim Stars, con la leyenda punk Richard Hell de los Voidoids. Moore realiza en solitario en el lado etapa de la gira Lollapalooza 1993.

Además, Moore también ha contribuido el trabajo de guitarra y coros en "Crush Con Eyeliner", que apareció en la Monster REM LP.

Desde 2004, Moore ha grabado y actuado con el all-star ruido colectiva de vivir y Shave en Luisiana, la línea de que también cuenta con Andrew WK. Lo grabó con la banda Sonic Youth en el ex estudio en Manhattan, y más tarde realizó con ellos en el George W. Bush "anti-inaugural" El ruido contra el fascismo concierto en Washington, DC, cuyo nombre en referencia a Sonic Youth en 1992 la canción "La juventud contra el fascismo ". Moore curada la "Pesadilla antes de Navidad" de fin de semana de la Mañana Todas las Partes del festival de música, en diciembre de 2006.

Moore dirigió el videoclip de la canción de Pavimentación "Aquí", y de Slanted Encantada.

El pie es una colaboración entre Don Fleming, Jim Dunbar y Thurston Moore.

El 21 de junio de 2007, Moore reveló a la revista Spin de que lanzará un álbum como solista titulado árboles fuera de La Academia. El álbum fue grabado en J Mascis' estudio en Amherst, Massachusetts. El álbum se compone principalmente de material acústico y las características Sonic Youth baterista Steve Shelley y violinista Samara Lubelski. El álbum también cuenta con colaboraciones entre Mascis y Charalambides »Christina Carter, que realiza un dúo con Moore en la pista," honesto James. " El álbum fue puesto en libertad el 18 de septiembre de 2007, a Moore etiqueta del extático Paz.

En 1994, Moore trabajó en equipo con Greg Dulli de The Afghan Whigs, Don Fleming, de Gumball, Mike Mills de REM, y Dave Grohl de Nirvana / Foo Fighters, para formar el backbeat Band, que registró el álbum de banda sonora para la película backbeat.

En 1998, Moore juega en la banda sonora de la película Velvet Goldmine como miembro de Wylde Ratttz, junto con The Stooges' Ron Asheton, Sonic Youth su bandmate Steve Shelley, Minutemen Mike Watt's, la Gumball Don Fleming, Mark Arm de Mudhoney y Jim Dunbar.

Moore también compuesto música original para las películas:

Heavy (1995)
Manic (2001)


Moore y otros S.Y. miembros publicado el irreverente música zine Sonic Life. Moore dirige el sello discográfico extático Paz!. A partir de 1993, esta etiqueta en libertad conjuntamente con los registros de rock crítico Byron Coley la etiqueta, el Padre Yod, como extático Yod Records.

Moore examinó nueva música a Arthur Magazine. Él administra el sitio web de protesta Records, llamado así por su protesta contra la piratería musical leyes. Moore fue el editor / supervisor del libro 2005 Mix Tape: The Art of Cassette Cultura

Lee Ranaldo (3 de febrero de 1956 Long Island, de nacionalidad italiana) es una ragazo provincial creció con discos de Rolling Stones, Kinks, Cream, Led Zeppelin, Talking Heads y Television, en el amor con la guitarra, en particular accordature "abierto" Crosby Stills & Nash, Neil Young, Joni Mitchell y Grateful Dead.

Formato su primer grupo, Fluks (Flucts más tarde), se trasladó a Brooklyn (1980) en un extraño giro del conocimiento pasa a formar parte del grupo de Glenn Branca, con quien experimenta una extraña vida de gira. Mientras tanto, un año más tarde un beneficio llamado Thurston organiza la White Columns (un'angusta galería de arte) "Noise Festival" y entre los artistas invitados se encuentra el nombre de Branca (en el que grupo militar Ranaldo). Para la ocasión Thurston ribattezza su formación Sonic Youth, un cruce entre Big Juventud y Sonic's Rendezvous Band (el grupo formado por Fred "Sonic" Smith). Inmediatamente después de la fiesta, sin embargo, Sonic Youth es sciolsero.
Lee en ese momento se dedicaba sólo en parte con Branca y en ese momento él también perdió con el grupo que esibiva: Plus Instruments.
Kim, que sabía tanto guitarristas Lee sugirió a jugar con Thurston y sólo una semana después de los tres músicos estaban en blanco las columnas para probar nuevas canciones: entre el primer The Burning Spear. Poco después el baterista se añadió Edson.

Berkeley, California nativo John Cipollina (24 de agosto de 1943 - 29 de mayo de 1989), músico, es mejor conocido por su trabajo con el de San Francisco banda de rock Quicksilver Messenger Service.
Tenía un sonido de guitarra único, mezcla de estado sólido y amplificadores de válvulas tan temprano como 1968. Jugó con el dedo de la mano coge y se ha utilizado un whammy bar extensamente, que explicó a Jerry Garcia es para compensar la debilidad de su izquierda (trémolo). Aún más inusual, que concede cuatro wurlitzer cuernos en la parte superior de su distintivo amplificador pila. Su estilo era muy melódica y expresiva.
estado sólido - Valve - 1968 - Finger recoge - Whammy bar - Jerry Garcia - Wurlitzer
Cipollina murió a la edad de 46 años de enfisema después de toda una vida de enfermedad.

Dick Dale no era apodado "el rey de Surf Guitar" para nada: él prácticamente inventó el estilo solo, y no importa que copian o ampliadas a su plan, se mantuvo la fieriest, técnicamente más dotados músico del género jamás producidas. Dale pionero de la utilización de Oriente Medio y Europa oriental melodías (adquirida orgánicamente a través de su patrimonio familiar) fue uno de los primeros en cualquier género de la música popular de América, y es anterior a la enseñanza de esos "exóticos" en las escalas de guitarra-trituradora academias de dos décadas. La velocidad vertiginosa de su sola nota staccato picking técnica fue rival hasta que entró en el repertorio de metal virtuosos como Eddie Van Halen, y su salvaje espectáculo hizo una enorme impresión en los jóvenes Jimi Hendrix. Trabajando en estrecha colaboración con la compañía Fender, Dale continuamente empujado los límites de la tecnología de amplificación eléctrica y contribuir al desarrollo de nuevos equipos que fue capaz de producir el grueso, claramente definidos los tonos que escucha en su cabeza, a los anteriormente inimaginables-de los volúmenes que exige. También fue pionera en el uso de portátiles efectos de reverberación, la creación de una firma sónica textura de surf instrumentales. Y, si todo esto fuera poco, Dale conseguido redefinir su instrumento mientras esencialmente jugando boca abajo y hacia atrás - pasó a las partes para poder jugar zurdo, pero sin re-stringing (como Hendrix hizo más tarde) .

Dick Dale nació Richard Monsour en Boston en 1937, su padre era libanés, su madre polaca. Como un niño, fue expuesto a la música popular de ambas culturas, que tuvieron un impacto en su sentido de la melodía y las formas instrumentos de cuerda podría ser recogidos. Él también escuchó los lotes de big band swing, y encontró su primer héroe musical en el baterista Gene Krupa, que más tarde la herida hasta que influyen en un enfoque de percusión a la guitarra tan intenso que regularmente Dale rompió el más pesado de vía cadenas de terreno disponible y su coge nada hasta varios a veces la misma canción. Él enseñó a sí mismo para jugar canciones país en el ukelele, y pronto se graduó a la guitarra, donde también fue autodidacta. Su padre le animó y se ofreció orientación profesional, y en 1954, la familia se mudó a California del Sur. Por sugerencia de un país DJ, Monsour adoptó el nombre artístico Dick Dale, y comenzó a realizar en muestra de talento local, donde su incipiente interés en rockabilly le hizo un acto popular. Grabó un demo de la canción, "Ooh Whee-Marie," para los locales Del-Fi etiqueta, que más tarde fue puesto en libertad como una sola a su padre el nuevo Del-tonos pie de imprenta y distribuidos localmente. Durante los últimos años 50, Dale también se convirtió en un ávido surfista, y pronto se dedicó a encontrar formas para imitar los sonidos y la creciente sensación de este deporte y el océano en su guitarra. Él rápidamente desarrollado un elevado carácter distintivo sonido instrumental, y se encontró un entusiasta, ready-made de audiencia en su navegante amigos. Dale comenzó a tocar conciertos regulares en el Rendezvous Ballroom, una vez desaparecida concierto lugar cerca de Newport Beach, con su respaldo la banda Del-Tonos; como palabra propagación y conciertos en otras salas locales siguieron, Dale se convirtió en un éxito entre la atracción, aprovechando 1000s de los aficionados a cada función. En septiembre de 1961, Del-tonos Dale liberados del single "Let's Go Trippin '", que es generalmente reconocido como la primera registrada de surf instrumental.

"Let's Go Trippin '" fue un gran éxito local, e incluso trazado a nivel nacional. Dale dio a conocer un poco más local singles, incluyendo "Jungle Fever", "Miserlou", y "Surf Beat", y en 1962 publicó su (y la música surf) primer álbum, el pionero Surfer's Choice, en Del-tonos. Surfer's Choice vendidos como hotcakes en todo el sur de California, Dale que ganó un contrato con Capitol Records y la distribución nacional de Surfer's Choice. Dale apareció en la revista Life en 1963, lo que llevó a apariciones en El Ed Sullivan Show y el Frankie / Annette película Beach Party; él también liberado el seguimiento de LP Rey del Surf Guitar, y se dirigió a la expedición de otros tres álbumes en Capitolio a través de 1965. Durante ese tiempo, desarrolló una estrecha relación de trabajo con Leo Fender, que mantienen la ingeniería más grandes y mejores sistemas de sonido en respuesta a Dale el apetito para más alto y más maniacally enérgicas actuaciones en directo.

Surf música se convirtió en una moda nacional, con grupos como los Beach Boys y Jan & Dean ofrece una variante de vocales para completar la ola de grupos instrumentales, todas las cuales fueron en deuda de alguna manera a Dale. Pero en 1964, la British Invasion robó mucho de surf del trueno, y Dale fue eliminado por Capitol en 1965. Él sigue siendo un éxito entre la ley local, pero en 1966, fue diagnosticado con cáncer del recto, lo que le obligó a retirarse temporalmente de la música. Venció la enfermedad, sin embargo, y muy pronto comenzó a perseguir otros intereses: la propiedad y el cuidado de una variedad de animales en peligro de extinción, el estudio de las artes marciales, el diseño de sus padres la casa, y aprender a piloto de aviones. En 1979, un pinchazo sufrido la herida, mientras que el surf fuera de Newport Beach dado lugar a una contaminación relacionados con la infección que casi le costó la pierna; Dale pronto activista ambiental añadido a su curriculum vitae. Además de todo eso, Dale realizan de vez en cuando alrededor de todo el sur de California el 70 y 80.

En 1986, Dale trató de montar una vuelta. La primera vez que registró un beneficio único para la UC-Irvine Medical Center de la unidad de grabación (que él había ayudado a recuperarse de lesiones potencialmente graves), y al año siguiente apareció en la playa-movie sendup Volver a la playa. La banda sonora ofreció un dúo entre Dale y Stevie Ray Vaughan en los Chantays' surf básicos "Pipeline", el cual fue nominado para un Grammy al Mejor Instrumental Rock. En 1991, Dale hizo un invitado al contado en un álbum de la sede en San Francisco Psychefunkapus, y el éxito de concierto del Área de la Bahía se le firmados con Hightone Records. El álbum tribales Trueno fue puesto en libertad en 1993, pero Dale la vuelta no llegó en su apogeo hasta que, en 1994, "Miserlou" fue elegido como el tema de apertura a Quentin Tarantino 's exitosa película Pulp Fiction. "Miserlou" se convirtió en sinónimo de Pulp Fiction de la ultra-cadera sentido del estilo, y pronto se licencia en innumerables comerciales (al igual que varios otros Dale pistas). Como resultado de ello, Tribal Thunder 1994 y su seguimiento Territorio Desconocido atraído mucha atención, ganando los comentarios positivos y sorprendentemente fuerte de ventas. En 1996, apoyó el álbum Beggars Banquet Llamada de bebidas espirituosas de unirse a la normalmente punk-ska y orientada hacia el Warped Tour. Agregando a su mujer y los jóvenes que juegan al tambor hijo a su banda, Dale reorientado a viajar en los próximos años. Por último, volvió con un nuevo CD en 2001, Desorientación espacial, publicado en el pequeño Sin-Drome etiqueta.

George "Buddy" Guy (30 de julio, 1936) es un guitarrista y cantante de blues estadounidense. Es conocido por ser un innovador de la guitarra, dentro del Blues de Chicago y es una de las mayores influencias para muchos guitarristas, como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, por nombrar a algunos. Ganó cinco veces un Premio Grammy.
Guy aprendió guitarra utilizando un diddley bow que el mismo construyó. A medida que iba aprendiendo a tocar, un familiar le regaló una guitarra acústica, que ahora forma parte de la exposición de la Rock and Roll Hall of Fame.
A principios de la década de 1950, empezó tocando en bandas de la zona de Baton Rouge, Louisiana. En 1957 se mudó a Chicago a probar suerte. Muddy Waters lo vió tocar y lo tuvo como colaborador part-time. En 1958, en una competencia de jóvenes promesas organizada por los guitarristas del West-Side, Magic Sam y Otis Rush, Guy fue ganador del certámen, haciendose acreedor a un contrato de grabación.
Buddy tiene la increíble capacidad de ir de un espectro a otro. Puede tocar con el silencio más silencioso que jamás hayas oido ¡y también puede tocar de la forma más ruidosa que jamás hayas oido!. Yo acostumbro tocar fuerte, la mayoría de las veces, pero los tonos de Buddy son sencillamente increíbles... ¡el puede ponerle tanta emoción usando tan poco volumen!

Como un socio fundador de los Títeres legendarios, el guitarrista Ron Asheton siempre cambió la cara de rock and roll, sus figuras rítmicas crudas, primordiales que presagian la subida de punk antes de una década. Nacido el 17 de julio de 1948 en Washington, C.C., él primero emergió en el adolescente atan las Vergüenzas Sucias antes de la conexión del Iggy Títeres Conducidos por pequeños explosión en 1967; Ana Arbor, MI-based el grupo hizo su estreno vivo sobre el Halloween de aquel año, ganando la notoriedad inmediata para su presencia terriblemente intensa viva y abrasador, el sonido.
Aunque celebrado en ciertos círculos subterráneos, la cinta - también la comprensión del hermano de tambor de Asheton Scott y bajista Dave Alexander - de otra manera casi mundialmente fueron insultados, pero de todos modos ellos fueron firmados por Elektra para registrar su estreno de 1969 autotitulado LP; el álbum vendido mal, como hizo sus sucesores (la Casa de Diversión de los años 1970 y el Poder Crudo del 1973), pero el impacto a largo plazo de los Títeres eran incalculables - en efecto, su agresivos, el acercamiento " no toma a ningunos prisioneros " puso el trabajo preliminar para la aparición de punk.
Después de que los Títeres se desintegraron tras el fracaso comercial del Poder Crudo, los hermanos Asheton formaron la Nueva Orden(Pedido) efímera, publicando(emitiendo) LP autotitulado sobre RCA en 1978; Ron después emergió en el equipo de culto de Detroit célebre Destruyen Todos los Monstruos, que eran brevemente los queridos de la música británica siguen la fuerza de individuales(solteros) de era de punk como "Aburrido" " y Encuentra la Camilla. "
En 1981, él unió la ex-radio Birdman miembros Deniz Tek y Robar Más jóven en su supergrupo subterráneo la Nueva Raza(Carrera), la grabación LP vivo el Primero y el Último; tranquilo para la mejor parte de la década que siguió, Asheton devuelto al deber(impuesto) activo musical durante mediados de los años 1990, grabación Delgada(Fina), Delgada y Ninguno con el Conjunto vacío también combinando con el muchacho Destruye Todo el alumbre de Monstruos Niágara para liberar el Último Gran Paseo bajo el nombre el Carnaval Oscuro. Él también combinó del Brazo de Señal de Mudhoney, Miguel Watt y la Juventud Acústica Thurston Moore y Steve Shelley en el proyecto único el Wilde Rattz, la grabación un puñado de pistas para el Terciopelo de drama de película de rock era glam del 1998 la Mina de oro.

Stephen stills nació el 3 de enero de 1945 en Dallas, Texas. Hijo de un militar que llevó a su familia a vivir en algunos países latinoamericanos, donde conoció y se aficionó por los ritmos latinos, que desarrollaría en Buffalo Springfield y en solitario, colaboró con el acordeonista Flaco Jiménez de los Texas Tornados en una versión de "Change partners". Conoció a Furay en los "Au Go Go Singers", con los que en 1964 graban "They call us Au Go Go Singers". Abandona el grupo y viaja a Los Angeles para presentarse al casting de los Monkees y no es seleccionado, pero sí lo es su amigo Peter Tork, por lo que Stills colaborará en ocasiones con ellos. Después de la separación de Buffalo Springfield, graba un disco con Al Kooper y Mike Bloomfield (Supersession), antes de formar Crosby, Stills y Nash. Aunque sigue su carrera en solitario con discos como "Stephen Stills"(1970), "Stephen Stills"(1971), "Stills"(1975), "Illegal Stills"(1976), etc. Forma el grupo Manassas, con Chris Hillman (de los Byrds), Al Perkins, Joe Lala, y otros músicos. Graban dos L.P.s, "Manassas" (1972) y "Down the road" (1973). Durante los años 80 y 90, su carrera se va diluyendo, al margen de las reuniones con Crosby, Nash y Young, que se repiten periódicamente.

Mark Knopfler nació en Glasgow, se mudó con su familia a Newcastle a mediados de los 50. Aprendió a tocar la guitarra cuando era un adolescente. En 1966, con tan sólo 16 años, debutó en televisión cantando la canción "Chilly Winds" con Sue Hercombe. Incluso llegó a grabar una maqueta llamada "Summer's Coming Our Way" (que no se conserva). Tras completar su educación de literatura inglesa, se trasladó a Leeds a comienzo de los 70. Trabajaba para los periódicos Yorkshire Evening Post y el Loughton College. En esta época es cuando conoció a Steve Phillips con el que entabló amistad y grabó varias canciones de country que no verían la luz hasta 1996 cuando Steve Phillips publicara el álbum Just Pickin' con una serie de canciones grabadas entre finales de los 60 y mediados de los 70 con distintos músicos. Steve y Mark volverían a encontrarse en sus carreras musicales con la formación del grupo Notting Hillbillies.
Mark se trasladó a Londres con su hermano, David Knopfler. Mark pasó a formar parte de un grupo llamado Brewer's Droop que había publicado ya un álbum Opening Time. En 1973, grabaron su segundo álbum, Booze Brothers, producido por Dave Edmunds de Rockpile. Sin embargo, por diversos problemas, el álbum no fue publicado hasta 1989. Durante la grabación, Mark conoció al batería del grupo, Pick Whiters.
Una vez disuelto el grupo "Brewer's Droop", Mark volvió a la rutina viviendo con su hermano. En 1977, durante una fiesta, Mark conoció a John Illsley, que tocaba el bajo. Fue entonces cuando decidieron formar un grupo: Mark, su hermano David, John y el antiguo batería de "Brewer's Broop", Pick Withers. En un comienzo, el nombre de la banda fue "Cafe Racers". Interpretaban su repertorio (principalmente compuesto por Mark, aunque con canciones de David y versiones de otros músicos) en los pubs de Londres, como otras muchas bandas británicas del momento (lo que acabó conociéndose como Pub rock). Finalmente, fue Pick el que propuso cambiar el nombre a Dire Straits (que en inglés viene a significar "malos momentos") debido a la penosa situación económica que vivían en aquellos días.
En 1978, consiguen publicar su primer álbum, titulado simplemente Dire Straits. Generó el éxito Sultans of Swing. Tras ese álbum, continuaron publicando discos a medida que el personal de la banda iba cambiando. David y Mark se enfrentaron por el protagonismo que tenía este último dento de la banda. Durante los 80, la banda evolucionó musicalmente hacia una mayor complejidad mientas que se convertía en un conjunto de músicos más variado y más grande. En 1985, tan sólo John y Mark continuaban en la banda. Fue entonces cuando publicaron Brothers In Arms, un éxito sin precedentes que les lanzó definitivamente. Artistas de la talla de Sting y Eric Clapton colaboraron con la banda en ésta época.
Tras una etapa de silencio a finales de los 80, Dire Straits volvió comienzos de los 90 con el que sería su último álbum, con una clara influencia country. No consiguió las mismas ventas que "Brothers in Arms" y tuvo críticas polarizadas. Finalmente, en 1995 la banda se disolvió.
Knopfler se había ganado una cierta reputación como músico de estudio. En 1979 Bob Dylan le llamó para las sesiones de Slow Train Coming, que incluye la conocida "Man Gave Names To All The Animals". Dylan había escuchado el single de "Sultans of Swing" y le había contactado el 29 de marzo tras un concierto en Los Ángeles. Para la grabación en Alabama, Knopfler recomendó a Pick Withers, baterista de Dire Straits.
En 1983, mientras tocaba con Dire Straits, Knopfler compuso la primera de una larga serie de bandas sonoras, "Local Hero", en la que colaboraron la mayoría de sus compañeros. A Guy Fletcher, teclista que se incorporó a la formación poco después, lo conocieron en 1984, durante la grabación de una de estas bandas sonoras. Fletcher seguiría colaborando con Knopfler en su carrera en solitario y en otras bandas sonoras como la de Last Exit To Brooklyn (1989): su trabajo más ambicioso como compositor. El estilo de Knopfler en sus bandas sonoras se acerca en general al sonido llamado celta ("Local Hero", "Cal", "A Shot At Glory") aunque también se pueden encontrar ejemplos de otros estilos como el country ("La Cortina de Humo"). En 1993, se publicó Screenplaying; una recopilación de los mejores temas de algunas de sus bandas sonoras.
En la etapa de silencio de Dire Straits a finales de los 80, Mark se encontraba saturado del esfuerzo que había supuesto la gira mundial del álbum "Brothers in Arms". Además, el estilo musical de la banda, le impedía publicar canciones más personales de estilos más minoritarios como el country o el blues. Por ello, en esos años en los que Dire Straits no publicaba nada, Mark aprovechó para publicar un disco con el guitarrista de country Chet Atkins en 1990 (más adelante, en el año 2006, volvería a publicar un álbum de country en colaboración con otro músico, la cantante Emmylou Harris). En 1988 vuelve a colaborar con Bob Dylan en Down in the Groove, en el que coincide con otros grandes, como Clapton. Con Steve Phillips, Brendan Crocker y Guy Fletcher agrupó la banda Notting Hillbillies, que publicó un sólo álbum de estudio, aunque se han reúnido con frecuencia para hacer giras a lo largo de los 1990.
A mediados de los 90, Mark se sentía cada vez menos libre como músico dentro de Dire Straits. Este sentimiento junto con el hecho de que el último álbum de la banda había tenido un recibimiento tibio, hicieron que Mark decidiera lanzar una carrera en solitario plena tras la disolución de Dire Straits. En 1996, Golden heart vio la luz. En él, encontramos una serie de canciones que continúan el estilo de los últimos álbums de Dire Straits; pero al mismo tiempo encontramos otras canciones impensables en un álbum de pop-rock al uso como Dire Straits solía publicar. En este álbum comenzó a tocar con una serie de colaboradores que serían denominados por el propio Knopfler como "The 96ers" (que viene a significar algo así como "los del 96") y con los que seguiría colaborando en adelante. Digno de mención es la colaboración de los intérpretes de música celta del grupo The Chieftains.
Alejándose progresivamente del estilo que había seguido en los 80, Knopfler publicó Sailing to Philadelphia en el año 2000; con un estilo principalmente de blues. En él colaboraban músicos como Van Morrison, James Taylor o el dúo de Squeeze. Más tarde, llegó The Ragpicker's Dream en 2002 con un estilo folk.
En 2003, Mark Knopfler sufrió un accidente de moto en Londres que le obligó a cancelar su gira mundial. A finales de 2004, publicó el álbum Shangri-La, grabado en el estudio Shangri-La en Malibu; donde grabaron grupos como The Band.
En 2006, Mark Knopfler junto a Emmylou Harris publican el álbum "All the Roadrunning",en el que se recogía colaboraciones entre los dos músicos entre los años 2000 y 2006. El lanzamiento vino acompañado por conciertos en Europa y America durante el año 2006; que dieron lugar al álbum en directo y DVD "Real Live Roadrunning".
El 10 de septiembre de 2007, salió el que hasta la fecha es el último álbum de Mark Knopfler,"Kill to get crimson", en el cual se cuentan las colaboraciones del ex-Dire Straits, Chris White en el saxo tenor, Guy Fletcher en los teclados y Danny Cummings en la percusión. Para este nuevo álbum, Knopfler rompió con la que venía siendo formación habitual de su banda desde mediados de los 80 (dos guitarristas, dos teclados, un bajo y una batería) para pasar a una banda mucho más pequeña (una guitarra, un teclado, un bajo y una batería). Con ello, buscaba alcanzar el estilo musical de las canciones de los años 60.
Mark Knopfler tiene dos hijos gemelos (Benji y Joseph, de su segundo matrimonio), y dos hijas, Isabella y Katya Ruby Rose (del actual); tiene un título en literatura inglesa de la universidad de Leeds, la universidad de Newcastle le ha concedido un título honorífico en música

Tom Morello creció en Libertyville, IL. El nombre de su madre es Mary Morello, quien es la fundadora de "Parents for Rock & Rap" , es una organización contra la censura. Su padre fue un militar que estuvo en la batalla de Mau-Mau que liberaba a Kenya de órdenes británicas. Su educación política, dice él: "empezó el primer minuto que tuve piel café y entré a un jardín de infancia interracial".
Fue a una guardería en Libertyville donde una niña blanca le decía constantemente "negrata" y otras frases racistas, y aunque él no sabía que quería decir, cuando se lo contó a su madre, ella le enseñó información sobre Malcolm X, y habló con él. Al día siguiente, la niña le dijo las mismas cosas de nuevo, y el le contestó: "¡Cállate blanquita!" y le pegó un puñetazo en la cara.[1]
Vivió en Libertyville casi toda su vida y estaba en el club de teatro del colegio y se interesaba en las políticas marxistas. También resulta ser un fanático de la ciencia-ficción, debido a numerosas referencias que han salido durante los años, como el título del disco de "Lock Up", que fue basado en la novela de Ray Bradbury "Something wicked this way comes"; siendo más joven estuvo en un grupo llamado "Electric Sheep", este nombre fue tomado del título de la novela de Phillip K. Dick "¿Sueñan los androides con ovejas electricas?", que luego fue llevada al cine como "Blade Runner". Finalmente, "Radio Free L.A." fue una adaptación del título de otra novela del señor Dick "Radio Free Albermuth". Dick fue un escritor que usualmente expresaba desilusión y establecía el orden del Universo.
Su primera experiencia con la guitarra, la tuvo cuando oyó una canción de KISS que quería tocar. Le pagó 5 dólares a una persona para que le enseñara, pero desafortunadamente, lo primero que le enseñó fue como afinar la guitarra. Tom volvió la siguiente semana, pagó otros 5 dólares, y le enseñaron la nota "Do". Eso fue todo para él, no volvió a tocar guitarra en varios años. Después oyó una canción de los "Sex Pistols", y también pensó que podría demostrar sus sentimientos e ideas políticas por medio de la guitarra, así que aprendió a tocar. Formó una banda llamada "Electric Sheep" con su compañero de colegio Adam Jones de Tool. Estudió en la Universidad de Harvard, donde se graduó en Historia. Aquí es cuando comenzó a practicar obsesionadamente, casi 8 horas diarias con la guitarra. Después todos sus amigos de Harvard terminaron siendo doctores, abogados, etc, Tom se fue para Los Ángeles, porque supuestamente ahí era donde tenía que ir uno para formar una banda de rock.
Llegó sin nada, excepto con un estuchito de aluminio de Harvard para guardar números de teléfonos. Empezó su carrera rockera, tocó en muchas bandas pero ninguna tuvo éxito. Empezó a dar clases de guitarra para poder vivir, hasta que consiguió trabajo como el secretario del senador de California. Fue despedido cuando una mujer llamó quejándose de que unos negros se estaban mudando en su vecindario, y él le dijo a la mujer que tal vez el problema no eran ellos, sino el hecho de que ella era una racista. Luego formó un grupo llamado "Lock Up", donde él hacía los coros.
Conoció a Zack de la Rocha, y formó Rage Against The Machine, en donde destacó por sus iracundas letras y filosofía anti-sistema.
Tras 9 años con el grupo, (1991-2000) Zack deja el grupo. El resto de la banda, con el ex vocalista de Soundgarden, Chris Cornell, forma el grupo Audioslave. Después de tocar en una banda sin fines políticos como Audioslave, en 2003 volvió al activismo político tocando música folk con el seudónimo de The Nightwatchman él al principio no tenía planes de grabar disco, pero después grabó la canción "No One Left" para "Songs and Artists that Inspired Fahrenheit 9/11". En febrero del 2007, anunció el lanzamiento de un álbum como solista, One Man Revolution, el cual fue lanzado el 24 abril en los Estados Unidos y el 7 de mayo para todo el mundo. Actualmente se espera una nueva reunión del grupo Rage Against The Machine o el lanzamiento de un nuevo disco por parte de los mismos, tras la inmediata disolución de Audioslave que se dio tras publicar su último disco, además de las actuaciones que tuvo la formación original de Rage Against The Machine con Zack de la Rocha como cantante recientemente.

El guitarrista Freddie King montó a caballo a la fama a principios de los años 60 con una crecida de los instrumentales pegadizos que se hicieron el forraje de quiosco de música inmediato para bluesmen de muchacho(colega) y conjuntos rock blancos igualmente. El empleo de un más poco exigente (mancha y picos de dedo) el acercamiento al B.B. El estilo de cuerda sola de rey de juego, Rey disfrutó del éxito sobre una variedad de etiquetas diferentes de registro. Además, él era uno de primer bluesmen para emplear un grupo racialmente integrado teatral detrás de él. Bajo la inflluencia de Eddie Taylor, Jimmy Rogers, y Robert junior. Lockwood, el Rey continuó a influir el gusta de Eric Clapton, Mick Taylor, Stevie Ray Vaughan, y Lonnie Mack, entre muchos otros.
Freddie King (quien al principio fue facturado como "Freddy" temprano en su carrera) fue nacido y levantó en Gilmer, TX, donde él aprendió como jugar la guitarra como un niño; su madre y tío lo enseñaron el instrumento. Al principio, el Rey jugó el blues rural acústico, en la vena de Lightin ' Hopkins. En el tiempo él era un adolescente, él había crecido para gustar los sonidos ásperos, electrificados de blues de Chicago. En 1950, cuando él tenía 16 años, su familia movida a Chicago, donde él comenzó a frecuentar clubs de blues locales, escuchando a músicos como Aguas Fangosas, Jimmy Rogers, Robert junior. Lockwood, Pequeño Walter, y Eddie Taylor. Pronto, el guitarrista jóven formó su propia cinta, Cada Muchachos de Blues de Hora, y se realizaba.Al mediados - los años 50, el Rey comenzaron a aprovecharse de sesiones para Parrott y Registros De ajedrez, así como jugar con los Gatos de Blues de Earlee Payton y la Pequeña Cinta de Tonelero Sonny. Freddie King no cortó su propio registro hasta 1957, cuando él registró " el Muchacho de País " para la pequeña etiqueta independiente la Abeja el-. El solo fracasado ganar mucha atención.
Tres años más tarde, el Rey firmó con Registros Federales, una filial de Registros de Rey, y registró su primero solo para la etiqueta, " Usted tiene que Amarla con un Sentimiento, " en agosto de 1960. El solo aparecido el mes siguiente y se hizo un golpe menor, raspando el inferior de la pequeña explosión traza a principios de 1961. " Usted tiene que Amarla con el Sentimiento " fue seguido " del Puesto Lejos, " la canción que se haría la melodía de firma de Freddie King y la grabación más influyente. " El puesto Lejos " fue adaptado por el Rey y la Magia Sam de un Perro de Sabueso el instrumental de Taylor y nombrado una de las barras más populares en Chicago. El solo fue liberado como el Lado de b " de Amo a la Mujer " (sus individuales(solteros) figuraron un vocal Aparte y un Lado de b instrumental) en la caída 1961 y esto se hizo un golpe principal, alcanzando número cinco sobre el RB traza y número 29 sobre la pequeña explosión traza. A lo largo de los años 60, " el Puesto Lejos " era uno del blues de canciones necesario y cintas de barra de seguridad de roca a través de América y Inglaterra tuvo que jugar durante sus falúas.El primer álbum del rey, Freddy King Canta, apareció en 1961, y fue seguido más tarde ese año por Van a Ocultarse Lejos y el Baile Lejos con Freddy King: Estrictamente Instrumental. A lo largo de 1961, él resultó una serie de instrumentales - incluyendo "San-Ho-Zay", " el Tropezón, " " y soy Derribó " - que se hizo clásicos de blues; cada uno de la Magia Sam y Stevie Ray Vaughan a Dave Edmunds y Peter Green cubrió el material del Rey. " El blues de Silbido Solitario, " " San-Ho-Zay, " " y soy Derribó " todos se hicieron Diez primeros RB golpes ese año.
Freddie King siguió registrando para Registros de Rey hasta 1968, con un segundo álbum instrumental (Freddy King Le da una Bonanza de Instrumentales) apareciendo en 1965, aunque ninguno de sus individuales(solteros) se hiciera golpes. Sin embargo, su influencia fue oída en todas partes del blues y guitarristas de roca a lo largo de los años 60 - Eric Clapton hecho " el Puesto Lejos " su número de escaparate en 1965. El rey firmó con Atlántico/Cotillón a finales de 1968, liberación Freddie King Es los Maestros de Blues el año siguiente y Mi Compadecencia al Blues en 1970; ambas colecciones fueron producidas por el Rey Curtis. Después de su liberación, Freddie King y Atlántico/Cotillón separaron caminos.El rey aterrizó un nuevo contrato de registro con el Refugio de León Russell Registra a principios de 1970. El rey registró tres álbumes para el Refugio a principios de los años 70, todo lo cual se vendió bien. Además de ventas respetables, sus conciertos eran también bastante populares entre tanto con el público de roca como con el blues. En 1974, él firmó un contrato con Registros de RSO - que era también la etiqueta de registro de Eric Clapton - y él liberó al Ladrón, que fue producido y registrado con Clapton. Después de la liberación de Ladrón, Rey viajó América, Europa, y Australia. En 1975, él liberó su segundo RSO el álbum, Más grande Que la Vida.
A lo largo de 1976, Freddie King viajó América, aun cuando su salud comenzara a disminuir. El 29 de diciembre de 1976, el Rey murió de paro cardíaco. Aunque su ida fuera prematura - él tenía sólo 42 años - la influencia de Freddie King todavía podría ser oída en el blues y décadas de guitarristas de roca después de su muerte

David Evans nació en Barking, Inglaterra, hijo de Garvin y Gwenda Evans, ambos de origen galés. Cuando tenía sólo un año, su familia se mudó a Dublín, Irlanda, donde tiempo después estudiaría en el St. Andrew's National School.[1]
Siendo conocido por no relacionarse mucho con sus compañeros de secundaria, tomó clases de piano y guitarra. A menudo tocaba con su hermano Dick Evans, antes de responder a un anuncio colocado por Larry Mullen Jr. buscando músicos para formar una banda de rock, que en un primer momento se nombró Feedback y luego The Hype. Su hermano Dick dejó el grupo para irse con los Virgin Prunes.[1]

Warren Haynes nació el 6 de abril de 1960 en Asheville, Carolina del Norte, EEUU. Es un guitarrista americano de rock y blues, vocalista y compositor y, por mucho tiempo, miembro de The Allman Brothers Band. Haynes también fundó y gestionó Evil Teen Records.
Además Haynes ha sido el cantante principal, guitarrista y compositor de la banda Gov't Mule, que fundó con su compañero en la Allman Allen Woody, con el batería de la que fue Dickey Betts Band, Matt Abts del mismo grupo. Además de tocar con la Allman Brothers y con Gov't Mule, Haynes ha grabado y realizado numerosas giras con antiguos miembros de Grateful Dead, ello sin abandonar una carrera en solitario. En 2004, fue incluido en el número 23 de la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos, publicada por la revista Rolling Stone, junto con sus compañeros en la Allman Brothers Band Duane Allman, Dickey Betts, y Derek Trucks

Highway 61, en español Autopista 61, también llamada "Blues Highway", se extiende desde Nueva Orleans, Louisiana, hasta Memphis, Tennessee, así como desde Iowa hasta la frontera con Canadá, pasando por Duluth, Minnesota, lugar de nacimiento de Bob Dylan. Es frecuente su referencia en canciones de blues, notablemente en "61 Highway", de Mississippi Fred McDowell. Por su parte, Robert Johnson se ha referido al cruce entre la Autopista 61 y la 49 como el lugar en el que vendió su alma al diablo. Elvis Presley creció en un barrio construido en las cercanías del lugar, mientras Martin Luther King, Jr. sería asesinado en un motel tras abandonar la Autopista 61.
"Muchas personas importantes en la cultura americana cruzaron esa autopista y ese río", comentaría Robert Shelton a la BBC. "Y en su juventud Dylan cruzó esa carretera. La autopista 61 es, creo, un símbolo de libertad, un símbolo de movimiento, de independencia y una oportunidad para largarse de una vida que no quería en Minnesota."
Mientras "Like a Rolling Stone" fue completado a mediados de junio de 1965, el resto del álbum sería grabado con un productor diferente, Bob Johnston, durante cuatro días de sesiones de grabación que tuvieron lugar tras la aparición de Dylan en el Newport Folk Festival de 1965. Las sesiones producirían, asimismo, el siguiente single de Dylan, "Positively 4th Street", no incluido en el álbum.
Antes de que Dylan grabara las canciones e incluso antes de componerlas, realizó una histórica aparición en el Newport Folk Festival, tocando dos sets. El primero de ellos fue un set acústico interpretado en la tienda de un compositor el sábado por la tarde.[2]
En el segundo set, Dylan se acompañó de una banda de blues eléctrica, con una mezcla de aplausos y abucheos por parte del público. Dylan abandonaría el escenario tras interpretar tres canciones. Los abucheos procedían en su totalidad de seguidores de la música tradicional folk que criticaron a Dylan en el mismo momento en que se colgó la guitarra eléctrica. Otras fuentes señalan que las quejas se produjeron básicamente por el pobre sonido y por el corto set.[2] Aún así, Dylan volvería a aparecer en el escenario para cantar dos canciones mejor recibidas que las anteriores, "It's All Over Now, Baby Blue" y "Mr. Tambourine Man".
Tras la crítica suscitada por el set eléctrico, el nuevo estilo de Dylan provocaría fuertes debates en torno a la música folk.[3] Según Andy Gill, "los viejos folkies estaban demasiado ocupados cantando "The Times They Are a-Chaging'" como para enterarse de que los tiempos en realidad habían cambiado."[1]
Entre 1964 y 1965, Dylan escribiría Tarantula, una novela que no sería publicada hasta 1971. Al menos, un extracto del libro serviría como fuente para componer una canción. Tal y como Dylan reconoció en 1966: "Me encontré a mí mismo escribiendo esta canción, esta historia, esta larga pieza de vómito de unas veinte páginas, y después tomé "Like A Rolling Stone"... Después de escribirla, no estaba interesado en escribir una novela."
El manuscrito original de veinte páginas ha sido descrito por su biógrafo Clinto Heylin como "una masa deforme de palabras cuya dirección es incierta." Después de ser reescrita en diez páginas, "no se llamaba de ninguna manera", recalcó Dylan, "sólo una cosa rítmica en papel, dirigido en alguna dirección que era honesta."
Cuando Dylan recuperó las fuerzas para grabar un nuevo álbum, él y Tom Wilson juntaron a cierto número de músicos para conformar una banda. Para la guitarra principal, Dylan reclutaría a un viejo conocido, Mike Bloomfield. En 1965, era guitarrista principal en la banda de blues de Paul Butterfield, valorada por los críticos dentro del género del blues. Dylan contactaría con Bloomfield y le invitaría a Woodstock, Nueva York. "Por entonces no tenía una funda para guardar la guitarra", reconocería Bloomfield, "sólo mi Fender Telecaster. Y Bob me llamó y me citó en la casa donde vivía... me dio esas canciones, "Like A Rolling Stone", y todos esos temas de Highway 61 Revisited, y me dijo: "No quiero que toques ese plomo estilo B.B. King, nada de estereotipos del blues, quiero que toques cualquier otra cosa." De modo que tonteamos y finalmente toqué lo que quería."
Días después, el 15 de junio de 1965, Dylan organizaría una sesión de grabación en el estudio A de Columbia en Nueva York. De forma adicional, Dylan y Wilson reclutaron al pianista Frank Owens, al bajista Russ Savakus y al batería Bobby Gregg. También presente estuvo Al Kooper, un joven músico invitado por Wilson para observar.
Dylan y su banda grabaron tres canciones: una nueva composición titulada "Phantom Engineer" (posteriormente regrabada y publicada con el nombre de "It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry"), "Sitting on a Barbed Wire Fence" y "Like a Rolling Stone". Se desempeñaron varios intentos de grabar "Phantom Engineer" y "Sitting on a Barbed Wire Fence" antes de que Dylan centrara su atención en "Like a Rolling Stone".
Tras falsos comienzos, Dylan decidió usar un piano y un órgano en "Like a Rolling Stone". Kooper se ofrecería voluntario para tocar el órgano, y si bien Wilson dejó claro que Kooper no tenía experiencia en tocar el instrumento, al final le permitió participar en la grabación. Kooper se mostró tan incierto que tocó por debajo del ritmo para escuchar primero los cambios en éste. Tras grabar una toma completa, "se trasladaron a la cabina para oirlo de nuevo", diría Kooper. Durante la escucha, y tras ser de su agrado el resultado, Dylan preguntaría a Wilson si podían subir el sonido del órgano en la mezcla.
Todo lo grabado el 15 de junio fue finalmente rechazado, aunque preparó el escenario para las siguientes sesiones. Dylan y su banda volverían al estudio A el siguiente día. De forma virtual, la sesión al completo estuvo dedicada a "Like a Rolling Stone", con Kooper tocando de nuevo el órgano. La cuarta toma fue finalmente seleccionada como toma maestra, si bien Dylan y la banda volverían a grabar once tomas nuevas antes de escuchar los resultados de la grabación en la cabina del estudio.
Si bien "Like a Rolling Stone" podía ser seleccionada como single, Dylan decidió al final incluirla en su próximo trabajo. Debido a la escasez de nuevo material, Dylan pasaría un mes en su nueva casa de Byrdcliffe, cerca de Nueva York, escribiendo nuevas canciones.
Cuatro días después del Newport Folk Festival, el 29 de julio de 1965, Dylan volvería al estudio A para reanudar el trabajo de su siguiente álbum. Apoyado por la misma banda que participó en las anteriores sesiones (el pianista Paul Griffin sería recluido para el resto de las grabaciones), Dylan encontraría un problema al desligarse el productor Tom Wilson del trabajo en el álbum. De forma inmediata, fue reemplazado por el productor de Columbia Bob Johnston. Al llegar a las grabaciones de Highway 61 Revisited, Johnston traería un nuevo ingeniero, Mike Figlio, quien previamente había trabajado en el tema "I Left My Heart in San Francisco", de Tony Bennett.
La primera sesión fue dedicada a tres canciones. Tras experimentar con distintos acordes y tempos, se produjeron tomas maestras de "Tombstone Blues", "It Takes a Lot To Laugh, It Takes a Lot To Cry" y "Positively 4th Street". "Tombstone Blues" e "It Takes a Lot To Laugh, It Takes a Lot To Cry" serían incluidas en el álbum, mientras "Positively 4th Street" fue editado de forma exclusiva como single.
Al día siguiente, Dylan y su banda volverían al estudio A para grabar otras tres canciones. Se produjo una toma maestra de "From a Buick 6", finalmente incluida en el álbum, aunque la mayor parte de la sesión de grabación fue dedicada a "Can You Please Crawl Out Your Window?". Dylan se mostró insatisfecho con los resultados, y descartaría la canción para otro día; sería regrabada de forma eventual meses más tarde. Una toma alternativa procedente de las sesiones de Highway 61 Revisited sería publicada en single, llevando el título de "Positively 4th Street".[4] De forma adicional, una toma alternativa de "From a Buick 6", con una introducción de harmónica, fue publicada accidentalmente en algunas ediciones en estéreo del álbum.
Durante los dos siguientes días, Dylan pasaría cierto tiempo escribiendo las seis canciones restantes que conformarían el álbum, en cuya grabación el bajista Russ Savakus sería reemplazado por Harvey Brooks. El 2 de agosto de 1965, se llevó a cabo una nueva sesión de grabación en el estudio A, con Sam Lay en la batería. "Highway 61"Revisited", "Just Like Tom Thumb's Blues", "Queen Jane Approximately" y "Ballad of a Thin Man" fueron grabadas de forma satisfactoria, siendo seleccionadas tomas maestras para el álbum.
El 4 de agosto de 1965 se desarrolló la última sesión de grabación, nuevamente en el estudio A. Gran parte de la sesión fue dedicada a "Desolation Row", finalmente grabada con dos guitarras. Según Kooper y Johnston, el guitarrista Charlie McCoy se desplazó hasta Nueva York para acompañar a Dylan en el tema. Se grabaron siete tomas, con la seis y la siete fusionadas en una única toma maestra finalmente incluida en el álbum. Una toma de "Tombstone Blues" fue también grabada, pero no reemplazaría a la toma maestra grabada en la sesión anterior.
Positively 4th Street" fue grabada durante las sesiones de Highway 61 Revisited, pero finalmente no fue incluida en el álbum. La canción sería seleccionada como el single sucesor de "Like a Rolling Stone", entrando en los diez primeros puestos de las listas a ambos lados del Atlántico.
"Can You Please Crawl Out Your Window?" fue finalmente grabada en noviembre con una banda diferente, the Hawks (posteriormente renombrados como The Band). Una de las tomas grabadas durante las sesiones de Highway 61 Revisited sería accidentalmente editada, aunque al poco tiempo sería eliminada.
"Sitting on a Barbed-Wire Fence", tema grabado en las sesiones del álbum Bringing It All Back Home, fue de nuevo intentada para Highway 61 Revisited, aunque finalmente omitida. La toma maestra grabada durante las últimas sesiones vería la luz en The Bootleg Series Volumes 1-3 (Rare & Unreleased) 1961-1991.
Otra canción descartada del álbum fue "Lunatic Princess Revisited (Why Should You Have to Be so Frantic?)".
Las siguientes canciones, omitidas de Highway 61 Revisited, fueron grabadas durante dichas sesiones y publicadas en The Bootleg Series Vol. 7: No Direction Home: The Soundtrack:

"It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry" – 3:33
Toma alternativa grabada el 15 de junio de 1965
"Tombstone Blues" – 3:34
Toma alternativa grabada el 29 de junio de 1965
"Just Like Tom Thumb's Blues" – 5:42
Toma alternativa grabada el 2 de agosto de 1965
"Desolation Row" – 11:44
Toma alternativa grabada el 29 de junio de 1965
"Highway 61 Revisited" – 3:38
Toma alternativa grabada el 2 de agosto de 1965

Años después de su publicación, Dave Marsh escribió que Highway 61 Revisited era "uno de los mejores álbumes de Dylan, y uno de los mayores logros en la historia del rock'n'roll". Encuestas desarrolladas en años recientes demuestran que el álbum sigue fijo en lo alto del panteón del rock. En 1995, Highway 61 Revisited fue nombrado el quinto mejor álbum de todos los tiempos en una encuesta producida por la revista Mojo. En 1998, los lectores de la revista Q emplazaron a Highway 61 Revisited en el puesto #57 de los mejores álbumes. En 2001, la cadena de televisión VH1 emplazó el álbum en el número 22. En 2003, la revista musical Rolling Stone colocaría a Highway 61 Revisited en el puesto #4, mientras los temas "Like A Rolling Stone", "Desolation Row" y "Highway 61 Revisited" se alzarían hasta los puestos #1, #185 y #364 respectivamente en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
Reconocido como una influencia masiva en los contemporáneos de Dylan, su publicación coincidió con los éxitos comerciales de singles como "Like a Rolling Stone" y "Positively 4th Street", brindándole una nueva audiencia.